Explore every episode of the podcast Les Clés du classique

Joseph Haydn est l’auteur de 104 symphonies. On le surnomme « le père de la symphonie ». La Symphonie « Militaire » porte le n° 100, et date des séjours londoniens du compositeur dans les années 1790.

Aujourd’hui, tout le monde connaît le célèbre thème de l’Hymne à la joie, symbole de fraternité et d’humanité, devenu l’hymne européen. Ce thème, on le doit à Beethoven, et à sa Neuvième Symphonie.

La Symphonie « Jupiter » de Mozart, l’une des plus abouties, est aussi sa dernière. Composée dans un contexte douloureux, elle n’en est pas moins une œuvre héroïque et connaît un grand succès.

Ces quelques mesures, tout le monde les connaît. Elles ont été popularisées en 1968 par le film de Stanley Kubrick, 2001, l’Odyssée de l’espace, avec son célèbre lever de soleil. Cette musique, on la doit à Richard Strauss.

Perçu comme l’œuvre d’un génie fauché par la mort en pleine composition, le Requiem de Mozart s’entoure de nombreuses légendes.

15 octobre 1905. Le Tout-Paris découvre La Mer, la dernière œuvre en date de Claude Debussy. On ne peut pas dire que ce soit un grand succès. Certains critiques parlent de « roublardise », jugeant l’œuvre « incompréhensible et sans grandeur »...

Suite symphonique empreinte de mysticisme, Les Planètes (1920) de Gustav Holst a inspiré de nombreux compositeurs de musiques de film.

Imprégné de l’esthétique romantique, jouant sur les contrastes, le Requiem de Giuseppe Verdi (1874) s’impose, après celui de Berlioz, comme un monument du genre.

Œuvre éminemment romantique d’un virtuose du piano, le Concerto n° 1 de Liszt oscille entre poème symphonique et rhapsodie.

Été 1830. Frédéric Chopin n’a que 20 ans quand il se lance dans l’écriture d’un concerto pour piano, sommet de romantisme et de virtuosité pianistique.

7 avril 1805, à Vienne. C’est le jour de la création de la Troisième Symphonie de Beethoven. Gigantesque, éclatante, moderne, elle déconcerte les critiques. Certains y voient une œuvre « assommante, interminable et décousue », et rares sont ceux à chanter immédiatement ses louanges.

Entre 1819 et 1823, Schubert traverse une période difficile. Ce sont les fameuses « années de crise ». Plusieurs œuvres datées de cette période demeurent inachevées : notamment la Symphonie en si mineur, plus connue sous le nom de Symphonie « Inachevée ».

Lyrique, exalté, romantique… Le Concerto pour piano de Robert Schumann est l’un des favoris du public depuis sa création. Il est aussi l’unique de son auteur.

C’est en 1874, à Moscou, que Tchaïkovski se lance dans l’écriture d’un concerto pour piano. Il a alors 34 ans, et l’exercice est nouveau pour lui. Le concerto, c’est un genre qu’il ne connaît pas encore et au départ, la composition n’est pas si évidente…

Été 1928, Saint-Jean-de-Luz. Maurice Ravel a 53 ans et il est au sommet de sa carrière. La plupart de ses grandes œuvres sont déjà derrière lui. La dernière commande en date lui vient de d’Ida Rubinstein, une ancienne danseuse des Ballets russes. Elle souhaiterait « un ballet de caractère espagnol et qui serait intitulé Fandango »...

14 janvier 1932, Salle Pleyel, à Paris. C’est le jour de la création du Concerto en sol de Maurice Ravel. Au clavier, la pianiste Marguerite Long, sa dédicataire. À la baguette, le compositeur, qui dirige l’Orchestre des Concerts Lamoureux. Le triomphe est total. Cela fait presque vingt ans que Ravel souhaite composer une œuvre pour piano et orchestre. Au début des années 1910, il commence à écrire une pièce d’inspiration basque, mais il y renonce assez vite. C’est finalement à la fin des années 1920 que Ravel revient à l’idée d’un concerto pour piano. Peu après sa création, Ravel et Marguerite Long font connaître le Concerto en sol à l’Europe entière, et partout, c’est un succès.

Créé le 28 novembre 1909, à New York, sous la direction du chef Walter Damrosch, avec le compositeur au clavier, le Concerto pour piano n° 3 requiert une technique exceptionnelle. Son dédicataire, Josef Hofmann, l’un des plus grands virtuoses de l’époque, refusera de le jouer. C'est Vladimir Horowitz qui en sera le premier grand interprète, après Rachmaninoff. Grâce à lui, dans les années 1930, le Concerto, d’abord boudé, commencera à s’imposer.

Le Carnaval des animaux se présente comme une parodie, une grande farce. Nous sommes bien loin du Saint-Saëns sérieux et conservateur auquel le public est habitué. Il est écrit pour un ensemble instrumental peu commun : deux pianos, deux violons, un alto, un violoncelle, une contrebasse, une flûte (également piccolo), une clarinette, un harmonica de verre (ou un célesta) et un xylophone. L'œuvre est composée de 14 mouvements et dépeint une galerie d’animaux originaux et exotiques. Parmi eux, les hémiones, qui sont des ânes sauvages d’Asie, des kangourous, un éléphant ou encore un lion. Saint-Saëns est un grand voyageur. Ce n’est donc pas étonnant de trouver des animaux plutôt exotiques dans son bestiaire. Le compositeur reste malgré tout très attaché à la tradition classique ; Le Carnaval des animaux est donc une parenthèse humoristique et caricaturale, avant la reprise de travaux plus sérieux, comme sa Symphonie n°3 « Avec orgue » qui sera également créée en 1886.

En 1788, Mozart a 32 ans. C’est une période de création intense. Pendant ce même été 1788, il compose par exemple l’Adagio et fugue, la Sonate pour piano n° 16 (dite) « facile », et ses Trios avec piano n° 5 et 6. Pourtant, ce n’est pas la grande forme pour Mozart : les dettes s'accumulent et le public commence à le bouder. Et, pour ajouter à ses malheurs, sa petite fille de 6 mois, Theresia, meurt fin juin. Par son urgence, ses accents pathétiques et désespérés, la Symphonie n° 40 se teinte déjà de couleurs romantiques, semblant ouvrir la voie à Beethoven. La Quarantième est la plus dramatique des symphonies de Mozart, et c’est sans doute à cette puissance émotionnelle que l’œuvre doit son succès.

21 avril 1918, Petrograd, salle de la chapelle de l’ancienne cour. C’est l’après-midi et un jeune compositeur de 27 ans, Serge Prokofiev, dirige sa toute première symphonie. L'œuvre est courte et en un quart d’heure de musique le public est conquis. C’est l’une des premières fois qu’une œuvre de Prokofiev fait l’unanimité. On est surpris, d’ailleurs. Le compositeur a habitué le public à une musique plus moderne, dont les dissonances rebutent ceux qu’il s’amuse à surnommer « les oies ». Cette fois, il n’en est rien. Sa symphonie, sous-titrée Classique, reprend les canons du siècle des Lumières, celui de Mozart et de Haydn, voire ceux de l’époque baroque.

Achevée en 1833 et créée la même année à Londres, la Quatrième Symphonie illustre le réjouissant voyage de Mendelssohn en Italie. C'est son œuvre la plus joyeuse.

En 1883, la Symphonie n° 3 est l'unique production de Brahms ; sa création est attendue avec impatience. Les salles se battent pour avoir l’honneur de la première audition. Le jour J, le 2 décembre 1883, à Vienne, le succès est tonitruant. Bientôt, l'œuvre est connue partout en Europe, et même de l’autre côté de l’Atlantique, aux États-Unis. Le chef Hans Richter, qui dirige la symphonie le jour de sa création, lui donne le surnom d’« Héroïque », en raison de son caractère puissant, vif et enthousiaste, mais aussi, bien sûr, en écho à la Troisième Symphonie de Beethoven, l’« Héroïque ». En 1961, le réalisateur Anatole Litvak utilise le thème célèbre du troisième mouvement dans son film inspiré du roman de Françoise Sagan, Aimez-vous Brahms ?

Juin 1941, l'armée allemande franchit la frontière russe. L’Union soviétique entre en guerre. C’est dans un Leningrad en proie aux bombardements que Chostakovitch se lance avec ardeur dans l’écriture d’une nouvelle symphonie. Beaucoup ont considéré cette Septième comme un acte de résistance contre l’invasion nazie. Très vite, Staline et les Soviétiques en font un instrument de propagande, l’un des symboles de la « Grande Guerre patriotique ». 

29 mai 1913, Théâtre des Champs-Élysées à Paris. C’est le jour de la création du Sacre du printemps de Stravinski...

Œuvre monumentale, la Passion selon saint Matthieu offre près de trois heures de musique, En ce qui concerne la forme, on peut remarquer des similitudes avec l'opéra italien de l’époque : c’est le récit qui assure la narration et permet à l’action d’avancer, tandis que les airs sont des moments de réflexion, d’affect, de méditation. Leschéma de l’oratorio est différent, sans doute plus varié que celui des opéras du début du XVIIIe siècle. Bach retouchera son œuvre à plusieurs reprises, notamment en 1729. C’est cette version, recréée en avril de la même année, que l’on a aujourd’hui l’habitude d’entendre.

Avec L’Oiseau de feu, Stravinski s’inscrit dans la filiation du groupe des Cinq (cénacle de compositeurs qui défendaient le nationalisme russe), tout en ouvrant la voie à la modernité. Il portera ce style à son sommet et le dépassera très vite avec Le Sacre du Printemps. Le jour de la création de L’Oiseau de feu, le 25 juin 1910, au Théâtre National de l’Opéra de Paris, le succès est immense. Du jour au lendemain, Stravinski occupe le devant de la scène...

1819 : pour adapter son lied « La Truite », Schubert choisit une formation des plus originales : un quintette pour piano, violon, alto, violoncelle et contrebasse. L'avant-dernier mouvement, constitué d’un thème et cinq variations, est devenu célèbre ; c’est à lui que l’on pense en premier quand on évoque La Truite. Schubert ne connaîtra pas le succès de son quintette ; il ne sera publié qu’un an après sa mort, en 1829.

Écrite « à une vitesse folle », la Neuvième Symphonie de Gustav Mahler laisse de côté sa recherche de mélange vocal et instrumental, poussé à son paroxysme dans la Huitième Symphonie « Des Mille » et dans Le Chant de la Terre. La symphonie s’ouvre et se clôt de manière originale par deux mouvements lents qui encerclent deux mouvements plus rapides. La création eut lieu à Vienne le 26 juin 1912, quelques mois après la mort de Mahler, sous la direction de Bruno Walter.

Esquissée en 1811, la Septième Symphonie de Beethoven est de caractère festif et joyeux. Le deuxième mouvement, Allegretto, fut entièrement bissé le soir de la création. Les troisième et quatrième mouvements sont comme une fête perpétuelle, un tournoiement euphorique.

En grande partie autobiographique, la Symphonie fantastique brosse le portrait d’un jeune artiste, fou amoureux d’une femme qui « réunit tous les charmes de l’être idéal ». C’est la cruauté de la passion non partagée de Berlioz pour la comédienne irlandaise Harriet Smithson. qui est au cœur de cette œuvre inclassable. L’année 1830 est l’année de tous les succès pour Berlioz : en plus de la réussite de sa Symphonie fantastique, il remporte enfin le prestigieux Prix de Rome, après plusieurs tentatives infructueuses.   

Tout le monde connaît le Deuxième Concerto de Serge Rachmaninov. C’est son œuvre la plus célèbre, grande favorite des pianistes. Ses thèmes sont d’ailleurs très souvent repris dans la culture populaire, au cinéma ou encore dans la musique pop… Et pourtant, au départ, c’était loin d’être gagné. Entre dépression et cure par l’hypnose, l’histoire de ce concerto se révèle bien complexe...

Depuis 1892, Dvorak est directeur du Conservatoire National de New York. C’est là qu’il va composer ses œuvres les plus connues : sa Symphonie du Nouveau Monde ou encore son Quatuor à cordes n° 12, "Américain". Il faudra cependant attendre l’automne 1894 pour que le compositeur se lance dans l’écriture d’un concerto pour violoncelle. Dvorak met un point final à sa partition le 9 février 1895, jour des 10 ans de son fils Otakar. La création a lieu 19 mars 1896 à Londres sous la direction du compositeur, avec le violoncelliste Leo Stern en soliste. Dans cette oeuvre, le dialogue entre soliste et orchestre est des plus équilibrés, et la musique allie sans cesse fougue et lyrisme, puissance et poésie. Dvorak ne reviendra jamais à New York, le Concerto pour violoncelle en si mineur est sa dernière œuvre américaine.

En 1874, Modest Moussorgski se lance dans la composition d’une nouvelle œuvre pour piano, sorte de promenade musicale à travers les tableaux de son ami Viktor Hartmann décédé un an plus tôt. Les tableaux sont pour la plupart reliés entre eux par des intermèdes appelés "promenade", miroirs des impressions du compositeur qui déambule devant les tableaux. Dans ses Tableaux, Moussorgski joue sur les contrastes, les nuances, et alterne des pièces de caractères variés : lentes et rapides, lyriques et nerveuses, pour la plupart inspirées du folklore russe. Mais la pièce ne séduit pas pleinement : on critique son écriture pianistique. Certains jugent les accords “creux”, manquant de brillance. Pourtant, Moussorgski était connu pour être un excellent pianiste. Ces réticences pourraient expliquer pourquoi l'œuvre a été orchestrée à de nombreuses reprises. Parmi les orchestrations qui se sont succédé, seule la version proposée par Maurice Ravel en 1922 s’est véritablement imposée. Elle parvient à garder l’esprit russe de l'œuvre, tout en lui donnant des couleurs modernes.

La Symphonie n°4 est l’une des plus courtes de Gustav Mahler. L’orchestre est allégé et le compositeur a choisi une soprano comme voix soliste. Avec ses couleurs lumineuses, l'œuvre renvoie à l’enfance, à l’innocence. Elle se conclut par un lied réorchestré, Das himmlische Leben (La Vie céleste), tiré du cycle Des Knaben Wunderhorn (Le Cor merveilleux de l'enfant), datant de 1892. Le texte décrit les joies du Paradis vues par un enfant. Malgré un accueil peu enthousiaste, la Quatrième s’est vite imposée et est devenue l’une des symphonies les plus jouées de Mahler.

S’il est l’auteur de concertos, d'opéras ou encore de mélodies, Antonín Dvořák est surtout connu pour ses neuf symphonies. À travers elles, il brosse le portrait de sa chère Bohême natale, en particulier dans la dernière symphonie, dite « Du Nouveau Monde », la plus célèbre des neuf.

Fruit de la collaboration avec le virtuose Joseph Joachim, le Concerto pour violon de Brahms succède à ceux de Beethoven et de Mendelssohn. Il s'est imposé au fil du temps comme l'un des fleurons du répertoire romantique.

Le Concerto pour piano n° 20 de Mozart est le premier de la série à porter une tonalité mineure. Ses traits dramatiques, ses élans fiévreux et le contraste saisissant entre la Romance et le Finale lui confèrent une physionomie éminemment romantique.

La dernière symphonie de Brahms brille d’une intense poésie et déploie une énergie turbulente, Ses premiers auditeurs lui réservèrent un accueil enthousiaste.  

Un an avant sa mort, Franz Schubert compose Winterreise (Voyage d’hiver), cycle de 24 lieder sur des poèmes de Wilhelm Müller. Dans cette odyssée crépusculaire où transparaissent solitude, gravité et pessimisme, l’âme dévastée du Voyageur est dévoilée dans sa plus tragique nudité.

Achevée en 1902, la Cinquième Symphonie de Gustav Mahler forme la première partie d’un triptyque purement instrumental. De la marche funèbre initiale au finale éclatant, elle thématise la progression de l’ombre vers la lumière et porte en elle l’intense émotion née de son union avec Alma Schindler.

Conçue à l’origine comme poème symphonique, la Première Symphonie de Gustav Mahler fit l’objet de nombreux remaniements. On y perçoit tour à tour les bruits de la nature, des échos de danses populaires et la citation d’une chanson enfantine, avant un puissant finale qui conclut de manière triomphale.

Initiée en 1888, la Deuxième Symphonie de Gustav Mahler est une œuvre-monde dans laquelle se rencontrent aspirations profanes, religieuses et panthéistes.

L’Enfant et les Sortilèges est le fruit d’une collaboration entre la romancière Colette et le compositeur Maurice Ravel. Concis, varié et mêlant tout type de musique, c’est un opéra à part, inclassable.

Piotr Ilitch Tchaïkovski est l’auteur de six symphonies, composées entre 1866 et 1893, à l’apogée du romantisme. C’est aussi l’époque des symphonies de Brahms, de Bruckner ou encore de Dvořák. En Russie, Tchaïkovski est l’un des principaux compositeurs à s’essayer au genre.

Longuement mûri, de la fin des années 1850 à 1866, le Requiem de Brahms porte l’empreinte d’une double perte : celle de son mentor et grand ami Robert Schumann, et celle de sa mère.

Qui dit Casse-Noisette fait immédiatement penser aux fêtes de fin d’année, à la féerie et à la magie de Noël...

Le Messie est sans conteste l’oratorio le plus célèbre de Haendel. Pourtant, à l’origine, il n’a pas fait l’unanimité. Il faut dire que l’œuvre fait preuve d’originalité. Elle s’inscrit dans la tradition, sans pour autant lui être complètement fidèle.

Quatre premières notes tonitruantes, un sentiment d’urgence, une tension dramatique…Interrogé sur le sens de ce motif initial, Beethoven aurait eu cette formule célèbre : « Ainsi frappe le destin à la porte ».

L'été, Beethoven fait de longues promenades dans les villages aux alentours de Vienne, il se perd dans la nature et dans ses rêveries. Il aime tant la nature qu’il va lui dédier une symphonie, la Sixième, la célèbre Symphonie « Pastorale ».

C’est à la fin des années 1920 que George Gershwin a l’idée d’Un Américain à Paris. Le compositeur jouit à l’époque d'une certaine notoriété, surtout après les succès de la Rhapsody in Blue et de Lady, Be Good ! L’œuvre est créée le 13 décembre 1928, au Carnegie Hall de New York. En 1951, l'adaptation cinématographique de Vincente Minnelli sort sur les écrans, avec Gene Kelly et Leslie Caron.