The Creative Type – Details, episodes & analysis

Dans cet épisode d’introduction, Amandine et Ioana prennent le temps d’expliquer pourquoi ce podcast est né, ce qu’il cherche à explorer et à qui il s’adresse. Le point de départ est simple : la créativité est souvent réduite à son résultat final, alors que tout ce qui se joue en amont reste invisible.

La discussion aborde les coulisses du travail créatif : les processus, les doutes, les émotions, les essais ratés, les différentes manières de fonctionner selon les personnalités. L’épisode pose aussi une idée centrale du podcast : il n’existe pas une seule façon d’être créatif·ve, mais une multitude de rythmes et de sensibilités.

La structure de The Creative Type :

• des conversations à deux autour de sujets liés à la créativité,
• des interviews de créatifs et créatives issus de disciplines variées (musique, design, direction artistique, mode, etc.),
• un épisode de débrief mensuel pour prendre du recul et partager des enseignements concrets.

Loin des récits de réussite formatés, le podcast veut mettre en lumière des humains réels, avec leurs parcours, leurs contradictions et leurs façons singulières de créer. Un espace de discussion pour celles et ceux qui travaillent déjà dans les métiers créatifs, mais aussi pour celles et ceux qui doutent, qui commencent, ou qui pensent ne “pas être créatifs”

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Dans cet épisode 2, Amandine et Ioana prennent le temps de se présenter autrement. Elles s’interviewent mutuellement pour revenir sur leurs parcours respectifs, leurs premiers souvenirs de créativité, et les détours, parfois inattendus, qui les ont menées là où elles sont aujourd’hui.

L’épisode explore deux trajectoires différentes mais complémentaires :

• celle d’Amandine, entre formation pluridisciplinaire, agences, marque, puis freelance, avec une créativité intuitive nourrie par l’expérimentation, la vidéo et l’écriture ;
• celle d’Ioana, marquée par un premier déclic très jeune, un passage par le droit et la tech, puis la recherche sur la créativité, avant de créer des cadres et des communautés au service des processus créatifs.

Au fil de la discussion, elles abordent des thèmes centraux du podcast : la légitimité, le syndrome de l’imposteur, la place du doute, le rapport à l’échec, l’importance des contraintes, et cette idée que la créativité n’est ni un don, ni une posture figée, mais une pratique qui évolue. Elles questionnent aussi leurs différences de fonctionnement : intuition vs analyse, instinct vs système, page blanche vs cadre.

L’épisode revient également sur leur rencontre : un blind date amical, et sur la naissance très organique de The Creative Type, avant de se projeter vers la suite : les personnes qu’elles rêveraient d’inviter, les disciplines qu’elles souhaitent explorer, et les conversations qu’elles veulent ouvrir.

Un épisode plus personnel, qui pose les bases humaines du podcast et rappelle une chose essentielle : il n’existe pas une seule manière d’être créatif·ve, mais une pluralité de chemins, de rythmes et de sensibilités.

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Charlotte de Schutter est multi-casquette. Photographe, directrice artistique, productrice, entrepreneuse, maman. Mais derrière les titres, il y a surtout une même ligne directrice : raconter des histoires.

Avec BIGEYES | Studio de communication visuelle 360°, elle accompagne des marques engagées, souvent niches, qui résonnent avec sa sensibilité. Pas de match artistique ? Pas de collaboration. L’alignement n’est pas négociable.

En parallèle, son travail artistique explore la mémoire, l’ombre, l’intime. Sa série 99 Nuits questionne les traumas transgénérationnels hérités de l’après-guerre en Belgique. Un projet personnel intense, accompagné par un travail thérapeutique, et bientôt un livre en préparation.

On parle aussi de :

• solitude et besoin de collectif dans la vie d’indépendante
• perfectionnisme et héritage familial militaire
• intuition vs organisation
• ralentir dans une société obsédée par la vitesse
• créer sans attente pour se reconnecter à son propre artiste

Un épisode sur l’exigence, la lenteur, la profondeur. Et sur le fait d’oser prendre sa place, même quand on se cherche encore un peu.

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Il y a deux types de créatifs. Ceux qui rêvent de page blanche. Et ceux qui paniquent devant.

Dans cet épisode, on parle d’un sujet qu’on vit toustes : les contraintes. Est-ce qu'elles freinent vraiment la créativité ? 

On partage nos expériences très concrètes :

• tourner une campagne entière en point of view qui limite certaines prises
• écrire des briefings ultra-cadrés, parfois trop
• organiser des événements avec peu de moyens mais beaucoup d’intention
• naviguer entre liberté créative et cadre client

On parle aussi d’équilibre. Trop peu de cadre, c’est l’angoisse. Trop de cadre, c’est l’exécution pure. Entre les deux, il y a un espace intéressant : un terrain de jeu. Et si on arrêtait de voir la contrainte comme un frein, pour la voir comme une architecture ? Un espace sûr dans lequel les idées peuvent vraiment bouger.

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Et venez nous dire : vous êtes team page blanche ou team terrain de jeu ?

Dans cette conversation, Amandine plonge dans l’univers de Carl, artiste éclectique qui navigue entre peinture, illustration, vidéo, performance et création de contenu. Très vite, une tension apparaît : comment exister dans plusieurs médiums sans se diluer ? Comment évoluer sans perdre ce pour quoi on est reconnu ?

Carl raconte la naissance de ses différentes identités : Carl, CASH, Art by CASH, comme des outils pour explorer, se protéger parfois, et dépasser le syndrome de l’imposteur.

On aborde le rapport aux réseaux sociaux, le fait de fragmenter ou non ses comptes, la fatigue de produire par peur, et ce moment clé où ralentir a paradoxalement fait grandir sa visibilité.

Quelques fun facts sur Carl :

• son art : éclectique
• outil indispensable : lunettes
• et une confession qui marque : il a arrêté d’écouter de la musique pendant des années, volontairement, pour ne pas se couper de sa voix intérieure.

Un épisode sur l’identité, le doute comme moteur, et la liberté de ne pas choisir une seule case. Découvrez son univers sur sa page Instagram : https://www.instagram.com/carlcashknight/

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Un épisode pour débriefer, digérer, et laisser infuser.

Après avoir discuté avec Ruben Voka et Jeanne, Ioana et Amandine prennent un moment pour revenir sur ce qui les a marquées : des parcours non linéaires, des façons très différentes de créer, mais des questions communes autour du temps, de l’énergie et de l’écoute de soi.

On parle de création comme quelque chose qui se travaille, mais aussi qui a besoin de pauses. De ces moments où on ne produit pas, mais où tout se recharge. De la différence entre créer pour soi et créer pour un client. Du rapport au détail, au perfectionnisme, au premier jet imparfait.

Découvres les parcours de nos invités :
– Ruben Voka 
– Jeanne

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Un épisode à écouter sans prise de notes !

Un épisode consacré à la réalité quotidienne de la création.

Jeanne partage son parcours hors du corporate et son choix d’une vie faite de projets multiples. Elle parle de rythme, d’énergie, et de la manière dont elle organise son temps autour de ce qui compte vraiment : créer quand l’idée est là, pas quand l’agenda l’exige.

La discussion aborde aussi la place des réseaux sociaux : nécessaires pour certaines pratiques comme le tatouage, plus complexes quand il s’agit de projets intimes. Jeanne explique comment elle distingue vitrine professionnelle et espace personnel, et pourquoi créer 'pour poster' peut devenir un piège.

On parle de doute, de fatigue, de tentations d’abandon, mais aussi de choix assumés : préférer une vie moins confortable à une vie plus simple mais déconnectée de ses valeurs. Elle partage également une méthode clé de son processus : séparer production et édition pour ne pas bloquer l’élan créatif.

L’épisode se termine par une série de réponses rapides qui donnent un aperçu de son univers sensible : sons, mots, odeurs, sans tout dévoiler.

Ressources & liens

• Formation en ligne : Udemy
• Principe créatif évoqué : séparer production et édition
• Musique citée : Becky and the Birds – I made my baby cry

Suivre le travail de Jeanne

• Tattoo artist : https://www.instagram.com/janeinafewlines/ 
• Projet artistique (poèmes animés) : https://www.instagram.com/janeinafewwords/
• Site web : https://www.amjane.be/

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Un épisode pour celles et ceux qui créent beaucoup, doutent souvent, et continuent quand même.

Dans cet épisode, Ioana et Amandine explorent les périodes historiques qui nourrissent leur regard créatif aujourd’hui. À travers un échange libre, elles interrogent la manière dont le passé revient sans cesse dans nos esthétiques contemporaines, par cycles, réinterprétations et détours.

La discussion s’ouvre sur le Rococo, avec son exubérance, son goût du détail et son esthétique ornementale. Amandine partage son attrait pour cette richesse visuelle, en contraste avec le minimalisme dominant, et observe un retour encore discret du maximalisme dans la mode, la décoration et l’architecture. Palettes poudrées, dorures, velours, drapés et références au film Marie-Antoinette de Sofia Coppola traversent l’échange.

Les années 80 sont ensuite abordées à travers la musique, le design graphique et la culture nocturne. Ioana évoque l’importance de la couleur, l’arrivée du néon, les pochettes de vinyles, le rythme urbain et le retour actuel de certaines esthétiques 80s, notamment via les séries, la musique et l’intérêt renouvelé pour l’analogique.

Les années 70 occupent également une place centrale, associées à la liberté, à la rébellion, au craft et aux motifs psychédéliques. Le mobilier, les objets, l’architecture intérieure et les couleurs chaudes deviennent des références fortes, en lien avec le mouvement hippie et les débuts du pop art.

Enfin, les débuts des années 2000 sont évoqués sous l’angle de la nostalgie générationnelle. Une période de transition entre analogique et digital, marquée par les gadgets, les premiers téléphones, les jeux portables, les textures brillantes et les couleurs primaires, qui continue d’influencer la mode et la culture visuelle actuelle.

L’épisode questionne aussi la notion de nostalgie, la différence entre passé vécu et passé fantasmé, ainsi que notre rapport contemporain à l’optimisation, à l’espace et aux contraintes économiques. Sans ambition académique, la discussion invite surtout à observer, piocher et comprendre ce que ces références disent de nos pratiques créatives aujourd’hui.

Film : Marie-Antoinette – Sofia Coppola
Séries / culture pop : Stranger Things
Objets cultes : vinyles, Game Boy, Walkman, Discman, Tamagotchi
Esthétiques évoquées : Rococo, années 70, années 80, début des années 2000
Thèmes clés : cycles créatifs, maximalisme, couleur, analogique vs digital

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Partagez les périodes qui vous inspirent et vos références visuelles du moment. Les cycles continuent, la conversation aussi.

Dans cet épisode 3, Ioana échange avec Philippe Marissens aka Ruben Voka autour de son parcours et de sa pratique, à la croisée du graphisme et de l’illustration. Phil revient sur ses études, ses hésitations initiales, sa peur de ne pas pouvoir vivre de la création, et la manière dont il a progressivement trouvé un équilibre.

L’épisode explore une tension centrale :

celle entre le graphisme, pensé comme un outil de communication soumis à des contraintes de temps, de rentabilité et d’efficacité, et l’illustration, plus intime, émotionnelle et liée à une patte personnelle. Phil explique pourquoi on ne vient pas chercher la même chose dans ces deux pratiques, ni les mêmes réponses, ni les mêmes engagements.

La discussion aborde aussi la réalité du métier de freelance : la compétition, le rapport aux agences, les questions de reconnaissance et de crédit, ainsi qu’un flop professionnel marquant qui lui a permis de mieux comprendre les règles implicites du secteur et de défendre son travail avec plus de justesse.

Et bien plus ! Écoutez cet épisode pour découvrir les coulisses du travail de Phil.

Ressources et inspirations

• Livre : La Volvo blanche et Spa d’Eric Iwicz
• Artiste : Eiichirō Oda
• Série : The Big O
• Outils : crayon, papier, porte-mine
• Conseil clé : bien s’entourer et apprendre à déléguer
   

Suivez le travail artistique de Phil sous la plume de Ruben Voka sur Instagram :

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Bienvenue dans les coulisses de VO Group, où la créativité rencontre la stratégie. Pour cet épisode spécial, nous avons posé nos micros au VO Lab, ce laboratoire créatif pas comme les autres qui fait la réputation du groupe.

Fabian n'est pas un créatif comme les autres. Executive Creative Director chez VO Event, il incarne cette nouvelle génération qui refuse de choisir entre stratégie et création. Son parcours ? Atypique.

Ce qui frappe d'abord chez Fabian, c'est sa méthode. Là où certains créatifs plongent tête la première dans l'idéation, lui commence toujours par une phase analytique. Comprendre le client, décortiquer les enjeux, identifier ce qui fait vraiment sens.

Fabian parle de cette tension permanente entre l'ambition créative et les contraintes réelles - budget, timing, faisabilité technique. Comment faire atterrir un client de la Lune quand le budget permet à peine un décollage ? C'est tout l'art de son métier : garder l'audace tout en restant ancré dans le réel.

Son lieu d'inspiration préféré ? Pas un bureau design ou un café branché, mais la nature. Marcher au calme, loin du bruit, pour laisser les idées émerger naturellement. Et sa boisson créative du moment ? Le saké. Parce que pourquoi pas.

Un épisode qui prouve que derrière chaque grand événement, chaque campagne mémorable, il y a des équipes qui jonglent quotidiennement entre rêve et pragmatisme. Et qui, comme Fabian, continuent de croire que la créativité peut changer la donne, à condition de rester au service du message.

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