Arte essenziale - Una diversa storia dell'arte per il complicato mestiere di vivere – Details, episodes & analysis

L’arte può insegnarci a vivere meglio, se la interroghiamo nel modo giusto.

Sono Raffaella Arpiani, prof di storia dell’arte, youtuber, divulgatrice e autrice per Feltrinelli.

Arte Essenziale – Una diversa storia dell’arte per il complicato mestiere di vivere è il podcast che racconta opere, artisti e movimenti di ogni tempo come complici discreti, che ci accompagnano nel nostro percorso a ostacoli quotidiano.

In ogni episodio incontriamo un artista o un’opera. Non per memorizzare date o dati, ma per avvicinarci e scoprire che cosa abbiamo in comune: fragilità, pentimenti, paure, desideri, mancanze. E quell'ostinata ricerca di senso che ci fa restare ad occhi aperti anche nel pieno della notte.

Tra rigore storico e narrazione, ogni mercoledì esploriamo un dipinto, una scultura o un frammento di bellezza contemporanea in cui specchiarci. Per fare un passo più in alto. O più in profondità.

Perché l’arte, se osservata con attenzione, può trasformarsi in un meraviglioso strumento per aiutarci a trovare il nostro posto nel mondo.

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In una giornata assolata, che sa ancora d’estate, qualcuno si è tuffato in una piscina vuota. Vediamo gli spruzzi, come effetto di quel salto, ma non sappiamo chi si sia buttato. Il suo corpo è invisibile, sott’acqua. Un tuffo, un’assenza: cos’è un inizio? Un istante di luce o il vuoto che lo precede e lo segue? Come si fa a lasciarsi alle spalle l’estate, per cominciare una nuova stagione e un “nuovo anno scolastico”? Dove si trova il coraggio per iniziare? Come ci si butta in un nuovo lavoro, un nuovo progetto o una nuova relazione? Da che parte si comincia?

Io intanto do avvio a questa nuova avventura del podcast, con un dipinto di arte contemporanea di David Hockney, A Bigger Splash, che ci parla di coraggio, di cambiamento, di paura, di Los Angeles, California, di piscine, libertà, omosessualità e pop art inglese. Ma anche di Michelangelo Buonarroti, di Cappella Sistina, di sfide artistiche, della Tomba del tuffatore di Paestum, di Simposio e arte greca.

La storia dell'arte ci offre una prospettiva unica per affrontare le sfide della vita, incoraggiandoci a trovare il coraggio di "tuffarci" in nuove esperienze.

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David Hockney, A Bigger Splash, 1967, Tate Gallery, Londra

https://www.tate.org.uk/art/artworks/hockney-a-bigger-splash-t03254?utm_source=chatgpt.com

Tomba del tuffatore

https://www.pestum.it/photogallery/31-paestum_museo_tuffatore.jpg

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Music by Niccolò Mescia

Quando conosciamo persone nuove, tra scuola, lavoro e corsi di ogni genere, quanto è difficile presentarsi senza cadere nella trappola del confronto che ci inibisce e ci svaluta? Perché sembra sempre che non siamo mai abbastanza?

Da un lato i modelli di perfezione da cui siamo circondati ci fanno sentire costantemente inadeguati. Dall’altro il rischio dell’omologazione si annida dietro l’angolo, pronto a spegnere e appiattire le personalità più fragili. Ma se noi ce la vediamo brutta e rischiamo di cadere in depressione credendo di non essere all’altezza, gli artisti del manierismo se la passano decisamente peggio: vivono e lavorano nella stessa epoca e negli stessi luoghi in cui sono attivi personaggi del calibro di Leonardo, Michelangelo e Raffaello, per dire. Possiamo rivalutare i nostri tempi bui!

Cosa occorre fare per non essere sopraffatti già dal primo caffè del mattino e non sentirsi perdenti al primo contatto quotidiano con lo specchio? Prendiamo spunto dai manieristi, che scelgono la loro via, l’unicità, e inventano un linguaggio nuovo, strampalato e teatrale, che però è personale, originale e proprio per questo meraviglioso e vero.

La storia dell’arte ancora una volta ci propone una prospettiva unica per affrontare le sfide della vita, incoraggiandoci ad andare fieri della nostra voce, di chi siamo, del modo in cui camminiamo a testa alta nel nostro percorso irripetibile.

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Rosso Fiorentino, Deposizione di Volterra, 1521, Pinacoteca di Volterra

https://www.artribune.com/wp-content/uploads/2023/11/Rosso-Fiorentino-Deposizione-dalla-Croce-1521.-Generale-dopo-il-restauro.jpg

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Music by Niccolò Mescia

Michelangelo Merisi da Caravaggio oggi è osannato al pari di una rockstar, ma quando dipinge La morte della Vergine, agli inizi del ‘600, l’opera viene criticata e rifiutata, rispedita al mittente. Forse perché la Madonna è raffigurata scomposta, come una donna appena morta, con il ventre gonfio, le braccia a penzoloni e le caviglie in vista. O forse perché Caravaggio usa come modella per la donna più santa e pura mai esistita il cadavere di una prostituta annegata nel Tevere e ripescata nel malfamato quartiere di Testaccio. Una volta finito, il quadro non viene accettato dai committenti. Ma per nostra fortuna non va perso, perché il duca di Mantova lo compra grazie al lungimirante e spregiudicato suggerimento di un’altra rockstar del ‘600: Pieter Paul Rubens. Il dolore senza filtri evidentemente fa paura. Ma Caravaggio non arretra di un passo rispetto alla sua idea di pittura nuova e vera. E continua a inventare il suo linguaggio nudo, contrastato, che ci risucchia nel buio delle ombre tanto quanto ci fa innamorare della luce.

Noi come avremmo reagito davanti alla porta sbattuta in faccia e al “no, grazie”? Come affrontiamo le critiche, le stroncature o i rifiuti? Come reagiamo davanti ai presunti fallimenti?

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Caravaggio, Morte della Vergine, 1604-1606, Louvre, Parigi

https://collections.louvre.fr/en/ark:/53355/cl010062304

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Music by Carlos Carty (Freesound) from Pixabay

Music by Niccolò Mescia

Michelangelo Buonarroti a 24 anni realizza la Pietà del Vaticano, un gruppo scultoreo perfetto sotto ogni punto di vista. Nel pieno della maturità scolpisce Il giorno e alla conclusione della sua vita la Pietà Rondanini: opere drammatiche e sfuggenti, che impiegano la tecnica del non finito per ottenere una resa grossolana, appena abbozzata, che imprigiona le forme scolpite all’interno del marmo, come se volesse trattenerle a forza.

Tiziano, quando è ormai un gigante della pittura, comincia a dipingere con le mani, con dei bastoncini, “sporcando” una tecnica in origine di altissimo livello e ridipingendo gli stessi soggetti affrontati decenni prima, alla nuova maniera.

Picasso, che a quindici anni sapeva dipingere come un maestro tra i più acclamati, decide di rinunciare alla parvenza della perfezione per inventare lo scomodo linguaggio del cubismo.

Perché? E perché noi invece facciamo così tanta fatica ad abbandonare la nostra idea del “dover essere inappuntabili, in ordine, in apparenza perfetti”? Proviamo a fidarci di questi grandi?

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Michelangelo Buonarroti, Pietà del Vaticano, 1497-1499, Basilica di San Pietro, Città del Vaticano

https://www.museivaticani.va/content/dam/museivaticani/immagini/eventi_novita/iniziative/eventi/2022/127_pieta/01_pieta_vaticana.jpg/jcr:content/renditions/cq5dam.web.1280.1280.jpeg

Michelangelo Buonarroti, Il giorno, 1524-1534, Sagrestia nuova di San Lorenzo, Firenze

https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900281335-2#lg=1&slide=0

Michelangelo Buonarroti, Pietà Rondanini, 1547-1564, Museo della Pietà Rondanini, Castello Sforzesco, Milano

https://cultura.biografieonline.it/pieta-rondanini/pieta-rondanini-michelangelo-buonarroti/

Tziano Vecellio, Pietà, 1575-1576, Gallerie dell'Accademia, Venezia

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/59/Accademia_-_Piet%C3%A0_by_Titian.jpg

Pablo Picasso, Guernica, 1937, Museo Reina Sofia, Madrid

https://www.museoreinasofia.es/exposicion/piedad-terror-picasso

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Musica di Niccolò Mescia e Serge Quadrado

Davanti alla Strage degli innocenti di Giotto, una delle pagine più drammatiche della pittura trecentesca, non si può restare neutrali.

La crudeltà del potere, l’obbedienza cieca degli uomini, la disperazione delle madri, l'indifferenza e l'incapacità di reagire di tutti gli altri: è tutto lì, in un affresco dipinto ad Assisi più di sette secoli fa.

Un personaggio giottesco si ritrova dopo seicento anni perfino dentro Guernica di Picasso: una madre che tiene in grembo, disperata, il corpo senza vita di suo figlio, ucciso dai bombardamenti del 1937, che per la prima volta hanno fatto vittime tra civili innocenti.

Ma che senso ha raccontare oggi queste opere?

A cosa serve guardare il dolore, se non possiamo cambiare nulla?

A cosa serve la storia dell'arte?

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Giotto, Strage degli innocenti, 1309, Basilica Inferiore di San Francesco, Assisi

https://it.wikipedia.org/wiki/Strage_degli_innocenti_(Giotto)#/media/File:Giotto,_Lower_Church_Assisi,_The_Massacre_of_the_Innocents_01.jpg

Pablo Picasso, Guernica, 1937, Museo Reina Sofia, Madrid

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Musica e montaggio di Sas

Una donna è seduta da sola a un tavolino di un bar desolato e vuoto. Cosa sta aspettando? Qualcuno che non si è presentato all’appuntamento? Di riempire la sedie vuota che ha davanti? Qualcuno se ne è appena andato via?

Quante volte restiamo in un tempo sospeso infinito, senza riuscire ad alzare gli occhi dalla nostra solitudine, nell’attesa di qualcosa che forse è destinata a non arrivare mai?

Il dipinto Automat, di Edward Hopper del 1927, ci fa addentrare in queste riflessioni, permettendoci di rispecchiarci nello sguardo perso della protagonista, immaginandone i pensieri.

E se potessimo riscrivere la narrazione? Se ce la immaginassimo in quel bar, sola e serena?

Quel posto vuoto forse potrebbe essere riempito se soltanto la donna alzasse gli occhi, provando a incontrare quelli degli altri, altrettanto chiusi, persi e spaventati.

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Edward Hopper, Automat/Tavola calda, 1927 Des Moines Art Center, Iowa

https://emuseum.desmoinesartcenter.org/search/automat

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Musica Midnight lake by Universfield

Ogni separazione ci lascia sempre in un tempo sospeso, che batte all'unisono: quello dei ricordi che non si vogliono più, ma che continuano a scandire le giornate.

In questa puntata entriamo nell’Oggetto">https://www.moma.org/collection/works/81221">Oggetto da distruggere di Man Ray, il metronomo con l’occhio di Lee Miller che ci scruta, per capire come un artista abbia trasformato la fine di un amore in un gesto creativo di sopravvivenza.

La storia con Lee Miller, la perdita, l’ossessione, il bisogno di liberarsi e allo stesso tempo di trattenere: una tensione che diventa rituale.

Accanto a Man Ray, altre risonanze: la camminata di Abramović e Ulay lungo la Grande Muraglia come addio definitivo, e la riparazione silenziosa di Louise Bourgeois, che ricuce i tessuti per guarire se stessa.

Un episodio dedicato a ciò che resta dopo una rottura e ai modi, diversi, fantasiosi, creativi, in cui possiamo trasformare la ferita in un nuovo inizio.

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Man Ray, Oggetto indistruttibile, 1923-1932-1957, diverse versioni

https://www.moma.org/collection/works/81209

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Musica e montaggio di Sas

Leonora Carrington ha attraversato la follia, la guerra e l’internamento psichiatrico, ma non è fuggita: ha trasformato la caduta in una rinascita.

In questa puntata di Arte Essenziale ripercorriamo la sua storia e la leggiamo attraverso il dipinto La cucina aromatica di nonna Moorhead (1975), dove la cucina diventa un forno alchemico, un laboratorio dell’anima in cui il dolore si trasforma in conoscenza.

Carrington ci insegna che il fondo non è una condanna, ma una soglia.

Che la vita, come la pittura, si cuoce a fuoco lento: si mescola, si brucia, e poi si ricomincia.

Una riflessione sulla fragilità, sulla forza femminile e sulla possibilità di cucinare le proprie ferite fino a farne un nutrimento nuovo.

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La cucina aromatica di nonna Moorhead, 1975, Charles B. Goddard Center

for Visual and Performing Arts, Ardmore, Oklahoma

https://www.artandcultblog.com/2022/04/il-legame-tra-surrealismo-e-magia-a-venezia/

Joachim Beuckelaer Kitchen Scene with Christ at Emmaus, 1560-1565, Mauritshuis, l'Aja

https://www.mauritshuis.nl/it/scopri-la-collezione/collezione/965-kitchen-scene-with-christ-at-emmaus

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Musica e montaggio di Sas

Una donna distesa su un letto, un demone che le siede sul petto, un cavallo che emerge dal buio. È il 1781 e Johann Heinrich Füssli dipinge L’incubo, una delle immagini più inquietanti del Settecento, che risuona ancora come se fosse stata dipinta oggi.

Ma ciò che rende questo quadro davvero disturbante non è la presenza del soprannaturale, anzi. Gli indizi ci portano a scoprire che tutte le nostre peggiori paure e i mostri che ci spaventano davvero non arrivano dalla notte, ma abitano comodamente dentro di noi.

In questa puntata di Arte Essenziale entriamo nella stanza di Füssli, tra desiderio erotico, sgomento, intrusioni e paura, per scoprire cosa succede quando l’arte ci costringe a guardare l’ombra da vicino.

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Johann Heinrich Füssli, L'incubo, 1781, Detroit Institute of Arts, Detroit

https://dia.org/collection/nightmare-45573

Francisco Goya, Il sonno della ragione genera mostri, 1797

https://www.academiacolecciones.com/estampas/inventario.php?id=R-3469-70

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Musica e montaggio di Sas