Tener una buena idea y convencer a los demás de que se trata de una buena idea, son dos talentos distintos. Describir en pocas palabras el argumento o vender la idea de una ficción tiene un nombre: “pitch”. Por ejemplo: “un profesor bonachón se transforma en Caracortada”. Ese podría ser perfectamente el pitch de “Breaking Bad”. Sin embargo, detrás del concepto hay un problema estructural.

70 años cumplió una de las obras maestras del cine asiático: “Los siete samuráis”. Una cinta producida y filmada en el Japón de la posguerra y que no solo ha sido adaptada en diferentes parajes del planeta. Incluso hasta nuestros días, producciones tan distintas como “Bichos” o “The Mandalorian” hacen gala de sus referencias a este clásico de Akira Kurosawa.

Se presentó como una película de terror indie. Su costo de producción bordeó los 35 mil dólares y generó ganancias por más de 250 millones. Todos alrededor de “El Proyecto de la Bruja de Blair” se hicieron millonarios. Todos, excepto sus protagonistas. Un contrato abusivo no solo les obligó a utilizar sus nombres reales en la película e improvisar sus diálogos, también les impidió cosechar los frutos de su éxito. La peor parte se la llevó la actriz principal: Heather Donahue.

Hay algo mágico en la idea de ver de cerca a un ser humano cuya voluntad es ley. Por eso, desde siempre, la realeza ha fascinado al cine. La costumbre – o el cliché – es presentar una imagen de los pasillos del poder, de carácter solmene y a ratos siniestra. Pero también existen producciones extrañas, como “El Rey Ralph” (1991), protagonizada por John Goodman.

Las publicaciones en papel que comentaban o informaban sobre los estrenos en Chile, se fundaron casi en paralelo a la aparición de las primeras salas de cine. Pero en los años 50, los cineclubes cambiaron el paradigma y se transformaron en caldo de cultivo para la creación de recordadas revistas, como “Primer Plano” y “Enfoque”. Aquí su historia… La historia de una época casi olvidada.

Overland Park, Kansas. Una cálida noche del verano de 1983, en el Gleenwood Theater terminaba la última función del día. La película en exhibición era “El Regreso del Jedi”. John J. Smith, empleado del cine, cerró la cabina de proyección y salió al estacionamiento. Allí, un joven a cara descubierta lo interceptó con un revolver de alto calibre para cometer un insólito robo: El robo del Jedi.

La adicción a la buena mesa y los vinos caros, le pasaron la cuenta a Alfred Hitchcock. Pese a su deteriorado estado de salud, hasta el final de su carrera, el director estuvo obsesionado con llevar a la pantalla un thriller de espionaje basado en la novela “La noche breve”. Sin embargo, en el verano del 79 y con lágrimas en sus ojos, confesó a su asistente: “Ya no soy capaz de seguir, no voy a hacer esta película, ni ninguna otra”. Murió en 1980.

Lejos de las fiestas de alta alcurnia, de smokings y martinis, al creador de James Bond le disgustaban las reuniones sociales sofisticadas. Ian Fleming prefería leer o escribir, y así nacieron las populares novelas del súper espía. Sin embargo, el camino para llevar a Bond al cine fue duro y estuvo lleno de tropiezos.

Un documental grabado a fines de 1983 y estrenado al año siguiente, pero que parece tomado desde otra década. "Stop Making Sense" registra tres conciertos de Talking Heads en Hollywood, con decisiones que van contra la corriente de su época en lo estético y en lo fílmico. Y con una banda en su punto más alto de presentaciones en vivo, en la que sería su última gira.

Además de cuentos y novelas, Ruth Prawer escribió 23 guiones y adaptaciones para el cine. Casi todos fueron filmados por James Ivory y producidos por Ismail Merchant. El trío cambió el concepto de drama de época que se tenía en el cine de habla inglesa, con trabajos como “The householders” (1963), “Un amor en Florencia” (1985) o “Lo que queda del día” (1993). Ruth Prawer Jhabvala fue la cara menos visible del trío. Esta es su historia.

En la Italia de posguerra, surge una generación de cineastas que, con ingenio y poco presupuesto, contaron historias de hambre, urgencia y desesperación. Un grupo de hombres que, a través del neorrealismo, dieron al mundo una nueva manera de hacer cine. Y entre ellos, una mujer legendaria: Suso Cecchi D´Amico.

Comenzó su carrera como asistente y correctora de libretos en 1914. Bajo la tutela de la directora Lois Weber, y gracias a su pluma, Frances Marion se convirtió en referente y figura del cine estadounidense. Su maestría estaba en inventar historias con grandes finales y a medida de las estrellas de la gran pantalla. Se estima que Marion estuvo detrás de más de 300 guiones hollywoodenses.

Comenzó su carrera cinematográfica escribiendo guiones, pero su talento, curiosidad y atención al detalle la convirtieron en una de las ejecutivas con más poder y mejor pagadas de la industria. Su influencia llega hasta la actualidad, con roles de producción creados por ella, y con guiones que replican la forma en que ella, hace un siglo, anotaba información sobre la escena y la disposición de las cámaras. Y en su descanso eterno comparte espacio con su protegido y gran amigo, el mítico Rodolfo Valentino.

En junio de 1989 se estrenó el primer episodio de “Los Cuentos de la Cripta”, una de las series más exitosas en la historia de HBO y por la que pasaron algunos de los directores, actores y actrices más connotados de Hollywood. Una producción que mezcló el terror, la sátira y el humor, inspirada en un comic que generó una ardua polémica en la conservadora sociedad estadounidense de los años 50.

La novela de Jenaro Prieto, publicada en 1928, cuenta con seis adaptaciones al cine, realizadas en lugares tan distintos como Inglaterra, México o Estados Unidos. Con distintos niveles de cercanía al texto original, la trama ha concitado a figuras de la pantalla grande como Hugo del Carril y Whoopi Goldberg. Pero más allá de los cambios al guion, la historia da cuenta de una característica permanente de la chilenidad.

El gran tema en el cine de los hermanos Coen es el destino, la manera en que intentamos torcerlo y la implacable manera en que nos tuerce la mano de vuelta. Una de sus películas más representativas es “el hombre que nunca estuvo”. Cuenta la historia de Ed Crane, un barbero retraído que esconde lo que piensa y siente tras una cortina de silencio y humo de cigarrillos. La infidelidad de su esposa y un negocio prometedor lo llevan a urdir un plan que lo sacará de su apatía.

El asesinato de su padre y la repentina muerte de su hermana, llevaron a Maurice LaMarche a abandonar la comedia y los escenarios. Sin embargo, la tragedia daría paso a una brillante carrera como actor de voz. Su trabajo es reconocible en series animadas como “El Inspector Gadget”, “Pinky y Cerebro” o “Rick and Morty”, y en producciones como “Ed Wood” o “Love, death and robots”. Entre otras cosas, LaMarche hizo fama en series y películas por su memorable imitación de Orson Welles.

El cine “b” fue el cine de los bordes. Un espacio de enorme vitalidad que albergó a los primeros maestros de géneros como la ciencia ficción o el terror gótico. Dio espacio a actores y actrices que venían “a la baja” o iniciaban sus carreras. Fue un espacio para el juego y la experimentación, y también refugio para los perseguidos. Uno de ellos, Irving Lerner – desde “el borde de los bordes” – terminaría dirigiendo una de las obras maestras del Film Noir: “Asesinato por contrato” (1958).

En los años 80, todo lo que se veía en el cine hollywoodense parecía sacado de otro mundo. Los personajes levantaban el teléfono y pedían una pizza, las habitaciones infantiles eran laberintos de juguetes e historietas, las familias desayunaban juntas,… Los niños de los 80 fueron testigos de la enorme distancia entre su realidad y la que se revelaba frente a sus ojos en la pantalla. Pero todo era una fantasía.

En tierra, en el mar o en el aire. Bajo el sol, la lluvia o la nieve. La fascinación por el cine ha llevado a instalar salas en los lugares más recónditos e inesperados del planeta. En iglesias, cárceles, barcos, aeropuertos, casinos, salones de ping pong,.. No importa el lugar, ni las condiciones: siempre habrá gente que se reúna para ver las películas que soñaron sus antepasados.

Se conocieron estudiando actuación, y juntos formaron una familia y una marca en la historia del cine. Aceptando diversos roles que les permitieran financiar su actividad independiente, Rowlands y Cassavetes lograron plasmar en la pantalla grande una nueva mirada sobre la vida de pareja, dando origen a las películas de fuga: cuando la relación ya no funciona, cuando la rutina se vuelve agobiante, el camino es huir.

Ni superhéroes, ni niños magos, ni hobbits. La saga más larga de la historia del cine tiene su origen en Asia y está basada en una persona real. Su protagonista es un artista marcial, que derrotaba a sus rivales y luego curaba sus dolencias. La presencia de Wong Fei Hung en el cine se arrastró por décadas y sigue estando presente en la cultura popular. Después de todo, la pantalla es el único lugar donde los héroes viven por siempre.

La relación de Hollywood con la figura del Nazareno ha seguido un camino sinuoso: desde el apego a la Biblia y actores trabajando sin cobrar por su rol, a historias que han escandalizado a los fieles y atraído el interés del gran público. Una de ellas es "La pasión de Cristo", de Mel Gibson, quien utilizó sus redes para distribuir el largometraje ante las reservas de los grandes estudios de cine.

Desde pequeña, sabía actuar y cautivar el interés de los demás. Los críticos coincidían en que el teatro era su verdadero hogar y el cine llegó como un agregado. Proveniente de una de las familias más tradicionales del estado de Alabama, su carrera estuvo llena de glamour y también de escándalos. Esta es la historia de Tallulah Bankhead.

A los 97 años falleció la documentalista venezolana Margot Benacerraf. Aunque su nombre puede sonar desconocido, se trata de una de las figuras clave del cine latinoamericano, que pasó a la historia con solo dos títulos: “Reverón” y “Araya”. Esta es su historia.

En el año de su rodaje, “El padrino” era un caos de luchas intestinas y lealtades cruzadas. Al centro, el productor Robert Evans y el director Francis Ford Coppola. Sus ideas contrapuestas dieron vida a una verdadera batalla por el casting. Para el papel de Vito Corleone, aparecieron nombres como el de Laurence Olivier y hasta Frank Sinatra. Robert Redford pudo haber interpretado a Michael, en vez de Al Pacino. E incluso el propio Elvis audicionó para un papel.

Como cada año, lo más selecto de Hollywood se reunirá en una cita llena de glamour, luces y copas de champagne. Pero el origen de los premios Oscar y de la propia Academia es oscuro: surgieron como instancias antisindicales, destinadas a mantener el control sobre los trabajadores de los estudios y desmotivar su organización a espaldas de la gerencia. ¿Cuánto queda de eso hoy?

Kathryn Bigelow fue mesera y restauradora de lofts; James Cameron manejaba camiones y era conserje nocturno en una escuela; Spielberg era un niño nerd que se colaba en los estudios para ver cómo se hacían películas y así consiguió un trabajo de asistente en Universal. El camino a las “grandes ligas” no es fácil y los casos se repiten: muchos de los y las grandes cineastas de la historia llegaron a Hollywood por una puerta modesta y “obreril”.

Así como el llamado del poder ha sido irresistible para muchos, también lo ha sido el llamado del cine. Existe una lista importante de gobernantes y líderes políticos que se han aventurado en los sets cinematográficos (o lo han intentado). Churchill, Roosevelt, Mussollinni, entre otros. Pero el dictador español Francisco Franco, lo hizo mientras gobernaba, lo consideraba parte esencial de sus labores. Y así nació “Raza”, un trabajo autobiográfico mezclado con ficción. Franco inventó una familia con un pasado glorioso para idealizarse a sí mismo.

En la mansión de un hombre acaudalado suena el teléfono. Al otro lado del auricular, un criminal le exige una gran suma de dinero para liberar a su hijo. Sin embargo, el millonario no tardará en darse cuenta de un error: el niño secuestrado es el hijo de su chofer. ¿Estará dispuesto a entregar su fortuna para salvarlo? Esa es la premisa inicial de “cielo e infierno”, una película dirigida en 1963 por el célebre director japonés Akira Kurosawa.

A diferencia de otros intelectuales de su época, la escritora Virginia Woolf no miraba el cine con distancia o condescendencia. Donde autores como Gorki y Tolstoi solo vieron una manera de hacer portátil una obra de teatro, Woolf intuyó algo más: un futuro esplendor donde el cine se libera de la obligación de contar historias para abrirse a la creación de símbolos nuevos e indescifrables, adelantándose a las obras fundamentales de Fellini, Welles, Lynch, entre otros.

Una historia de niños de la calle que escandalizó a México. De adolescentes envueltos en un ciclo sin fin de despojo, hambre y violencia. Eso es “Los olvidados”, un filme que enfrentó dura resistencia en sus inicios, y que se transformó en una de las obras fundamentales de Luis Buñuel.

Los superhéroes no siempre gozaron del respeto que hoy tienen. Hace 80 años su prestigio era mucho menor, tanto así que una editorial estadounidense cedió gratuitamente los derechos de uno de sus personajes para que protagonizara una serie en el cine: ese personaje era Steve Rogers. Uno de los primeros intentos decentes por llevar al Capitán América a la pantalla, lo lideró en 1990 el director Albert Pyun. Esta es su historia.

La historia de quienes inventaron las estructuras del cine como lo conocemos es larga y honrosa. Pero también es una lista de tristezas y olvidos. Ese es el caso de Adela Siqueiros: actriz, guionista y directora, fue la primera mujer en filmar una película sonora en México. Pese a su rol fundamental en el desarrollo del cine de habla hispana, su figura quedó en el olvido, como un nombre perdido en el polvo y la ingratitud.

Guerreros, espías y asesinos. Sigilosos y temidos mercenarios. Los años 80 fueron testigos de la fiebre del ninja en Hollywood, de la mano de estudios como “Cannon Films” y figuras como Sho Kosugi. Eran películas de bajo presupuesto que la crítica calificó de burdas, simplonas, mal actuadas y mal dirigidas. Pero no por eso menos entretenidas.

"Escribo novelas porque no puedo hacer las películas que quiero", dijo alguna vez el afamado escritor colombiano. Y es que hay algo en las obras de Gabriel García Márquez que no es tan fácil de traspasar desde el papel a la pantalla: varios lo han intentado, con distintos grados de éxito. ¿Qué secretos esconde el trabajo de quien ganó el Premio Nobel de Literatura en 1982?

La actriz y bailarina Louise Brooks fue una de las grandes estrellas de Hollywood en los años 20. Su trabajo, así como su carisma y encanto maravillaron no solo a la industria cinematográfica. A miles de kilómetros, un joven argentino se enamoró de ella. Pese a su obsesión, Adolfo Bioy Casares nunca conoció a Louis. Para él solo fue una imagen en la pantalla, pero inspiró una de las obras más reconocidas del escritor: “La invención de Morel”.

¿Por qué las historias de crímenes casi siempre se cuentan desde la mirada del policía? ¿Por qué los retratos de barrios pobres se limitan casi exclusivamente a las ficciones policiales? “La línea del deber” (2012) es una serie británica que escapa de los moldes de la clásica producción del género, y aborda con brillantez y oficio una arista cada vez menos explorada: la corrupción entre las filas.

Usa un gorro “simpático” y no para de hablar. Mouse es uno de los personajes secundarios que conocimos en Matrix (1999). Interpretado por Matt Doran, aquel programador parlanchín es el que le ofrece a Neo una cita con la “chica del vestido rojo”. El mismo actor se convertiría más tarde en un fugaz traficante que intenta venderle drogas a Obi Wan Kenobi. ¿Es tan descabellado pensar un “crossover” entre Matrix y Star Wars?

Vísperas de año nuevo. Cuba, 1958. Los rebeldes bajo el mando de Fidel Castro se preparan para dar la estocada final al régimen de Batista. Mientras, un grupo de “inversionistas” estadounidenses disfruta la noche en un club de La Habana. Una traición será revelada. Un “beso” de año nuevo sellará el destino de los hermanos Corleone. No hay vuelta atrás para la revolución.

En este episodio, Daniel Villalobos repasa las lecciones del especial navideño de una de las series animadas más exitosas de los noventa: Pinky y Cerebro. ¿Quién necesita dominar el mundo cuando tiene un amigo?

¿Es posible hacer una lectura política de “Star Wars”? El debate es tan antiguo como la trilogía original. Aquella se enfoca en la opresión de un Imperio que se sustenta en el miedo, el dinero y la obediencia ciega. Décadas más tarde, las precuelas cambiaron el foco para contar la historia amarga de burócratas sin imaginación que pudren el sistema, propiciando la caída de la República.

Una de las canciones de "Cabaret", musical de 1966 y película de 1972, fue creada como una caricatura de la música de propaganda alemana en la II Guerra Mundial. Es el momento climático de la obra que la contiene, pero fuera de su contexto se ha prestado para interpretaciones que desconocen su fin real.

Un rostro inolvidable en la historia del cine, dos adolescentes y ocho años de filmación tomó una de las películas británicas más incómodas tras la Segunda Guerra Mundial.

Más de un millón de canadienses luchó contra los nazi durante la II Guerra Mundial. Casi dos mil fueron detenidos como prisioneros de guerra en cárceles alemanas. En un intento por salvar sus vidas, el director de la Comisión Nacional Cinematográfica de Canadá encargó la filmación de una película con una sola copia que envió a Alemania través de la Cruz Roja… sólo tenía un espectador en mente.

La escena de Tom Hanks disparando a un tanque en “Rescatando al Soldado Ryan”, el regreso de los héroes desaparecidos en “Avengers: endgame”, o la irrupción de Luke Skywalker para rescatar a Grogu y El Mandaloriano. El cine y las series están repletas de “salvadas” de último minuto. De esos momentos hablan Daniel Villalobos y Paula Molina, en este episodio especial de “El Contador de Películas”.

La representación de “Mahoma, el mensajero de Dios” en la cinta del director sirio, Moustapha Akkad, generó fuerte resistencia de grupos religiosos. En plena producción, se quedó sin apoyo ni financiamiento. Entonces, apareció Muammar Gaddafi que no solo era fanático del cine, también soñaba con una industria propia. El dictador libio financió la cinta y además exigió una segunda película: “El León del Desierto”, la historia de Omar Mukhtar, líder de la resistencia libia contra el fascismo.

Un pianista neoyorquino sin un dólar en los bolsillos sigue a su novia que partió a buscar fama como cantante en Los Ángeles. Haciendo dedo en la carretera, el hombre inicia la travesía que pronto será alcanzada por la tragedia, por la muerte. La historia de “Detour” (1945) es contada con la lógica de un sueño y la atmósfera de un cuento de Edgar Allan Poe. La obra maestra de Edgar Ulmer es la tragedia del deseo, es un relato sobre la obsesión por el dinero. Una obsesión que no solo padecen sus personajes sino también sus realizadores, que con escasos recursos darán vida a un clásico del cine “noir”.

En el cine no todo se trata de héroes. También de maldad. El francés Gégauff creó grandes historias de miseria moral, y él mismo eligió una vida de autodestrucción. Un estafador y misántropo ligado a lo más prestigioso del cine de la nueva ola.

Un exitoso guionista y ex colaborador de la CIA, prepara una ficción que retrata los oscuros procedimientos de la inteligencia estadounidense. Pero la cinta no verá la luz. En 1997, el rastro del escritor se esfumó mientras conducía por una carretera de California. Su vehículo apareció recién un año más tarde, con su cadáver en el interior. Le habían cercenado las manos. ¿Qué pasó con Gary Devore?