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Olivier Mégaton est réalisateur. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son parcours sans détour : comment on passe des murs du métro parisien aux plateaux hollywoodiens, ce qu'il a appris sur Hitman qui lui a servi sur tous ses films suivants, pourquoi le cinéma français l'a toujours ostracisé, et comment il a construit sa méthode de tournage sur le tas. Un épisode indispensable pour tout cinéphile, réalisateur ou auteur qui veut comprendre comment on construit une carrière internationale sans école et sans réseau.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

03:51 Le Paris punk des années 80 — graffiti, squats et concerts

07:52 La découverte de la peinture à la bombe avec Futura et les Clash

10:00 Un parcours atypique — ni New York, ni la culture américaine

13:45 Premier scénario écrit à la machine à écrire rose trouvée à la poubelle

16:18 Dépôt au CNC et premier court métrage Noé

20:00 Le tournage clandestin dans le métro parisien

23:30 18 courts métrages, des prix et la naissance d'une méthode

28:18 Les clips — Assassin, FAB — et l'écriture visuelle

33:38 La longue bataille pour financer La Sirène Rouge

37:18 L'année noire 1997 et les financements qui s'effondrent

43:00 Exit — un premier long métrage en 4 semaines avec presque rien

48:50 La rencontre électrique avec Luc Besson

55:00 La Sirène Rouge et le déclencheur hollywoodien

01:03:28 Le Transporteur 3 — Jason Statham et la construction d'une matrice

01:07:00 Ce que Hitman lui a appris sur la préservation du plateau

01:11:12 Ostracisé par le cinéma français — jamais invité aux Césars

01:13:47 80 scripts écrits, 400 clips — il n'a jamais arrêté d'écrire

01:16:35 L'écriture qui fait évoluer la mise en scène

01:18:49 John Wick — on lui avait proposé le 1

01:20:46 Questions flash — Twin Peaks, Apocalypse Now, Bugonia

#OlivierMégaton #Taken2 #Colombiana #Transporteur3 #PodcastSéquence #CinémaFrançais #Réalisation #Hollywood #Graffiti #Scénario

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Olivier Demangel est scénariste et coscénariste de Tapie, Novembre, Moulin, Tirailleur, Atlantique, Kaboule et Chien 51. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son métier sans détour : comment il construit ses recherches, pourquoi il écrit sans réalisateur, ce que ça coûte vraiment d'être scénariste en France, et comment Tapie a failli ne jamais exister. Un épisode indispensable pour tout auteur, scénariste ou cinéphile qui veut comprendre comment les plus grands films français se font — ou pas.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:34 Présentation d'Olivier Demangel

05:08 De l'ENS et l'agrégation à la Fémis — le déclic

07:36 Les premiers pas — fiches de lecture, Albert Dupontel, les CNC

09:06 Atlantique et le Grand Prix de Cannes — le tournant

09:29 La coécriture — avec des scénaristes ou des réalisateurs ?

11:23 La place du scénariste face au réalisateur

15:16 Le tandem producteur-scénariste sans réalisateur

18:10 La méthode de recherche — lire 200 livres avant d'écrire

20:33 Moulin — écrire sur ce qu'on ne sait pas

23:00 Johnny — partager la mémoire du vrai personnage

24:30 Le biopic — où finit le réel, où commence la fiction

27:42 Tapie et la famille — les retours, les tensions

28:30 Écrire ni à charge ni à décharge

31:05 Refuser un sujet — et changer d'avis

33:23 Tirailleur — 6 ans pour trouver comment raconter

36:26 Lire les scénarios des autres — ce qui fait la différence

38:06 Roman vs scénario — deux arts sans point commun

39:28 La méthode de construction — le séquencier avant tout

43:36 Le casting change-t-il l'écriture ?

44:00 Écrire pour la salle vs écrire pour une plateforme

47:05 Les mutations du secteur impactent-elles l'écriture ?

49:27 Le ratio projets écrits / projets tournés

51:00 La place des avocats sur Tapie et Johnny

55:38 L'individu contre le système — une signature d'auteur

57:10 Novembre — pourquoi tout réécrire après un an

01:01:32 Le producteur face au pivot narratif

01:02:50 Auteur engagé ou regard impartial ?

01:05:37 Mercato — un échec qu'il n'a pas encore compris

01:09:41 Tapie arrêté par Canal, sauvé par Netflix

01:12:20 Le showrunner en France — mythe ou réalité ?

01:15:07 L'aventure américaine — une option ?

01:15:30 Cannes de l'intérieur — l'angoisse du scénariste

01:19:15 IA et avenir du métier

01:23:51 Questions flash — Le Parrain, Casino, The Crown

#OlivierDemangel #Tapie #Novembre #Moulin #Scénario #PodcastSéquence #FictionFrançaise #Scénariste #Audiovisuel #Développement

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L'équipe pitche cette fois Les Gardiens à Emmanuel Méledo, producteur passé par Mediawan. Dans cet épisode, il réagit sans détour au projet : ce qui fonctionne sur le personnage de Gautier, pourquoi la frontière entre les vivants et les morts mérite d'être creusée, comment la série pourrait s'inscrire dans une logique de codiffusion, et ce que révèle le dilemme moral de Rosen face à la pierre. Un épisode indispensable pour voir comment un producteur expérimenté affine un projet en temps réel.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard, avec Déborah Hadjedj-Jarmon & Joris Morio

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:31 Présentation d'Emmanuel Méledo

05:18 Le pitch de la série en 10 minutes

07:31 Rosen débarque en bateau — la situation de départ

11:18 La frontière entre les vivants et les morts

12:08 Des séries de référence évoquées par le producteur

13:53 Gautier, orphelin, et la perte de l'amour de sa vie

15:19 L'usine marémotrice et les enjeux financiers de l'île

18:33 Se débarrasser de Gautier — un twist possible

19:14 L'ancrage familial et l'identité bretonne du récit

22:05 Envisager une codiffusion pour le projet

24:34 Le druidisme — lien direct ou élément périphérique

27:14 Le souci principal identifié dans la série

30:03 Resserrer le développement autour des personnages

34:21 Jean, le père, et la question de la réussite de sa vie

36:43 Une comparaison avec une série de mafieux

38:22 Le conflit moral au cœur du dilemme de Rosen

40:08 Comprendre la règle implicite du pouvoir de la pierre

43:21 Les anciens dossiers médicaux et l'enquête épidémiologique

45:03 La politique de production d'Emmanuel Méledo

45:59 Ce qu'il trouve vraiment fort dans le projet

46:42 Des personnages moralement ambigus, sans perdre l'empathie

#SéquencePodcast #SagaDété #LesGardiens #EmmanuelMéledo #DéborahHadjedjJarmon #JorisMorio #FictionFrançaise #Pitch #Audiovisuel #Storytelling

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Pour cet épisode, l'équipe pitche en direct Les Gardiens, leur série imaginée tout au long de la saga d'été, à Victoire d'Aboville, productrice. Dans cet épisode, elle réagit sans détour au projet : ce qui fonctionne, ce qui doit encore être resserré, comment positionner la série entre thriller et fantastique, et pourquoi le rythme de narration doit aujourd'hui aller plus vite pour capter l'attention. Un épisode indispensable pour voir comment un vrai producteur reçoit un pitch et ce qui se joue dans les dix premières minutes d'un rendez-vous.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard, avec Déborah Hadjedj-Jarmon & Joris Morio

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:43 Présentation de Victoire d'Aboville

04:36 Plonger dans les premières scènes du pitch

09:06 Le mystère autour de Jean, le père de Rosen

14:20 Rosen, le personnage principal, et son ambition

16:28 Gautier, 27 ans, et son rapport à l'île

18:32 Le conflit moral au cœur de la série

22:04 Ce qui meurt sur l'île — l'enjeu sanitaire central

25:36 La référence Dolmen évoquée par la productrice

27:18 Les structures classiques qui ont fait leurs preuves

29:30 Resserrer le pitch pour les diffuseurs et plateformes

32:33 Thriller pur ou fantastique assumé — où positionner la série

35:43 Drama proche des gens vs univers plus éloigné

38:07 Le rythme d'accélération attendu aujourd'hui

42:02 Le fantastique qui rôde sans jamais être trop frontal

42:39 Le complotisme et les fake news comme miroir de société

44:46 Le pacte avec le diable — accepter l'énergie de la pierre

46:24 L'équilibre de la nature mis en danger par les travaux

#SéquencePodcast #SagaDété #LesGardiens #VictoireDAboville #DéborahHadjedjJarmon #JorisMorio #FictionFrançaise #Pitch #Audiovisuel #Storytelling

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Bernard Werber est romancier, auteur des Fourmis et d'une œuvre traduite dans le monde entier. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de sa méthode sans détour : pourquoi il a une formation de scénariste qu'il applique à ses romans, comment il gère les retours d'un correcteur qui l'insulte parfois sur son propre manuscrit, ce que l'intelligence artificielle change vraiment pour les auteurs aujourd'hui, et pourquoi il a écrit pour ne plus avoir peur de la mort. Un épisode indispensable pour tout romancier, scénariste ou auteur qui veut comprendre comment une œuvre immense se construit livre après livre.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

03:31 Présentation de Bernard Werber

04:49 Sa formation de scénariste appliquée au roman

06:25 Les premiers retours d'écriture, dès l'enfance

13:37 Aborder des sujets sombres — partouzes, viols, sectes

16:26 La documentation à l'ère de l'accès total à l'information

18:46 Un correcteur qui insulte parfois le texte

21:35 Sa routine d'écriture — sport et rituel matinal

24:01 Vivre en racontant des histoires

27:00 Comment il commence un roman, consciemment ou non

29:37 Cassandre et la malédiction de ne jamais être crue

34:04 Plaire au public ou suivre sa propre voix

38:31 Son point fort — ne pas avoir peur de se planter

40:54 Être attentif à sa propre joie en écrivant

44:04 Être détecté par le public avant d'être détecté par la critique

45:32 S'inspirer de sa propre vie à travers ses personnages

51:07 Se libérer de la peur en écrivant

58:20 Les particularités narratives propres à chaque livre

1:00:54 L'intelligence artificielle — un outil, pas une menace

1:03:36 Les Fourmis comme IP en pleine expansion

1:07:50 Comment il a financé lui-même certains de ses projets

1:10:54 Ne jamais dire non — sa philosophie de travail

1:21:08 Écrire pour ne plus avoir peur de la mort

1:24:15 La période la plus matérialiste qu'on ait connue

1:31:32 Le rythme de sortie de ses livres

1:38:06 Ses prochains projets

#BernardWerber #LesFourmis #PodcastSéquence #Romancier #Écriture #FictionFrançaise #Audiovisuel #Storytelling #Auteur #IA

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Pour cet épisode spécial, David Frécinaux, Maxence Pierrard, Déborah Hadjedj-Jarmon et Joris Morio confrontent leur projet de série fantastique à un vrai druide. Dans cet épisode, il répond sans détour à toutes leurs questions : quelle est la vraie histoire du druidisme depuis l'Antiquité jusqu'au renouveau du 19e siècle, ce que représentent vraiment les menhirs et les rituels saisonniers, comment se transmet un savoir qui ne s'apprend pas dans les livres, et où s'arrête la réalité du druidisme pour laisser place à la fiction. Un épisode indispensable pour tout scénariste qui veut ancrer une fiction fantastique dans une vérité documentée.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard, avec Déborah Hadjedj-Jarmon & Joris Morio

CHAPITRES

00:00 Introduction

05:40 Présentation du druide invité

08:42 Présentation du pitch de la série à un vrai druide

12:39 Comment il se présente et son rapport à la tradition

15:33 Devenir druide — un choix avant tout

17:05 Le renouveau du druidisme depuis le 19e siècle

19:39 Le détachement entre tradition celtique et réalité historique

22:14 Croyances spirituelles et imaginaire druidique

26:17 Ce que le projet de série a dû intégrer comme réalité

27:18 Son parcours personnel vers le druidisme

29:39 Devenir druide à partir de quel critère

33:26 Le mégalithisme comme socle de la civilisation celtique

36:46 Les rituels saisonniers enregistrés depuis des décennies

39:39 Sainte-Anne, la grand-mère bretonne — un syncrétisme local

43:06 L'énergie qui traverse la nature selon la tradition

48:37 Le nombre de druides actuellement en France

52:10 Les mauvais scénaristes et les erreurs à éviter

54:54 Le calendrier des fêtes celtiques expliqué

59:29 Les rituels et la magie — comment ça fonctionne

1:03:34 La récolte des plantes et la botanique druidique

1:09:18 Le rapport à la mort dans la tradition druidique

1:16:43 Les substances hallucinogènes et les druides des années 70

1:18:47 Le mois de Lugnasad et la peur de la fin du monde

1:21:51 Ce qui ne peut pas s'apprendre — le secret druidique

1:24:30 Qui l'a initié et comment

#SéquencePodcast #SagaDété #Druide #DéborahHadjedjJarmon #JorisMorio #FictionFrançaise #Fantastique #Bretagne #Audiovisuel #Storytelling

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François Hitter est chargé de programmes à France Télévisions. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son métier sans détour : comment un projet obtient vraiment une écoute, pourquoi il préfère être le contradicteur le plus aimable possible plutôt que le décideur final, ce qui distingue un concept d'un sujet véritable, et comment l'iconographie d'un dossier peut faire basculer une décision. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou producteur qui veut comprendre ce qui se passe vraiment de l'autre côté du bureau d'un diffuseur.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

05:03 Présentation de François Hitter

05:39 Comment un projet amène une écoute chez un diffuseur

11:12 La crainte à recevoir et accueillir un nouveau projet

12:28 Les obligations de développement qui pèsent sur un conseiller

17:40 Être le plus aimable des contradicteurs

20:50 L'angoisse de la feuille blanche côté diffuseur aussi

23:10 Les règles du commerce élémentaire dans le développement

24:14 Devenir le plus fervent défenseur de son propre conseiller

27:48 Identifier les lieux et focus narratifs à privilégier

30:56 Ne pas voir les coutures — l'exigence de fluidité narrative

33:18 Raconter des destins plutôt que des concepts

37:42 La question du sujet face à l'affrontement narratif

41:01 Ce que les créateurs apportent au-delà du concept

44:32 Accompagner un projet jusqu'au bout, malgré le doute

47:51 Plusieurs dialoguistes sur un même projet — la qualité collective

49:01 La contrainte budgétaire comme moteur créatif

52:30 Le format 26 minutes — comment il a évolué

53:36 Le rythme des réunions hebdomadaires

55:39 Vendre un projet en interne — la conviction nécessaire

1:00:51 L'amplitude historique de la fiction française

1:04:54 La dimension sérielle longtemps négligée

1:06:32 Les présentations de dossiers et la nouvelle génération

1:11:42 L'importance de l'iconographie dans un dossier

1:16:01 Le récit d'une journée — une structure narrative forte

1:21:56 Ce qui le nourrit personnellement — musique et famille

1:25:27 Les récits polaires nordiques ou américains comme référence

1:27:09 Ce qu'un comité pédagogique pourrait encore améliorer

1:30:09 La diversité de l'offre du mercredi jeunesse

#FrançoisHitter #FranceTélévisions #ConseillerDeProgrammes #PodcastSéquence #Scénariste #FictionFrançaise #Développement #Audiovisuel #Producteur #Storytelling

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Marine Josset est scénariste, notamment sur Skam, passée par la Fémis et un master de scénario. Dans cet épisode, elle ouvre les coulisses de son métier sans détour : comment elle a appris à écrire la santé mentale des adolescents sans misérabilisme, ce que change un directeur de collection sur une série au long cours, comment gérer les multiples points de vue dans un polar choral, et pourquoi le métier de scénariste peut rendre profondément seul. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou créateur de fiction jeunesse qui veut comprendre comment une série peut devenir un miroir.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:17 Présentation de Marine Josset

04:52 Comment la passion de l'écriture est arrivée

07:20 La formation à la Fémis et la maîtrise du craft

11:42 une formation collective de scénaristes

13:21 Étirer le temps — une spécificité de l'écriture sérielle

19:45 Scénaristes architectes vs scénaristes plus instinctifs

21:35 La cohérence des idées en collaboration sur une série

23:01 Le rôle du directeur de collection

26:36 L'adaptation française de Skam — comparaison avec les versions existantes

30:32 Le point de vue d'un personnage en seconde

36:29 Le Robert McKee de Skam — une méthode propre à la série

36:59 Se sentir seul dans le métier — l'importance du collectif

40:23 L'équilibre des points de vue dans une série chorale

43:01 Couper là où c'est le plus fort dramatiquement

48:30 Écrire des personnages traversant des moments difficiles mentalement

51:15 Comprendre le chemin de pensée d'un personnage en souffrance

54:11 Le sujet des pensées suicidaires à l'adolescence

57:32 Le Covid comme révélateur d'une jeunesse fragilisée

1:00:03 Apporter son regard propre tout en respectant un cadre existant

1:01:33 Le fantastique et l'horreur comme vecteurs de santé mentale

1:08:20 Les périodes de vie qui nourrissent l'écriture

1:11:11 Assumer sa vulnérabilité dans l'écriture

1:13:26 Une scène qui marque le corps autant que l'esprit

1:18:43 Faire lire son script et son point de vue à d'autres

1:21:32 Trouver sa propre voix dans un univers déjà écrit

1:24:17 Questions flash

#MarineJosset #Skam #SantéMentale #PodcastSéquence #Scénariste #FictionJeunesse #FictionFrançaise #Audiovisuel #Storytelling #Adolescence

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Gilles Daniel a été directeur des programmes en chaîne de télévision, producteur, et il est désormais scénariste et coscénariste. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de ce triple regard sans détour : comment fonctionne vraiment la grammaire éditoriale de TF1, pourquoi il a fallu apprendre une langue différente à chaque diffuseur, comment des ateliers d'écriture en mini room sont nés faute de moyens, et ce que Netflix exige aujourd'hui d'une narration pour capter l'attention. Un épisode indispensable pour tout scénariste, producteur ou auteur qui veut comprendre l'industrie depuis tous les côtés de la table.

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CHAPITRES

00:00 Introduction

04:26 Présentation de Gilles Daniel

06:44 Écrire pour une bande-annonce — premiers pas dans le cinéma

11:01 Une première vie en boîte de production

13:03 Produire avant de scénariser — le ratio qui évolue

15:08 Les débuts au CEA et les stages

19:30 Franchir le cap pour devenir scénariste

22:48 Sortir d'une niche éditoriale — élargir les envois de projets

24:26 Apprendre la grammaire TF1

26:09 La rencontre avec Fanny Herrero et d'autres créatifs

29:26 Le pitch deck et la tonalité d'un projet

33:39 Le projet Zéro Tracas de Tigran

35:02 Le système de groupe d'ateliers d'écriture

37:36 Trois bibles par an — la cadence imposée

38:26 Travailler en mini room — trouver un thème ensemble

44:25 Les anecdotes de tournage avec un réalisateur

46:06 Pourquoi un scénariste n'a plus forcément besoin d'aller sur le tournage

51:12 Les outils générés par l'IA dans le développement

53:10 La professionnalisation et l'autonomie de la fiction française

55:16 L'esthétique nordique noire — une influence éditoriale

59:34 Le problème du verbeux dans une enquête policière

1:03:38 Netflix et la logique du binge — ce que ça change pour l'écriture

1:08:30 Jouer avec la nuance malgré les contraintes de plateforme

1:13:09 Prendre du recul — voir son scénario de loin

1:15:35 Un bon conseil pour les jeunes scénaristes

1:21:39 Trouver le bon chargé de diffusion

1:25:21 Empathie, la série sur Canal — un dernier exemple

1:27:20 Comment soutenir le podcast et en parler autour de soi

#GillesDaniel #Scénariste #Producteur #Diffuseur #PodcastSéquence #FictionFrançaise #TF1 #Netflix #Audiovisuel #Développement

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Mathieu Leblanc et Thomas Mansuy sont scénaristes, à qui l'on doit bientôt Belphégor, Lucky Luke et le prochain film d'animation Astérix et Obélix. Dans cet épisode, ils ouvrent les coulisses de leur duo sans détour : comment fonctionne une writers room de l'intérieur, pourquoi se donner 10 séquences chacun structure tout le travail, ce que la commande de sketches leur a appris sur le format court, et comment ils gèrent la répartition des droits entre coauteurs avant même de commencer à écrire. Un épisode indispensable pour tout scénariste, duo créatif ou auteur qui veut comprendre l'envers du décor d'une collaboration d'écriture.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

06:12 Présentation de Mathieu Leblanc et Thomas Mansuy

07:30 La rencontre et les débuts de leur collaboration

10:11 Comment se répartit le travail à deux — la méthode 50/50

14:11 Les premiers soucis vis-à-vis des producteurs et diffuseurs

15:40 Final Draft — un outil qui change la collaboration

18:18 Se donner 10 séquences chacun — la méthode concrète

23:07 L'école de la production — apprendre sur le tas

25:18 Parler des droits avant même de commencer à écrire

25:45 Pourquoi 50% peut être trop élevé selon les cas

27:02 Payer le plus tard possible — un conseil personnel

30:57 Une somme à louer et l'input en amont

33:35 Les 52 minutes en famille — une commande particulière

38:44 Polar, comédie — la grammaire de chaque genre

39:30 Ce que le format court a appris à Mathieu

40:39 La writers room — entrer avec une liste de sketchs

44:46 La méthode Judo Mitt — comment les idées s'enchaînent

46:33 Ne pas se forcer à rentrer dans un univers qui ne fonctionne pas

50:19 Une réunion où quelqu'un a été viré en pleine séance

53:06 Le rythme infernal d'une writers room — V2 en une semaine

1:01:34 Les influences Fight Club dans leur écriture

1:04:24 Reprendre une bibliothèque d'idées plutôt que partir de zéro

1:06:55 Le Comte de Monte-Cristo — continuité plutôt que rupture

1:08:49 La difficulté du film d'animation Astérix et Obélix

1:13:09 La structure en quatre actes adaptée à la coupure pub

1:19:01 Rassurer une équipe après des retours difficiles

1:21:36 Le premier marché de développement

1:23:14 La Bible — bien plus que 12 pages pour Disney

1:25:34 Questions flash

#MathieuLeblanc #ThomasMansuy #Belphégor #LuckyLuke #Astérix #PodcastSéquence #Scénariste #WritersRoom #FictionFrançaise #Audiovisuel

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L'équipe de la saga d'été se retrouve à nouveau pour faire avancer leur série en direct. Dans cet épisode, le projet prend forme sans détour : un personnage cible des notables de l'île, Gautier orchestre un plan inquiétant autour de la pierre, Rosen rentre sur l'île au pire moment de sa vie, et l'équipe se penche pour la première fois sur l'écriture concrète du dossier de présentation. Un épisode indispensable pour voir comment un concept devient un vrai projet structuré, prêt à être pitché.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard, avec Déborah Hadjedj-Jarmon & Joris Morio

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:12 Réflexe d'écriture — comment ouvrir une série

06:00 Gautier cible-t-il Patrick en particulier ?

08:51 Rosen revient sur l'île — la raison de son retour

12:29 La logline du projet se précise

13:39 Un événement local comme déclencheur — la fête façon Halloween

17:02 L'ironie dramatique et l'effondrement soudain d'un personnage

19:07 Le savoir disparu de Jean, le père

22:16 Rosen arrive au pire moment de sa vie

23:24 L'ouverture du premier épisode — qui arrive en bateau

26:34 Les pierres cassées au fil des épisodes

29:37 Rosen va voir son père — la confrontation

33:14 Le personnage de Gautier — pourquoi il est clivant

36:08 Les anciens gardiens de la tradition

41:14 La trahison à dévoiler progressivement

42:06 La durée de la série — combien d'épisodes au total

45:08 Le délai entre les épisodes — la structure temporelle

48:55 Rosen, médecin, soigne aussi les habitants de l'île

51:54 Patrick reprend contact avec elle après des années

54:30 Comment présenter le dossier — la prochaine étape

55:43 La commande type d'un dossier de présentation

56:51 Pitcher à des gens qu'on connaît — la caméra cachée

59:34 Le risque de trop dévoiler le projet avant de le vendre

1:01:17 Le podcast fête ses 1 an

#SéquencePodcast #SagaDété #DéborahHadjedjJarmon #JorisMorio #FictionFrançaise #Scénariste #Druides #Bretagne #Audiovisuel #Storytelling

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Quelques mois après la saga de l'été, David Frécinaux et Maxence Pierrard retrouvent Déborah Hadjedj-Jarmon et Joris Morio pour faire le bilan de leur série imaginée en direct. Dans cet épisode, l'équipe affine sans détour le lore de la série : Arwen, druide gardienne de la pierre, découvre l'héritage de son père qu'elle juge responsable du déséquilibre, un réseau de menhirs relie des villages bretons, et une usine d'énergie menace de précipiter le chaos. Un épisode indispensable pour voir comment un concept fantastique se complexifie et se retravaille collectivement.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard, avec Déborah Hadjedj-Jarmon & Joris Morio

CHAPITRES

00:00 Introduction et bilan après la saga de l'été

04:34 Le pitch retravaillé — Arwen et l'héritage de son père

06:23 Gautier, disciple devenu antagoniste de la pierre

09:46 Ce qu'on garde, ce qu'on change depuis le premier jet

10:57 L'usine comme fausse piste narrative

12:43 Les alignements de menhirs et leur géographie réelle

16:17 Le déséquilibre organique du réseau de pierres

19:00 Tourner à Crozon — ancrage régional du lieu

21:13 L'idée de rendre l'énergie à la pierre

24:00 Complexifier la back-story du réseau des menhirs

25:42 La mère qui utilise la pierre contre la vie

26:34 Les druides auraient-ils dû intervenir plus tôt

30:00 Le don d'Arwen et sa vocation de médecin

32:41 Peaufiner le lore de la série

36:26 Le leitmotiv "c'est quand même ta faute"

40:01 Faire mourir le père — une option en discussion

43:47 Le point de vue des méchants — ce qu'on perd si Jean meurt

46:06 Gautier, lanceur d'alerte au profil presque surnaturel

49:00 L'ambiance très verte, très folklorique du village

51:24 La cartographie des morceaux de menhirs chez les habitants

#SéquencePodcast #SagaDété #DéborahHadjedjJarmon #JorisMorio #FictionFrançaise #Scénariste #Druides #Bretagne #Audiovisuel #Storytelling

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Ghislaine Pujol est présidente de la Guilde française des scénaristes. Jean-André Yerlès en est vice-président, répertoire cinéma. Dans cet épisode, ils ouvrent les coulisses du métier sans détour : comment fonctionne vraiment le rapport de force entre scénaristes et producteurs, pourquoi les accords collectifs restent le seul levier efficace, ce que l'IA change concrètement dans les contrats, et comment la Guilde tente de protéger des auteurs qui ne sont ni salariés ni vraiment libres. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou professionnel de l'audiovisuel qui veut comprendre ce qui bloque — et ce qui peut encore évoluer.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

03:29 Présentation de Ghislaine Pujol et Jean-André Yerlès

08:20 Comment l'écriture est venue à eux — deux parcours

08:36 Histoire de la Guilde — de la scission à la refondation en 2010

11:08 À quel moment adhérer à la Guilde ?

13:32 Les grandes lignes de la présidence de Ghislaine Pujol

16:00 Le problème le plus commun que la Guilde défend

19:02 Les accords fiction, animation, cinéma — ce qu'ils changent vraiment

23:15 L'arrivée des plateformes a-t-elle changé les tarifs ?

27:00 L'IA — position de la Guilde et utilisation personnelle

39:01 La Guilde en France vs la WGA aux États-Unis

42:38 La grève est-elle possible en France ?

49:07 Peut-on fusionner Guilde et SACD ?

56:59 Le plus grand succès de la Guilde depuis 2010

59:16 VSS — comment la Guilde protège les victimes

01:04:08 Y a-t-il une évolution positive sur les VSS ?

01:06:27 Les tarifs d'option — y a-t-il un minimum ?

01:06:57 Quand passe-t-on scénariste junior à senior ?

01:08:33 La place des agents dans la négociation

01:16:23 La clause idéale à mettre dans tout contrat auteur-producteur

01:21:08 Chômage pour scénaristes ou scandale des points retraite ?

01:39:28 Dans 10 ans, à quoi ressemble le métier si la Guilde réussit ?

01:43:47 Questions flash — Twin Peaks, Sopranos, American Beauty, Dune

#GhislainePujol #JeanAndréYerlès #GuildeDesScénaristes #Scénariste #DroitsDAuteur #IA #FictionFrançaise #PodcastSéquence #Audiovisuel #Développement

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Fadette Drouard est scénariste de Patients, nommé au César du meilleur scénario en 2018, du Dindon, de Grand Corps Malade et de La Syndicaliste. Dans cet épisode, elle ouvre les coulisses de sa méthodologie sans détour : comment elle a adapté la vie de Grand Corps Malade dans une cave parisienne, pourquoi elle a recueilli les confidences de Maureen Kearney en seulement 5 jours pour La Syndicaliste, ce qu'elle fait quand un scénario à deux mains se transforme en catastrophe, et comment elle gère le syndrome de l'imposteur après des années de carrière. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou coscénariste qui veut comprendre la vraie mécanique de l'adaptation et de la coécriture.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:38 Présentation de Fadette Drouard

06:04 Du journalisme à l'écriture de scénario

09:49 Une rencontre déterminante — le coup de foudre professionnel

13:26 La rencontre avec Fabien Marsaud, futur Grand Corps Malade

14:25 Les débuts dans une cave parisienne pour écrire

17:05 Construire la structure saison après saison

19:04 Tout passer par le séquencier

20:36 Le piège de la crédibilité dans l'adaptation

22:07 Aller chercher la réalité chez Areva

23:48 Maureen Kearney rencontrée et adaptée en 5 jours

27:49 La pudeur de Fabien Marsaud face au scénario

28:48 Comment adapter une histoire vraie sans la trahir

31:28 Savoir où on est allé trop loin dans l'adaptation

33:29 Se demander si on se voit raconter cette histoire

38:18 Croire à ses personnages avant tout

41:00 Le film d'auteur impose ses propres règles

44:10 Avoir son nom au générique — ce que ça engage

48:27 Petit à petit, faire confiance à toute l'équipe

51:09 Travailler seul vs travailler en binôme

54:38 Le syndrome de l'imposteur, encore aujourd'hui

58:50 La référence à Cameron Crowe

1:01:31 Avancer par petites touches dans le scénario

1:04:34 Avoir juste les bonnes modifications à apporter

1:09:15 Construire le destin d'un personnage clown à l'hôpital

1:13:01 Le risque qu'une idée se plante après des années de travail

1:14:52 Travailler avec un coscénariste — les hauts et les bas

1:19:35 Se demander quelle histoire on raconte vraiment

1:25:25 Convaincre diffuseurs et attachés de presse

1:31:55 Questions flash

#FadetteDrouard #GrandCorpsMalade #LaSyndicaliste #Patients #PodcastSéquence #Scénariste #FictionFrançaise #Adaptation #Audiovisuel #Storytelling

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Tigran Rosine est scénariste, co-créateur de Lupin et créateur de La Famille Rose, encensée par la critique à Séries Mania. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son métier sans détour : comment il a dû réécrire un mythe que tout le monde croit connaître, pourquoi il refuse d'être enfermé dans une case, comment il construit une série d'horreur destinée aux ados sans diffuseur ni producteur derrière, et ce que veut vraiment dire être character driven à 49%. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou showrunner qui veut comprendre comment l'écriture peut devenir une arme.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:20 Présentation de Tigran Rosine

05:22 Identifier sa colonne vertébrale de scénariste très tôt

08:32 Un passage par le théâtre avant l'écriture

11:08 Constituer une équipe — ne pas travailler avec n'importe qui

16:09 Le coup de fil décisif et la réponse en 48h

17:43 Ne jamais se laisser enfermer dans une case

20:11 L'entrée dans le polar et la production

25:00 L'obsession Pixar pour l'accroche d'une histoire

27:37 Il était une fois — la mécanique du mouvement permanent

30:33 Ne pas être le sachant — une posture d'écriture

32:04 Commencer par ne pas écrire — la phase de maturation

38:03 La dynamique de travail en binôme d'écriture

41:11 Un équilibre entre coauteurs, malgré un milieu maltraitant

45:26 Lupin — le défi de réinventer un mythe que tout le monde croit connaître

47:12 Un an et demi de développement sur le récit d'espionnage

52:33 Une série d'horreur pensée pour les ados

55:55 Une famille de loups — la genèse d'un nouveau projet

57:25 Aucun diffuseur, aucun producteur — une liberté totale

1:02:28 Le document d'écriture autour de zéro déchet

1:04:33 La structure en séquences et le travail par couches

1:09:25 Trouver des astuces, des effets dans l'écriture

1:12:21 Devenir coproducteur sur certains projets

1:18:59 Ce qu'il faut pour faire advenir un projet

1:22:16 Le character driven à 49% — sa méthode d'équilibre

#TigranRosine #Lupin #LaFamilleRose #PodcastSéquence #Scénariste #FictionFrançaise #SériesMania #Audiovisuel #Storytelling #Showrunner

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Dernier épisode de la saga d'été. L'équipe boucle sans détour la construction de la série : un empoisonnement à l'eau qui menace le village, une multinationale de l'énergie en embuscade derrière le folklore local, et une référence assumée à Stranger Things pour donner corps à cette mythologie bretonne. Un épisode indispensable pour découvrir comment un projet de fiction se referme — et comment l'équipe envisage de le faire vivre au-delà du podcast.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard, avec Déborah Hadjedj-Jarmon & Joris Morio

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:24 Qui surveille la pierre — la liste des prétendants

10:17 Un secret de famille caché depuis des années

14:16 L'héritage ancré dans le folklore local

17:20 Une petite ville au bord d'une catastrophe naturelle

25:07 L'empoisonnement à l'eau dans les canalisations

28:42 Une multinationale qui complexifie l'intrigue

33:46 La référence Stephen King assumée

38:26 Financé par une grande entreprise — le twist énergétique

41:18 Une vibe Stranger Things revendiquée

43:36 La crise de courant à l'hôpital comme déclencheur

45:39 Les dilemmes moraux et le prix à payer

48:18 Et si France Télévisions se penchait sur l'idée ?

49:48 Comment pitcher ce qu'on vient d'imaginer

56:11 L'esprit de l'exercice et l'envie de le refaire

#SéquencePodcast #SagaDété #DéborahHadjedjJarmon #JorisMorio #FictionFrançaise #Scénariste #StrangerThings #Audiovisuel #Storytelling #Bretagne

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Avant-dernier épisode de la saga d'été. L'équipe approfondit sans détour la mythologie de la série : un médecin de campagne aux méthodes ancestrales, un système qui pervertit la tradition druidique pour en faire un business, et une héroïne amnésique qui tente de reconstituer le puzzle de son histoire familiale. Un épisode indispensable pour voir comment une mécanique de genre prend de l'épaisseur et se complexifie collectivement.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard, avec Déborah Hadjedj-Jarmon & Joris Morio

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:26 Le mystère relié aux algues et à l'énergie

04:37 Le point de vue d'un village voisin

07:38 Le double ton de la série — chronique et fantastique

11:19 Le personnage du gendarme — polar et fantastique mêlés

13:02 Une biologiste comme love interest

17:18 Récupérer l'énergie — un médecin de campagne pas comme les autres

20:09 La justification scientifique de l'énergie des pierres

22:33 Détruire la pierre — une fausse bonne idée

26:21 Le monde entier au courant — l'enjeu de la révélation

31:16 Le choix fort de la fille face à son passé

31:37 L'amnésie traumatique comme moteur narratif

38:50 Le système qui pervertit la tradition druidique

41:32 Les huit grandes fêtes celtes

43:57 Pourquoi ça doit rester dans la famille

55:46 Les druides modernes — entre caricature et réalité

59:16 La méthode de documentation pour nourrir l'écriture

#SéquencePodcast #SagaDété #DéborahHadjedjJarmon #JorisMorio #FictionFrançaise #Scénariste #Druides #Mythologie #Audiovisuel #Storytelling

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Deuxième épisode de la saga d'été : l'équipe continue de construire la série en direct. Dans cet épisode, le concept se précise sans détour : la pierre devient un catalyseur de transfert d'énergie vitale entre les êtres, une fille hérite du pouvoir de son père mourant, et un réseau de mégalithes ancestraux relie des familles à travers toute la région. Un épisode indispensable pour suivre comment une idée fantastique se construit, scène après scène, avec ses règles et ses limites.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard, avec Déborah Hadjedj-Jarmon & Joris Morio

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:24 Le personnage qui utilise la pierre en connaissance de cause

04:06 Une fille qui hérite du pouvoir de la pierre

05:35 La notion d'équilibre entre vie et mort

07:35 L'opposition vie versus mort, écho à Frankenstein

10:15 Un personnage hybride et ses conséquences physiques

13:07 Vers une fiction plus historique

17:08 Une héroïne en quête de rédemption

20:20 Le transfert de force vitale — les règles du pouvoir

22:25 Le réseau de pierres connecté entre plusieurs maisons

27:11 L'ancrage régional et la dimension magique du folklore

29:37 Les druides et leurs descendants

33:25 La question de l'empathie dans la fiction

34:44 Le conflit père-fille — la réconciliation impossible

36:55 La seconde chance pour le père

41:11 Le chantage à la pierre — un enjeu dramatique fort

45:16 Une créature immense couchée sous terre

#SéquencePodcast #SagaDété #DéborahHadjedjJarmon #JorisMorio #FictionFrançaise #Scénariste #Fantastique #Druides #Audiovisuel #Storytelling

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Pour cette saga d'été, David Frécinaux et Maxence Pierrard inventent une série de toutes pièces, en direct, avec Déborah Hadjedj-Jarmon et Joris Morio. Pas de concept préparé, pas de genre fixé d'avance : tout part de zéro. Dans cet épisode, l'équipe pose les bases sans détour : une petite ville bretonne marquée par une légende, un promoteur immobilier qui revient sur les terres de son enfance, et une pierre mystérieuse au cœur d'un secret enfoui depuis des décennies. Un épisode indispensable pour tout scénariste ou auteur qui veut voir naître une histoire en temps réel.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard, avec Déborah Hadjedj-Jarmon & Joris Morio

CHAPITRES

00:00 Introduction et présentation de l'exercice

01:52 Présentation de Déborah Hadjedj-Jarmon et Joris Morio

04:56 Les genres qui inspirent chacun — mockumentary, comédie, fantastique

06:38 Par où commencer quand on part de rien

12:06 Drame familial ou fiction historique — premières pistes

14:31 Ancrage en Bretagne — une région qui inspire

16:42 La référence Stephen King — la petite ville maudite

20:16 Le malheur qui revient des années après

22:29 Le personnage du promoteur immobilier

27:10 Le mystère qui entoure le retour du personnage

32:01 Légende et malédiction locale

36:13 La référence à un film de maison hantée

38:16 La découverte d'un objet — la pierre mystérieuse

39:13 Le pouvoir de la pierre et ses conséquences

42:38 La référence à Nostradamus et la prédiction

43:00 La spirale infernale et l'ironie dramatique

#SéquencePodcast #SagaDété #DéborahHadjedjJarmon #JorisMorio #FictionFrançaise #Scénariste #Bretagne #Fantastique #Audiovisuel #Storytelling

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Mathieu Van de Velde est producteur, cofondateur de Blackship Films et de la nouvelle structure Story Engines. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son métier sans détour : comment il est passé des services juridiques de Studio Canal à la production, pourquoi il a tout misé avec son associé sur leur première boîte, comment se construit la confiance avec un auteur sur trois ans de développement, et ce qui distingue vraiment un bon pitch d'un projet qui ne décolle jamais. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou producteur qui veut comprendre comment se montent réellement les séries aujourd'hui.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

06:33 Présentation de Mathieu Van de Velde

08:14 Entre droit, finance et créativité — un parcours hybride

13:43 Les premières expériences à produire

17:42 La création d'entreprise — tout miser à deux

19:19 Une génération d'auteurs aux idées définissantes

23:13 Repérer une bonne idée avant qu'elle soit développée

26:33 Les bonnes idées et la prise de risque

29:29 Tracer son propre sillon en tant que producteur

33:24 Travailler avec un noyau restreint de scénaristes

35:29 L'affect dans le développement d'un projet

39:08 La frustration d'un projet trop compliqué à monter

42:53 Qu'est-ce qu'un projet presque parfait à ses yeux

44:29 Identifier le message et le dilemme d'une histoire

47:46 Logline, tagline — les outils concrets du développement

49:35 La Bible comme générateur d'images

54:31 Un thriller dans le monde du sport — la genèse d'un projet

56:46 Vendre une idée — la nécessité et le plaisir

1:02:24 Le bonheur du métier — pourquoi il le fait

1:04:29 La relation de confiance avec un diffuseur sur plusieurs années

1:08:38 Le système français protégé par rapport à d'autres pays

1:10:44 Trouver ce qui différencie un projet

1:12:27 Désamorcer le drame avec de la comédie

1:16:08 Aller chercher des publics nouveaux

1:20:09 La genèse de Story Engines, sa nouvelle structure

1:23:25 Entre angle premium et angle de genre

1:24:23 La réalité épuisante de développer 12 projets en parallèle

1:28:00 La confiance comme socle du métier de producteur

1:35:08 Rester curieux malgré l'épuisement

#MathieuVanDeVelde #StoryEngines #Blackship #PodcastSéquence #Producteur #FictionFrançaise #Audiovisuel #Développement #Scénariste #Storytelling

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Thibaud Martin est chercheur en dramaturgie et créateur de la formation 64 Histoires Intemporelles. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de sa recherche sans détour : pourquoi il existe selon lui exactement 64 structures de récit possibles, comment Seul au monde illustre le combat contre la nature elle-même, ce que les récits alternés permettent de résoudre, et pourquoi le vrai problème d'un personnage n'est jamais celui qu'on croit au premier abord. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou réalisateur qui veut comprendre la mécanique profonde de toute structure narrative.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

06:15 Présentation de Thibaud Martin

07:10 Du montage à la recherche en dramaturgie — un parcours inversé

12:46 La méthode pour désincarner une histoire

15:19 La théorie des 64 histoires intemporelles

16:48 Le principe et le but de la méthode

19:30 L'échelle de protection — les structures les plus simples

21:45 Seul au monde — combattre la nature elle-même

26:21 Le moment clé qui déclenche le changement du personnage

33:33 Le mélange de plusieurs structures dans un même film

38:28 L'exemple du mentor inversé dans certains récits

40:38 Construire une timeline de moments clés

45:16 American Beauty, 99 Francs, The Circle — les récits multiples

47:29 Salle des profs — l'analyse d'un récit problème

51:14 Résoudre un problème grâce au mentor

53:51 Les récits alternés au cinéma vs en série télé

58:30 Travailler sur un projet personnel avec la méthode

1:03:52 Combien d'étapes reviennent dans chacune des 64 structures

1:06:26 Simplifier toute histoire en quatre étapes

1:11:23 Le fantôme du passé et le traumatisme du personnage

1:18:22 Des conseils sur la structure problème

1:21:58 Pas vraiment le choix de la direction dans certains récits

1:26:10 Un prophète — exemple récent de structure complexe

1:31:27 Ce qui patine dans une structure mal exploitée

1:33:10 Où suivre la formation 64 Histoires Intemporelles

#ThibaudMartin #Dramaturgie #64HistoiresIntemporelles #PodcastSéquence #Scénariste #Structure #FictionFrançaise #Audiovisuel #Storytelling #Formation

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Prune de Maistre écrit l'intégralité des films de SAS, son mari Gilles de Maistre. Dans cet épisode, elle ouvre les coulisses de son métier sans détour : comment naît un scénario de cinéma familial autour des animaux, pourquoi elle écrit plusieurs versions d'un film sans jamais avoir lu de scénario avant de commencer, comment elle équilibre le travail d'écriture avec la vie de famille et les voyages, et ce que les enfants comprennent vraiment d'une histoire. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou parent créatif qui veut comprendre comment écrire pour les enfants sans jamais les sous-estimer.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:53 Présentation de Prune de Maistre

06:55 Le tout premier scénario écrit en urgence

09:34 Garçon et son lion — la genèse du premier film

11:41 Adapter à l'inverse, du livre vers le scénario

14:29 Une première version envoyée sans trop de commentaires

17:36 Échanger sur chaque séquence avec Gilles de Maistre

19:54 Pourquoi écrire plutôt qu'un sujet déjà traité ailleurs

20:56 Trois versions, trois angles différents pour un même film

24:30 Le rapport aux critiques spectateurs

26:14 Passer par les animaux pour raconter l'essentiel

28:27 S'inspirer de sa propre vie et de ses voyages

30:43 Travailler en binôme avec son mari

33:11 Le lion blanc — créer un vrai lien à l'écran

35:28 Remplacer une scène pour mieux servir l'histoire

38:01 Solliciter ses enfants pour tester l'efficacité d'une scène

40:12 Faire jouer sa fille pour un dialogue

41:56 Le rôle d'une directrice de casting dans le processus

43:36 Avoir des projets en stock dans les tiroirs

46:30 Les genres qu'elle explore — jamais l'horreur

48:46 Mener plusieurs scénarios en parallèle

50:27 La voix off et la narration documentaire

52:31 S'aider du documentaire pour nourrir la fiction

55:49 Écrire plus simplement pour un jeune public

59:24 Sa méthode — résumé long, séquencier, puis écriture

1:01:39 Diviser le travail pour mieux l'équilibrer

1:06:59 Le syndrome de l'imposteur, même après plusieurs films

1:08:06 Que dirait-elle à quelqu'un qui veut devenir scénariste

#PruneDeMaistre #GillesDeMaistre #CinémaFamilial #PodcastSéquence #Scénariste #FictionFrançaise #Animaux #Audiovisuel #Storytelling #Jeunesse

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Marianne Levy est romancière et scénariste, notamment pour Christmas Flow sur Netflix. Dans cet épisode, elle ouvre les coulisses de son genre de prédilection sans détour : pourquoi la comédie romantique est un véritable Everest technique, comment elle construit ses romans comme une journaliste qui interviewerait ses propres personnages, ce qu'elle refuse de changer même sous la pression d'un éditeur, et pourquoi faire du cinéma, c'est toujours être un peu transgressif. Un épisode indispensable pour tout scénariste, romancier ou auteur qui veut comprendre les vrais codes de la romcom.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

05:41 À quel moment elle a réalisé que l'écriture serait son métier

07:14 Le journalisme comme porte d'entrée vers l'écriture

13:20 La comédie romantique — une vraie histoire derrière le genre

17:15 Refuser de rester dans l'échec amoureux comme moteur narratif

23:08 Sa méthode d'écriture — se mettre à la place du producteur

26:53 Connaître le but de chaque scène

29:24 S'inspirer de Nora Ephron sans la trahir

31:14 Ne pas penser en termes de zone de confort

38:31 Les contraintes budgétaires qui façonnent la structure

40:21 Le travail avec un éditeur — petites concessions, grandes lignes

42:48 Ce qu'elle défend vraiment dans la romcom

44:06 Écrire l'homme qu'elle aurait aimé rencontrer

48:24 Le confinement comme période d'écriture particulière

49:28 Ce qu'elle a refusé de changer dans son roman

51:00 Écrire à deux — la dynamique de coécriture

1:01:20 Le défi technique majeur de la comédie romantique

1:08:22 L'idée reçue sur la misogynie supposée du genre

1:11:14 La technique avant l'intuition

1:12:11 Faire du cinéma, c'est être transgressif

1:18:14 Savoir recevoir et savoir offrir — une compétence rare

1:24:09 Les héroïnes en miroir avec ce qui se passe dans la société

1:27:55 Le sketch américain qui inverse les codes du genre

1:29:28 Questions flash

#MarianneLevy #ChristmasFlow #RomCom #PodcastSéquence #Scénariste #Romancière #FictionFrançaise #ComédieRomantique #Audiovisuel #Storytelling

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Johanna Legrand est autrice et réalisatrice. Dans cet épisode, elle ouvre les coulisses de son parcours sans détour : comment fonctionnent vraiment les aides du CNC, ce qu'on apprend dans les résidences prestigieuses, pourquoi le système de financement du court-métrage est plus fermé qu'il n'y paraît, et comment écrire le désir et le corps féminin sans reproduire un regard dominant. Un épisode indispensable pour tout auteur, scénariste ou réalisateur qui veut comprendre comment construire une trajectoire créative entre soutiens institutionnels et liberté artistique.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

05:12 Présentation de Johanna Legrand

06:00 Comment l'écriture s'est imposée à elle

07:00 Avant le CEA — fac de cinéma, master documentaire, 10 ans en CDI

08:31 La démission et le tournant — 2 ans de chômage consacrés à l'écriture

09:24 Le Fond d'Aide à l'Innovation du CNC — comment ça marche

10:29 Pourquoi accumuler autant de formations — complexe ou passion ?

11:17 Rater trois fois l'oral de la Fémis — la blessure fondatrice

13:44 Le CEA — la formation la plus technique de dramaturgie

19:26 L'Atelier Scénario de la Fémis — la revanche

21:00 Écrire une comédie sur la mort volontaire — sujet tabou, financement impossible

22:10 Le court-métrage — format, réalité industrielle et financement politique

25:19 Les FAI n'ouvrent pas les portes du court-métrage — aucune passerelle

29:59 Écrire des sujets engagés — avortement, consentement, désir

35:25 Le Corps des Femmes — pitch de la série historique

38:30 La série ancrée entre mai 68 et la loi Veil — construction du projet

41:46 Faire corps — roman, long-métrage, tous les chemins à la fois

48:49 Les retours du jury Beaumarchais — ce qu'ils ont dit vraiment

52:22 Le genre érotique — ce qui manque dans l'audiovisuel français

58:57 Coécriture vs solitude — quand collaborer, quand écrire seul

01:01:19 Les résidences — DreamAgo, Villa Médicis, Cinéstoria

01:06:03 Si un de ses films sortait demain — la peur du vide de salle

01:12:23 Combien de projets en stock — une quinzaine de bébés

01:14:22 Le projet qui compte plus que les autres — Faire corps

01:14:41 Le producteur idéal — confiance, contradiction, locomotive

01:18:14 La Scénaristory — résidence, vice-présidence, engagement syndical

01:22:10 Questions flash — Breaking the Waves, Incendies, Sirat

#JohannaLegrand #CorpsDesFemmes #Scénariste #CinémaFrançais #PodcastSéquence #Ecriture #Résidences #CNC #Audiovisuel #Développement

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Ève-Sophie Santerre est scénariste, des Robins des Bois à Working Girl récompensée d'un Emmy Award, jusqu'à la série Maison de retraite sur TF1. Dans cet épisode, elle ouvre les coulisses de son métier sans détour : comment elle est passée de coordinatrice artistique à scénariste de comédie, pourquoi le format détermine tout dans l'écriture d'une série, ce qu'elle a appris en transvasant un long-métrage en série, et comment elle vit le syndrome de l'imposteur même après un Emmy Award. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou créateur de comédie qui veut comprendre comment écrire pour la télévision aujourd'hui.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:34 Présentation d'Ève-Sophie Santerre

06:13 Le premier emploi avant de devenir scénariste

10:06 Coordinatrice artistique — comprendre la fabrication avant l'écriture

13:41 Le format du court-métrage et son influence sur l'écriture

16:35 Comment une idée arrive sur le tapis

21:01 Une comédie pour Canal — la genèse d'un projet

23:34 Le brainstorm pour une série vs pour des sketchs

27:02 Le format et la grammaire propre à chaque série

29:21 Le syndrome de l'imposteur, même après l'Emmy Award

33:35 Construire une suite après plusieurs années

36:14 La chute et le twist — ce qu'elle préfère écrire

37:25 La construction d'un 6x52 minutes

39:32 Pourquoi un projet ne va pas au bout

43:08 Transvaser un long-métrage en série

45:22 L'évolution des bibles d'écriture

48:27 Qui écrit la bible — répartition des rôles dans l'équipe

51:30 Les genres qu'elle écrit — aventure, dramédie

55:36 Réfléchir en termes de qui est bon dans quel registre

59:11 Les commandes — quel type de choix elle fait

1:01:11 Le syndrome de la page blanche, même entre amis

1:03:15 Gérer une bible qui ne se vend pas

1:06:30 Lire beaucoup pour identifier de jeunes scénaristes

1:09:05 L'étiquette Canal+ comme cerise sur le gâteau

1:11:34 Le ton de Working Girl — comment le faire ressortir

1:17:50 La question féministe dans son rapport au métier

1:21:30 Une réalisatrice qui peine à attraper sa chance

#ÈveSophieSanterre #WorkingGirl #RobinsDesBois #PodcastSéquence #Scénariste #Comédie #FictionFrançaise #Audiovisuel #EmmyAward #Storytelling

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Jean-Baptiste Durand est réalisateur, scénariste et comédien, révélé par Chien de la casse, césarisé Meilleur Premier Film et qui a lancé Raphaël Quenard. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son parcours sans détour : comment il a appris à écrire sans aucune notion du métier, pourquoi l'amitié d'enfance et la marge masculine traversent tout son cinéma, comment le foot a structuré son rapport au récit autant que le cinéma, et ce qu'il a dû désapprendre pour écrire des hommes fragiles plutôt que des clichés. Un épisode indispensable pour tout scénariste, réalisateur ou comédien qui veut comprendre comment filmer l'intime sans filet.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:53 Présentation de Jean-Baptiste Durand

06:11 Une formation pluridisciplinaire — premier contact avec le montage

10:12 Le déclic du cinéma — premiers essais et premiers échecs

14:14 Apprendre à écrire sans aucune notion du métier

17:30 Le crossfunding qui change tout

20:36 Recommencer à zéro après les premiers essais

24:33 Construire l'antagoniste — le travail avec un consultant

26:48 Le court-métrage comme matrice du long

29:48 Une nuance primordiale apportée par un script doctor

33:24 La proximité de sincérité avec Ken Loach

36:13 Élaborer un scénario à partir d'un fait divers

40:33 L'amitié d'enfance comme moteur de récit

42:28 Écrire pour des comédiens qu'il connaît personnellement

46:01 La pression après un César du meilleur premier film

50:08 Se débarrasser du regard des autres

51:18 Une expérience avortée avec le documentaire

57:57 L'élément déclencheur du film — une fragilité initiale

1:00:22 Écrire des hommes complexes plutôt que des agresseurs caricaturaux

1:02:51 L'apport intime du tournage sur sa propre vie

1:04:24 Le foot, souffle parallèle du cinéma dans sa jeunesse

1:06:42 Le théâtre à Bellier et l'amour de la pédagogie

1:12:22 Le travail avec les acteurs Anto et Galatea

1:18:34 La productrice Bart et la confiance dans l'écart au scénario

1:21:24 Questions flash

#JeanBaptisteDurand #ChienDeLaCasse #RaphaëlQuenard #PodcastSéquence #CinémaFrançais #Scénariste #Réalisateur #Audiovisuel #FictionFrançaise #Storytelling

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Myriam Gharbi de Vasselot est productrice de séries. Dans cet épisode, elle ouvre les coulisses de son métier sans détour : comment elle a appris en travaillant sur 40 films, ce qui fait qu'un concept tient ou reste dans un tiroir, pourquoi la confiance avec les scénaristes est plus importante que tout, et comment elle a produit une série d'action féministe envers et contre les réticences du marché. Un épisode indispensable pour tout scénariste, producteur ou auteur qui veut comprendre comment se montent les projets de séries audacieuses aujourd'hui.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:24 Présentation de Myriam Gharbi de Vasselot

05:30 De directrice littéraire à productrice

10:06 Apprendre le métier sur 40 films

14:00 Comment un concept devient une série

16:10 Loin des clichés — un thriller au féminin

21:08 Le travail des scénaristes et la dynamique d'équipe

22:22 Un super concept qui reste dans un tiroir

26:33 Se mettre à la place du diffuseur

28:45 Comment choisir l'histoire à raconter

31:03 Producteur exécutif pour une plateforme — ce que ça implique

34:40 Plusieurs projets en développement en parallèle

35:44 La confiance, élément central avec les scénaristes

39:02 Une collaboration difficile avec un producteur

41:09 Des scénaristes doués mais pas adaptés au projet

42:14 Adapter une série dont on a déjà l'idée

45:39 Des personnages marqués vs des personnages effacés

48:53 Netflix et les diffuseurs — comment ça se passe vraiment

50:09 Le réseau et le casting — trouver la bonne actrice

53:37 Si elle était scénariste, ce qu'elle écrirait pour France TV

59:16 Un projet qui n'a malheureusement pas passé la barre

1:00:24 Une série à contre-courant et son parcours d'acquisition

1:03:12 Produire entre deux pays — la coproduction belge

1:07:36 Avoir son propre label de production

1:10:09 Le mainstream et les tendances de sujets

1:14:33 Produire une série d'action féministe

1:18:22 Le fantastique comme genre de prédilection

1:19:25 La simplicité comme exigence émotionnelle

1:22:12 Les changements de texte de dernière minute

1:28:28 Questions flash — Cobra Kai saison 2

#MyriamGharbiDeVasselot #Productrice #PodcastSéquence #FictionFrançaise #SériesAudacieuses #Scénariste #Audiovisuel #Développement #Streaming

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Fabien Montagner est scénariste et réalisateur. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de sa série fantastique tournée en Occitanie sans détour : comment on finance un projet hors des circuits parisiens habituels, pourquoi tourner en région impose des contraintes créatives qui deviennent des forces, comment construire un mystère sur la disparition d'un père dès le pilote, et ce que coûte vraiment une scène de tempête en montagne. Un épisode indispensable pour tout scénariste, réalisateur ou producteur qui veut comprendre comment produire de la fiction ambitieuse en dehors des grands centres de production.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:09 Présentation de Fabien Montagner

05:42 De scénariste à savoir tout faire — un parcours touche-à-tout

09:14 Les courts-métrages — apprendre la mise en scène sur le tas

17:13 La différence entre écrire pour le court et pour le long

19:45 Le premier long-métrage — un film fragile mais nécessaire

25:06 Comment le projet de série a été présenté en développement

28:58 La genèse de la série — un trio de femmes et un mystère

35:32 Le rapport avec le producteur — investissement et confiance

36:30 La question d'une saison 2

39:00 Le mystère du père disparu — construire l'arc narratif

44:25 Pourquoi tourner en Occitanie plutôt qu'ailleurs

45:52 Est-ce reproductible dans une autre région ?

48:15 Tourner en montagne — logistique et budget

51:01 Le surcoût du vent et des conditions extrêmes

53:21 La direction d'acteurs sur une série fantastique

58:35 Construire l'intuition visuelle du genre fantastique

1:00:29 La structure du pilote — qui part, qui reste

1:04:38 L'apport des comédiens sur l'écriture

1:11:56 Pas de flingue — un choix de mise en scène assumé

1:13:25 Les calculs économiques de la production en région

1:18:23 Le crédit d'impôt régional — comment ça fonctionne vraiment

1:24:11 Le format de diffusion sur France 3 Occitanie

1:28:33 Questions flash — Whiplash et l'héritage cinéphile

#FabienMontagner #SérieFantastique #PodcastSéquence #ProductionRégionale #Scénariste #FictionFrançaise #Occitanie #Audiovisuel #Développement

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Déborah Hadjedj-Jarmon est scénariste et script doctor. Dans cet épisode, elle ouvre les coulisses de son métier sans détour : ce qui distingue un projet produit d'un projet qui reste dans un tiroir, comment elle a écrit pendant ses deux grossesses, pourquoi elle ne s'interdit jamais de proposer une scène même contre l'ADN d'une série, et comment elle gère le syndrome de l'imposteur après des années de carrière. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou script doctor qui veut comprendre ce qui fait vraiment la différence entre un projet qui se monte et un projet qui s'arrête.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

05:22 Présentation de Déborah Hadjedj-Jarmon

06:13 L'avantage d'avoir une double casquette en écriture

09:11 La bourse Gardire en 2018 — un tournant de carrière

11:14 Écrire seule ou à deux — les avantages de chaque méthode

13:32 Devenir directrice littéraire — un choix assumé

14:57 Les critères qui font la différence entre les auteurs

17:26 Écrire pendant ses deux grossesses

20:16 La maison en face — une série addictive

21:57 Adapter un format sans trahir l'œuvre d'origine

25:30 Acquisitions, coproduction — les spécificités d'Amazon

28:39 Construire une bible claire pour vendre un projet

30:16 Le déni scénaristique — broder pour imposer sa vision

33:13 Pitcher une série comme Breaking Bad — les pièges

40:28 Le contact dans une maison d'édition et la vigilance partagée

43:00 Faire comme les Anglais — moins de versions, plus d'exigence

44:24 Le scénariste boulimique qui ne s'arrête jamais

46:43 La phase de développement — où tout est encore possible

51:26 Apprendre à ne plus être au service des autres en littéraire

53:31 Les personnages paradoxaux — ce qui fait un bon personnage

55:01 Character driven — son attirance naturelle pour ce mode d'écriture

56:08 Trophée de la femme — la légitimité en tant que scénariste

1:00:42 Un scénariste confirmé et la question des compromissions

1:03:48 Ne rien s'interdire — l'ADN d'une série et ses limites

1:08:26 Le script doctoring — flexibilité et adaptation

1:11:37 Les adaptations de roman — comment on la contacte

1:13:42 Une œuvre née à Prague — la délicatesse de l'adaptation

1:16:26 Le coût et les craintes autour d'une adaptation ambitieuse

1:21:58 L'âge d'or des séries américaines

1:23:05 Le projet le plus abouti et le mieux écrit selon elle

1:26:21 Les plateformes d'écriture comme Wattpad — un avenir possible

1:32:25 Questions flash — la série qu'elle aurait voulu écrire

#DéborahHadjedjJarmon #Scénariste #PodcastSéquence #ScriptDoctoring #FictionFrançaise #Adaptation #Audiovisuel #Développement #Storytelling

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Marc Herpoux est scénariste et enseigne l'écriture de scénario. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son métier sans détour : pourquoi il a abandonné les Beaux-Arts pour la communication avant de revenir à l'écriture, ce qu'un personnage doit perdre pour générer une vraie intrigue, pourquoi les gens heureux n'ont pas d'histoire, et quel est selon lui le vrai tabou aujourd'hui en fiction française. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou enseignant qui veut comprendre les fondations de la dramaturgie.

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CHAPITRES

00:00 Introduction

03:39 Présentation de Marc Herpoux

04:13 Les Beaux-Arts et la musicalité des mots

08:04 Un détour par la publicité et la communication

13:25 Le découpage technique — case par case

17:00 La connivence entre scénariste et réalisateur

21:13 Un univers barré sans perdre le réel

23:58 Construire une enquête sans fil rouge sur 30 ans

28:01 L'intérêt d'ouvrir et de fermer une intrigue

33:39 La communication avec le diffuseur — les objectifs

38:21 Faire attention au visuel proposé à la chaîne

40:33 Le parallèle avec HPI évoqué par l'animateur — et l'adaptation américaine avortée de Pigalle

44:48 La promesse d'un projet — y croire jusqu'au bout

48:47 Les années 80 comme matrice de fiction américaine

51:27 Le tout début — comment il est arrivé dans le métier

56:24 Le moteur sériel — plusieurs histoires qui se croisent

59:03 Le découpage filmique comme clé de la narration

1:01:18 Les différences entre ce qui est écrit et ce qui est tourné

1:04:06 Analyser Apocalypse Now et Le Mépris en formation

1:11:12 Pourquoi il faut deux personnes pour porter un projet

1:13:41 La dramaturgie comme conflit — pas de conflit au paradis

1:19:15 L'intrigue naît de ce qui n'évolue pas

1:26:02 Le vrai tabou aujourd'hui n'est pas le sexe

1:28:33 Pourquoi des projets de confiance ne se font pas

1:30:33 Les rapports de force dans la profession

1:31:57 Questions flash — Lost Highway, Mulholland Drive, Plein Soleil

#MarcHerpoux #Scénario #PodcastSéquence #Dramaturgie #Scénariste #FictionFrançaise #Enseignement #Audiovisuel #Storytelling #Écriture

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Manuel Alduy est directeur du cinéma de France Télévisions. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son métier sans détour : comment 500 projets de films deviennent 250 productions puis 100 diffusions, pourquoi il a lancé les French Frayers il y a 20 ans chez Canal+, comment se prennent les décisions de coproduction internationale, et quel genre manque cruellement au cinéma français aujourd'hui. Un épisode indispensable pour tout scénariste, producteur ou auteur qui veut comprendre comment un diffuseur pense, choisit et finance le cinéma.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

03:03 Présentation de Manuel Alduy

05:53 Un moment de rupture dans la filière cinéma

11:23 Les deux leçons retenues de Canal+ — l'offre et l'éditorialisation

14:39 Les French Frayers — l'histoire du cinéma de genre chez Canal+

17:35 Les critères qui valident un dossier de financement

19:25 Le cinéma de genre chez France Télévisions aujourd'hui

24:46 La chronologie des médias et le décalage avec le public

26:50 Construire des rituels — l'opération Halloween qui a raté

28:46 Les quatre axes éditoriaux du cinéma chez France Télévisions

30:03 Le cinéma sociétal et les soirées thématiques

31:28 Le cinéma d'auteur — comment on suit ou abandonne un auteur

45:24 Le financement des séries — un processus différent du cinéma

48:11 500 projets par an, 250 produits, 100 diffusés

50:42 Repêcher un film après un premier refus

52:50 Le projet regretté qui n'a jamais vu le jour

55:51 Une série ratée — ni assez sérieuse ni assez barrée

58:09 Ce qui manque au cinéma français — la romance

1:01:58 L'avantage de la coproduction internationale

1:10:42 Kaboul — pourquoi ce projet reste dans la ligne éditoriale

1:21:11 Le rôle du diffuseur après chaque projet

#ManuelAlduy #FranceTélévisions #CinémaFrançais #PodcastSéquence #Producteur #Audiovisuel #FictionFrançaise #Développement #Streaming

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Quoc Dang Tran est scénariste, showrunner et créateur de série pour Apple TV, Disney+, France 2 et HBO. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son parcours sans détour : pourquoi il a changé de métier à 35 ans, comment fonctionne vraiment une writers room à l'américaine, pourquoi il considère la bible comme un mal nécessaire, et ce qu'il a appris en enseignant à la Fémis et à la WGA. Un épisode indispensable pour tout scénariste, showrunner ou auteur qui veut comprendre comment se construit une carrière entre plateformes françaises et internationales.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:36 Présentation de Quoc Dang Tran

05:39 Changer de métier à 35 ans pour faire de la fiction

10:09 La chance et le travail — ce que le métier lui a appris

17:04 Un métier dont le premier maillon de la chaîne est rude

20:38 Inconsciemment incompétent — la courbe d'apprentissage

26:42 Comment un projet de série arrive jusqu'à une chaîne

28:46 La différence entre une chaîne classique et une plateforme

31:22 La bible — un mal nécessaire selon lui

34:09 L'intention derrière chaque scène

38:14 Une trilogie qui n'intéressait personne au début

42:25 La rencontre avec un producteur historique de la place de Paris

46:28 Gérer plusieurs diffuseurs sur un même projet

52:13 Devenir showrunner — une ascension progressive

53:35 La naissance d'un projet — la mécanique collective

58:44 Travailler avec un producteur — les rôles respectifs

1:03:22 La recherche documentaire pour ancrer une fiction

1:09:07 Enseigner à la Fémis et encadrer de jeunes scénaristes

1:10:37 La WGA aux États-Unis — ce qui change tout

1:21:02 Trouver son angle mort — l'apport d'un mentor

1:26:36 Pourquoi personne ne cherche certaines séries

1:30:35 Le scénariste, premier test de communication d'un projet

1:34:17 Les ingrédients d'une bonne histoire — deuil et amour filial

1:38:12 Questions flash — The Leftovers, Watchmen, Game of Thrones

#QuocDangTran #AppleTV #DisneyPlus #HBO #PodcastSéquence #Showrunner #FictionFrançaise #Scénariste #Audiovisuel #Développement

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Stéphane Carrié est scénariste et cocréateur de HPI. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses du succès de la série sans détour : comment le personnage de Morgane est né d'un brouillon presque jeté, ce que le polar français doit aux séries américaines comme CSI, comment se construit une bible en cours de route plutôt qu'avant l'écriture, et pourquoi il dit toujours oui à un producteur même quand il pense non. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou fan de fiction française qui veut comprendre comment naît un carton de l'audiovisuel français.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:06 Présentation de Stéphane Carrié

04:05 Un profil d'auteur atypique — comment il est entré dans le métier

07:30 Premiers pas et rencontre avec une productrice clé

09:31 Les sitcoms du câble — l'apprentissage du métier

14:18 Écrire en équipe — la naissance d'une vraie room d'écriture

22:29 Le flashback comme outil narratif

27:08 La structure en actes — comment une room américaine fonctionne

34:06 L'héritage des séries policières américaines en France

39:21 CSI et l'influence cachée sur le polar français

42:05 Reproduire l'esthétique américaine avec des moyens français

45:27 La genèse du personnage de Morgane

48:38 Une bible développée de manière décousue

50:37 Les versions successives du scénario — ce qui reste secret

52:46 Morgane n'était pas le personnage prévu au départ

55:14 Audrey Fleurot — le hasard qui fait bien les choses

1:00:34 La Guilde des scénaristes — pourquoi s'engager

1:02:03 L'enfer du développement vs la commande

1:06:21 La relation avec le dessinateur sur la bible graphique

1:09:17 Les critères pour adhérer à la Guilde

1:13:31 Le syndrome de la page blanche

1:16:44 Le travail de documentation — varier selon les projets

1:24:16 Comment répondre à un refus de producteur avec diplomatie

1:29:15 La bible de saison — un document vivant

1:33:09 La rapidité des décisions face aux contraintes budgétaires

1:38:53 Questions flash

#StéphaneCarrié #HPI #PodcastSéquence #FictionFrançaise #Scénariste #Polar #Audiovisuel #Développement #Storytelling #GuildeDesScénaristes

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Marc-Olivier Louveau est scénariste, consultant et auteur du Grand Manuel du scénario. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de sa méthode sans détour : comment identifier la thèse d'un film, pourquoi l'accident de vie d'un personnage est la clé de toute structure, comment Reservoir Dogs illustre la dramaturgie pure, et pourquoi tant de scénaristes se trompent de blocage affectif. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou réalisateur qui veut comprendre les mécaniques profondes d'un scénario solide.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:12 Présentation de Marc-Olivier Louveau

03:33 Le Grand Manuel du scénario — genèse et deuxième édition

05:40 Qu'est-ce qu'une bonne idée selon lui ?

08:33 L'introspection nécessaire de l'auteur

12:23 Reservoir Dogs — la thèse, le vécu, la structure

16:32 La thèse comme moteur de toute grande histoire

20:18 L'antagoniste qui porte sa propre thèse

24:16 Éviter l'exposition dans le dialogue

28:21 Inverser la thèse — la mécanique du climax

30:50 Trouver l'accident de vie du personnage

34:11 Le blocage affectif — l'erreur la plus fréquente des scénaristes

40:32 La logline — comment la formuler vraiment

43:53 Écrire est-ce un métier ou une vocation

47:10 Le rapport de force avec les producteurs

53:44 L'incident déclencheur — la mécanique exacte

58:25 Le milieu, le deuxième acte et le choc

1:01:32 Reservoir Dogs — exemple détaillé de structure

1:06:37 Un film rare sur l'écriture elle-même

1:08:25 Identifier le besoin interne du personnage

1:13:25 La hiérarchie des enjeux dans un roman vs un scénario

1:17:16 S'ennuyer en lisant — le pire verdict possible

1:19:22 Le genre polar et ses attentes spécifiques

1:26:12 Les cours gratuits sur sa chaîne

1:29:51 Questions flash

#MarcOlivierLouveau #GrandManuelDuScénario #Scénario #PodcastSéquence #Structure #Scénariste #Dramaturgie #Audiovisuel #FictionFrançaise #Storytelling

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Boris Szames est journaliste cinéma. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son enquête coécrite avec Loris Dru-Lumbroso — une plongée dans l'École de la Cité à craquer — sans détour : comment fonctionne le système, ce qu'ont vécu les élèves, pourquoi personne n'a parlé pendant des années, et comment une initiative pédagogique peut basculer vers une organisation problématique. Un épisode indispensable pour comprendre les dynamiques de pouvoir, de transmission et de domination dans l'industrie du cinéma français.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:30 Présentation de Boris Szames

05:02 Comment il est devenu journaliste cinéma

06:15 Qu'est-ce que l'École de la Cité — histoire et ambition

08:33 Comment l'enquête a démarré — le premier témoignage en 2012

14:27 Pourquoi les victimes n'ont pas parlé — la peur du milieu

18:52 Comment l'enquête a pivoté vers les VSS

21:03 L'objectif de l'enquête — libérer une parole, pas obtenir justice

22:00 La boîte mail MeToo École de la Cité — recueillir les témoignages

22:43 L'affaire Sand Van Roy — les plaintes

28:02 Les témoignages les plus marquants — deux cas détaillés

32:03 Le viol en soirée étudiante — un climat qui infuse partout

32:31 Comment valider ses sources — croiser, recouper, prouver

35:04 La méthode de prédation — comment le système se construit

36:28 Le culte de la personnalité — Isabelle Agid et la cour

39:11 Ce qu'on apprenait à l'école — se donner jusqu'à l'épuisement

40:07 Arthur Malédiction — la génération sacrifiée du COVID

42:08 Les challenges — pitcher gratuitement pour des marques

51:05 Europa Corp et l'école — une frontière poreuse

54:05 Les cinq versions de l'article — ce qui a changé

57:16 Comment se blinder juridiquement — conditionnel, preuves, contradictoire

01:01:09 Les représailles — lettre d'avocat, appels, pression sur les victimes

01:07:08 Cas isolé ou symptôme du système ?

01:11:29 Les personnalités passées à l'école — parrains et masterclasses

01:14:38 La fin de l'école — fermeture, réouverture, abandon silencieux

01:18:07 Questions flash — Le Locataire, Paris Hollywood, Is This Thing On

📝 Enquête publiée dans So Film n°114 — coécrite par Boris Szames et Loris Dru-Lumbroso. Disponible en kiosque, gares, aéroports et sur sofilm.fr

#BorisSzames #LorisDruLumbroso #EcoleDeLaCité #SoFilm #PodcastSéquence #CinémaFrançais #Enquête #VSS #Journalisme

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Marie Eynard est scénariste et storyboardeuse. Dans cet épisode, elle ouvre les coulisses de son parcours sans détour : comment on passe du storyboard pour Paul Verhoeven à l'écriture de scénario, ce que ça change vraiment d'avoir dessiné des centaines de découpages avant d'écrire ses propres histoires, comment elle a adapté La Promesse de l'aube de Romain Gary sans trahir le livre, et comment elle construit OVNI(s) pour Canal+. Un épisode indispensable pour tout auteur, scénariste ou dessinateur qui veut comprendre comment le découpage nourrit l'écriture.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:40 Présentation de Marie Eynard

03:46 Comment l'écriture et le dessin s'imposent dès l'école primaire

05:13 Une enfance entre la France et l'étranger — la solitude comme moteur créatif

07:56 La découverte du storyboard — les débuts sur les plateaux

09:14 Études de cinéma et rencontre avec un théoricien du découpage

16:17 Premiers pas en série — comment un projet arrive jusqu'à M6

20:28 Le studio d'effets spéciaux et l'expérience Paul Verhoeven

23:21 Un stage non payé de 2 mois qui change tout

26:41 Le court-métrage qui ouvre la porte à l'écriture

28:11 Le storyboard en parallèle de l'écriture de scénario

29:36 Adapter La Promesse de l'aube de Romain Gary — ne pas trahir le livre

34:09 Le mensonge et la réalité dans l'œuvre de Romain Gary

38:32 La structure en trois actes appliquée à un texte autobiographique

42:08 Les contraintes de cible en fiction télé

50:41 OVNI(s) — le concept et la genèse de la série

1:01:18 Plot driven vs character driven dans l'écriture

1:05:37 Le séquencier comme outil de travail

1:08:36 Storyboard et scénario — comment les deux dialoguent

1:13:16 L'enseignement du découpage en France — un manque

1:18:36 Les genres qui manquent encore en France

1:22:09 Questions flash

#MarieEynard #OVNI #Storyboard #PodcastSéquence #FictionFrançaise #Scénariste #CinémaFrançais #PaulVerhoeven #Audiovisuel #Développement

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Steven Mitz est coscénariste du Fil avec Daniel Auteuil — 700 000 entrées, sélection à Cannes. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son parcours sans détour : comment il est passé de styliste à scénariste sans aucune formation, en lisant des scénarios chez Orange Studio et en dévorant tous les livres de méthode existants, comment fonctionne la coécriture avec Daniel Auteuil, et pourquoi l'indexation au budget du film est le conseil contractuel le plus important qu'on lui ait jamais donné. Un épisode indispensable pour tout scénariste autodidacte, auteur ou coscénariste qui veut comprendre comment se construit une carrière sans école.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:26 Présentation de Steven Mitz, coscénariste du Fil avec Daniel Auteuil

04:28 Comment l'écriture est entrée dans sa vie

05:17 Styliste reconverti — vendre sa boîte pour faire du cinéma

07:00 Lecteur chez Orange Studio — apprendre en lisant des scénarios

08:21 Le premier projet — un 10x10 pour Studio Plus

10:06 Le pitch de départ — une jeune femme dans la scène skate californienne

11:54 Comment les idées arrivent aujourd'hui

13:00 Désir, point de vue, documentation — la méthode Steven Mitz

14:08 Les livres de scénario lus en un an — Truby, McKee, Seger, Snyder

15:40 Pourquoi Save the Cat reste la meilleure méthode selon lui

17:51 Ce que les films lui ont appris que les livres ne peuvent pas

18:55 60% commandes, 40% projets personnels — l'équilibre à tenir

23:30 Références — Billy Wilder, James L. Brooks, Jean-Loup Dabadie

28:26 Billy Wilder et le sens du payoff parfait

33:58 La genèse du Fil — un blog de Maître Mô acheté par la productrice

36:41 L'angle trouvé — un avocat de 70 ans face à une affaire qui le dépasse

38:19 Comment Daniel Auteuil est devenu scénariste ET acteur du film

40:26 Coécrire avec Daniel Auteuil — intuition contre technique

43:05 Pas d'ego sur le sujet — défendre une idée jusqu'à preuve du contraire

46:00 Du traitement au dialogué — les étapes concrètes

47:48 Trois temporalités entrelacées — la structure du Fil

49:02 La référence Elephant de Gus Van Sant — le double point de vue

52:01 Écrire Grégory Gadebois comme un enfant de 9 ans

54:23 Le midpoint du film — le moment où tout bascule

56:05 Gaëtan Roussel — pourquoi un chanteur peut devenir acteur

59:37 Accepter que la V1 soit imparfaite — les règles Pixar du storytelling

1:01:35 Combien de versions pour Le Fil

1:03:33 Ce qui a été coupé au tournage et ce qui a été ajouté

1:07:10 Ce que Daniel Auteuil a apporté en observant les vrais avocats

1:09:11 Être disponible pour les ajustements pendant le tournage

1:12:32 L'indexation au budget du film — le conseil le plus important

1:14:56 Ce que rapporte concrètement un film à 3-4 millions de budget

1:17:00 L'IRCEC — la cotisation que personne ne paie au début

1:19:09 La répartition des droits SACD sur une œuvre adaptée

1:21:14 Négocier la répartition entre coauteurs avant le tournage

1:23:43 Comment trouver son premier agent sans formation

1:25:03 Écrire et taper à toutes les portes — la méthode pour débuter

1:25:41 Le Fil en Italie et les ventes internationales

1:27:29 Anatomie d'une chute — le revival des films de procès

1:31:49 Questions flash

#StevenMitz #LeFil #DanielAuteuil #PodcastSéquence #Scénariste #Autodidacte #FictionFrançaise #CinémaFrançais #Audiovisuel #Storytelling

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Milan Mauger est coscénariste d'Un petit truc en plus, aux côtés d'Artus et Clément Marchand — 10 millions d'entrées, 25e plus grand succès du cinéma français depuis 45 ans. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses du film sans détour : comment 15 ans de galère et des dizaines de projets non aboutis ont précédé ce carton, pourquoi ils ont enlevé de la dramaturgie à mesure qu'ils écrivaient, comment fonctionne l'écriture à trois avec Artus, et ce que 10 millions d'entrées rapportent vraiment à un scénariste. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou acteur-scénariste qui veut comprendre comment naît un succès populaire.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

03:08 Présentation de Milan Mauger, coscénariste d'Un petit truc en plus

04:35 10 millions d'entrées — ce que ça fait vraiment

07:05 Les premiers chiffres le soir de la sortie

09:23 Le parcours — acteur d'abord, scénariste ensuite

11:28 Écrire pour s'écrire des rôles — le premier réflexe des acteurs

13:37 15 ans de galère — les projets qui ne se font pas

16:17 Écrire pour d'autres comme clé de libération

18:42 Où trouver son inspiration quand on écrit

21:05 Le facteur chance — et pourquoi il ne suffit pas

24:49 Vendre un projet en cinq lignes — la vraie compétence

26:40 Comment tester la solidité d'une idée avant d'écrire

28:05 La rencontre avec Artus et Clément Marchand

29:07 Comment Un petit truc en plus a été développé

31:01 Écrire à trois — comment ça fonctionne concrètement

33:19 Pourquoi Artus joue Sylvain mais pas handicapé tout le film

36:06 Du synopsis au séquencier — les étapes de Milan

38:25 Formation au CEA — ce que ça change après 10 ans d'autodidacte

41:00 Pourquoi on a enlevé de la dramaturgie à mesure qu'on écrivait

43:47 Pourquoi un personnage gentil dès le départ peut tout changer

46:16 La sincérité comme moteur du succès populaire

47:03 Le précédent Intouchables et les films sur le handicap

49:03 Démasqué au bout de 25 minutes — un parti pris risqué

50:02 Faire du divertissement de qualité sans s'excuser

51:25 Le problème des séries trop longues sans concept sériel

53:01 La série Netflix avec Artus — 6x30 et concept fort

56:00 Commande ou projet personnel — quelle différence

58:06 Les séances d'écriture à trois avec Artus

1:00:08 Les arches de personnages — ce qu'on garde, ce qu'on gomme

1:02:23 Écrire pour d'autres libère l'ego

1:03:20 Visualiser un acteur pour écrire — méthode personnelle

1:06:02 Qu'est-ce que veut le personnage — la question de base

1:07:19 Le tableau réseau de personnages de Vincent Robert

1:09:03 Identifier le sujet du film en un mot

1:11:50 Imaginer la bande-annonce pour trouver la tâche du film

1:14:47 Ce que 10 millions d'entrées rapportent concrètement à un scénariste

1:16:25 Ce qu'on ne peut plus accepter — écrire sans être payé

1:17:06 Le fond de soutien CNC — une idée pour mieux protéger les auteurs

1:19:12 Comment s'est négocié le contrat sur Un petit truc en plus

1:21:25 Minimum syndical et droits d'auteur sur un succès

1:26:19 Après le succès — refuser des projets qui ne vous ressemblent pas

1:28:25 La série France 2 en prime time — prochaine étape

1:31:13 Options, bibles, plateformes — le serpent qui se mord la queue

1:36:19 Questions flash

#MilanMauger #UnPetitTrucEnPlus #Artus #PodcastSéquence #Scénariste #FictionFrançaise #Audiovisuel #Storytelling #CinémaFrançais #Développement

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François Descraques est créateur du Visiteur du Futur et réalisateur de Mortel Raclette pour Canal+. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son métier sans détour : pourquoi il a mis six ans à trouver la bonne histoire de son premier long-métrage, comment fonctionne sa matrice personnelle pour structurer un projet, ce que les producteurs apportent vraiment, et ce que personne ne dit sur les rémunérations en long-métrage. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou réalisateur qui veut comprendre les vrais ratios, les vrais contrats et les vraies failles du système.

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CHAPITRES

00:00 Introduction

01:57 Présentation de François Descraques

05:15 Comment l'envie de raconter des histoires est née

07:31 Les premiers contrats — l'importance d'une validation professionnelle

10:39 Foncer sans attendre la permission

11:52 Comment valider une bonne idée aujourd'hui

13:28 Pourquoi la télé anglaise est en avance sur tout le monde

16:33 Le Visiteur du Futur — de la web-série au long-métrage

18:33 Annoncer un film sans avoir l'argent — le piège

19:34 Que faire de ses vieilles idées

21:16 Le ratio réel — un projet sur six se fait

23:50 Écrire partout, tout le temps — la méthode concrète

26:17 Mettre la barre très bas pour lancer la machine

30:09 Scénario ou roman — lequel est le plus dur

31:46 Troisième droite — comment un roman est né sur Twitter

33:14 Les livres de méthode de scénario — limites et utilité

37:30 La matrice personnelle — titre, pitch, personnages

41:54 Traitement, séquencier — rendre un personnage mémorable

47:14 Ce que les producteurs apportent vraiment — écouter le ressenti, pas les idées

50:03 Pourquoi le producteur doit s'approprier le projet

52:53 Combien de versions avant qu'un projet se fasse

55:04 Six ans pour trouver la bonne histoire du Visiteur du Futur

1:03:01 La séquence d'ouverture — la plus importante à écrire

1:07:58 Écrire pour une cible d'audience — mythe ou réalité

1:13:08 Contrats, agent, étapes de rémunération

1:17:05 Ce que personne ne dit sur les sommes en long-métrage

1:20:26 Les erreurs courantes dans l'industrie

1:22:05 Premier long, deuxième long — le vrai défi

1:25:09 Faire du genre en France — les failles du système

1:31:30 Conseils pour un jeune scénariste aujourd'hui

1:32:37 L'IA comme outil de création — jusqu'où

1:34:11 Questions flash

#FrançoisDescraques #LeVisiteurDuFutur #MortelRaclette #PodcastSéquence #Scénariste #FictionFrançaise #Audiovisuel #Storytelling #CinémaFrançais #Développement

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Claire Barré est romancière et scénariste, notamment de Un monde plus grand, Police et Boléro. Dans cet épisode, elle ouvre les coulisses de son métier sans détour : pourquoi attendre l'inspiration pour écrire est une erreur, comment écrire 10 sketches par jour aux Minikeums a tué chez elle l'angoisse de la page blanche, comment un prix Sopadin peut ouvrir les portes du cinéma, et ce que cache vraiment la réalité économique du métier de scénariste. Un épisode indispensable pour tout auteur, romancier ou scénariste qui veut comprendre où naissent vraiment les idées.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

01:56 Présentation de Claire Barré

04:46 Comment l'écriture est arrivée dans sa vie

07:14 Du théâtre au scénario — un chemin inattendu

11:15 Les Minikeums — écrire 10 sketches par jour pour tuer l'angoisse de la page blanche

14:36 Pourquoi il ne faut pas attendre l'inspiration

16:07 Comment les scénaristes trouvent vraiment leurs idées

19:32 Le Prix Sopadin 2014 — écrire seule pendant un an

22:14 Comment un prix ouvre les portes du cinéma

25:24 Chamanisme et écriture — quel lien ?

33:15 Méthode d'écriture — structure, actes, dramaturgie

41:48 L'importance des personnages sur le plot

43:48 Écrire des dialogues — la musique avant les mots

50:19 Adapter un livre au cinéma — Un monde plus grand

57:30 Quand les contraintes budgétaires réécrivent le scénario

1:04:11 Les trois écritures d'un film — papier, tournage, montage

1:08:38 Post-its, Final Draft — méthode de travail concrète

1:12:01 Argent, contrats et réalité économique du métier

1:16:49 Comment est payé un scénariste sur un long-métrage

1:20:20 Pas de chômage, pas de filet — la précarité du métier

1:25:34 Le rôle de l'agent au quotidien

1:33:58 Questions flash

#ClaireBarré #UnMondePlusGrand #Police #Boléro #PodcastSéquence #Scénariste #Romancière #FictionFrançaise #Audiovisuel #Storytelling

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Mathieu Leblanc et Thomas Mansuy sont scénaristes. Dans cet épisode spécial IP, ils ouvrent les coulisses de leurs adaptations sans détour : comment on s'approprie Belphégor, Lucky Luke et Astérix sans les trahir, ce que les ayants droit autorisent vraiment, pourquoi le fan service tue le récit, et comment on construit une vision d'auteur dans un cadre industriel contraint. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou fan de fiction française qui veut comprendre comment les grandes franchises se réinventent aujourd'hui.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction — 40e épisode de Séquence

05:06 Présentation de Mathieu Leblanc et Thomas Mansuy

05:42 Comment on se prépare à la sortie d'une série très attendue

08:26 Traduire l'énergie d'une BD en série — la méthode

13:21 Trouver un point d'entrée pour les nouvelles générations

15:12 La technique de l'écume — ce qui reste dans l'imaginaire collectif

18:25 Le pitch original — Logan ou l'Arme Fatale ?

20:12 Alban Lenoir — pourquoi lui, comment il incarne Lucky Luke

24:35 La notion de fan service — quand c'est trop, quand c'est juste

30:22 La morphologie des Dalton — le débat scénario vs fabrication

37:08 Le format 35 minutes — choix ou contrainte ?

42:12 Les ayants droit — Astérix vs Lucky Luke, deux logiques différentes

47:43 Les intouchables — Lucky Luke ne fume pas, ne tue pas, ne jure pas

50:41 IP et saison 2 — pourquoi c'est si difficile en France

52:35 L'industrie de la minisérie événementielle — le nouveau modèle

58:06 Les goodies de tournage — flingues et étoiles de shérif

01:00:21 La BD making-of de Guillaume Bouzard

01:03:28 Les intouchables sur Belphégor et Astérix

01:09:06 Les IP qu'ils rêvent d'adapter — et celles qu'ils ont refusées

01:15:17 Quel personnage de Lucky Luke vous représente le plus ?

01:16:34 Pourquoi devenir showrunner et passer à la production

01:19:20 Questions flash — remake, no-go, coup de cœur

#MathieuLeblanc #ThomasMansuy #LuckyLuke #Belphégor #Astérix #PodcastSéquence #IP #Adaptation #FictionFrançaise #Scénariste

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Kamel Guemra est scénariste et réalisateur. Dans cet épisode, il ouvre les coulisses de son parcours sans détour : comment on quitte l'IT à New York pour se lancer dans le cinéma, ce que ça veut vraiment dire d'être scénariste de développement pendant des années, pourquoi il a écrit 38 films dont vous n'en verrez que 10, et comment il pense la représentation sans essentialisation. Un épisode indispensable pour tout auteur, scénariste ou aspirant créateur qui veut comprendre comment on construit une carrière dans l'audiovisuel français aujourd'hui.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:07 Présentation de Kamel Guemra

05:02 De l'IT à New York à scénariste — le déclic

08:37 L'héritage artistique de sa mère chorégraphe — refusé puis assumé

12:32 La production comme passage obligé — monter sa boîte avec Mourad

16:16 Script doctoring — c'est quoi, comment ça marche

19:40 C'est tout pour moi — le premier film qui inscrit un scénariste

20:50 Scénariste de développement vs scénariste produit — la vraie différence

25:46 Blueprint d'auteur — comment les producteurs te perçoivent vs comment tu te vois

28:01 Du populaire exigeant — ses références de Kurosawa à Spielberg

33:07 La collaboration la plus éloignée de son univers — il n'en a pas

36:10 La commande — formation ou contrainte ?

41:20 Balle perdue — comment il est entré sur le projet

45:28 Adapter et dialoguer au service de la vision du réalisateur

49:07 La méthode d'écriture — papier crayon, thème, fond, forme

52:14 Character driven vs plot driven — la réponse de Scorsese

53:36 Les tropes et clichés — outils ou pièges ?

56:24 Essentialiser vs représenter — la nuance fondamentale

01:00:00 Un prophète — pourquoi ce film réussit là où d'autres échouent

01:04:11 Écrire des personnages féminins — les endroits qu'il s'interdit

01:13:48 Le travail sur les plateformes — comment ça s'est fait naturellement

01:23:28 Les États-Unis — une option ou pas ?

01:25:14 Quand un scénario est-il fini ? Jamais

01:28:54 Le roman La Caution — signé en 2018, toujours pas terminé

01:31:48 Questions flash — Al Pacino, Goodfellas, Anora

#KamelGuemra #PaxMassilia #BallePerdue #Carjackers #PodcastSéquence #CinémaFrançais #Scénariste #Diversité #Audiovisuel #Storytelling

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Donatien Burkard, producteur, et Frédéric Goetz, conseiller de programme à France Télévisions, concluent ce mois dédié à la collection Meurtres à. Dans cet épisode, ils ouvrent les coulisses de leur collaboration sans détour : comment naît un territoire pour un nouvel épisode, pourquoi certaines villes ne sont jamais retenues malgré plusieurs projets soumis, ce qu'implique le tournage avec un budget fixe quel que soit le scénario, et comment se choisit le duo de flics au cœur de chaque histoire. Un épisode indispensable pour tout scénariste, producteur ou auteur qui veut comprendre la mécanique complète d'une collection de fiction française à succès.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:45 Présentation de Donatien Burkard, producteur de Meurtres à

05:50 Comment s'est passée leur première rencontre

08:28 Du concept au séquencier — les premières étapes

10:43 L'idée du grand venneur — la genèse d'un projet

11:35 Pourquoi certaines villes ne sont jamais retenues malgré plusieurs projets

13:18 Terroir et folklore local — les ingrédients d'un bon épisode

17:14 Diffuser sans a priori — la posture du diffuseur

20:29 Le canevas déjà prêt et ses limites

22:30 La confiance acquise après plusieurs collaborations

27:32 La première scène, décrite dès le pitch

28:51 Un meurtre de trop pour la durée du format

30:38 Une histoire d'amitié au cœur de l'intrigue

32:56 Les aspects juridiques et les emplois générés

35:46 Le budget fixe, quel que soit le scénario

38:25 La rencontre avec un auteur — comment ça démarre vraiment

41:57 Le parcours de Frédéric dans l'univers des diffuseurs

44:44 La discussion avec la chaîne pour valider un projet

49:21 Les petits ajustements de tournage qui changent l'histoire

54:22 Un producteur clé et un partenariat de longue date

1:00:41 Pourquoi Meurtres à reste utilisé à fond comme format

1:09:21 La tête d'affiche — comment elle est choisie

1:13:36 Une nouvelle génération d'acteurs à l'image

1:15:36 L'arrivée du genre sur France Télévisions

1:19:25 La question de la diversité à l'antenne

1:22:31 Le rôle du producteur — optionner et porter les projets

1:31:51 Questions flash

#FrédéricGoetz #DonatienBurkard #MeurtresÀ #PodcastSéquence #Producteur #FranceTélévisions #FictionFrançaise #Audiovisuel #Développement #Storytelling

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Eddy Fluchon et Robin Barataud sont scénaristes sur Meurtres à. Invités sur le tournage par un producteur et un conseiller de programme, ils ouvrent les coulisses de la collection sans détour : comment fonctionne le système de fiches personnages pour éviter les répétitions entre épisodes, pourquoi une fausse piste doit être vite avalée dans un format de 90 minutes, ce que le 11e indice change dans la mécanique de l'enquête, et pourquoi les chaînes ne disent jamais non à un genre qui fonctionne. Un épisode indispensable pour tout scénariste de polar ou de collection qui veut comprendre l'envers du décor d'un format bouclé à succès.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction

04:13 Présentation d'Eddy Fluchon et Robin Barataud

07:05 La rencontre entre les deux scénaristes

11:36 Le moment où la collaboration démarre vraiment

14:32 Comment commence le pitch d'un épisode

17:02 Le rapport avec la chaîne et ses exigences spécifiques

19:09 La contrainte du format — écrire un film sûr en 90 minutes

22:47 Les réunions diffuseur et les batailles à mener

26:24 Le système de fiches personnages pour éviter les répétitions

27:43 Étudier 15 à 20 saisons avant de se lancer

31:22 Les catégories de séries policières et leurs évolutions

36:23 La méthode d'écriture personnelle, livre et structure

39:44 Final Draft — un outil indispensable à l'écriture

43:23 Garder l'intrigue secondaire concentrée sur l'essentiel

52:18 L'indice qui se déploie sur 90 minutes

53:18 La fausse piste — vite avalée dans le format

56:33 Travailler avec des scénaristes qui connaissent leur boulot

59:08 Passer du rouge au bleu — astuce d'écriture concrète

1:03:25 Au cœur de Meurtres à — la genèse de la collection

1:04:26 Le rôle du storyboarder sur la collection

1:09:53 Les astuces de production qui influencent l'écriture

1:13:11 Le syndrome de la page blanche assumé sans détour

1:17:27 Le risque de se planter en sortant des formats bouclés

1:21:06 Les chaînes ne disent jamais non à un genre qui marche

1:28:22 Plus de 45 séries au compteur

1:33:48 Questions flash

#EddyFluchon #RobinBarataud #MeurtresÀ #PodcastSéquence #Scénariste #Polar #FictionFrançaise #Audiovisuel #Storytelling #Développement

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Pour ce dernier épisode de pitch, l'équipe présente Les Gardiens à Mélissa Msalmi, productrice. Dans cet épisode, elle réagit sans détour au projet : comment positionner un thriller teinté de fantastique sans trop en faire, pourquoi une héroïne qui n'est pas flic change toute la mécanique de l'enquête, ce qui risque de s'essouffler si la série n'est pas resserrée, et ce qu'un dossier écrit doit absolument contenir pour convaincre un diffuseur. Un épisode indispensable pour conclure ce cycle de pitch avec un dernier regard professionnel sans concession.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard, avec Déborah Hadjedj-Jarmon & Joris Morio

CHAPITRES

00:00 Introduction

03:21 Présentation de Mélissa Msalmi

04:43 Plonger dans les premières scènes du pitch

07:33 L'enquête médicale qui démarre sur l'île

11:21 Entre les vivants et les morts — les thématiques centrales

13:10 Le dilemme de Jean — cacher sa lignée druidique

17:11 La fête de la Saint-Jean comme événement déclencheur

21:33 Thriller teinté de fantastique — où placer le curseur

23:21 La référence Stephen King évoquée

26:30 Ce qui risque de s'essouffler dans la série

27:49 Une héroïne qui n'est pas flic — un choix narratif fort

33:25 Le fantastique léger comme tendance éditoriale actuelle

36:13 La façon dont le pitch a été présenté influence la perception

38:03 Ce qu'un dossier écrit doit contenir pour convaincre

42:32 Trouver le bon partenaire pour porter un projet

43:56 Le bilan après trois épisodes de pitch consécutifs

45:48 Le luxe de prendre 10-15 minutes pour pitcher en direct

#SéquencePodcast #SagaDété #LesGardiens #MélissaMsalmi #DéborahHadjedjJarmon #JorisMorio #FictionFrançaise #Pitch #Audiovisuel #Storytelling

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Solène Bouton est conseillère artistique fiction chez TF1. Dans cet épisode, elle ouvre les portes de la chaîne sans filtre : comment fonctionne un comité de lecture, ce qu'un diffuseur attend vraiment d'un pitch, pourquoi le polar bouclé commence à fatiguer, et ce que TF1 cherche vraiment aujourd'hui. Un épisode indispensable pour tout scénariste, auteur ou producteur qui veut comprendre comment une chaîne pense, décide et commande.

Animé par David Frécinaux & Maxence Pierrard

CHAPITRES

00:00 Introduction et départ de Maxence pour de nouvelles aventures

09:19 Présentation de Solène Bouton

12:04 Son parcours — actrice, lectrice, directrice littéraire, productrice

14:17 Les Combattantes — TF1 x Netflix, une expérience hors normes

16:44 Le quotidien d'une conseillère artistique chez TF1

18:10 La ligne éditoriale de TF1 — divertissement, sublimation du réel

20:25 Comment TF1 se positionne face à la digitalisation et Netflix

24:24 Les microdramas et la fiction verticale — où en est TF1 ?

25:53 Le baromètre du genre chez TF1 — jusqu'où peut-on aller ?

27:19 TF1 et le groupe — périmètre du rôle de conseillère

28:03 La relation auteurs / diffuseur — trouver le sweet spot

33:33 Premier contact avec un projet — le rôle du producteur

35:39 La forme idéale d'un dossier de présentation

38:06 Le passé de lectrice — filtrer, structurer, imaginer

39:09 L'IA dans le développement — outil ou menace ?

41:22 A-t-elle envie d'écrire ?

42:44 Le casting dans un premier pitch — est-ce déterminant ?

43:47 La thématique qu'elle veut voir arriver sur son bureau

47:24 Comment fonctionne le comité de lecture à TF1

50:19 Le personnage trop traumatisé — une tendance épuisée ?

51:33 High concept vs character driven chez TF1

52:00 Cat's Eye — l'IP, la nostalgie et l'enjeu humain

55:09 Les IP — atout ou faux ami ?

55:55 Le personnage qu'elle a préféré accompagner chez TF1

57:01 Les saisons 2 — pourquoi ça déraille et comment l'éviter

58:29 Les réadaptations françaises — bonne ou fausse bonne idée ?

1:00:36 Volume de fiction et budget chez TF1

1:02:05 La crise et l'appel à l'imagination

1:04:00 La suggestion du diffuseur — une œuvre collaborative

1:04:51 La culture du cliffhanger chez TF1

1:06:24 TF1 Plus x Netflix — contenus originaux digitaux

1:08:07 Ventes à l'international — Espagne, Italie

1:09:32 Les revivals — et Zodiaque qui arrive

1:10:20 Représentativité, diversité et engagement éditorial

1:11:38 Comment TF1 a évolué depuis 2019 et vers où elle va

1:14:20 Petits vs gros producteurs — y a-t-il une place pour tous ?

1:17:11 La fiction événementielle — tout doit être waouh

1:21:34 Questions flash — Chaînes jugales, Voyage à deux, Margo Got Money Problems

#SolèneBouton #TF1 #FictionFrançaise #Scénario #PodcastSéquence #ConseillerArtistique #Série #Développement #Audiovisuel

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Séquence, c'est le podcast des voix de la création. Scénario, cinéma, séries, storytelling — chaque épisode ouvre les coulisses d'un univers avec ceux qui le fabriquent.

Animé par David Frécinaux.

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Claire Dixsaut est formatrice au pitch depuis plus de 25 ans, à l'INA, à la Fémis et au CFJ. Dans cet épisode, elle ouvre les coulisses de son métier sans détour : pourquoi un bon pitch ne dure jamais plus de 7 minutes, comment gérer une salle hostile sans jamais la prendre à partie, pourquoi il ne faut surtout pas dire qu'un projet a un potentiel international, et comment elle a appris à pitcher alors qu'elle se considère elle-même comme la pire pitcheuse du monde. Un épisode indispensable pour tout auteur, scénariste, producteur ou créateur qui doit un jour défendre un projet à l'oral.

Animé par David Frécinaux

Pour suivre le travail de Claire :

https://lepitch.art/

claire@lepitch.art

Documentaires de long format, en anglais : https://www.youtube.com/@torscabinetofcuriosities

CHAPITRES

00:00 Introduction

02:10 Présentation de Claire Dixsaut

04:04 Comment elle est devenue formatrice au pitch malgré elle

05:11 Qu'est-ce qu'un pitch réussi — ce qui se passe après

07:09 Les deux erreurs les plus fréquentes en pitch

10:04 La règle des 7 minutes et les courbes d'attention

12:32 Sentir qu'un pitch est perdu en plein milieu — comment réagir

17:13 La phrase d'accroche vs la question piège

22:32 Faut-il dévoiler la fin d'une histoire en pitchant ?

24:14 Un bon projet peut-il être détruit par un mauvais pitch ?

29:01 Pitcher comme si l'interlocuteur n'avait rien lu

30:53 Le point commun entre les meilleurs pitchers — l'étincelle

33:42 Comment le pitch a évolué en 25 ans

48:32 L'humour en pitch — un atout risqué

50:08 Gérer une salle hostile ou indifférente

52:48 Pitcher à deux — auteurs, producteurs, la bonne mécanique

55:22 La salle de 400 personnes complètement larguée à Milan

1:00:00 Gérer l'interlocuteur trop investi qui monopolise la parole

1:05:00 Comment le pitch a changé selon les diffuseurs

1:06:57 Le meilleur conseil reçu — Luigi et son étui à contrebasse

1:11:01 Un exercice pratique à faire dès aujourd'hui

1:13:12 Les phrases qui tuent un pitch instantanément

1:14:46 Questions flash — repérer un auteur, le pire conseil, faut-il jouer un rôle

#ClaireDixsaut #Pitch #PodcastSéquence #Scénariste #Audiovisuel #CinémaFrançais #Formation #Storytelling

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