Explore every episode of the podcast Happy Days : Musique et souvenirs des années 60 et 70

Nous sommes le 8 avril 1977. Happy day pour un groupe britannique, dont le nouvel album sort ce matin. "Even in the Quietest Moments", même dans les moments les plus calmes. 

UN titre va s’en échapper et connaître un incroyable destin, partout sur la planète, c'est "Give a Little Bit"...

Maestro, un peu de guitare (on va y revenir d'ailleurs)...

Le groupe, c'est Supertramp. Fondé à Londres en 1969, et qui au fil des années est devenu l'un des grands noms du rock progressif britannique. Roger Hodgson, Rick Davies : deux têtes, deux voix, une alchimie absolue.

"Give a Little Bit", c'est une chanson de Hodgson. Écrite quand il avait 19 ou 20 ans. Présentée au groupe cinq ou six ans plus tard seulement. 

Certaines chansons attendent leur moment. Et quelle chanson !

Hodgson dira d’ailleurs qu’il a été ouvertement inspiré par un titre des Beatles…

"All You Need Is Love" 

Le mouvement peace and love des années 60 qui continue de résonner dans les années 70. 

Give a little bit. Donner un peu. Recevoir un peu. Le message est simple et universel.

Je le disais, dans la chanson de Supertramp, il y a une guitare plutôt originale. C'est une 12 cordes acoustique. Ce son-là, reconnaissable entre mille, c'est lui qui porte toute la chanson. Avec un Clavinet en fond, l'instrument qu'on retrouve chez Stevie Wonder à la même époque.

Bref, c’est le grand potage qui unit dans son lit années 60 et années 70 !

La chanson atteint la 15e place du Billboard américain. Mais son destin le plus inattendu, il se joue l'année suivante, en 1978.

Dans le film "Superman*"de Richard Donner (celui avec Christopher Reeve !) il y a une scène en voiture. Loïs Lane roule,la radio allumée. Et ce qu'on entend sur son autoradio... c'est "Give a Little Bit". Même si la chanson ne figure pas (officiellement) sur la bande originale du film. 

Mais des millions de spectateurs l'entendent quand même. Résultat : succès en 77, succès en 1978. Parfois, les chansons ont un SUPER pouvoir !

Nous sommes au début de l'année 1973. Happy Day pour une entreprise japonaise d'électronique grand public fondée en 1947. Kenwood vient de dévoiler son nouveau fleuron. Il s'appelle KL-7090 et il va faire l'objet d’un véritable culte chez les nouveaux amateurs de hi-fi.

Dans les salons, quelque chose change, par exemple, quand on écoute le nouveau disque de Marvin Gaye.

Les années 70, c'est l'époque où écouter de la musique chez soi devient un acte sérieux. On ne pose plus juste un disque sur une platine. On investit. On choisit ses enceintes comme on choisit ses meubles. Parce que justement, les enceintes, ce sont des meubles. De grands caissons en bois sombre, posés fièrement dans le salon, qui prennent de la place et qui l'assument.

Le KL-7090 de Kenwood, c'est l'incarnation parfaite de cet esprit-là.

Six haut-parleurs. Cinq voies. Un boomer de 38 centimètres pour les basses (c'est la taille d'une grande pizza). Et tout en haut du spectre, des petits pavillons qui captent les aigus les plus fins.

Le résultat ? 25 à 22 000 hertz. Du grave profond à l'aigu cristallin. La musique comme on ne l'avait JAMAIS entendue dans un salon.

Prix de l'objet : 599 dollars en 1973. Soit l'équivalent d'environ 4 000 euros aujourd'hui. Ce n'est pas une enceinte pour tout le monde. C'est une enceinte pour les convaincus, les passionnés, ceux qui considèrent que bien écouter de la musique, ça mérite un vrai budget.

En Belgique, dans les magasins hi-fi spécialisés des grandes villes, les amateurs se pressent. On vient voir la bête. On vient l'écouter. Parfois juste admirer le caisson, la grille, le bois. Et puis on repart avec, sous le bras, enfin, dans le coffre de la voiture. Ça pèse 23 kilos.

Le KL-7090 n'est pas parfait (aucune enceinte ne l'est). Mais franchement, personne ne s'en plaint. Parce cette enceinte reproduit le son avec une très belle intensité.. 

Dans un salon coloré des années 70, avec un disque de Marvin Gaye ou de Led Zeppelin sur la platine...

C'est tout simplement PAR-FAIT !

Nous sommes le 30 septembre 1966. Happy Day pour un groupe britannique au nom assez étrange, Herman's Hermits. Leur nouveau disque estune chanson d'amour à l'imparfait. Une chanson de rupture amoureuse, si vous préférez. Elle a pour titre... No Milk Today.

Herman's Hermits, c'est Manchester, 1963. Un groupe de pop (et un peu de rock) emmené par un chanteur au sourire irrésistible, Peter Noone. En 1965, ils enchaînent les hits aux États-Unis, vingt-quatre semaines consécutives dans le Top 10 américain. Dans la foulée des Beatles, les Hermits sont l'un des groupes britanniques les plus populaires de la planète.

Et là, à l'automne 1966, ils sortent "No Milk Today".

La chanson, je le disais, raconte une rupture. Elle est partie. La maison, si gaie jusqu'alors, est vide et silencieuse. Mais comment le dire sans le dire ? 

En Angleterre, à l'époque, le laitier passe chaque matin livrer ses bouteilles. Quand on ne veut pas de lait, on laisse un petit mot sur le pas de la porte. "No milk today". Trois mots anodins pour les voisins. Trois mots dévastateurs pour celui qui les écrit.

Traduction : "Comment pourraient-ils deviner ce que ces mots signifient vraiment... la fin de tous mes rêves."

Ce qui rend la chanson unique, c'est aussi ce qu'on entend. Pour la première fois, le groupe utilise un orchestre à cordes. Et ces petits carillons qui tintent, c'est John Paul Jones qui les a introduits. Oui, oui. Celui qui deviendra quelques années plus tard le bassiste de Led Zeppelin.

La chanson atteint la 7e place en Grande-Bretagne. Elle cartonne en Europe, chez nous aussi en Belgique et même en Australie. Elle sera reprise en allemand, en espagnol, en tchèque...

Et des décennies plus tard, une marque de lait norvégienne l'utilisera pour une campagne publicitaire. Le laitier, toujours... pour parler d'amour...

Nous sommes le 23 avril 1980 sur la presqu'île de Saint-Tropez. Happy Day pour Claude Berri. Le tournage de son nouveau film démarre aujourd'hui. 

Pour Je vous aime, Berri a confié un rôle à Serge Gainsbourg. Il lui a demandé fin 1979 (nous allons y revenir) de signer la musique du film.

C'est l'histoire d'Alice, incarnée par Catherine Deneuve. Une femme de trente-cinq ans à la trajectoire amoureuse mouvementée. Et pour jouer ses anciens amants... Gérard Depardieu, Jean-Louis Trintignant, Serge Gainsbourg. Le casting est presque... déraisonnable.

Pourquoi Gainsbourg pour la musique ? Parce que Claude Berri est un ami. Et en 1980, Gainsbourg a besoin d'un ami.

Jane Birkin vient de le quitter. Le tournage, c'est une façon de lui changer les idées. Berri lui propose le rôle, la musique, et Saint-Tropez. Gainsbourg accepte.

Sur le plateau, quelque chose se passe entre lui et Deneuve. Une complicité, une connivence. Pas une histoire d'amour (Deneuve le dira clairement plus tard). Mais Gainsbourg, lui, ne déteste pas laisser planer le doute.

Cette ambiguïté-là va nourrir une chanson. Avec des paroles qui appartiennent bien à leur époque..

Dans le film, Deneuve joue une parolière. "Dieu est un fumeur de havanes", c'est officiellement une chanson que son personnage aurait écrite. Mais derrière la chanson d'amour, il y a autre chose. L'homme parle de tabac. De ses gitanes. De son autodestruction. 

La femme lui dit que ce n'est pas la lueur d'une cigarette au fond de ses yeux, mais que c'est la flamme de l'amour.

Il ne l'écoute pas vraiment. Malentendu total. On y retrouve un peu d'une autre chanson "Je t'aime... moi non plus". Un peu, sans doute aussi, de Jane…

Au mixage, détail savoureux : Deneuve chante au plus près du micro, voix chuchotante. Jane Birkin dira plus tard que c'est exactement comme ça que Gainsbourg aimait travailler avec les actrices en studio.

La bande originale du film, elle, passe inaperçue. Mais le duo cartonne. Onze semaines dans le hit-parade. Plus de 80 mille 45 tours vendus.

Inspiré, Gainsbourg enchaîne et compose un album entier pour Deneuve. "Souviens-toi de m'oublier", sorti en 1981. Flop total. Mais ça…. c'est une autre histoire.

Nous sommes en 1968. Happy Day pour Norbert Blancke. Ce musicien belge de Neder-Over-Heembeek vient de fêter ses 24 ans et il va connaître un incroyable succès avec un titre qui parle de rock and roll. 

Ah oui, Norbert Blancke a un nom de scène : Burt Blanca. Retenez le nom.

Son nouveau 45 tours a pour titre "Rock'n'roll is good for the soul". Let's go !

Norbert Blancke, c'est la banlieue nord de Bruxelles. Un gamin attiré par la musique dès 5 ans. L'accordéon à 6 ans. La clarinette à 7 ans. Premier prix de conservatoire. 

Et puis à 15 ans, il découvre seul la guitare. Et le rock'n'roll.

Tout change.

Dans les années 60, Burt Blanca devient une vraie pointure du rock en Europe. Il joue au Golf Drouot, à l'Olympia, au Palais des Sports de Paris. Il partage l'affiche avec The Animals, The Kinks, Gene Vincent. 

Un Belge de Bruxelles au cœur de la scène rock internationale.

Pas mal pour un ancien élève du conservatoire.

En 1968, pour ce nouveau titre, il y a un détail savoureux. Le frère d'un producteur américain, Albert Van Hoogten, fait passer Burt pour un Américain sous le pseudonyme de Winky Hawks. 

"Rock'n'roll is good for the soul" est d’abord la face B d'un autre titre, Miss Molly...

La même année, Burt croise la route de Vince Taylor à Montbéliard. Vince Taylor, l'homme qui inspirera Ziggy Stardust à David Bowie. À ce moment-là, il est au creux de la vague, sans musiciens. Burt lui propose de l'accompagner. Vince accepte.

Deux légendes du rock qui se retrouvent sur une scène française. Presque par hasard.

Burt Blanca va s’imposer dans le temps…

"Touche pas à mon rock'n'roll", "Clap Clap Sound", "Le Train ne passe plus par là"... Burt est non seulement un pionnier du rock belge, mais surtout une vraie figure internationale...

Nous sommes le 1er janvier 1972.

Happy Day pour les enfants belges. La RTB est la première chaîne au monde à diffuser une série d'animation qui met en vedette un personnage réservé, délaissé du monde.

C'est un petit poussin noir. Et il s'appelle Calimero !

Calimero est un personnage de fiction de dessin animé italien, créé en 1962.

D'abord publicitaire avant de venir l'anti-héros d'une série télé. On va y revenir.

C'est un poussin malchanceux. Seul poussin noir dans sa nichée. Il porte sur la tête une demi-coquille d'œuf en guise de chapeau.

Sa phrase fétiche est la suivante...

Calimero est donc né en 1962. Créé dans une publicité pour de la lessive. S'il est noir, c'est qu'il est tombé dans la boue en naissant.

Dans la publicité, la lessive le nettoie. Et le poussin retrouve sa couleur jaune originelle.

Le 14 juillet 1963, Calimero obtient sa propre série dédiée. "Calimero le poussin noir".

Dans la série, Calimero est présenté comme le dix-septième poussin de la couvée d'une poule padouane. Appelée Cesira. Qui renie ce fils, car il est noir.

Malgré son statut de vilain petit canard abandonné par sa famille, le bien et la vérité triomphent toujours. Grâce à la bonne foi et l'honnêteté du poussin.

Priscilla, sa petite amie, une oiselle timide pleine de bon sens, le défend tout le temps.

Après la mort du créateur, les héritiers produisent une série de dessins animés non publicitaires. En couleurs.

Le 1er janvier 1972, la RTB lance cette fameuse série en primeur.   

Il faudra (en effet) attendre 1975 pour la voir débarquer en France sur TF1.

Tous les épisodes se concluent systématiquement par la même complainte. Se perdant dans l'éloignement.

"C'est pas juste ! C'est jamais juste ! C'est toujours à moi qu'on s'en prend ! C'est vraiment trop inzuste". Le personnage zézayant entre alors... dans l'imaginaire collectif.

Nous sommes le 15 mars 1967.

Happy Day pour un couple sous le feu des projecteurs. Sylvie Vartan et Johnny Hallyday unissent leur talent et leur succès à la scène.

Ensemble. Pour la première fois. À l'Olympia.

Le spectacle commence le 15 mars. Initialement prévu jusqu'au 4 avril, le succès est tel que le show est prolongé jusqu'au 16 avril.

Plus d'un mois de spectacle. De très nombreux Belges font le déplacement... mais il faut être patient pour obtenir les fameux sésames...

Sylvie Vartan donne le coup d'envoi. Johnny Hallyday assure la seconde partie.

Johnny commence son tour de chant avec "Les Coups". Qu'il entame depuis les coulisses. Le son va crescendo à mesure qu'il avance vers la scène.

Dès le début, il transpire. Il semble être en plein orgasme. 

Johnny met le public dans sa poche avec ses échanges.

Il enchaîne. "Le Pénitencier" est la seule chanson ancienne. Avec une fin folle de cuivres qui s'emballent.

“À plein cœur”, titre en duo de 1963, fait évidemment partie du voyage.

Pour le final, le couple interprète "Je crois qu'il me rend fou" en duo.

Sylvie et Johnny. Ensemble sur scène. C'est un événement qui va se jouer tous les soirs à guichets fermés.

Sylvie dira : "C'était la première fois que nous avions le plaisir de chanter ensemble sur scène à l'Olympia avec Johnny. Nous étions loin de nous douter que l'occasion se représenterait aussi souvent."

L'album live sort chez Philips. Certains titres n'apparaissent pas dans le live original. En 1992, il sera ENFIN donné dans son intégralité. Soit 16 titres dont 5 inédits du tour de chant, démarré le 15 mars 1967, à l'Olympia. Avec un couple sur scène. Et un public TOTALEMENT conquis.

Nous sommes au début de l'année 1970.

Happy Day pour la marque Philips. L'entreprise dévoile aujourd'hui un drôle d'appareil et une technologie dont on rêve depuis très, très longtemps.

Son lecteur N2401 est auto-reverse.

Et c'est une petite révolution.

Rappelons le principe.

Jusqu'à présent, quand la face A d'une cassette est terminée, il faut la retourner manuellement pour écouter la face B.

C'est fastidieux. Surtout en voiture. Surtout en pleine autoroute.

L'auto-reverse, c'est un système qui permet de lire successivement les deux côtés de la cassette sans que l'utilisateur ait à la retourner.

Le rêve absolu.

Le système le plus connu utilise une tête de lecture double ou pivotante. Et inverse le sens de défilement de la bande.

Mais avant la généralisation de ce type de mécanisme, de nombreux essais plus ou moins complexes ont eu lieu. Avec des lecteurs retournant physiquement la cassette.

C'est exactement ce que fait le Philips N2401.

Surnommé "The Ski Slope". La piste de ski. À cause de sa forme inclinée.

L'appareil date de 1970. Sa présentation est typique du style de l'époque. Plaquage bois vernis. Aluminium brossé. Métal nickelé.

Il est équipé d'un ampli stéréo. On peut y raccorder directement une paire d'enceintes.

Et donc, la cassette se retourne toute seule, comme ça...

Disons-le tout de suite. Avec une bande passante de 11 kHz et l'absence de réducteur de bruit, ce n'est pas encore de la Hi-Fi. Mais l'écoute est loin d'être ridicule. Elle serait même plutôt agréable.

En 1972, Akai sort son propre système auto-reverse. L'Invert-O-Matic.

Le système auto-reverse apparaît aussi sur les autoradios dans les années 1970. Mais on ne connaît pas le nom de l'inventeur du système.

Ce qu'on sait, c'est qu'il faudra attendre... 1982 pour voir débarquer la fonction dans nos vies. Cette année-là, Sony sort le WM-7. Le premier Walkman auto-reverse au monde.

Mais tout commence ici. Au début de l'année 1970. Avec un appareil Philips au nom bizarre. The Ski Slope. Et une cassette qui se retourne toute seule, cassette inventée 7 ans plus tôt par Lou Ottens, en Belgique, dans les usines de Hasselt…

Nous sommes le 8 novembre 1963.

Happy Day pour Dusty Springfield. La chanteuse britannique sort aujourd'hui son premier 45 tours en solo.

Elle l'ignore encore à l'heure qu'il est, mais les radios et les juke-boxes vont en faire un énorme succès.

Titre choisi : "I Only Want to Be with You".

Dusty Springfield est un nom de scène. Celui de Mary Isobel Catherine Bernadette O'Brien, une fille née dans le nord de Londres, qui a grandi dans une famille irlandaise baignée de musique.

Ses premiers succès datent de sa collaboration dans le groupe The Springfields. Avec son frère aîné, Tom... et un ami.

En 1963, elle se lance en solo.

"I Only Want to Be with You" est son premier single.

La chanson débute à la 46e place du hit-parade britannique dans la semaine du 21 au 27 novembre 1963.

Elle commence à grimper.

Finalement, dans la semaine du 9 au 15 janvier 1964, elle atteint la 4e place. Et garde cette place pendant deux semaines de plus.

Aux États-Unis, la chanson atteint le top 10.

Dusty Springfield devient la première chanteuse britannique à atteindre les classements américains, aussi vite, aussi fort !

"I Only Want to Be with You" fait partie de la British Invasion. 

Au Royaume-Uni, le magazine New Musical Express classe Dusty Springfield comme meilleure chanteuse britannique en 1964, 1965 et 1968. Selon les votes du public.

La chanson est adaptée en français. Sous le titre "À présent tu peux t'en aller".

En 1964, Richard Anthony est numéro un avec cette reprise.

"I Only Want to Be with You" traverse les décennies. En Français et en anglais, la Belgique adore cette chanson.

En 1976, les Bay City Rollers reprennent la chanson. Elle atteint la 4e place au Royaume-Uni.

En 1977, The Tourists s'offrent également leur propre reprise. Avec Annie Lennox et Dave Stewart. Donc, AVANT la fondation d'Eurythmics. 

Bien plus tard, Annie Lennox citera ses inspirations et ses héroïnes. On y retrouve Petula Clark, Aretha Franklin et... une certaine Dusty Springfield...

Nous sommes le 31 mars 1979.

Happy Day pour la ville de Jérusalem. Ce samedi soir, elle accueille la première excursion du concours Eurovision de la chanson hors du continent européen.

Et pour cause, l'an dernier, l'État hébreu a déjà remporté la victoire avec "A-Ba-Ni-Bi", à Paris.

Israël, vainqueur en 1978, se charge de l'organisation de l'édition 1979.

C'est la première fois que le concours se tient dans une ville située en dehors du continent européen.

C'est aussi la dernière fois que la finale a lieu au mois de mars.

Et c'est la première émission en couleur produite par la télévision publique israélienne.

Mais l'organisation est compliquée.

Des groupes religieux orthodoxes manifestent leur opposition. Le concours a lieu un samedi. Jour du shabbat. Jour de repos consacré dans la religion juive.

Le contexte international est tendu. Les mesures de sécurité sont renforcées drastiquement.

Dans le cadre de la crise pétrolière et des tensions internationales, la Turquie subit les pressions des pays voisins d'Israël. Elle finit par se retirer. Dix-neuf pays participent finalement au vingt-quatrième concours.

Le programme dure près de deux heures et cinquante-six minutes.

La représentante belge, Micha Marah, est extrêmement mécontente de sa chanson "Hey Nana".

Elle aurait préféré interpréter une autre composition, "Comment Ça Va". Elle accuse le jury de la finale nationale belge d'avoir manipulé les résultats. Elle refuse toujours d'enregistrer la moindre version de "Hey Nana".

Micha Marah termine dix-huitième. Avec seulement 5 points. Pas une super année pour le Royaume.

Le spectacle d'entracte est un ballet, interprété par le groupe Shalom 79, sur un medley de chansons israéliennes traditionnelles.

À la fin du spectacle, tous les artistes participants montent sur scène. Bientôt rejoints par les présentateurs. Une première depuis 1961.

Israël, pays hôte, remporte la victoire. Avec la chanson "Hallelujah", interprétée par Gali Atari et Milk and Honey. C'est la deuxième victoire consécutive d'Israël. Et la première Eurovision hors d'Europe. 

Un samedi... folklorique, compliqué, mais véritablement... historique.

Nous sommes le 1er octobre 1979.

Happy Day pour James et Andy. Les deux membres des Korgis entrent aujourd'hui en studio pour enregistrer leur deuxième album. Et cela va prendre du temps : jusqu'en mars 1980.

Parmi les chansons : une ballade lente. Mélancolique. Ils ne le savent pas encore, mais elle va devenir un monument.

Titre choisi : "Everybody's Got to Learn Sometime".

Et c'est, en apparence, un bain de douceur sentimentale…

James Warren et Andy Davis travaillent ensemble depuis le début des années 1970.

Ils se sont rencontrés au sein d’un groupe de pop inspiré des Beatles.

En 1979, ils forment The Korgis. Un duo. Leur premier album sort dans la foulée, mais sans grand retentissement. C'est le deuxième qui va tout changer.

"Dumb Waiters". Les serveurs muets. Et c'est sur cet album que figure la fameuse ballade...

James Warren raconte l'histoire de la chanson.

Un jour, il est dans son appartement à Bath, dans le Somerset. Il a un piano. Il s'en sert pour trouver des idées de chansons.

Il joue des accords. Une mélodie. Et il chante la première chose qui lui vient à l'esprit.

La chanson s'écrit en 10 ou 15 minutes.

Il vise une ballade lente. Traînante. Qui va plaire aux radios américaines.

Le producteur David Lord ajoute ensuite l'arrangement. Les cordes. La profondeur.

L'instrument distinctif qu'on entend après chaque refrain ? Un guzheng. Une cithare chinoise à dix-huit cordes.

Écoutez !

Le synthétiseur de Phil Harrison devient le son principal. 

Les paroles sont simples. Épurées. Mais avec un message direct.

James Warren explique :

"À cette époque, je m'intéressais aux philosophies New Age. Travailler sur soi-même. La méditation. Toute la chanson vient de là. Ce n'était pas du tout une chanson romantique. Pour moi, il s'agissait d'un individu qui change et devient une personne différente, meilleure. C'était littéralement une chanson philosophique."

Le 11 avril 1980, "Everybody's Got to Learn Sometimes" sort en 45 tours.

Le succès est fulgurant.

Numéro 5 au Royaume-Uni. Numéro 18 en Amérique. Ne me demandez pas pourquoi, numéro 14 en Belgique.

Mais… Numéro 1 en France. Numéro 1 en Espagne.

C'est le sommet de la carrière des Korgis.

Nous sommes le 31 juillet 1976.

Happy Day pour Ivo Van Damme. Le Belge va aujourd'hui remporter une médaille d'argent pour le Royaume sur 1500 mètres.

La Belgique retient son souffle.

Un mois plus tôt, en juin 1976, la RTB l'interroge. Les Jeux olympiques de Montréal approchent. Est-il confiant ? Oui, mais surtout concentré !

Le 31 juillet 1976, finale du 1500 mètres au Stade olympique de Montréal.

Ivo Van Damme s'élance. Il court. Il accélère. Il pousse.

Le Néo-Zélandais John Walker franchit la ligne en premier. Record olympique.

Ivo Van Damme franchit en deuxième position. Médaille d'argent.

Temps : 3 minutes 39 secondes 27.

Devant l'Allemand Paul-Heinz Wellmann.

La Belgique explose de joie.

Ivo Van Damme devient une icône belge. Un des plus grands espoirs européens du demi-fond.

Son visage est partout..

L'avenir s'ouvre devant lui.

Mais l'avenir ne durera que quelques mois.

Le 29 décembre 1976. Cinq mois après Montréal.

La Belgique est sous le choc. Le journal du soir en Flandre s'ouvre sur une nouvelle tragique...

Ivo Van Damme perd la vie dans un accident de la route en France. Il revient d'un stage d'entraînement.

Il a 22 ans.

Un an plus tard, en 1977, un groupe de journalistes crée le Mémorial Van Damme.

Pour honorer la mémoire de l'athlète belge disparu prématurément.

Le Mémorial devient rapidement un grand rendez-vous de l'athlétisme européen. À Bruxelles.

Chaque année, les plus grands athlètes du monde viennent courir sur la piste du Roi Baudouin.

Pour LUI !

Ivo Van Damme n'a couru que cinq mois après Montréal. Mais il reste une légende belge.

Le 31 juillet 1976, il a offert à notre pays une médaille d'argent. Et un souvenir impérissable.

Nous sommes le 19 mai 1960.

Happy Day pour Doc Pomus. Il enregistre aujourd'hui avec les Drifters une chanson née d'un moment douloureux. Son propre mariage.

Car Doc Pomus ne peut pas danser. 

Il a été frappé par la polio dans sa jeunesse.

Il marche avec des béquilles. Puis finit en fauteuil roulant.

En 1957, il épouse une grande et belle actrice de Broadway. Danseuse professionnelle.

Le jour de leur mariage, Doc reste assis. Dans son fauteuil. Il regarde sa femme danser avec les invités.

Il ne peut pas la rejoindre sur la piste.

Trois ans plus tard, en 1960, il transforme ce moment en chanson. Avec son partenaire d'écriture, Mort Shuman.

Petite traduction littérale : 

Tu peux danser avec le gars qui te fait de l'œil.

Mais n'oublie pas qui te ramène à la maison. 

Alors chérie, garde-moi la dernière danse.

Save the last dance for me !

Les paroles sont écrites par Doc Pomus. La musique, je le disais, par Mort Shuman.

Le duo compose plus de 500 chansons entre 1958 et 1965. Pour Elvis Presley. Andy Williams. Ray Charles. 

Mais "Save the Last Dance for Me" est différente. Elle est personnelle.

Le 19 mai 1960, les Drifters enregistrent la chanson. Avec Ben E. King au chant.

Pendant l'enregistrement, le patron d'Atlantic Records, raconte à Ben E. King l'histoire de Doc Pomus. Son mariage. Son fauteuil roulant. Sa femme qui danse avec les autres.

Ben E. King écoute. Et il pleure en cabine.

Il comprend la douleur derrière les mots. Et il chante avec CETTE émotion.

Atlantic Records sort le single en août 1960. En face B de "Nobody But Me".

Mais Dick Clark, animateur TV, retourne le disque. Il comprend que c'est "Save the Last Dance for Me" le vrai hit.

Il la passe à la radio. Encore et encore.

Le 13 octobre 1960, la chanson atteint la première place du Billboard. Elle y reste trois semaines. 

C'est le plus grand succès de l'histoire des Drifters.

Ironie du sort : Ben E. King a quitté les Drifters en mai 1960. Trois mois avant la sortie du single.

Nous sommes le 16 mai 1970.

Happy Day pour Robert Altman sur la Croisette à Cannes. La Palme d'Or revient à son film, MASH.

C'est l'adaptation au grand écran d'un roman à succès de Richard Hooker, nom de plume d'un ancien chirurgien militaire.

L'action se déroule durant la guerre de Corée. Automne 1951.

Deux nouveaux chirurgiens sont affectés à l'hôpital de l'armée.   

Dès leur arrivée, ils apparaissent comme rebelles. Coureurs de jupons. Malicieux. Ils n'hésitent pas à enfreindre les règles. Ils "empruntent" une Jeep. Et commencent immédiatement à flirter avec le personnel infirmier.

Ensemble, ils utilisent l'humour et les farces pour garder leur santé mentale face aux horreurs de la guerre.

Le casting est composé de futures stars. Donald Sutherland. Elliott Gould. Tom Skerritt. Sally Kellerman. Ou encore Robert Duvall.

Robert Altman a insisté pour n'avoir que des acteurs inconnus. Aucune star établie.

Et tout ça, sur un fond musical d'une très grande douceur, « Suicide is painless » de Johnny Mandel…

Le film mélange comédie satirique et scènes chirurgicales sanglantes.

Les dirigeants de la Fox exigent que ces scènes soient coupées au montage. Trop choquantes, disent-ils.

Mais Altman refuse. Ces scènes sont essentielles. Elles montrent selon lui la réalité de la guerre. 

L'armée américaine interdit d'ailleurs initialement la diffusion du film dans ses bases. 

Le 16 mai 1970 à Cannes, le film remporte la Palme d'Or.

Cinq nominations aux Oscars. Dont le Meilleur Film. Il remporte celui du Meilleur Scénario Adapté.

Le succès est énorme. MASH devient l'un des plus grands films du début des années 1970. 

Le 13 juin 1970, le film sort en Belgique. La première a lieu à Gand.

MASH deviendra ensuite une série TV.

Le podcast Happy Days vous replonge dans les années 60 et 70, revisitant la folie musicale, les icônes comme Johnny, Brel ou les Beatles, et les grands événements culturels et scientifiques de l'époque. Chaque épisode propose un voyage nostalgique à travers les souvenirs marquants de ces 2 décennies

Happy Day pour Michel Sardou. Il s'en doute peut-être un peu, mais sa nouvelle chanson va connaître un fabuleux destin.

C'est un titre qui parle d'une curieuse maladie. La maladie d'amour ! 

Une mélodie qui s'inspire du Canon de Pachelbel. Une ligne harmonique reconnaissable entre toutes.

Mais d'où vient cette idée ?

C'est la mère de Michel Sardou, Jacky, qui lui a soufflé le thème. Elle lui a dit : "L'amour, c'est une maladie qu'on attrape à deux."

Historiquement, l'idée que l'amour est une maladie remonte au Moyen Âge. Fondée sur la théorie des humeurs. Elle était perçue comme un état physique et mental pathologique. Proche de la mélancolie.

La chanson décrit l'amour comme un sentiment universel. Qui touche tous les âges. "De 7 à 77 ans".

Le succès est (disons-le) immédiat.

La chanson reste au sommet du hit-parade pendant dix semaines. Plus d'un million d'exemplaires vendus.

C'est le plus grand succès de l'année 1973 en France. Et en Belgique, elle atteint la première place également.

Il s'agit de la quatrième chanson la plus vendue de la carrière de Michel Sardou, mais en 1973, c'est son premier grand record. Il y aura ensuite "Les Lacs du Connemara" en 1981, "En chantant" en 1978, et "Dix ans plus tôt" en 1977.

Succès populaire considérable dès sa sortie, cette chanson sera présente dans la plupart des tours de chant du chanteur.

Olympia 75. Olympia 76. Palais des congrès 78. Palais des congrès 81. Vivant 83. Bercy 91. Bercy 98. Live 2005. Zénith 2007. La Dernière Danse.

Michel Sardou modifiera le rythme de la chanson au fil du temps. Il baissera le tempo.

La chanson est reprise par Hervé Vilard en 1984. Elle reste l'un des plus grands succès de la chanson française de tous les temps...

1964 : La Ford Mustang fait sensation à New York

Nous sommes le 17 avril 1964.

Happy Day pour les ingénieurs de l'usine Ford. Ils vont aujourd'hui présenter une voiture pas comme les autres dans le cadre de l'Expo Universelle qui se tient à New York.

Sportive, abordable, personnalisable, elle fait partie de ce qu'on appelle en Amérique les "pony cars".

La Ford Mustang va bientôt devenir l'objet de convoitise de toute la génération du baby boom.

La Mustang est née en 18 mois. Un développement record.

Conçue par Lee Iacocca pour séduire la jeunesse du baby-boom. Sur la plateforme compacte de la Ford Falcon.

Un design long capot-court coffre. Inspiré des européennes sportives.

Prix de base : 2 368 dollars. Abordable. D'ailleurs, 2 368 dollars de 1964, cela donnerait aujourd'hui un peu plus de 20 mille €.

Trois jours avant le lancement officiel, le 14 avril 1964, la toute première Mustang est vendue au Canada.  

Le 17 avril, lors du lancement à l'Expo Universelle, 22 000 commandes affluent.

La Mustang est disponible en coupé. Puis en cabriolet. Et dès août 1964, en fastback.

Boîtes manuelles 3 ou 4 vitesses. Ou automatique. Freins à disques en option. Poids autour de 1 200 kg.

Options infinies. Intérieur "Pony" avec des poneys galopants sur les sièges.

La Mustang se personnalise à l'infini.

Le succès est foudroyant. 417 000 exemplaires vendus en un an. Toutes les attentes sont dépassées. En 1965, 1 million de Mustang vrombissent sur les routes.

En Europe et en Belgique, la Mustang arrive dès 1964-1965. Via les réseaux Ford.

Pas de production locale. Mais des importateurs belges. Les taxes freinent les imports massifs. Mais elle devient vite un mythe. Des clubs naissent rapidement. Comme le Ford Mustang Club Belgium.

La Mustang devient une icône culturelle, partout sur la planète...

1968 : "Bullitt" avec Steve McQueen. Une Mustang verte pour une poursuite légendaire dans les rues de San Francisco.

1971 : "Les Diamants sont éternels" avec James Bond.

1966 : Wilson Pickett chante "Mustang Sally". L'énergie rebelle incarnée. Au cinéma comme en musique, cette voiture va devenir une légende.

Nous sommes le 23 octobre 1978.

Happy Day pour une Américaine élevée dans le New Jersey. À 25 ans, la face B de son nouveau 45 tours va connaître un fabuleux destin.

C'est l'histoire d'une femme qui vient d'être quittée et qui annonce à son ex partenaire qu'il n'est pas question de revenir en arrière.

Titre choisi : "I Will Survive". Je survivrai.

Mais avant la rédemption, il y a la complainte. Au piano.

"First I was afraid, I was petrified..."

D'abord, j'avais peur. J'étais pétrifiée.

Mais j'ai passé tant de nuits à penser à tout le mal que tu m'as fait.

Cela m'a rendu plus forte. J'ai appris à m'en sortir.

Le message est clair. Radical. Universel.

Une femme qui se relève. Qui refuse de retomber. Qui affirme sa force.

Gloria Gaynor n'est pas une inconnue en 1978.

Elle est déjà une figure du disco bien connue, avec des tubes comme "Never Can Say Goodbye" en 1974.

Mais avec "I Will Survive", TOUT va tout changer.

Enregistrée à l'origine comme face B du single "Substitute", je le disais, les DJs dans les clubs préfèrent la face B. Ils la passent. Encore et encore. Le public s'embrase.

Polydor décide de la sortir en single principal.

En France, Régine reprend la chanson. "Je survivrai". Elle en fait sa version à elle. Conquérante. Théâtrale. Mais un peu franchouilarde, quand même...

Pour en revenir à Gloria, le succès est mondial.

Numéro 1 au Billboard en mars 1979. Pendant trois semaines.

Numéro 1 au Royaume-Uni. En Belgique. En France. Dans une vingtaine de pays.

Plus de 14 millions d'exemplaires vendus dans le monde.

Des remixes et des reprises à la pelle.

La chanson devient un hymne. Pour les femmes. Mais aussi, curieusement, dans les milieux gay, où Gloria devient une nouvelle égérie. Et pour cause, la chanson de parle de celles et de ceux qui se relèvent après une épreuve.

Gloria Gaynor recevra le Grammy Award de la meilleure chanteuse R&B en 1980. La chanson est inscrite au registre national la Bibliothèque du Congrès américain en 2016. Pour sa "signification culturelle, historique et esthétique".

Nous sommes le 22 février 1970.

Happy Day pour la petite commune de Heusden-Zolder. Elle accueille aujourd'hui un événement marquant dans l'histoire du cyclo-cross.

Ce sont les Championnats du monde de cyclo-cross UCI 1970. Et il y a beaucoup de Belges en lice.

Zolder, surtout connu pour sa piste automobile, accueille un un parcours boueux. Technique. Typique du cyclisme d'hiver belge.

À la radio ce matin, c’est un signe, on entend "Spirit in the sky"

Deux courses masculines sont au programme. La catégorie élite. Et la catégorie amateurs. Chacune avec son titre mondial.

En épreuve élite, le favori est belge. Il s'appelle Eric De Vlaeminck.

Il s'élance. Il roule. Il franchit les obstacles. Il plonge dans la boue.

Temps final : 1 heure 03 minutes 50 secondes.

Il est... Champion du monde !

Devant son compatriote Albert Van Damme. 

Ce titre fait partie des 7 sacres mondiaux d'Eric De Vlaeminck. Il devient alors LA figure centrale du cyclo-cross mondial.

Mais ce n'est pas tout.

Chez les amateurs, le champion du monde 1970 est aussi belge. Robert Vermeire. Devant l'Espagnol José María Basualdo. Et Norbert Dedeckere. Belge également.

Au classement national, la Belgique domine. 2 titres or. 1 argent. 1 bronze.

Une grande fête du sport belge au début des années 70.

Le cyclo-cross est roi en Belgique. Et Zolder vient de le prouver au monde entier.

Nous sommes le 1er novembre 1962.

Happy Day pour Marcel Miramon. À 33 ans, celui qui rêvait de devenir comédien poursuit une joyeuse carrière de chanteur. Et va signer son plus grand succès. Avec la complicité de Charles Aznavour.

Marcel Miramon s'appelle Amont à la scène. Il a déjà connu un petit rayonnement musical en 1956 avec son premier disque, "Escamillo"

Depuis 1956, Marcel Amont a fait du chemin.

Il a participé à des films. "La mariée est trop belle" en 1956, aux côtés de Brigitte Bardot. "La conduite à gauche" en 1961.

Il acquiert une certaine notoriété en France, donc forcément aussi chez nous en Belgique.

En 1962, il donne son premier récital à Bobino. Pendant trois mois et demi. À guichets fermés.

Il interprète ses propres textes. Avec plusieurs chansons signées Claude Nougaro. "Le Balayeur du roy". "Porte-plume". "Le Tango des jumeaux". "Le Jazz et la Java".

Mais c'est la même année que tout bascule.

Nous sommes le 12 août 1972.

Happy Day pour la petite ville de Westbury, non loin de New York. Elle accueille pour la 2e fois un festival placé sous le signe de l'espoir et de la solidarité. Le Festival of Hope.

L'événement s'est déjà déroulé en 1970. Mais dans des conditions plus... compliquées.

Manque de structure. Sécurité chaotique. L'image des ruines de Woodstock planait encore.

Deux ans plus tard, le 12 août 1972, tout change.

Le festival est re-formé. Mieux structuré. Davantage médiatisé. Avec une image de festival "propre" et "contrôlé".

Et... une affiche monumentale.

James Brown. Jefferson Airplane. Chuck Berry. IDr. Hook. Sha Na Na.

Le festival met en avant une forte présence de musiciens black. James Brown. Billy Preston. Ike & Tina Turner.

Un moment important pour la visibilité du funk, du R&B et de la soul dans le circuit des festivals caritatifs.

Billy Preston apparaît en costume à rayures pêche. Très remarqué par la critique.

Sly & The Family Stone clôture le dimanche. 

De nombreux Belges font le déplacement pour ne pas manquer ça.

Le festival marquera les esprits, comme mieux organisé que nombre de grands festivals de la fin des années 60 et début 70. 

Météo agréable. 

Les 12 et 13 août 1972 resteront, à Westbury, comme un événement caritatif où la musique black a imposé son tempo... 

Nous sommes le 17 août 1962.

Happy Day pour un groupe britannique. Il va livrer une pièce instrumentale qui est un OVNI absolu.

Particularité : ici, les guitares sont accompagnée par un instrument très original.. l'orgue. Oui oui, l'orgue !

Écoutez...

Le groupe "Tornados" est formé en 1961.`

Contrairement aux formations en vogue de l'époque (Shadows, Ventures, Spotnicks), les mélodies ne sont pas jouées à la guitare. Mais à l'orgue.

C'est Joe Meek qui compose "Telstar". Une pièce instrumentale futuriste et spatiale.

Le titre porte le nom du satellite de télécommunications Telstar, lancé en juillet 1962.  

Le 45 tours sort en août 1962.

C'est un OVNI, okay, et personne n'y croit vraiment... Sauf que... le succès est foudroyant.

En octobre 1962, "Telstar" atteint la première place des charts anglais. Il y reste cinq semaines.

Fin décembre 1962 et début janvier 1963, il atteint la première place au Billboard aux États-Unis. Pendant trois semaines.

The Tornados devient le premier groupe musical britannique à être numéro 1 au Hot 100 américain.

Pour la première fois, ils sont considérés comme rivaux potentiels des Shadows. 

Et cette mélodie est absolument PARTOUT !

Joe Meek reçoit le prix Ivor Novello en 1962 pour cette composition.

Mais une ombre plane.

Jean Ledrut, compositeur français de la marche d'Austerlitz pour le film, estime qu'une de ses œuvres a été copiée. Il lance une procédure pour plagiat.

Faute d'évidence, le Français perd son procès. Le verdict ne sera rendu qu'après la mort de Joe Meek.

Vite devenu un classique, "Telstar" est repris par de nombreux groupes instrumentaux de l'époque. The Ventures. The Lively Ones. Et plus tard par Richard Pinhas en 1978, Orchestral Manoeuvres in the Dark en 1979. Allez, je vous ai gardé le plus cocasse pour la fin : la reprise la plus incroyable sera signée... The Shadows eux-mêmes en 1981.

Nous sommes le 3 septembre 1977. Happy Day pour Télé Luxembourg. nouveau jeu d'argent va captiver les téléspectateurs en Belgique, au Grand Duché et en France. Au bout du téléphone, il y a la voix d'Anouchka Sikorsky. Oui oui, notre Anouchka de Nostalgie+ ! 

Le principe est simple. Il est en réalité calqué sur le jeu radio "La Valise RTL".

Quelques minutes avant le jeu, l'animatrice donne une combinaison à trois chiffres à l'antenne.

Les téléspectateurs notent. Ils attendent. Ils espèrent.

Car l'ordinateur va tirer au sort un numéro de téléphone dans l'annuaire du pays choisi. Si vous décrochez, vous devez donner la combinaison exacte.

Si c'est bon, le coffre-fort en carton-pâte s'ouvre. Et l'argent est pour vous. Oui, de vrais billets devant la caméra.

Le jeu est présenté par trois animatrices. Les Françaises Michèle Etzel et Marylène Bergmann. Et notre Belge Anouchka Sikorsky.

Michèle Etzel est à l'antenne depuis la fin des années 1970. Mais elle ne peut pas présenter le jeu à elle seule. Elle demande au directeur des programmes, Jacques Navadic, de laisser d'autres animateurs le présenter.

C'est ainsi que Marylène le présente en alternance avec Michèle. Puis l'ensemble des speakerines de la chaîne s'y mettent. Dont Anouchka Sikorsky. Et un peu plus tard... un autre Belge, un certain Claude Rappé ! 

Le jeu n'a rien de très complexe. Mais il a un but : fidéliser le téléspectateur. L'obliger à regarder RTL Télévision pour noter la combinaison. Et la répéter lors de la diffusion du jeu. Parce que les billets s'accumulent et que ça finit par donner un beau petit jackpot !

Il permet également à la chaîne de tisser un lien de proximité fort avec son public. Qui peut ainsi passer à l'antenne en direct. Et discuter avec son animatrice (ou animateur) vedette.

"Le Coffre-fort" est diffusé tous les jours. Plusieurs fois dans la journée. Sur RTL Télé Luxembourg puis sur RTL Télévision.

Il cesse définitivement en juin 1990.

Treize ans de diffusion. Des milliers de combinaisons. Et une voix au bout du fil qui, désormais, vous accompagne aussi sur Nostalgie+...

Nous sommes le 13 janvier 1967.

Happy Day pour Charlie Chaplin. Il livre aujourd'hui aux cinéphiles belges sa dernière danse. Et son premier film en couleurs.

Titre choisi : "La Comtesse de Hong-Kong".

À 77 ans, c'est son baroud d'honneur.

Pour la première annonce, des centaines de journalistes sont rassemblés...

L'histoire du film ?

Ogden Mears, ambassadeur américain, découvre une jeune femme. Elle est cachée dans sa cabine de bateau lors d'une escale à Hong Kong. Elle s'appelle Natasha. Maîtresse d'un gangster. Soi-disant comtesse russe. Elle veut se rendre aux États-Unis. Mais elle n'a aucun papier.

Ogden, en instance de divorce, tombe amoureux d'elle. Il lui fait épouser son valet pour régulariser sa situation.

Mais sa femme Martha l'attend à Honolulu.

Pour ce dernier film, Chaplin fait des choix.

Il engage Sophia Loren dans le rôle de Natasha. Et Marlon Brando dans celui d'Ogden.

Tippi Hedren, la dernière blonde d'Alfred Hitchcock, joue Martha, la femme divorcée. Elle avait racheté son contrat à Hitchcock après des avances. 

Chaplin ne joue pas le rôle principal. Il se contente d'une courte apparition. Il incarne un steward sujet au mal de mer.

C'est son premier film en couleurs. Et son dernier film tout court.

Le thème du film, "This is my song", a été écrit par Chaplin. Interprété par Petula Clark. 

À sa sortie, "La Comtesse de Hong-Kong" est un échec. Un flop aux États-Unis. Plutôt mal reçu ailleurs.

Beaucoup voient un radotage. Une comédie d'un autre âge. Engoncée dans l'immobilisme du quasi huis clos.

Mais quelques critiques résistent. Éric Rohmer l'apprécie grandement. En 1994, Claude Beylie soutiendra que c'est l'un des meilleurs Chaplin.

Car Chaplin place son film sous le signe du muet. L'époque qu'il a toujours regrettée.

Mise en scène statique. Jeu raide des acteurs. Écarquillements d'yeux. 

Comme si le cinéaste refusait toute concession au contemporain. Pour s'offrir un dernier bain de "vrai cinéma". Une parenthèse dans un art devenu pour lui... un véritable étranger.

Happy Day pour un gentil loubard parisien. Sa carrière va enfin pouvoir démarrer avec une expression d'argot et un 2e album qui ne va laisser personne indifférent dans les radios françaises.

Il s'appelle Renaud. Il a 26 ans. Et il vient d'inventer une expression qui va rentrer dans le langage courant.

"Laisse béton."

Le verlan de "laisse tomber". Ça commence... comme un western !

L'histoire nous ramène trois ans plus tôt, en juin 1975.

Renaud s'apprête à monter sur scène dans un restaurant cabaret à Paris. Il a l'idée d'une chanson. L'histoire d'un loubard qui se fait dépouiller par une autre bande de loubards.

Il n'a pas de papier pour écrire. Il prend le paquet de Gitanes qu'il a dans la poche. Et il écrit les paroles en une demi-heure.

Pour la musique, il s'inspire de Bob Dylan. Une mélodie entre rock et blues. Avec du banjo et de l'harmonica. Un côté country qui plaît bien au chanteur émancipé du musette de ses débuts.

Son premier album, "Amoureux de Paname" est juste un succès d'estime. Qui lui permet de chanter en public. Quelques dates en France et en Belgique. Faiblement rémunérées.

Sa chanson "Hexagone" brocarde la France d'alors. Elle est interdite d'antenne sur France Inter pendant la visite du pape en France.

En octobre 1977, son deuxième album sort. "Laisse béton". Renaud abandonne son image de titi parisien. Trop folklorique. Il opte pour celle du gentil loubard au blouson de cuir.

Il impose ses musiciens. La pochette. Et la chanson "Les Charognards" que ses producteurs refusent. Apologie du gangstérisme, disent-ils.

L'album est nettement plus soigné. Arrangements. Mixage. Mais il se vend modestement.

Jusqu'à ce que Polydor mette en vente le 45 tours "Laisse béton".

13 février 1978, il entre DONC au Hit Parade.

Le grand public découvre Renaud. Son look. Son argot parisien. Son verlan.

Il est invité dans toutes les grandes émissions télé. Guy Lux. Drucker. Les Carpentier.

Au printemps 1978, "Laisse béton" se retrouve en tête des hit-parades. 250 à 300 000 exemplaires vendus.

Très vite, il est acclamé au tout récent festival Le Printemps de Bourges. Il vole malgré lui la vedette à Alain Souchon, déjà installé.

Les tubes s'enchaînent. Mais tout commence véritablement ici. Le 13 février 1978. Avec un paquet de Gitanes. Et une expression qui va marquer toute une génération.

Nous sommes le 10 août 1979.

Happy Day pour Michael Jackson. À quelques jours de son 21e anniversaire, il livre au monde un album qui va devenir un monument, avec la complicité de Quincy Jones.

Le premier 45 tours issu de l'album vient de sortir fin juillet. "Don't Stop 'Til You Get Enough".

Et c'est... comment dire ? Extraordinaire !

La période Motown se termine. Michael Jackson sort son premier album chez Epic Records. "Off the Wall".

Il est coproduit avec Quincy Jones, qu'il a rencontré sur le tournage de la comédie musicale "The Wiz", environ deux ans plus tôt.

En 1978, Michael joue le rôle de l'Épouvantail dans ce film. Les partitions sont arrangées par Quincy Jones. Lors de la production, Jones accepte de produire le prochain album de Michael.

"Off the Wall" est enregistré à Los Angeles. Les premières sessions débutent le 4 décembre 1978 au studio Cherokee. Dernière journée de mixage : le 3 juin 1979.

L'enregistrement a lieu pendant les pauses du "Destiny Tour" des Jacksons.

Michael dispose désormais d'une plus grande liberté de création. Ce qui ne lui avait pas été permis sur les albums précédents avec ses frères. Ou en solo chez Motown.

Son père Joseph approuve ce projet à condition qu'il ne gêne pas les affaires du groupe. Malgré le désir de ses frères de travailler avec lui, Michael veut réaliser cet album indépendamment de sa famille.

Néanmoins, son frère Randy contribue aux percussions dans "Don't Stop 'Til You Get Enough". On y revient...

L'album mélange funk, disco et soul. Il dévoile l'étendue de la voix du chanteur.

"Don't Stop 'Til You Get Enough" est numéro 1.

"Rock with You" devient aussi numéro 1. Il y reste quatre semaines

La ballade "She's Out of My Life" intègre le Top 10. Tout comme la chanson "Off the Wall".

L'album s'est vendu à ce jour à plus de vingt millions d'exemplaires dans le monde.

Pourtant, aux Grammy Awards de 1980, Michael est seulement nommé dans la catégorie meilleur chanteur R&B pour "Don't Stop 'til You Get Enough".

Déçu, Michael jure que son prochain album ne sera pas ignoré.

On le sait à présent : il tiendra parole.

Nous sommes le 10 novembre 1964. Happy Day pour Georges Brassens. Il offre à un film sa bande originale et crée, sans le savoir, son plus grand succès. C'est un hymne à l'amitié qui, je le disais, illustre un film. Son titre : Les Copains...

Pierre Mondy, Philippe Noiret et Tsilla Chelton. Rien que ça ! 

Le film, d'abord. Les Copains, c'est une comédie signée Yves Robert, le monsieur derrière "La Guerre des boutons". Une bande de copains qui font les fous à travers la France... Une joyeuse pagaille, un film de potes, tendre et débridé.

Pour le générique, Yves Robert a une idée. Il veut Brassens.

Sauf que Brassens, il ne compose pas sur commande. C'est une règle. Il écrit quand ça lui vient, pas quand on lui demande.

Mais Yves Robert est un ami. Et pour un ami, on fait une exception. Quelques accords de guitare plus tard, on arrive à ceci... qui est un bain de douceur !

Brassens écrit donc "Les Copains d'abord". Un texte simple, presque évident, pour le film, mais surtout avec une portée universelle, ancrée dans son époque. Une liste de ce qui compte vraiment. Pas l'amour, pas la gloire. Les copains. D'abord.

Au mixage, Yves Robert demande même qu'on accélère légèrement la chanson. Un peu plus de swing, un peu plus d'allant. Brassens accepte. Décidément, on ne refuse rien à un ami.

Le film sort début 1965. La chanson, elle, décolle immédiatement. Elle rejaillit sur tout, les ventes du disque, l’affluence en salle et le triomphe de Brassens à Bobino où il joue à guichets fermés jusqu'en janvier.

Personne n'avait prévu ça. Surtout pas lui.

Une commande pour un générique. Et c'est devenu l'une des chansons françaises les plus connues au monde. Un hymne à l'amitié qui va traverser le temps, sans jamais se démoder... Bref, une chanson de copains.

Nous sommes le 19 juin 1978. Happy Day pour une toute jeune chanteuse américaine de 25 ans. Elle va connaître un succès phénoménal en pleine période disco funk.

Elle s'appelle Alicia Bridges. Elle est née à Charlotte, en Caroline du Nord. 

Elle chante depuis l'âge de 10 ans. Elle apprend la guitare au même âge.

À 12 ans, elle a déjà sa propre émission de radio. "The Alicia Bridges Show". Tous les samedis sur la station WADA à Shelby.

En 1973, elle enregistre ses premiers singles pour Mega Records, à Nashville. Des titres originaux. Sans succès.

À part peut-être, celui-ci...

 "Just a Little Lovin' (Just a Little Fun)" en 1973, disais-je.

Mais Bill Lowery la repère. Il devient son manager. Il la soutient financièrement pendant deux ans. Il démarche les maisons de disques. En 1977, Alicia signe chez Polydor.

Alicia écrit une chanson. Titre provisoire : "Disco 'Round".

La production suggère de changer le titre. Pour eux, c'est du R&B. Pas du disco. Ils proposent "I Love the Nightlife". "Disco 'Round" devient le sous-titre.

Alicia dira plus tard qu'elle espérait que la chanson serait perçue comme un morceau de soul façon Memphis. "Quelque chose qu'Al Green pourrait chanter."

Mais c'est en mode disco funk que la chanson va entrer dans l'histoire.

Le succès est inespéré !

Numéro 5 au Billboard Hot 100. 27 semaines dans le classement. Numéro 2 au National Disco Action Top 30 pendant deux semaines.

Top 10 chez nous Belgique.

Plus d'un million d'exemplaires vendus aux États-Unis. Disque d'or.

En 1978, Alicia est nommée aux Grammy Awards.

Le titre devient un classique. Il passe même sur les stations de country music.

Et pourtant, la chanson deviendra étroitement liée à la culture gay. Alicia elle-même est ouvertement lesbienne.

En 1998, MTV classera "I Love the Nightlife" à la 37e place des 54 meilleures chansons de l'ère disco.

Nous sommes le 10 janvier 1975. Happy Day pour Bernard Pivot. Il quitte son émission Ouvrez les guillemets pour lancer un nouveau magazine sur la 2e chaîne, Antenne 2. 

Apostrophes, c'est le titre, va durer longtemps, très, très longtemps...

C'est une émission littéraire diffusée en soirée, et que Pivot définit comme "un magazine d'idées à partir des livres".

Son générique est, lui aussi, de haut vol. C'est le concerto numéro 1 en fa mineur de Rachmaninov...

Apostrophes ! Ce nom, il l'a trouvé presque par accident. Quelques mois plus tôt, lors d'un enregistrement, son invitée Françoise Giroud lui lance : "Mais monsieur, vous m'avez apostrophée !" Pivot sourit. Apostrophe. Un terme d'imprimerie, on reste dans les livres. Et puis c'est un échange vif, parfois tendu. Exactement ce qu'il a en tête.

La formule est simple. Trois, quatre, cinq auteurs autour d'une table. Des livres qui viennent de paraître. Et Pivot qui relance, qui provoque, qui met les invités en regard les uns des autres. Pas de cours magistral. Pas de révérence. Les écrivains se coupent la parole, se contredisent, s'énervent parfois.

La littérature devient vivante. Et c'est très nouveau à la télé !

Et parfois, c'est un peu épicé, surtout quand on invite Charles Bukowski...

Le contexte compte aussi. En 1975, Antenne 2 est toute neuve. L'ORTF vient d'éclater, la chaîne cherche sa personnalité. Pivot hérite d'une case en première partie de soirée. À une époque où parler de livres à la télévision, c'est presque improbable. Presque ringard.

Il ne va pas gâcher ça.

Et très vite, les éditeurs comprennent. Un auteur chez Pivot un vendredi soir et le lundi matin, les librairies sont dévalisées. On appellera ça l'effet Apostrophes.

Mais ce soir, personne ne le sait encore. Ni Pivot, ni ses invités, ni les téléspectateurs qui ont allumé leur poste. Apostrophes, ça va durer quinze ans. 724 émissions. Jusqu'au 22 juin 1990.

Nous sommes le 19 juin 1964.

Happy Day pour Johnny en studio. Eddy Vartan et lui viennent d'écrire un 45 tours qui va marquer l'année. Deux fois de suite.

D'abord en super 45 tours. Puis sur un plus grand format...

Le titre est tout trouvé : "Les Mauvais Garçons".

Petit rappel. Un super 45 tours, c'est quoi ?

C'est un disque de 17 cm de diamètre. Entre le 45 tours classique et le 33 tours. Quatre titres. Deux de chaque côté. Un format né dans les années 50 pour proposer plus de musique sans passer au 33 tours complet.

On revient à notre sujet principal et à notre studio. Le 19 juin 1964, "Les Mauvais Garçons" sort donc sur un super 45 tours Philips.

Avec trois autres titres. "Ça fait mal" (adaptation de "It Hurts Me"). "Pour moi tu es la seule" (adaptation de "Sweet Loving Mamma"). Et "Mais je reviens" (adaptation de "I'm the Lonely One"). Bref, on fait le compte : 3 adaptations et puis, une chanson originale.

La chanson est écrite par Ralph Bernet, Johnny Hallyday lui-même, et Eddy Vartan (qui est le frère de Sylvie). Elle est produite par Lee Hallyday.

"Les Mauvais Garçons" raconte une histoire simple. Celle d'un rebelle. D'un voyou au grand cœur. 

Objectif : donner une image plus positive des mauvais garçons...

C'est du Johnny pur jus. Année 1964.

Et comme on peut s'en douter... 

Le succès est immédiat. Ce n'est pas un numéro 1, mais on en est pas loin.

Numéro 3 en France. Numéro 7 chez nous en Belgique. 

Quatre mois plus tard, le 25 octobre 1964, "Les Mauvais Garçons" ressort. Cette fois sur un 33 tours intitulé "Le Pénitencier".

En 1965, Johnny l'interprète à l'Olympia. La version live sera incluse dans un medley. 

Ce fameux album public ne sortira qu'en 2011....

Nous sommes le 24 octobre 1969. Happy Day pour le petit village d'Amougies, près de Tournai. Il accueille aujourd'hui un festival qui va marquer les esprits... mais un peu contre l'avis de la population. Bienvenue au festival d'Amougies. Festival Actuel, pour les intimes.

Amougies. Hainaut. Quelques centaines d'habitants. Des champs, de la boue, un automne belge bien gris.

Et soudain, des milliers de jeunes qui débarquent de partout.

Le bourgmestre, lui, n'a pas eu peur.

À l'origine, ce festival devait se tenir en France. Mais on est en1969, l'après-mai 68 est encore tendu, et les autorités françaises ne veulent pas de ça. Trop de bruit. Trop de jeunes. Trop de tout.

Alors le festival traverse la frontière. Et Amougies, sans vraiment l'avoir demandé, devient pendant cinq jours la capitale pop de l'Europe.

L'affiche est presque irréelle. Yes. Frank Zappa. Soft Machine. Ten Years After. Le free jazz côtoie le rock psychédélique sous le même chapiteau. On n'est pas à Londres, pas à Paris, pas à New York.

On est dans le Hainaut. Et c'est juste... parfait.

Ah oui, j'allais oublier un invité d'honneur, Pink Floyd, oui oui oui !

Et puis, je le disais, il y a Frank Zappa. Il ne vient pas juste saluer. Il improvise, il dirige, il monte sur scène avec plusieurs artistes. Il est partout. Comme s'il avait compris avant tout le monde que ce petit village belge était en train de vivre quelque chose d'unique.

Woodstock, c'était deux mois plus tôt. Amougies, c'est la version européenne, moins mythifiée, plus arty, plus libre. Un grand laboratoire à ciel ouvert, dans la boue et le vent d'octobre.

Les habitants d'Amougies, eux, regardent ça avec des yeux ronds.

Le festival va durer jusqu'au 28 octobre. Cinq jours. Et puis tout le monde repart. Les champs reprennent leur silence. Mais Amougies aura été, le temps d'un automne, un lieu de... révolution.

Le boulanger a fait son beurre. Bref, tout le monde est content !

Nous sommes le 10 juillet 1972 au Studio 2 Nippon Columbia, à Tokyo.

Happy Day pour un pianiste de jazz américain en séjour au Japon. Earl a 66 ans. Et il va, l'air de rien, participer à une petite révolution dans l'histoire de la musique.

Grâce à la marque Denon.

Earl Hines est une légende du jazz. L'un des pianistes les plus influents de l'histoire. Il a façonné le jeu de piano jazz dans les années 40 et 50.

Ce jour-là, il enregistre un album solo. Tout se fait en une heure et demie.Toutes les prises sont des premières prises. Jouées en direct. Pas de répétition.

Mais ce qui est révolutionnaire, ce n'est pas le pianiste. C'est la machine qui enregistre.

Le DN-023R. Le tout premier enregistreur numérique PCM utilisable en studio.

Un monstre. 400 kilos. Trois armoires métalliques. Une bobine d'une heure pèse 10 kilos. Et coûte 500 dollars. Soit près de 4 000 euros aujourd'hui.

Avant 1972, tous les enregistrements se font sur ruban magnétique analogique. Avec ses défauts. Le souffle. La distorsion. Et des variations de vitesse qui font vaciller les notes.

L'appareil de Denon change tout.

Il enregistre en numérique (oui déjà !). En convertissant le son en données binaires. 

Des chiffres qui sont très proches du standard du CD.

Le résultat ?

Silence absolu. Plus de souffle de bande entre les morceaux.

Stabilité parfaite. Pour les ingénieurs de l'époque, c'est un choc acoustique.

Le premier album commercial au monde issu d'un master numérique sort en janvier 1971. C'est "Something" du saxophoniste de jazz Steve Marcus.

À partir de 1972, Denon multiplie les enregistrements. Musique classique. Jazz. Avec le logo fièrement affiché sur les pochettes : "PCM Digital Recording". Si vous chinez des vinyles d'occasion et que vous voyez ce logo sur une pochette des années 70, achetez-le. Ce sont souvent des enregistrements d'une clarté exceptionnelle. Même selon les standards d'aujourd'hui.

Sans les travaux de Denon dans les années 70, le Compact Disc, sorti en 1982, n'aurait probablement pas vu le jour aussi vite....

Nous sommes le 11 février 1976.

Happy Day dans les salles obscures. Enfin... pas pour tout le monde. Un film débarque en Belgique. Interdit aux moins de 18 ans. Réalisé par Bertrand Blier. Avec Jean Rochefort et Jean-Pierre Marielle. C'est déjà un goût d'évasion en soi !

Son titre : "Calmos".

Scandaleux. Antiféministe. Provocateur. Et totalement délirant.

L'histoire ?

Paul est gynécologue. Aigri. Par sa vie professionnelle. Par sa vie conjugale. Un jour, il croise Albert dans la rue. Un quidam qui est, lui aussi, lassé des femmes.

Ils prennent une décision radicale. Faire sécession de la gent féminine. Pour se consacrer à la seule chose qui compte vraiment : la bonne chère.

Croûtes de fromage. Madiran. Pâté. Et liberté masculine.

Sauf que la machine s'emballe. Ces messieurs ne veulent pas juste profiter de la compagnie des hommes. Non. Ils veulent quitter définitivement les femmes. Fuir leurs exigences. Leur monde.

En 1974, Bertrand Blier vient de triompher avec "Les Valseuses". On est en 1975. L'Année Internationale des Femmes. La loi Veil vient d'être votée. Le féminisme est sur toutes les lèvres.

Blier change de plan. Le sujet est explosif ? Ils en feront la plus féroce bouffonnerie imaginable.

Ils reprennent toutes les revendications des militantes féministes. Tous les griefs. Tous les slogans. Et ils les appliquent... aux hommes.

Les hommes deviennent victimes de violence sexuelle. Objets de concupiscence. Sujets de brimades. Rêvant d'une société utopique où ils échapperaient à la domination féminine.

Le résultat ? Catastrophique.

La critique, déjà insensible aux "Valseuses", est cette fois vent debout. 

Les uns crient à l'agression réactionnaire. Les autres à l'étalage licencieux du vice. Le public s'étrangle et boude. Les militantes féministes reçoivent l'œuvre comme un crachat.

Un échec cuisant, en tout cas à sa sortie… 

En 2010, Blier dira : "Calmos est la plus grosse connerie de ma vie."

Mais c'est peut-être aussi la plus belle.

Blier lui-même expliquera : "Calmos doit être pris comme une farce énorme, écrite avec la plus entière mauvaise foi et qui, par le biais de cette mauvaise foi, débouche sur l'humour." 

Une fable. Totalement folle. Totalement libre. Et délicieusement provocatrice, sur une musique de Georges Delerue...

Nous sommes en mars 1964.

Happy Day pour Claude François. Il vient d'acheter un moulin à eau du XIIe siècle dans le petit village de Dannemois, dans l'Essonne, à 60 km au sud de Paris. Un endroit paisible. Pour ses jours de repos.

Quelques semaines plus tard, il interprète une chanson qui prend la clé des champs.

Coïncidence ? Pas vraiment.  

Claude François cherche un refuge. Un lieu loin du tourbillon parisien. Loin des studios. Loin des scènes.

Il découvre l'ancien moulin au bord de l'eau. Entouré de verdure.

Il l'achète. Et décide d'y installer sa mère et sa sœur. Elles y retrouvent la sérénité de leur vie en Égypte, avant l'exil.

L'endroit devient rapidement "Le Moulin". Tout court. 

Claude François le transforme. Il y met ses idées. Son goût pour le décor. 

Le moulin devient féerique. Un rendez-vous festif du show-biz. Ses amis viennent. Les journalistes aussi. Les photographes immortalisent les soirées.

Même si, je vous le rappelle, le but premier était d'en faire un refuge familial, une sorte de ferme du bonheur...

"La Ferme du bonheur" sort quelques semaines après l'achat du moulin.

Hasard du calendrier. Ou besoin d'exprimer ce qu'il ressent dans ce lieu.

Les paroles parlent d'un endroit où l'on vit heureux. Loin du bruit. Loin des soucis. Entouré de ceux qu'on aime. Donc AUSSI ses amis.

L'été venu, il part en tournée. Une tournée qui donnera lieu à un film de Claude Vernick au titre éloquent : "L'été frénétique".

Contraste total avec le moulin. D'un côté, la fièvre des concerts. De l'autre, la tranquillité de Dannemois.

Claude François y restera fidèle jusqu'à sa mort en 1978.

Nous sommes le 10 novembre 1967.

Happy Day pour The Moody Blues. Ce jour-là sort un 45-tours qui va devenir l'un des slows les plus langoureux de l'histoire du rock. 

Avec, en guest star, un Mellotron qui imite les cordes.

Allez, on file dans les draps de satin blanc...

L'histoire commence l'année précédente, en 1966.

Justin Hayward, jeune guitariste anonyme, répond à une annonce. Eric Burdon, leader des Animals, cherche un nouveau guitariste. Hayward n'est pas retenu. Mais l'histoire ne s'arrête pas là.

Les Moody Blues viennent de perdre Denny Laine. Ray Thomas met tous les noms dans un chapeau. Tire au sort.

Le nom qui sort : Justin Hayward.

Le hasard. Rien que le hasard.

Les Moody Blues préparent leur deuxième album. "Days of Future Passed". Un album concept qui raconte en sept chansons la journée d'un homme.

Et il sera écrit à Mouscron. En Belgique. Un album symphonique….

Justin Hayward racontera plus tard :

Entre deux histoires d’amour et sans un sou en poche, je ne possédais que des draps de satin blanc. Un luxe inutile qui a donné son titre à la chanson, avec un double sens délibéré.

Car oui, "Nights in White Satin" peut être entendu de deux façons. "Nuits en satin blanc". Mais aussi "Chevaliers en satin blanc" — "knights" avec son "k" muet.

Un clin d'œil qu'on retrouve sur la pochette de l'album : le dessin d'un petit chevalier en bas à gauche.

Un homme entre deux amours. Marchant sur un fil.

Et puis, à la fin de la chanson sur l'album, un poème.

Trois stances nostalgiques sur la fin des choses. Sur l'agonie. Sur les couleurs qui se mélangent.

Car dans le contexte de l'album, la nuit symbolise la mort. 

Le succès n'est pas immédiat. Mais progressif.

Numéro un en France. Hit majeur en Europe. Et lors de sa réédition en 1972, succès aux États-Unis.

"Nights in White Satin" marque les débuts du rock progressif. Un mélange de mélodie pop et d'arrangements symphoniques.

Nous sommes le 1er février 1971.

Happy Day pour Spagna. Elle a 15 ans. Elle enregistre la toute première version, en italien, d'un titre qui, quelques mois plus tard, va devenir un succès international en anglais et en français.

Cette chanson, on la doit à Hubert Giraud. Il l'écrit en décembre 1970. Dans un embouteillage parisien.

Voici la TOUTE première version de Spagna...

Quelques mois plus tard, Phil Trim, chanteur des Pop-Tops, l'adapte en anglais. Ils vont à Londres pour l'enregistrer. Elle sort en juin 1971.

Succès international immédiat.

Hubert Giraud et le label Barclay se dépêchent. Ils veulent absolument faire enregistrer la version anglaise par un Français, Joël Daydé, pendant l'été. Cela se passe aux Olympic Studios, près de Londres.

Ensuite, ils confient une version française à Nicoletta.

C'est celle-là qui deviendra la plus populaire.... en France.

Nicoletta racontera plus tard l'histoire derrière la chanson.

Car Mamy ne veut pas dire mamie. Mamy, c'est Mommy. Maman.

Nicoletta avait 19 ans quand elle a appris la mort de sa mère. Par un télégramme.

Elle avait raconté cette anecdote à son producteur, le bras droit de Monsieur Barclay. Qui en avait parlé à l'auteur.

Et la chanson est née de cette douleur, dans un embouteillage parisien.

Avec le temps, "Mamy Blue" a dépassé son histoire personnelle.

Le public a cru qu'il s'agissait d'une grand-mère aux yeux bleus. 

Nicoletta dira plus tard : "Mais c'est pas grave, parce que toutes les mamies françaises, qui ont les yeux bleus, on les appelle Mamy Blue. Avoir une chanson comme ça, qui rentre dans les familles, c'est merveilleux."

Comble de l'ironie, quelques années plus tard, Dalida reprendra la chanson en italien, sur les paroles écrites à l'origine pour la toute jeune Spagna...

Nous sommes le 3 mai 1978.

Happy Day en deux temps dans les salles obscures de Belgique. C'est un Lino Ventura au sommet de son art qui porte le dernier film de Jacques Deray.

"Un papillon sur l'épaule".

Un homme. Un hôtel. Un cadavre. Et une mallette dont personne ne sait rien.

L'histoire est celle de Roland Fériaud, homme d'affaires français, arrivé à Barcelone. Il doit y rester une semaine. À peine arrivé à l'hôtel, il découvre un cadavre dans la chambre voisine. Puis il est assommé. Il se réveille dans une clinique psychiatrique presque déserte. Un médecin, joué par Jean Bouise, le questionne avec insistance sur une mallette. Quelle mallette ? Il n'en sait rien.

Le médecin lui assure qu'aucun meurtre n'a été commis à l'hôtel. Le lendemain, Roland quitte la clinique. Il retrouve sa femme à la gare. Change d'hôtel sans expliquer pourquoi. Et là, tout s'accélère.

Nouveau cadavre. Coups de téléphone anonymes. Mallette mystérieuse. Enlèvement de sa femme. Règlement de comptes généralisé.

Roland ne comprend rien. Il est pris dans une machination qui le dépasse.

"Un papillon sur l'épaule" est l'une des rares tentatives françaises de rivaliser avec le cinéma paranoïaque américain. Jacques Deray s'inspire de Hitchcock. Le choix de Lino Ventura est inattendu. Presque à contre-emploi. Lui, le héros actif et puissant, devient ici un simple quidam ballotté d'un meurtre à un enlèvement.

Autour de lui, des seconds rôles formidables. Jean Bouise, doucereux et inquiétant. Paul Crauchet et son papillon imaginaire. Nicole Garcia en épouse enlevée. Claudine Auger en femme à l'imperméable.

Que contient la mallette ? Qui manipule qui ? On ne le saura jamais.

À sa sortie, le film ne rencontre pas le succès immédiat. Première semaine : septième place du box-office. Mais la semaine suivante, retournement. Le film monte à la deuxième place. Il cumulera 218 mille entrées. Le bouche-à-oreille a fonctionné.

"Un papillon sur l'épaule", c'est Lino Ventura à double-tour. C’est Barcelone transformée en espace étouffant... C’est aussi une musique inquiétante signée Claude Bolling.  

Nous sommes le 26 juillet 1966.

Happy Day pour un chanteur de charme venu de Zelzate. À 34 ans, il va inscrire une chanson et un mot en français dans l'inconscient collectif de toute la Flandre. C'est peut-être même le premier grand tube de la chanson flamande contemporaine.

Un mot. Un refrain. Et un costume paillettes. Nom de code : "Chérie".

Eddy Wally est déjà très connu en Flandres. Mais là, on va passer un cap !

La musique irrigue la famille d’Eddy depuis la nuit des temps. Son père, ouvrier dans une usine de goudron, joue aussi de l'accordéon. Il insiste pour qu'Eddy s'intéresse à la musique. Mais il meurt jeune.

Eduard Van De Walle (c'est son vrai nom) arrête ses études. Il travaille dans une usine textile. Pendant les pauses, il joue de la guitare et il chante.

Il se marie en 1956. Devient père en 1957. Quitte son emploi. Travaille dans la maroquinerie avec sa belle-mère.

En 1959, retour du refoulé : il s'achète un accordéon. Et commence à jouer dans les cafés.

Premier disque en 1964 : "Oh Gitana". Premier album en 1965 : "Ma Bella". Avec l'argent gagné, il fait construire un café-dancing à Ertvelde. D'abord appelé Eddy Wally's Texas Bar, il va devenir une institution : le Paris-Las Vegas.

En juillet 1966, tout bascule. La chanson "Chérie" sort en single. 

Bien que la chanson soit en néerlandais, son refrain "Chérie, chérie, dans met mij de tango d'amoré" lui donne une dimension internationale

Le succès est phénoménal. Oui oui, double disque de platine.

Eddy Wally devient une star. Pas seulement en Flandre. Mais partout dans le monde.

Sur scène, Eddy Wally porte des costumes étincelants. Brillants. Chers. Un style kitsch assumé. À tel point que sa garde-robe extravagante sera acquise en 2004 par le musée de la mode à Hasselt. 115 habits faits sur mesure. Chacun évalué à 5 000 euros.

"Chérie" restera la chanson signature d'Eddy Wally pendant toute sa carrière. 

Elle sera rééditée. Et même remixée !

Eddy Wally quittera la scène et rejoindra les étoiles en 2016... en disant, peut-être... "Chérie, chérie, dans met mij de tango d'amoré"

Nous sommes le 16 octobre 1975.

Happy Day pour un chanteur discret. Son nouvel album est un petit concentré de merveilles. Les chansons se parlent et se répondent. Gérard Manset nous emmène en voyage. Et surtout vers son premier et unique grand succès.

Une chanson. Un titre. Quatre mots seulement. 

On y entre, à pas feutrés, un peu intimidés…

Qui voyage en solitaire ?

Un homme. Un rêveur. Peut-être un vagabond. Ou simplement quelqu'un qui a choisi de s'éloigner. De partir. De ne plus regarder en arrière.

La chanson est composée en 1973. Enregistrée en avril 1974 dans un studio à Milan. Elle sort en 1975 sur l'album 'Y a une route', rebaptisé simplement 'Manset'.

Au départ, elle s'appelle "Il chante la terre". Un titre provisoire. Moins évocateur. Moins libre.

Et puis elle devient "Il voyage en solitaire".

Une route, un départ, bienvenue dans une échappée belle... allez, osons le mot, une forme d'introspection en pleine période d'hystérie collective..

Daniel Hamelin, producteur sur France Inter, découvre le titre en face B d'un 45 tours promotionnel. Il le programme. Encore et encore. Jusqu'à ce que la chanson soit enfin distribuée commercialement.

C'est la magie de la radio dans les années 70. 300 000 exemplaires vendus. Dixième place dans les classements de la chanson française, même résultat en Belgique.

Un triomphe pour un artiste qui n'en voulait pas vraiment.

Car Gérard Manset n'aime pas la lumière. Il n'aime pas les plateaux télé. Il n'aime pas qu'on parle de lui.

Alors, en réaction à ce succès qui le gêne, il enregistre en 1976 un album au titre révélateur : "Rien à raconter".

Un pied de nez. Une manière de dire : laissez-moi tranquille. Je voyage en solitaire.

Pendant ce temps "Il voyage en solitaire" poursuit son aventure. Reprise par Danielle Messia. Hervé Vilard. Florent Pagny. Cheb Mami. Et l'immense Alain Bashung. Chacun y mettra sa voix. Sa sensibilité. Comme un hommage à Gérard Manset. Chanteur. Peintre. Photographe. Écrivain. Mais surtout, un grand solitaire.

Nous sommes le 2 octobre 1974.

Happy Day pour les enfants sages. Et les autres aussi, rassurez-vous. De nouveaux personnages vont stimuler leur imaginaire. Cet après-midi, à la télévision, on découvre les Barbapapa.

Barbabapa nait un jour, dans le jardin de François et Claudine. Au départ, ce n'est qu'une petite boule dans la terre. Cette boule grossit. Et puis...

Une forme ronde. Piriforme. Très colorée. Et surtout, capable de se transformer en n'importe quoi.

"Hocus Pocus Barbapapa !"

Et hop, Barbapapa devient échelle. Ou parapluie. Ou bateau. Ou ce que vous voulez.

L'histoire commence quatre ans plus tôt.

1970. Paris. Jardin du Luxembourg.

Talus Taylor, biologiste américain de San Francisco, se promène avec Annette Tison, jeune architecte française qu'il a rencontrée deux ans plus tôt.

Talus entend un enfant réclamer à ses parents quelque chose qui ressemble à "baa baa baa baa".

Il ne comprend pas le français. Il demande à Annette. Elle lui explique : c'est de la barbe à papa.

Une friandise. Rose. Toute en rondeur.

Plus tard, tous les deux s'installent dans une brasserie. Sur une nappe en papier, ils imaginent un personnage inspiré par la friandise.

Rose. Tout en rondeur. Capable de se transformer à volonté pour s'adapter à toutes les situations.

Ils l'appellent, phonétiquement : Barbapapa.

Le premier album sort en 1970 à L'École des loisirs.

En 1974, la série animée arrive à la télévision.

Production franco-nippo-américaine. 45 épisodes de 5 minutes.

On découvre Barbapapa, Barbamama, et leurs sept enfants. Sans oublier Socrate, le chien de la famille.

Chacun sa couleur. Chacun sa personnalité. Mais tous capables de se transformer.

La série sera diffusée sur l'ORTF, puis rediffusée sur TF1.

Les livres seront traduits dans plus de trente langues.

Une deuxième série de 48 épisodes sera créée en 1977.

Avec la même magie simple, qui a fortement marqué l'imaginaire de toute une génération, à la fin des années 70...

Nous sommes le 21 décembre 1967.

Drôle de date, mais sacré Happy Day pour un groupe américain qui bat pavillon Motown. Les Temptations parlent de la pluie en plein hiver. Et le succès ne va pas se faire attendre.

"I Wish It Would Rain". Traduction ? J'aimerais qu'il pleuve.

Avec l'incroyable voix de... David Ruffin…

Derrière cette chanson et ce happy day, il y a pourtant une histoire tragique.

Les paroles sont écrites par un parolier de la Motown. Il vient d'apprendre que sa femme le trompe. Dans sa douleur, il écrit deux chansons. "I Wish It Would Rain". Et "I Could Never Love Another".

Deux chansons sur la séparation. Sur la tristesse et le chagrin.

Une semaine après la sortie du 45 tours, le parolier se suicide.

Il a 27 ans.

La chanson est enregistrée le 22 avril et le 31 août 1967 au studio Hitsville à Detroit.

Production de Norman Whitfield. Voix principale de David Ruffin. 

Un mélange de soul, de blues et LA touche Motown qui va grimper au sommet très rapidement.

En février et mars 1968, "I Wish It Would Rain" atteint la quatrième place du Billboard. Et la première place du classement R&B. Pendant trois semaines. C'est un triomphe, surtout pour un titre aussi peu énergique…

Les Temptations ne sont plus à présenter en 1967. Formés six ans plus tôt, ils deviennent rapidement l'un des groupes phares de la Motown. Cinq hommes black. Des harmonies vocales impeccables. Des chorégraphies millimétrées. Et... des costumes parfaitement repassés. Bref, la classe à Detroit !  

David Ruffin rejoint le groupe en 1964. Il chante "My Girl". Puis "Ain't Too Proud to Beg" en 1966. Et le point culminant sera : "I Wish It Would Rain" en 1967.

La chanson sera reprise. Par Gladys Knight & the Pips. Mais aussi par Bruce Springsteen sur l'album "Only the Strong Survive".

Et à chaque fois, derrière les paroles, l'histoire d'un homme brisé par l'amour, qui a écrit une chanson magnifique... avant de partir.

Nous sommes le 6 décembre 1974.

Happy Day pour Parker. L'entreprise a convaincu le Grand Saint-Nicolas de distribuer aux familles belges un tout nouveau jeu sur la gestion financière. Ce n'est pas le Monopoly. Non. C'est La Bonne Paye.

Un plateau. Des dés. De l'argent factice. Et un mois entier à traverser.

Même Bruno Crémer en est baba !

Le concept est simple et génial.

Le plateau représente un calendrier de 31 jours. Chaque case est un jour du mois. Avec ses bonnes et mauvaises surprises.

Courrier. Factures. Loterie. Prêts. Anniversaire. Caisse électorale.

Toute la vie de monsieur et madame Tout-le-Monde, comprimée sur un mois et étalée sur la table du salon.

Ah oui, au bout du chemin, la case tant attendue : le Jour de Paye.

On touche son salaire. On règle les factures accumulées. On rembourse les prêts. On voit si on a bien géré ou si on a vécu au-dessus de ses moyens.

La Bonne Paye, ce n'est pas le Monopoly, je le disais.

Dans le Monopoly, on bâtit un empire. On spécule. On écrase l'adversaire.

Ici, on essaie juste de finir le mois sans être dans le rouge.

Un peu comme… dans la vraie vie.

Le jeu sort en 1974 chez Parker. Il dépasse les ventes du Monopoly durant ses premières années. Un exploit. Le message implicite est très années 70 : si tu veux t'en sortir, il faut gérer. Prévoir les pépins. Emprunter quand il faut. Et profiter des bonnes affaires.

Un jeu de société, mais aussi un solide miroir de la société de consommation naissante... dont Saint-Nicolas n'a probablement pas mesuré la portée.... 

Nous sommes le 26 juin 1967.

Happy Day dans un studio parisien. Une chanson vient d'être enregistrée, qui va à la fois marquer les esprits et subir la censure. C'est un extrait de l'album "La Femme", que sortira bientôt... Juliette Gréco.

Une chanson d'amour. Audacieuse. Sensuelle. Presque provocatrice. 

Avec une demande... assez pressante !

L'histoire de cette chanson commence bien avant le studio.

Robert Nyel, le parolier, est amoureux d'une strip-teaseuse d'un cabaret parisien. Il écrit le texte pour elle. Une déclaration d'amour très particulière. Très directe, aussi.

Mais leur séparation met fin au projet.

La chanson se retrouve sans interprète. Nyel la propose alors à Juliette Gréco.

Elle lit le texte. Elle est séduite par le thème. Elle accepte.

En studio, Gréco ajoute une touche personnelle. Une réplique finale… ironique.

Quelques mois vont s'écouler entre l'enregistrement du 26 juin 1967 et la sortie du 45 tours en octobre de la même année.

Les trois grandes radios françaises boycottent le titre. RTL. Europe n°1. Et France Inter. Aucune ne veut diffuser "Déshabillez-moi".

Trop provocateur. Trop sensuel. Trop... Gréco.

Et puis, le retournement.

On interdit à Juliette Gréco de chanter la chanson dans l'émission "Télé Dimanche". L'interdiction est rendue publique. Et là, tout s'emballe.

L'interdiction fait la publicité du titre. Tant et si bien que "Déshabillez-moi" devient début 1968 un immense succès de vente directe. Les radios capitulent. Ce sera l'unique tube radiophonique de toute la carrière de Gréco.

D'ailleurs, jusqu’à la fin des années 70, lorsque Juliette Gréco interprètera "Déshabillez-moi" à la télévision, on affichera le carré blanc. Petit symbole qui signalait alors un programme enfant non admis.

Nous sommes le 13 septembre 1978.

Happy Day dans les salles belges. Un film défraye la chronique depuis plusieurs mois outre-Atlantique. Il débarque enfin en Belgique. Réalisation : Alan Parker. Scénario : Oliver Stone.

Un film dur. Très dur. Presque insoutenable.

L'histoire vraie d'étudiant américain arrêté à l'aéroport d'Istanbul avec des plaques de haschich scotchées sur le corps. Il tente de rentrer aux États-Unis. Il se fait prendre.

Condamné d'abord à quelques années de prison, sa peine est brutalement aggravée. Presque à vie.

Le film raconte sa plongée dans l'enfer d'une prison turque.

Violences physiques. Torture. Corruption. Désespoir. Lente dégradation psychologique.

Billy finit par n'avoir plus qu'une option : "Prendre le midnight express". Expression d'argot carcéral qui signifie s'évader. 

Alan Parker tourne le film en 50 jours. Dans des conditions très dures. Chaleur. Humidité. Huis clos permanent.

Esthétiquement, "Midnight Express" est un film physique.

Caméra proche des corps. On ressent la sueur. L'humidité. Les murs sales. On ne peut échapper à une sensation d'étouffement.

Et puis, il y a la musique.

Giorgio Moroder compose un titre synthétique qui contraste avec la crasse de la prison.

Il est parfait pour le rôle !

Inutile de dire que "Midnight Express" est un gros succès. Très controversé, certes, mais tout le monde en parle en Belgique.

Aux États-Unis, il rapporte environ 35 millions de dollars, plus de quinze fois le budget de départ. Une opération très rentable. Plusieurs Oscars viendront le couronner.

Mais le film est aussi violemment critiqué.Par la Turquie, on peut s’en douter, qui accuse le réalisateur de donner une image caricaturale et raciste du pays et de son système judiciaire.

Film-témoignage ou fantasme occidental sur la barbarie orientale ? Peu importe. En ce 13 septembre 1978, dans les salles belges, "Midnight Express" s'impose comme l'un des grands chocs ciné de la fin des seventies. Avec la complicité hypnotique de Giorgio Moroder.

Nous sommes le 20 août 1977.

Happy Day pour Michèle Torr. Un titre entre au hit-parade en Belgique qui rappelle un air connu. Grâce à lui, elle va connaître un incroyable succès. Seule... et en duo.

Un an plus tôt, en 1976, ABBA sort "Arrival".

Un morceau instrumental. Juste un thème mélodique. Presque cinématographique. 

En France, deux auteurs entendent ce thème. Didier Barbelivien et Jean Albertini.

Ils y voient un potentiel énorme. Comme si la version d'Abba était une terre à construire. Ils décident alors d'écrire des paroles en français. 

Titre choisi : "J'aime".

Le texte évoque, avec tact, un amour de jeunesse. Le souvenir d'une danse. 

Ils proposent la chanson à Michèle Torr, qui semble plutôt emballée.

"J'aime" va devenir son TOUT premier GRAND succès.

Le titre devient rapidement un tube. Il entre au hit-parade, je le disais, en Belgique, le 20 août 1977. Il y restera 13 semaines d'affilée, allant jusqu'à la 4e place du classement.

Disque d'or pour Michèle Torr. Premier disque d'or aussi pour Didier Barbelivien. 

Ce qui est très intéressant, dans cette histoire, c'est que la chanson est un duo. Duo avec un certain Jean-François Maurice. Qui n'est autre que le nom de scène de Jean Albertini, l'un des deux auteurs du texte.

"J'aime" devient l'un des morceaux les plus emblématiques du répertoire de Michèle Torr et parvient même rapidement, dans l'inconscient collectif francophone, à faire (un peu) oublier Abba. 

Nous sommes le samedi 19 mars 1966. Happy Day pour le public de la capitale. Pour la première fois, les Kinks sont de passage dans notre pays. Deux jours après le Coliseum à Verviers, c'est à Bruxelles qu'ils vont assurer non pas un, mais DEUX concerts. 

L'événement a lieu à la Salle Régine. La scène est décorée d'un drapeau anglais et d'un grand signe des Aigles bricolé en polystyrène. C'est en tout cas l'un des souvenirs les plus marquants de Jean Jième Valmont, tel qu'il les raconte dans son encyclopédie mémoire 60/70.

En 1966, les Kinks sont des pionniers, même si cela fait à peine 3 ans qu'ils se sont formés. Aux côtés de Who et des Small Faces, ils font déjà autorité sur le petit monde des groupes britanniques. 

Deux ans après l'incroyable "You Really Got Me", depuis quelques mois, tout le monde chante "Sunny Afternoon"

Les Kinks en Belgique, c'est toute une affaire. L'événement fait BEAUCOUP du bruit. Il est même annoncé dans la presse, qui n'est pas toujours tendre avec tout ce qui touche au rock. 

Nous y sommes, c'est le samedi 19 mars 1966.  

Pantalons taille basse, pulls blancs à col rond et grosses lignes verticales colorées : les Kinks sont déchaînés. Le public, pareil. Au premier rang, certaines filles se mettent à hurler et veulent toucher le chanteur…

Un seul mot, hystérie !

Le concert est un grand désordre de joie et de cris. Le service d'ordre du Régina n'a pas vraiment l'habitude des assemblées en délire. Ils veulent repousser le public, qui ne se laisse pas faire. 

Lors d'une interview, un organisateur racontera ceci : "Lorsque tout est fini, la salle du Régina ressemble un peu aux décombres laissés par un tremblement de terre. Heureusement, c'est plus du désordre que de la casse et on ne déplore ni mort ni blessé... à part peut-être l’un ou l’autre qui a mal au mollet."

Une chanson qui démarre par… une affirmation.

"I believe the children are our future / Teach them well and let them lead the way..."

Traduction : Pour moi, les enfants représentent l'avenir. Éduquez-les comme il faut, puis laissez-les trouver leur propre voie…

Un message universel sur la transmission.

"The Greatest Love of All" est écrite pour un film biographique sur Muhammad Ali. "Le Plus Grand". 

Le film sort en 1977. Muhammad Ali y joue son propre rôle. George Benson se voit confier la chanson du générique.

Car George Benson n'est pas un inconnu en 1977.

À 20 ans, il part à New York croquer la "Grande Pomme" à pleines dents. 

Ses rencontres sont fructueuses. Son talent s'affirme. Il travaille avec les plus grands. Herbie Hancock. Wes Montgomery. Ou encore Miles Davis.

George Benson devient l'un des tout meilleurs guitaristes de jazz.

En 1976, rupture. Le musicien laisse place au chanteur. Sa guitare est réduite à un rôle d'accompagnement.

On lui doit notamment… "On Broadway".

Ses disques deviennent plus pop-jazz. Plus commerciaux. La rançon du succès, dira-t-il.

"The Greatest Love of All" s'inscrit dans ce tournant.

La chanson devient un tube en 1977. Mais c'est bien plus tard qu'elle connaîtra sa meilleure vie, grâce à un reprise, superbe, de Whitney Houston, le 18 mars 1986. Comme un hommage mérité à la version originale de 1977....

C'est un film d'aventures comme on les aime. AVEC de l'action. De l'humour. Du rythme. Et surtout, du Bébel à l'état pur.

Rio, oui, "L'Homme de Rio" !

L’histoire ? Adrien Dufourquet, appelé du contingent, arrive à Paris pour passer huit jours de permission avec sa fiancée Agnès. Il se réjouit. Il a des projets.

Sauf que tout va très vite déraper.

Une statuette est volée au musée de l'Homme. Le professeur est enlevé. Puis Agnès disparaît à son tour. Sous les yeux d'Adrien.

Adrien se lance à la poursuite des ravisseurs. De Paris à Rio. Puis jusqu'à Brasilia. Et enfin dans la forêt amazonienne.

Je disais donc "du Bébel à l'état pur".

Ah oui, il y a un peu de la Belgique dans "L'Homme de Rio". Car cette histoire est directement inspirée des aventures de Tintin.

Le scénario est une mécanique parfaite. Aucun temps mort. Des péripéties. Un mélange idéal d'action et d'humour.

Jean-Paul Belmondo, dans sa meilleure période, est parfait dans ce rôle.

Et puis.. il y a….Françoise Dorléac. 21 ans au moment du tournage. Avec son jeu légèrement en rupture, sa vivacité, son naturel, elle développe un charme auquel il est difficile de rester insensible.

Philippe de Broca utilise merveilleusement les décors naturels de Rio et surtout de Brasilia, ville alors en chantier et quasiment vide.

Belmondo réalise lui-même la plupart des cascades. Dont celle, assez spectaculaire, sur la façade de l'hôtel de Copacabana.

"L'Homme de Rio" aura eu une forte influence sur de nombreux films. En France et au-delà.

Steven Spielberg s'en inspirera directement pour "Les Aventuriers de l'Arche perdue" en 1981.

Oui oui, happy day en ce 11 septembre 1964, dans les salles belges, on aura attendu six mois "L'Homme de Rio", mais il va solidement marquer les esprits, sur une musique de... Georges Delerue !

Et pour démarrer, ce sont les enfants qui ont la parole...

L'histoire derrière cette chanson est VRAIE.

Nous sommes en 1970. Pierre Perret est sur la route de son Castelsarrasin natal, avec son épouse Rebecca. En écoutant les informations à la radio, il apprend une histoire... étrange.

Un Américain vient de sortir de prison, après plus de 10 ans de détention. Le jour de sa sortie, il se rend dans une oisellerie. Et il ouvre toutes les cages. Tous les oiseaux s'envolent.

Ce geste lui vaudra 4 ans de prison supplémentaires.

Au premier abord, l'histoire peut sembler absurde. Mais Pierre Perret y voit un symbole très fort : offrir la liberté après en avoir été privé pendant des années.

Durant la nuit, Pierre rêve de cette histoire. Il compose la mélodie dans son sommeil.

Le rêve est si intense qu'il se fait tomber du lit pour se réveiller. Oui, c'est vraiment comme ça que Pierre Perret le raconte.

Il est 4 heures du matin. Dans le noir, à quatre pattes dans le salon, il retrouve un morceau de papier cadeau. Il griffonne une portée. Les premières notes.

Puis il prend un grand bol de café, un calepin, un stylo. Et il sort seul se promener le long du canal.

Au cours de cette marche, il écrit l'intégralité de "La Cage aux oiseaux".

Le disque sort fin 1971.

Le message est clair : faire réfléchir les enfants sur la liberté. Leur inculquer cette notion fondamentale.

Le succès n'est pas tellement commercial. Il est bien plus que ça. Il est presque sociétal. Près de 300 000 exemplaires vendus rien qu'en France.

La chanson deviendra l'un des morceaux les plus célèbres du répertoire de Pierre Perret.

Elle sera reprise dans les écoles. Symbole de liberté ET… de douceur.

Trois coups de caisse claire. Inoubliables.

Boom. Boom. Boom.

Puis la basse. Les cordes. Et cette voix.

Voici, les Ronettes !

The Ronettes, c'est Ronnie, sa sœur Estelle et leur cousine Nedra.

Trois filles du Spanish Harlem de New York. Elles chantent depuis l'adolescence. Clubs. Petites scènes. Rien de vraiment concluant.

Jusqu'au jour où elles rencontrent Phil Spector. LE producteur de l'époque. Il vient de créer son label, Philles Records. Et il développe une méthode d'enregistrement révolutionnaire : le "Wall of Sound". Le mur de son.

Des dizaines de musiciens en studio. Plusieurs guitares. Plusieurs basses. Des cordes. Des percussions. Tout joue en même temps. 

Et nous voici en studio en ce 29 juillet 1963 pour enregistrer "Be My Baby".

Ce qui frappe immédiatement, c'est cette introduction, devenue l'une des plus reconnaissables de l'histoire du rock.

"Be My Baby" sort en single le 4 août 1963.

Le succès est immédiat. Le titre grimpe jusqu'à la 2e place du top 100 aux États-Unis. Il devient numéro 4 au Royaume-Uni. 

Plus de 2 millions d'exemplaires vendus, avant d’arriver chez nous.

Sur scène, à la télé, c'est l'hystérie (vous l'entendez) 

Les Ronettes deviennent des stars. Elles tournent avec les Rolling Stones. Elles passent à la télévision. Ronnie Bennett, la chanteuse principale, devient la muse de Phil Spector. Ils se marieront quelques années plus tard.

La chanson sera reprise des dizaines de fois. Par les Beach Boys. Elvis Costello. Et même Amy Winehouse.

Elle figurera aussi dans des films cultes. "Dirty Dancing" en 1987. Ou encore "Mean Streets" de Martin Scorsese en 1973.

À 32 ans, Michel Drucker n'est pas un inconnu. Depuis 1970, il anime "La Preuve par quatre" sur la première chaîne, un jeu estival parrainé par Renault qui oppose des équipes de jeunes. Ensuite vient "Tempo" en 1972, et "Sport en fête".

Mais "Les Rendez-vous du dimanche", c'est autre chose.

Une émission de variétés. Enregistrée le samedi aux Studios des Buttes Chaumont. Diffusée le dimanche après-midi. Réalisée par Rémy Grumbach.  

Le concept ? Des interviews longues. Des personnalités de la chanson, du cinéma, du petit écran. Et les résultats du Tiercé. Incontournables.

Générique de Claude Bolling !

L'émission devient vite un rendez-vous familial.

Chaque dimanche, les Français découvrent les stars du moment. Drucker pose ses questions. Il écoute. Il relance. Il crée une intimité avec ses invités. Et tout ça a un seul but : se payer Jacques Martin en face !

Pendant cinq ans, "Les Rendez-vous du dimanche" va s'installer dans le paysage télévisuel français.

Mais le 11 mars 1978, un drame marque l'émission à jamais.

Ce samedi-là, Claude François est attendu pour tourner. Il est en retard, comme à son habitude. Toute l'équipe l'attend. Il doit arriver vers 16 heures.

Vers 15 heures, flash spécial dans l'émission de Guy Lux… Nous sommes en direct.

Forcément, aucune émission n'est réalisée et enregistrée ce jour-là. Un hommage à Claude François est rendu toute la journée sur la chaîne. "Les Rendez-vous du dimanche" lui rendront d'ailleurs hommage plusieurs fois.

"Les Rendez-vous du dimanche" continuent jusqu'en septembre 1980.

Ève Ruggieri succède alors à Michel Drucker. L'émission est renommée pour l'occasion, "Les Nouveaux rendez-vous".

Aux Buttes Chaumont. Et toujours sous la protection du fameux générique de Claude Bolling.