Tarkowskij hinterließ mit seinem Schicksalsfilm STALKER nicht nur eine radikale Adaption des Roman der SF-Pioniere Strugatzki, einen Klassiker des dystopischen Films, einen Vorläufer des Slow Cinema und die Inspirationsquelle für eine Game-Reihe - der Film brachte ihm und seinem Team zugleich den frühen Tod, denn bei den Dreharbeiten war das Team mit Chemiekloake konfrontiert. STALKER muss erfahren werden, erduldet werden und wiederholt gesehen werden. Für den Schriftsteller und Musiker Hendrik Otremba (Sänger der Band MESSER) ist er eine ewige Quelle, sei es musikalisch oder motivisch. Doch was ist die mythische Zone, in die die Reise geht? Im intensiven Gespräch erkunden Marcus und sein Gast diesen russischen Klassiker.

Das Kino des polnischen Filmauteurs Andrzej Zulawski ist geprägt von einer atemlosen Unruhe. Die Kamera ist in ständiger Bewegung, bemüht, mit den panisch agierenden Schauspierinnen und Schauspielern Schritt zu halten. Seine Inszenierung ist inspiriert von Grotowskis Theaterkonzept und strebt nach einer ekstatischen Wahrheit. 1996 drehte Zulawski noch einmal einen Film, der sein Werk von Grund auf neu definieren sollte: SZAMANKA, die Schamanin. Dieser kontroverse Film steht im Zentrum eines Gesprächs zwischen Marcus Stiglegger und der Schauspielerin Lilith Stangenberg, deren eigene Schauspieltechnik in Theater und Film als außergewöhnlich gilt.

Ridley Scott ist ein Filmemacher, der immer groß denkt. Hat er sich bei seinem NAPOLEON verhoben? Marcus und Sebastian diskutieren den viel kritisierten, aber auch viel geliebten Film zunächst im Kontext von Scotts Filmografie. Doch stehen auch weitere Fragen auf dem Plan: Ist die Zeit dieser Großfilme möglicherweise vorbei? Wie soll man mit dem Historischen oder eben der Fiktion in NAPOLEON umgehen? Und findet Scott einfach nicht die richtige Perspektive in diesem Film ohne dramaturgisches Maß?

Filmkritik scheint allgegenwärtig? Auf YouTube, in Podcasts und auf Fanportalen wie Letterboxd. Aber handelt es sich dabei wirklich um Filmkritik? Marcus und Sebastian rekapitulieren die Geschichte dieser Textgattung und wagen sich an eine Kritik der gegenwärtigen Kritik. Welche Rolle dabei der Fan spielt und warum ideologiekritische Filmkritik ein Taschenspielertrick sein kann - davon handelt diese Episode. Viel Spaß!

Teil 2 unserer Episode über Catherine Breillat. Romance XXX und Anatomy of Hell stehen im Fokus der Diskussion und in der Tat wird es expliziter und thesenhafter: Menstruation, Penetration und Bondage ahoi. Erneut ist die Filmwissenschaftlerin Lioba Schlösser an Bord.

Catherine Breillat gehört zu den umstrittensten Filmemacherinnen der Gegenwart. Verfolgt von Zensur, werden ihre Filme häufig als Arthouse-Pornographie abgetan. Dabei gibt es kaum eine Regisseurin, die sich derart radikal mit Begehren, Weiblichkeit und Sexualität auseinandersetzt. Es gibt also genug Stoff, über den diskutiert werden muss. Als Gast begrüßen Marcus und Sebastian die Berliner Filmwissenschaftlerin Lioba Schlösser. In Teil 1 wird es um Catherine Breillat als Person und um ihren Film À ma Soeur/Fat Girl gehen.

David Lynchs letzter Kinofilm ist gleichzeitig sein unzugänglichster Film. Mit seiner DV-Kamera-Ästhetik, seinem wilden Bilderstrom aus Wiederholungen und narrativen Brüchen zelebriert INLAND EMPIRE absolute kreative Freiheit. Marcus und Sebastian holen tief Luft und tauchen hinab in diese düstere Welt, in der die Zeit aus den Angeln gehoben wird.

Die Schauspielerin und Autorin Mateja Meded liebt das Kino. Leidenschaftlich kämpft sie für einen intersektionalen Feminismus, der sich gegen jegliche Form von Diskriminierung stellt: Frauenhass verknüpft sich fast immer mit Rassismus oder Homophobie. Außerdem bringt es ja nun wirklich nichts, wenn nur weiße Frauen eine bessere Bezahlung fordern und sonst alles so bleibt wie es ist. In der ersten Episode den POSITIONEN spricht Mateja über feministischen Film, Superwoman und den japanischen Film IM REICH DER SINNE.

Ursprünglich sollte "Mulholland Drive" eine Serie werden. Der Pilot war abgedreht, wurde aber vom Studio abgelehnt. Ein großes Glück für das Kino. David Lynch zaubert mit einem Nachdreh einen der faszinierendsten Filme aller Zeiten auf die Leinwand. Marcus und Sebastian stürzen sich in die Abgründe dieses Films, die, wie bei Lynch üblich, aus düsteren Rätseln bestehen.

Sebastian und Marcus nehmen euch in dieser Episode der Projektion mit auf eine Reise in den Kosmos von David Lynch. "Lost Highway" ist der erste Film der L.A.-Trilogie des großen Surrealisten: Ein düsterer Neo-Noir-Thriller, ein wild-psychologisches Ehedrama, eine Reise in die Finsternis der Schuld. Welche Rolle spielt der Mystery Man? Wer ist wer? Und worum zur Hölle geht es in diesem Verwirrspiel? Darum geht es in diesem Teil des David-Lynch-Specials.

Wir sagen David. Ihr sagt Lynch. Marcus und Sebastian sprechen in dieser Episode über den großen amerikanischen Surrealisten, sein Schaffen und ihre persönliche Bindung zu David Lynch. Dies ist der erste Teil eines Specials. In drei weiteren Episoden wird es um die L.A.-Trilogie gehen: LOST HIGHWAY, MULHOLLAND DRIVE und INLAND EMPIRE. Und jetzt Kaffee in die Tassen und rein ins Möbiusband. Viel Spaß!

Zweiter Teil der Apokalypse-Episode. Marcus und Sebastian sprechen mit Gast Stefan Jung über den großartigen "Children of Men" und den hypnotischen "Take Shelter". Es geht um Rassismus, erhabene Ästhetik und das Schicksal der Propheten.

Der apokalyptische Film wird in Zeiten von Corona überall in den Mittelpunkt gerückt. Auch Marcus und Sebastian sprechen über Filme, die nach dem Zusammenbruch spielen. Im ersten Teil der Episode wird es um "Mad Max 2" und Romeros "The Crazies" gehen. Mit dabei ist diesmal Stefan Jung vom "deep red radio" - Podcast: https://www.deep-red-radio.com/

Es reicht ein Name: CONAN. Der legendäre Film von Regisseur John Milius ist nur ein Aspekt dieser Welt – basiert dieser doch auf Motiven des Autors Robert Ervin Howard. Gemeinsam mit dem Film- und Literaturwissenschaftler Dr. Kai Naumann (Universität Siegen) taucht Marcus in diese mythische Welt ein.

Das Coverartwork für diese Folge stammt von Comic-Künstler Chris Undirheimar.

Alexandre Ajas "High Tension" machte 2003 den Anfang. Ein Welle aus harten, aber auch politischen Horrorfilmen aus Frankreich testete die Grenzen des Ertragbaren: Xavier Gens "Frontier(s)", Julien Maurys und Alexandre Bustillos "Inside" und schließlich Pascal Laugiers "Martyrs". Marcus und Sebastian untersuchen den Kontext dieses "Terrorkinos", folgen den Spuren in das Arthouse-Kino und diskutieren den Einfluss der französischen Splatterkomödie "Baby Blood" aus den 90ern.

In dieser Episode wird es um die Frage gehen, was einen Film eigentlich zu einem politischen Film macht. Dafür haben sich Sebastian und Marcus drei Filme ausgesucht: "Import Export" von Ulrich Seidl, "Der Wert des Menschen" von Stéphane Brizé und "I, Daniel Blake" von Ken Loach. Drei Filme, die das Thema Arbeitslosigkeit und Armut behandeln. Drei Filme, die man dem sozialrealistischen Kino zuordnen kann und die dabei nicht unterschiedlicher sein könnten. Welche Rolle spielt die Form dieser Filme? Was hat Godard dazu zu sagen? Und wo steckt eigentlich die Utopie? Viel Spaß!

Kathryn Bigelow hat mit "Near Dark" einen Klassiker des Vampirfilms abgeliefert. Die französische Filmemacherin Claire Denis mit "Trouble Every Day" einen kühlen Arthouse-Horrorfilm zwischen Vampirismus und Kannibalismus geschaffen. Und Julia Ducournau holt mit "RAW" zum feministischen Kannibalen-Schlag aus. Drei Regisseurinnen mit Filmen aus drei unterschiedlichen Jahrzehnten: Es geht um Begehren, Außenseiterum und weibliche Perspektiven. Frohe Weihnachten!

"Stranger Things", "Es" und "Ready Player One" - die 80er erobern die filmische Gegenwart. Und mit dem Jahrzehnt der schlechten Frisuren kehren auch Kinder und Jugendliche als Protagonisten und Helden zurück. Marcus und Sebastian werfen einen Blick zurück auf "The Outsiders", "Stand by Me" und Co. und fragen sich, was es mit der heutigen Faszination für diese Dramaturgie der Jugend auf sich hat.

Zweiter Teil des Stiglegger'schen Berichts vom Film Festival Cologne: Neben Abel Ferrara, hat er auch den dänischen Regisseur Nicolas Winding Refn ("Drive", "Bronson", "Too old to die young") getroffen. Um dessen herausforderndes filmisches Werk wird es in dieser Episode gehen. Style is substance!

Marcus hat auf dem Filmfestival Cologne einen Preis überreicht - an den legendären Regisseur Abel Ferrara ("The Driller Killer", "King of New York", "Bad Lieutenant"). Damit aber nicht genug: Er hat auch Nicolas Winding Refn ("Bronson", "Drive") getroffen. Das haben wir zum Anlass genommen, über eben diesen Abend und natürlich über diese beiden faszinierenden Regisseure zu sprechen. Hier nun Teil 1 über Abel Ferarra, seine Anfänge im Underground-Kino, die Dämonen der Süchte und den Wandel zum Autorenfilmer.

Wie beginnt man einen Podcast? Indem man sich den Hörer_Innen erstmal vorstellt. Aber es geht ja nicht um uns, sondern um unsere Liebe zum Kino. Daher sprechen wir über die filmischen Erlebnisse unserer Kindheit und Jugend. Wir tauschen und darüber aus, warum das Kino früher ein so geheimnisvoller Ort war und wieso man sich das Kino auch erlesen kann.

Lediglich dreimal schwenkt die Kamera in diesem hochkonzentrierten Film, der dennoch alles andere als starr und unbewegt ist. Er erzählt von Unterdrückung und Befreiung, von Auflehnung und ja, auch vom Glauben. Beginning - das kristallklare Porträt einer undurchsichtigen Frau in existenzieller Krise.

Figuren, die rätselhaft bleiben. Geschichten, die fast zu verschwinden scheinen. Bewegungen, die ins Unbestimmte verlaufen. Stars at Noon ist alles andere als Spektakel oder Unterhaltung. Es ist existenzialistisches, es ist unvergleichlich sinnliches Kino. Claire Denis jüngster Film ist eine betörende Meditation über das Unausgesprochene und das Uneindeutige.

Das Drehbuch zu TAXI DRIVER machte Paul Schrader einst zur berühmten Ikone des New Hollywood. Als Regisseur gelangen ihm mit EIN MANN FÜR GEWISSE STUNDEN und KATZENMENSCHEN beachtlich Erfolge, und mit MISHIMA eines der großen Biopics der 1980er Jahre. Und während er kontinuierlich Filme drehte, gelang es ihm im fortgeschrittenen Alter nun tatsächlich, an seine frühere Bedeutung anzuknüpfen. Mit der 'Man in a Room'-Trilogie setzt er sich mit Männlichkeitsdefinitionen angesichts einer eskalierenden Weltlage auseinander: Klimakrise, Abu Graib, Neonazis. Und fast unbemerkt kam jetzt der Abschluss dieses 'magnum opus' auf den deutschen Heimmedienmarkt: MASTER GARDENER. Diesen Film an der schmalen Grenze zwischen Ästhetik und Gewalt, Liebe und Rassismus loten Sebastian und Marcus in einem intensiven Gespräch aus.

Barbie ist ein Diskursfilm, das hat sich deutlich erweisen. Und somit reichte eine Episode zum Thema nicht aus. Um das Bild zu erweitern, haben wir mit der Medienwissenschaftlerin und Managementforscherin Prof. Dr. Brigitte Biehl aus Berlin gesprochen, die in BARBIE durchaus das Potenzial eines positiven Rollenbildes für Female Leadership sieht.  

Weitere Infos: „Gender und Leadership“, Videoserie von Brigitte Biehl und der FernUniversität in Hagen https://video.fernuni-hagen.de/Browse/Category/95 Tagung „Jenseits von Wonder Woman und Superman – Zukunftsweisende Führung in Film und Serien“ https://www.fernuni-hagen.de/gleichstellung/veranstaltungen/zukunftsweisende-fuehrung.shtml (Vorträge u.a. von Brigitte Biehl und Marcus S. Kleiner) - „Unmöglich, eine Frau zu sein“: Gender und Leadership im Barbie-Kinofilm, Beitrag von Brigitte Biehl auf „Leadership Insiders“ https://www.leadership-insiders.de/unmoeglich-eine-frau-zu-sein-gender-und-leadership-im-barbie-kinofilm/

Pink is Punk? Der Medienwissenschaftler Marcus S. Kleiner ist da etwas skeptisch – zumindest was BARBIE angeht. Marcus und Marcus sprechen über ihre Probleme mit diesem Film. Aber können sie als Männer überhaupt etwas dazu sagen?

Das Gespräch ist der erste Teil einer breiteren Auseinandersetzung mit diesem Kinoereignis. Im zweiten Teil wird die Medienwissenschaftlerin und Managementforscherin Prof. Dr. Brigitte Biehl über das Frauenbild und Female Leadership sprechen.

Der Weise erfreut sich am Wasser, der Barmherzige an den Bergen. Dazwischen raubt der Nebel nicht nur die Sicht, sondern löst alles auf. Liebe scheint unmöglich zu sein, in Park Chan-Wooks jüngstem Film. Ob diese von fragiler Intimität durchzogene Geschichte über die Obsessionen des Begehrens ein gereiftes Meisterwerk, oder eine dröge Stilübung ist, darüber sprechen Marcus und Benni in dieser Folge.

Durch die "Cornetto-Trilogie" in den Geschmacksrichtungen Zombie-Apokalypse (SHAUN OF THE DEAD), Mystery-Cop-Thriller (HOT FUZZ) und Alien-Invasion (THE WORLD'S END) wurde Edgar Wright weltweit zum Kultregisseur. Was seine Filme so originell, amüsant und doch so anspruchsvoll macht, diskutiert Marcus mit der Mainzer Filmwissenschaftlerin Kathrin Zeitz - mit einem speziellen Blick auf LAST NIGHT IN SOHO. 

Der Regisseur und Autor Paul Schrader lobte den Film als Meisterwerk. Da können wir bei den Projektion nicht mitgehen. Während Marcus jedoch viele positive Aspekte in Christopher Nolans OPPENHEIMER entdecken kann, ist Sebastian skeptisch. Aber hört selbst.

Warum Filme nicht automatisch politisch sind, wenn sie sich politischen Themen widmen - diese Überlegung zieht sich durch die aktuelle Folge der Projektionen, in welcher sich Benni und Marcus mit filmischen Repräsentationen politischer Subkultur und des Aktivismus beschäftigen. Mit UND MORGEN DIE GANZE WELT (Julia von Heinz) und JE SUIS KARL (Christian Schwochow) werden zwei deutsche Produktionen der jüngeren Vergangenheit untersucht, die sowohl in ihren formalästhetischen Verfahren als auch thematischen Fokussierungen gänzlich unterschiedliche Perspektiven auf unsere Gegenwart und junge Menschen zwischen politischem Engagement und Extremismus entwerfen.

Manchmal versteht man es einfach nicht: Da dreht eine Regisseur*in über Jahre großartige Filme – doch kaum jemand kennt sie oder ihn. Fabrice Du Welz ist einer dieser europäischen Unbekannten. Sicher, im Kreis der Genre-Liebhaber*Innen wird der Name gehandelt. Aber auch hier gilt er eher als Geheimtipp. Marcus, Benjamin und Sebastian nehmen sich das erschütternde Debüt CALVAIRE (2004) und den poetischen ADORATION (2019) vor, in der Hoffnung, die Aufmerksamkeit auf diesen fantastischen Filmemacher zu lenken. In seinen Filmen ist die Liebe ein Wahnsinn, eine mörderische Kraft. Was das mit APOKALYPSE NOW zu tun und welche Rolle die Landschaft spielt, darum geht es in dieser Episode.

DAS LEHRERZIMMER gehört schon heute zu den ganz großen Filmen des Jahres. Auf dem Deutschen Filmpreis gehörte das Thriller-Drama über eine junge Lehrerin, die an ihrem Idealismus zu zerbrechen droht, zu den großen Gewinnern: Bester Film, Auszeichnung für Regie und Drehbuch, die Hauptdarstellerin Leonie Benesch und die Editorin Gesa Jäger. Marcus und Sebastian haben Regisseur İlker Çatak und seinen Co-Autor Johannes Duncker als Gäste. Gemeinsam spricht man über die Rezeption des Films, die Enge der filmischen Räume und die Arbeit am Drehbuch. Hefte raus, Klassenarbeit!

AFTERSUN, der beeindruckende Debütfilm der Regisseurin Charlotte Wells, ist von komplexer Tiefgründigkeit: ein ergreifendes und berührendes Porträt einer Erinnernden, die versucht, sich ein Bild von ihrem Vater zu machen. Sebastian und Benjamin sprechen über die Form dieses Films, seine untergründige Musik und den Status der Bilder: Welche Wahrheit wirkt durch diesen Film? Und welche Dunkelheit steigt auf?

Immer noch gilt die Aufmerksamkeit beim Film vor allem den Schauspieler*Innen und den Filmemacher*Innen. Dabei ist Film immer eine komplexe Gemeinschaftsarbeit. Karim Hussain ist Cinematographer, das heißt Kameramann. Sein Stil, seine Art Bilder einzufangen, gibt Filmen eine ganz eigene Note. Seine Zusammenarbeit mit Regisseur Brandon Cronenberg (ANTIVIRAL, POSSESSOR, INFINITY POOL) hat etwas Zwingendes, ist von eigenwilliger Schönheit. Außerdem stand er bei Filmen wie ORPHAN: FIRST KILL und HOBO WITH A SHOTGUN hinter der Kamera. Karim hat aber auch selbst Filme als Regisseur inszeniert: SUBCONSCIOUS CRUELTY, ASCENSION, THE BEAUTIFUL BEAST. Marcus hat mit dem Bilderkünstler gesprochen.

Was passiert, wenn man die Möglichkeit hat, einer Todesstrafe zu entgehen, indem man einen Klon von sich in den Tod schicken kann? Der Haken daran: Man muss der Exekution beiwohnen, dem Tod ins Spiegelbild blicken. Darum geht es in Brandon Cronenbergs INFINITY POOL. Bleibt der Film unter seinen Möglichkeiten? Handelt es sich wirklich nur um eine blutige Satire über Tourismus? Oder steckt doch mehr in diesem mitunter rohen Werk? Sebastian und Benny sprechen mit dem Filmkritiker Marcus Fiedler und dem Kollegen Janick Nolting, den einige auch von CUTS kennen dürften. Auch POSSESSOR, der Vorgängerfilm, wird Thema sein. Fröhliches Klonen, wünschen wir!

THE MENU von Mark Mylod ist einer der besten Filme des vergangenen Jahres, wurde allerdings sehr schnell darauf reduziert, eine sehr eindeutige Kritik an der Haute Cuisine anzubringen. Satire also. Doch THE MENU ist der bessere TRIANGLE OF SADNESS, weil er viel tiefer in die Verwirrungen und Doppeldeutigkeiten des Systems hinabsteigt, als es der Film von Ruben Östlund tut. Letztere befriedigt eine ganz klare Sichtweise, ist eine fatalistische Genugtuung, in der letztlich alles so bleibt, wie es ist. THE MENU aber zwingt uns, die Rollen, die wir innerhalb der Produktion einnehmen, zu hinterfragen. Marcus, Benjamin und Sebastian dekonstruieren die Lasagne. Viel Spaß.

Die 1970er Jahre in Hollywood sind geprägt vom Paranoiathriller, der das Individuum als Spielball einer alptraumhaften Verschwörung zeichnete. Mit den späten 1990er Jahren veränderten sich die Spielregeln. Analog zum Internet und dem neuen Terrorismus entstand das paranoide Kino, das die Gesellschaft selbst als ein Netzwerk verschwörerischer Strukturen schildert und dabei selbst paranoid erscheint. TETRIS nun erzählt vom Ende des Kalten Krieges nach 1988 mit den Mitteln des gegenwärtigen paranoiden Kinos. Julia und Marcus tauchen in dieser Folge tief in die irritierenden Strukturen einer Welt unsicherer Relationen.

Der überwältigende globale Erfolg des Films AVATAR - THE WAY OF WATER von James Cameron ist in zweierlei Hinsicht bemerkenswert: Er sicherte im Alleingang den Betrieb der großen Kinos nach der Corona-Krise – allenfalls flankiert von TOP GUN MAVERICK. Andererseits wird der komplett digital überarbeitete Science-Fiction-Film als eine Variante einer Zukunft des Kinos diskutiert. Marcus sprach mit dem Medienphilosophen Prof. Dr. Lars Christian Grabbe (msd | muenster school of design) über film- und medienwissenschaftliche Perspektiven, die Auswirkung von digitaler Technik auf die Filmkunst und die Zukunft des Mediums allgemein.

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Todd Fields aktueller Film TÁR mit Cate Blanchet in der Titelrolle ist viel diskutiert und wurde durchaus kontrovers aufgenommen. Was der "letzte Film" des Regisseurs sein könnte, wartet mit einer komplexen Bildsprache auf: Das Resultat ist ein fiktives Biopic im Modus des Mysterythrillers. Den tragischen Fall der gefeierten Dirigentin Lydia Tár diskutiert Marcus in dieser Folge mit dem Bonner Filmwissenschaftler Lucas Curstädt, der mit Die Zweite Produktion einen eigenen Videopodcast betreibt. Info: www.youtube.com/@diezweiteproduktion/ und www.instagram.com/realcurstaedt/

Brian De Palmas Kino ist ein Kino der Sinne. In dieser Episode diskutieren wir zwei der zentralen Werke des amerikanischen Regisseurs – BLOW OUT (1981) und DER TOD KOMMT ZWEIMAL (BODY DOUBLE, 1984). Während bei BLOW OUT das Hören im Zentrum steht, dreht sich bei BODY DOUBLE alles um die Lust am Sehen. Was ist Illusion? Welche Rolle spielt die Wahrheit? Wie gelingt es De Palma, das Hören in Bildern zu inszenieren? Sebastian, Marcus und Benny beleuchten einzelne Szenen und arbeiten die Kunstfertigkeit dieses grandiosen Filmemachers heraus.

Alex Garlands Werk interessiert sich für Zerfall und Auslöschung ebenso wie für Transformation und Neubeginn und rückt dabei Gesellschaft wie Individuum gleichermaßen in den Fokus. In seinem neuesten Film, CIVIL WAR, herrscht Bürgerkrieg in Amerika. Aber wer kämpft hier eigentlich gegen wen, und wofür? Krieg, das ist immer woanders. Jetzt aber wird Amerika selbst davon heimgesucht und die Grenzen verwischen.

Indem der Film buchstäblich durch die Linse der Kriegsfotografie auf die Ereignisse blickt wird er zur Auseinandersetzung mit den Bildern des Krieges, mit dem Krieg der Bilder und stellt die Frage nach der Ethik und der Gewalt der Bilder.

In dieser Folge diskutiert Benjamin zusammen mit Marcus und dem Gast Danilo Vogt. Die Musik stammt von der kommenden EP von Hor Cheret.

Der  britisch-griechische Filmemacher Peter Strickland hat durch Filme wie Katalin Varga (2009), Berberian Sound Studio (2012), The Duke of Burgundy (2014), In Fabric (2018) und Flux Gourmet (2022) eine signifikante  Spur im internationalen Kino hinterlassen. Virtuos spielt er mit metafilmischen Reflexionen und  den Genres. IN dieser Episode spricht Marcus mit dem Filmemacher über den starken  Einfluss von britischer Post-Industrial-Musik auf sein Werk und seine eigene Formation The Sonic Catering Band. Diese Episode hat erstmals keine Eigenkomposition als Titelthema, sondern das Stück „White Light  from an Oven Above“ von der CD „A Gourmet's Slumber“ (The Sonic Catering  Band 2012). 

„Too Old To Die Young“ dürfte eine dieser Serien sein, die kaum jemand gesehen hat. Amazon hat diese Serienperle versteckt – da hat jemand nasse Füße bekommen. Regisseur Nicolas Winding Refn hat in der Tat einen Monolithen geschaffen, ein wütendes, apokalyptisch-feministisches Monster. Mit „Copenhagen Cowboy“ scheint sich der Däne in einer ähnlichen Welt zu bewegen und Netflix lässt die Gangster-Superheldinnen-Serie auch das sein, was sie ist: ein irrwitziger Trip. In dieser Episode wagen wir einen Tauchgang in die Serienwelt von Nicolas Winding Refn und versuchen Zugänge zu diesen sperrigen Meisterwerken zu legen: Marcus, Benjamin und Sebastian sprechen mit Filmkritiker und Kulturjournalist Jens Balkenborg (Freitag, epd Film, NZZ am Sonntag). 

In der ersten Episode des Jahres stehen alle Zeichen auch Crossover: Julia Weigl eröffnet mit Sebastian Seidler und Benjamin Johann die Themenreihe Lust & Desire. Über das gesamte Jahr verteilt soll dieses Thema filmisch eingerahmt und divers diskutiert werden. Was ist Begehren? Worin liegt der Unterschied zu Lust? Und braucht es die Liebe? Zum Auftakt wird es um drei Filme gehen: Alfred Hitchcocks VERTIGO, DER SEIDENE FADEN von Paul Thomas Anderson und Ninja Thybergs kontroversen PLEASURE. Verführung und Objektifizierung, ökonomischer Austausch und die Dosis der Gabe – darum wird sich vieles drehen. 

Viel Spaß und ein frohes neues Jahr wüschen die Projektionen. 

Luca Guadagnino ist hauptsächlich für seinen zärtlich-sommerlichen und queeren Liebesfilm „Call me by your name“ bekannt. Doch gehört der italienische Regisseur zu den eigenwilligsten Filmemachern der Gegenwart, der es vermag, sich mühelos die unterschiedlichsten Stoffe und Genres einzuverleiben, sie zu verwandeln und über sich selbst hinauszutreiben. Seine Interpretation von Argentos „Suspiria“ ist ein sinnlich-choreographierter Fiebertraum über das Matriarchat, politischen Wahn und Trauma. Und das Kannibalen-Roadmovie „Bones and All“ ist mitunter das Spannendste, was das Kinojahr 2022 hervorgebracht hat. Sebastian und Marcus sprechen in dieser Episode über mäandernde Erzählstränge, tanzende Kameras und verzehrende Metaphern.   

Anfang 30 – und etwas lost. Kennen wir dieses Gefühl nicht alle?  Die großen Fragen des Lebens lauern um die Ecke oder haben den Alltag  längst vereinnahmt. Ein Blick ins eigene Familienarchiv spürt Parallelen  zu den Eltern auf oder versucht das eigene, vergangene Ich über die  Bildoberfläche hinaus zu begreifen. Glückliche Kindheiten, verzerrte  Erinnerungen, Camcorder-Nostalgie. Erstaunlich viele Filme spielen  derzeit wunderbar kreativ mit Archivmaterial. Ob Found Footage Film in  diesem Fall wirklich der passende Begriff für diese Werke ist, erkunden  Bianca Jasmina Rauch und Julia Weigl in ihrer neuen  Transitionen-Folge. Mal sind es die Bilder aus der eigenen Kindheit der  jungen Regisseurin Faustine Cros, die in A LIFE LIKE ANY OTHER der  Depression ihrer Mutter nachgeht. Mal sind es, wie in ANNIE ERNAUX – DIE  SUPER-8 JAHRE, die Archivbilder einer jungen kreativen Frau, die auf  der Suche nach ihrem selbstbestimmten Leben ist. Mal sind es die  Kindheitserinnerungen der Protagonistin, in dem wunderbaren Regiedebüt  AFTERSUN von Charlotte Wells, der am 15. Dezember bundesweit in die  deutschen Kinos kommt. Und zuletzt sind es die Bilder des Regisseurs  Faraz Shariat, die er in seinem Spielfilmdebüt FUTUR DREI einbaut, und  die Normen von Archivierung und Geschichtsschreibung indirekt infrage  stellen.

AFTERSUN: Kinostart 15. Dezember 2023

FUTUR DREI: Bei unterschiedlichen Streamern abrufbar

ANNIE ERNAUX – DIE SUPER-8 JAHRE: Kinostart 30. Dezember

A LIFE LIKE ANY OTHER: Derzeit leider noch nicht verfügbar

Sie reist zu den Orten, an denen unsere Lieblingsfilme gedreht wurden. Auf ihrem Blog schreibt sie darüber. Nun hat Andrea David ein Buch veröffentlicht: „SZENE FÜR SZENE die Welt entdecken“ ist im Conbook-Verlag erschienen und ist mehr als ein einfacher Reiseführer. Mit Andrea taucht man in die Verschränkung aus Welt und Fiktion ein. Genau darüber hat sie mit Sebastian in dieser Episode gesprochen. Was hat Reisen mit Kino zu tun? Und was macht das mit uns? 

Die  Filmlandschaft befindet sich im Wandel. Die Kinolandschaft befindet  sich im Wandel. Das sind Sätze, die momentan auf unzähligen Panels,  Symposien, Konferenzen zu hören sind. Doch was können wir tun? Einfach  aufgeben, nichts? Uns zurückziehen und uns gemütlich auf den Sofas von  Streaminginhalten berieseln lassen? Oder einfach aktiv werden, wie die drei Österreicher:innen Martina Genetti, Julian Stockinger und Otto  Römisch: Sie gründeten ihren eigenen Verleih, KINEMA 21, auf  Vereinsbasis, mit Sitz in Wien. Ihr Antrieb ist ihre eigene  Filmleidenschaft, ihr vorrangiges Ziel, "die Programmkino-Landschaft  vielfältiger zu gestalten und marginalisierte Perspektiven  zeitgenössischer Filmkunst zu fördern und sichtbar zu machen", wie sie  es selbst auf ihrer Webseite formulieren. Dabei wollen sie vor allem  Debüts, Werke von Regisseurinnen*, sowie Filme mit starken Genrebezügen  in den Fokus rücken. Nun bringen sie zum 1. Dezember ihren ersten Film  ins Kino: "Medusa" von Anita Rocha da Silveira. Junges, wildes  brasilianisches Kino, das sich ungern in Schubladen stecken lässt, in  sich Horror, politisches Kino und Pop-Musical vereint. Wir sprachen mit  Martina Genetti und Julian Stockinger über ihre Pläne für das  österreichische Kino und über „Medusa", über den wir alle ins Schwärmen  gerieten.

Der Wohnturm reicht bis in die Träume der Wolken hinein. Stabil ist diese soziale Anordnung allerdings nicht. Kleine Störungen genügen und ein Chaos aus Sex, Gewalt und Mord greift um sich: Ben Wheatleys fulminante JG Ballard-Verfilmung HIGH RISE zeigt in eindrücklichen Bildern die Topographie des Neoliberalismus und inszeniert die ständige Verschiebung, die Brüche und Bewegungen einer Ordnung ohne Zentrum. Als der Film 2015 in die Kinos kam, waren die Kritiker*Innen eher wenig begeistert. Im Gespräch mit dem Theoretiker Benjamin Johann arbeiten Marcus und Sebastian heraus, warum der Film zu den wichtigsten Filmen den britischen Kinos der Gegenwart gehört.    

Bei der Aufnahme der Episode hatten wir etwas mit technischen Problemen zu kämpfen. Kann passieren. Spaß macht es trotzdem.  

Vom Komiker zum Filmemacher: Mit nur  drei Spielfilmen hat sich Jordan Peele als Genre-Erneuerer etabliert. In  GET OUT entlarvt er den versteckten Rassismus der Südstaaten, in US  entwickelt er eine beängstigende Metapher für die ‚inneren  Klassengrenzen’ der USA – und mit NOPE kreuzt er Metafilm und  Hollywoodkritik, Western und Science Fiction auf frappierende Weise. Mit  der Mainzer Filmwissenschaftlerin Kathrin Zeitz (Film- und  Medienbewertung) diskutiert Marcus das Werk dieses ungewöhnlichen  Regisseurs.