Der Podcast zur Kultur der Fotografie. In jeder Folge unterhält sich Alexander Hagmann mit wichtigen Personen aus der Fotografieszene. Dazu gehören Kurator*innen, Autor*innen, Kritiker*innen, Lehrende, Fotoredakteur*innen, Galerist*innen und viele mehr. Bei einer weiterhin steigenden Anzahl an produzierten Fotografien wird die Rolle der Verwertung, Nutzung, Distribution und Veröffentlichung der Fotografie immer größere Relevanz erhalten. Also werden auch die Personen, die diese Entscheidungen treffen, immer wichtiger. Zeit mit ihnen zu sprechen.
Neu: dieMotive FOKUS
Zwischen den monatlichen Gesprächen erscheinen regelmäßig kürzere Episoden. In jeder Kurzfolge steht eine einzelne fotografische Position im Mittelpunkt: ein Werk, eine Person, ein Bild, das es verdient, genauer betrachtet zu werden. Kein Interview, sondern eine konzentrierte Annäherung, die in fünf bis acht Minuten beleuchtet, was die Person oder das Werk so besonders macht.
Introsong dieMotive Podcast: Dollar Theatre by Jalen Warshawsky is licensed under a Creative Commons Attribution License.
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Data updated on 21/10/2026
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Bieke Depoorter klopft an fremde Türen und fragt, ob sie dort schlafen darf. Aus diesen Begegnungen entstehen Serien wie Ou Menya, As It May Be, The Beds I Slept In und Agata. In dieser Folge geht es um eine Fotografin, die ihre eigene Rolle mitfotografiert. Und um die Frage: Wessen Bild ist das eigentlich?
In dieser Folge geht es um Irving Penn, einen der prägenden Fotografen des 20. Jahrhunderts. Es geht um seine Corner Porträts ab 1948, die Arbeit Small Trades mit Arbeiterinnen und Arbeitern in Paris, London und New York und um sein tragbares Zeltstudio für Reisen bis nach Nepal und Neuguinea. Außerdem geht es um die Serie Cigarettes von 1972, um Penns Blumenbilder und um seine Platin Palladium Drucke.
In dieser Folge spreche ich mit Nela Eggenberger über ihren Weg vom Studium zur Chefredaktion von EIKON und zur Gründung des Magazins P.IN.E.A. Die Kunsthistorikerin war von 2013 bis 2025 Chefredakteurin von EIKON. P.IN.E.A gründete sie darauffolgend gemeinsam mit Pia Draskovits.
Wir sprechen über ihren Blick auf Fotografie: Welche Arbeiten interessieren sie? Wie entdeckt sie künstlerische Positionen für das Magazin? Und was macht P.IN.E.A aus?
Außerdem geht es um künstliche Intelligenz und die Frage, wo sich Grenzen zwischen Kunst, Fotokunst und Fotografie ziehen lassen. Auch ihre Juryarbeit und die Rolle von Konzepttexten sind Thema des Gesprächs.
Mary Ellen Mark fotografierte Menschen am Rand der Gesellschaft, mit Respekt und ohne Klischees. In dieser Folge steht ihr berühmtes Bild „The Damm Family in Their Car, Los Angeles, California, 1987“ im Mittelpunkt: eine obdachlose Familie, ihr Leben im Wagen und eine Geste, die das Bild macht. Über eine Fotografin, die die humanistische Fotografie geprägt hat wie keine andere.
In dieser Episode geht es um drei der berühmtesten Fotografien von Man Ray: Le Violon d'Ingres mit Kiki de Montparnasse, das kontrastreiche Noire et Blanche und das stille, emotionale Larmes, auch bekannt als Glass Tears. Wie diese Bilder entstanden sind, welche Frauen darauf zu sehen sind und wie eng bei Man Ray Kunst, Werbung und sein eigenes Liebesleben miteinander verbunden waren. Eine Folge über drei Fotos, die bis heute faszinieren.
Candida Höfer fotografiert öffentliche Räume, Bibliotheken, Museen, Opernhäuser, Universitäten, Banken, immer leer. Sie selbst erklärt: Was Menschen in solchen Räumen tun und was diese Räume mit Menschen machen, wird gerade dann am deutlichsten, wenn niemand da ist, so wie ein abwesender Gast manchmal genau deshalb zum Gesprächsthema wird.
Ein Porträt des Fotografen Joel Sternfeld, der die Widersprüche des amerikanischen Alltags ohne Kommentar zeigt und damit die Farbfotografie als Kunst etablierte. Von der frühen Beschäftigung mit Farbtheorie über das berühmte Bild mit dem Feuerwehrmann und den Kürbissen, das Schlüsselerlebnis in Rockaway bis zur mehrjährigen Reise mit VW-Bus und 8x10 Zoll Kamera: Daraus entstand American Prospects, eine der wichtigsten Arbeiten der New Color Photography.
Ein Gespräch mit der Kuratorin und Autorin Christin Müller über Fotografie als Medium, Ausstellungspraxis und fotografische Materialität. Es geht um Fotografie des 19. Jahrhunderts, analoge Verfahren, digitale Bilder und KI, künstlerische Dokumentarfotografie sowie um die Frage, wie Bilder Bedeutung erzeugen. Außerdem diskutieren beide den Umgang mit Archiven, Kontaktbögen und Kontextmaterial. Eine Folge über das, was Bilder zeigen. Und über das, was in ihnen offenbleibt.
Viviane Sassen zählt zu den interessantesten Fotografinnen zwischen Kunst und Mode. Ihre Bilder sind farbig, präzise und zugleich rätselhaft. Sie zeigt Körper, Orte und Menschen, ohne sie vollständig zu erklären. Gesichter verschwinden im Schatten. Figuren werden zu Flächen, Linien und skulpturalen Formen.
Von Flamboya führt die Folge zu Parasomnia, Umbra und Roxane II. Es geht um Erinnerung, Traum, Schatten, Zusammenarbeit und das Porträt als Begegnung. Außerdem folgt sie Sassens jüngeren Collagen und Bearbeitungen mit Farbe und Tinte. Viviane Sassen zeigt nicht einfach, wie die Welt aussieht. Sie zeigt, wie fremd, körperlich und offen sie werden kann.
Helen Levitts als „Spider Girl" bekanntes Bild zeigt ein Mädchen, das zwischen zwei Autos am Bordstein kauert, der Körper eigentümlich verrenkt. Es gehört zu den bekanntesten Motiven ihres Farbwerks. Das Metropolitan Museum datiert den Dye-Transfer-Abzug, ein Geschenk des Fotografen Lee Friedlander, auf 1980.
Diese Episode erzählt, wie Levitt über Jahrzehnte hinweg Kinder in New Yorker Straßen fotografierte, zunächst in Schwarzweiß seit den 1930er Jahren, beeinflusst von Henri Cartier-Bresson und Walker Evans, später in Farbe nach zwei Guggenheim-Stipendien. Trotz eines Einbruchs 1970, der viele frühe Farbarbeiten zerstörte, blieb sie ihrem Thema treu und wurde 1974 mit einer eigenen MoMA-Ausstellung gewürdigt. Wer das Mädchen war, ist bis heute unbekannt, wie bei fast allen ihrer Motive.
Artist Talk mit Sophie Thun im Rahmen von Rotlicht Festival, Prospekthof – Akademie der bildenden Künste Wien, Lehárgasse 8, Wien | 02.12.2026, 18:00 Uhr
Präzisierung: Sogar im professionellen Auftragsbereich reicht kaum vorhandenes Knowhow leider zunehmend aus, weil die meisten Kund:innen durch die digitale Bilderflut und KI z.T. verlernt haben, wie ein echtes Foto überhaupt aussieht. Gerade deswegen lässt sich etwa in der Werbung so ein massiver Qualitätsverlust beobachten.
@ 0:27:29
Ergänzung: Zumindest eine wirklich gute KI-Fotoarbeit – sowohl ästhetisch als auch konzeptionell – ist mir nach unserem Gespräch doch noch eingefallen: „What Darwin Missed“ von Joan Fontcuberta (siehe: https://www.aestiftung.de/ausstellungen/archiv/joan-fontcuberta/). Er ist auch einer der wenigen, den man die Beschäftigung mit KI wirklich abnimmt, da es perfekt zu seiner Arbeit passt, die immer schon das Thema Fiktion in der Fotografie umkreist.
Vortrag in Paris an der INHA, Salle Walter Benjamin:
Präzisierung: Sogar im professionellen Auftragsbereich reicht kaum vorhandenes Knowhow leider zunehmend aus, weil die meisten Kund:innen durch die digitale Bilderflut und KI z.T. verlernt haben, wie ein echtes Foto überhaupt aussieht. Gerade deswegen lässt sich etwa in der Werbung so ein massiver Qualitätsverlust beobachten.
Ergänzung: Zumindest eine wirklich gute KI-Fotoarbeit - sowohl ästhetisch als auch konzptionell - ist Nela nach unserem Gespräch doch noch eingefallen: "What Darwin Missed" von Joan Fontcuberta (siehe: https://www.aestiftung.de/ausstellungen/archiv/joan-fontcuberta/)
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