Explorez tous les épisodes du podcast 电影留声机｜听懂电影原声音乐

大家好，我是主播郭小闹，首先感谢大家长期以来的陪伴，但我因为最近工作强度大幅增加，所以能够花心思来做节目的时间比较有限，所以在慎重考虑之后，我决定暂停会员的销售，并且节目也将有可能会成为不定期更新的节目。但请大家放心的是，这档节目就像是我自己的孩子一样，我还是会坚持做下去的，只是更新频率暂时会比较低。
言归正传，今天我打算来聊一期老片子，1995年的《红潮风暴》。之所以选择这部电影，一方面肯定是因为汉斯季默的原声音乐很好听，充分诠释了军旅题材的紧张和宏大的氛围。另一方面也是因为故事描述的苏联解体背景下，美苏两国的冷战思维差点让冷战变热战的反思。
这样的大环境很不幸，在时隔了30年之后，又变成了全世界的主要格局。美国还是那个美国，而苏联变成了俄罗斯。但似乎这种冷战思维在中间的30年里，并未得到什么改变，只是因为反恐战争而沉寂下来，成为了一个配角。但随着全球反恐战争的结束，冷战思维也不再甘当配角，再次浮出水面，成为了东西方对峙的主角。
而且这一次的浮出水面，并不是静悄悄地，而是一路火花带闪电，刚一出手，就将乌克兰三分之一的国土沦为了焦土。我们且不谈目前俄乌冲突的正义性，因为对于一场战争来说，站在不同的立场你永远都找得到站得住脚的理由，由此展开三天三夜的辩论也许都得不出最终的结论。因为，战争本身就是错的，争执对错的只是人性而已。
我想说的是，如果才能保持最大的克制来避免战争的发生才是人类最应该思考的问题。而这一点，《红潮风暴》利用扎实的剧本和优秀的拍摄剪辑手法给我们展示了一个在宏大冷战背景下，小人物一念之差之间做出的决定，就影响了一场战争的走向。
人们常说，佛魔一念间。是的，佛和魔之间也许并没有什么明确清晰的界限，有的只是一个念想带来的最终决定。正如电影之中打算忠实执行命令的潜艇指挥官一样，他有错吗？没有，军人就是以服从命令为天职。但发动兵变的副官有错吗？也没有，他只是不想因为一个错误的命令而发生一场足以毁灭世界的战争。
电影虽然最终的结局通常比较俗套，似乎就是个人英雄凭一己之力挽救了世界。但对于冷战的反思恰恰就是精彩在这里，因为很多时候，真正改变大格局的，并不是什么那些站在聚光灯下的政治家和领袖们，而是那些在第一线默默奉献的英雄。
古有斯巴达三百勇士，以300人对20000人的战绩；今有手持毒刺反坦克导弹让俄罗斯钢铁洪流化为乌有的乌克兰游骑兵。虽然他们可能连名字都不会留下，也未必能改变最终的走向。但让历史铭记他们的勇猛是毋庸置疑的。他们是时代浪潮中的一颗小小的棋子，有的人在战前很可能是一名老师，一位卡车司机。但在战争中，他们也许就是蝴蝶效应里的那一丝被挥动的空气。
所以，我们觉得俗套的其实只是电影的故事本身，而不应该是哪怕名誉扫地甚至牺牲生命也想阻止战争的可贵思想。
说回到电影的原声音乐。刚才我们提到过，原声音乐是汉斯季默的谱写的，有意思的是，我找到了原声专辑来仔细听过，发现原始的专辑，是一张糅合了真实乐器、电子音乐和人声合唱于一体的制作模式。要知道那是1995年啊，那时候固然早就已经有合成电子音乐的存在了，很多流行音乐的配乐那时候为了节省成本就大量使用了合成音乐来演奏。但汉斯季默那时候早已成名，是可以动用大编制来制作的呀，不知道为何却坚持使用了合成音乐来录制。虽然氛围感上并没有任何不妥，但某些比较柔和的部分略显呆板还是存在的。
但也幸好，在1997年的时候，辛辛那提通俗交响乐团在艾瑞克孔泽尔的带领下出了一张专辑，叫做《The Big Picture》，翻译过来就是《大片》。其中就收录了《红潮风暴》的主题曲，并加以改编，缩短了时长，去除掉了一部分凑数的音符，结构更加完整和经典，而且全部采用真人大编制的演绎，更加凸显了这首主题曲的震撼。
我们现在听到了就是来自辛辛那提通俗交响乐团演奏的版本。曲子开篇用小号营造了一段比较悲情的引子，紧接着就是人声哼唱铺垫的主旋律，这段主旋律由管乐、人声和军鼓共同构成，弦乐只是在背景中辅助，营造出来一种强烈的紧张氛围。而且其中还隐隐有着危机四伏之感，但同时也有着解决危机的那种坚定信念。
在这段旋律结束之后，插入了一段唱诗班的优美和弦，体现着国家层面信仰的力量，以及小人物内心因为寻求正义而期望得到上天眷顾的祈祷。
整体听感相较于原版更加完美和大气，是一首不可多得的改编作品。这也正是我尤其喜爱艾瑞克孔泽尔相关专辑的地方。
好了，本期就是这样，希望您能喜欢，我们下期见！

最近几乎是一口气把美剧《1883》看完，这是我欣赏美剧的一个习惯。因为美剧的更新方式和我们国内区别很大，越是热门的剧集更新就越慢，而《1883》作为大热门《黄石》的衍生剧，在编剧导演没有变化的前提下，自然也成为了热门中的热门。第一季一共才10集，每周才更新一集，中间好像还停更了一小段时间，所以每周追着看实在是太累人了。
我喜欢先把它忘掉，然后在它更新完成的时候再突然想起，找个合适的时间，一口气能看多少看多少，这样才叫过瘾，而且对情节也不容易忘记。
不过如果大家想要看我今天推荐的这部剧集，还是得稍微酝酿一下情绪，因为它的整体调子，和《黄石》差别非常之大。黄石是恩怨情仇都有的故事，各种势力之间不管文明与野蛮，或者残酷与仁慈，都有各自站得住脚的理由，说到底只是在发展和保护之间的权衡。但1883则不是，那是一场赤裸裸的生与死的考验，是一群向往着自由的农民在逃避欧洲战争之后，对北美大陆自由生活的美好向往和无比残酷的现实之间做出的牺牲。可以这么说，整部片子丝毫没有我们对美国西部大开发里想象的那些奋斗、励志的故事，有的只是不断的死亡。而且在这个过程里，死亡甚至被翻着花样地呈现出来，有自杀、有蛇咬、有枪击、有斧劈；甚至还有仇杀以及令人唏嘘的误杀等等。这个剧集最成功的地方，莫过于你眼看着那些来自欧洲的异乡人，从眼神里有光，到逐渐暗淡下去，然后以毫无生气的灰色结束。短暂而无奈，痛苦且悲伤，这才是那些第一批欧洲移民在广袤的西部扎下根来时的最真实写照。有时候你会感叹，这些欧洲人千里迢迢来美洲大陆如此遗憾的死掉，到底划不划算？中国人以前有句老话，好死不如赖活着。但这些人从后续的表现来看，他们在乎的是自由，而不是害怕死亡。真正让他们离开家园的，正是自由意志的被剥夺，而不是生死存亡的问题。也许，这也是东西方文化的差异，或者是意识形态上的差异吧。
当然，大多数这些死去的移民在片中都是配角，可令我意外的是，就连主角都没能拥有光环，特别是最后一集的交代，让我们一次失去了两位主角。虽然依然埋下伏笔，让我们可以期待达顿家族在1900年代的发展和后续，但就算没有第二季，我同样也非常满意现在的结局。
所以，还是回到很早之前我聊过的一个话题，那就是这世间充满着各式各样的喜剧、闹剧和荒诞剧，但最终都将归于悲剧。是的，也只有悲剧才符合人性，你看，人这一生，生老病死，花费毕生的精力也不过就是从喜到悲。很多人觉得漫长的一生在整个地球的进化史之中，连沧海一粟都算不上。但幸好我们有电影和电视剧，有时候可以将这些默默无闻者的故事讲述出来，让更多的默默无闻者知道，让前者的生与死成为后者的欢笑和眼泪。
这也许才是影视这门艺术的终极目的吧！
刚才我们提到过，《1883》是《黄石》的衍生剧，所以编剧仍然是泰勒·谢里丹，音乐也仍然是布莱恩·泰勒。豆瓣评分综合高达9.1分，音乐也保持了一贯的水准。我们现在能够在各大音乐平台上找到两个专辑，将片中所用的配乐基本完全记录了下来，录音和演绎水准很高，大家可以自行搜索来听。但我今天不打算分析其中的音乐，因为除了主题曲之外，基本都是氛围音乐，适合工作或者学习的时候当作背景音乐，并不太适合单独聆听。所以，本期节目可以算是一期影评节目，在节目的最后，我摘抄了一段我认为非常深刻的台词，这段台词来自第三集主角艾尔莎的内心独白，与诸位分享：

这个世界才不会在乎你的死亡，它甚至根本听不到你的嘶吼。
如果你受伤倒地，大地才不会管你的伤口如何，只会尽情吮吸你的血液。
如果我见到了上帝，我一定会问问他：
为何要创造一个那么美但充满了野兽的世界？
为何要在美丽花朵的后面隐藏着毒蛇？
您创造龙卷风的目的又是什么？
然后，我幡然醒悟过来：
这个世界，压根不是为我们而创造的。
这段台词在我看来比诗歌还凄美，充满了哲学的意味，大家不妨多读几次。我是按照我自己的理解翻译过来的，我把原文贴在最后，大家有兴趣可以看一看，读原文更有感觉。
好了，本期就是这样，我们下期见！
原文如下：
The world doesn't care if you die. It won't listen to your screams.
If you bleed on the ground, the ground will drink it.
It doesn't care that you're cut. 
I told myself when I meet God, it will be the first thing I ask him:
why make a world of such wonder then fill it with monsters?
Why make flowers and then snakes to hide beneath them?
What purpose does the tornado serve?
Then it hit me:
he didn't make it for us.

今天这期节目我们书接上回，继续来讲述大型国风音乐专辑《三国》的曲目。如果还没听过上一期的建议大家先去听过之后再来听这一期，就更加能够听得懂这张专辑了。
下面我们就直奔主题，开始讲述今天的曲目。
第一首，赤壁。相信这首曲子也是很多人比较期待的曲目。因为如果要问大家印象之中关于三国时期最著名的战役，我相信90%的人都会将赤壁之战放在首位。我想这主要也和我们平时了解到的三国故事有很大关系。毕竟小学课文里面就有草船借箭的故事，而草船借箭本身就是赤壁之战之中的一个小插曲。
但也许大家不知道的是，草船借箭很有可能只是小说《三国演义》里面虚构的，小说毕竟是小说，是不能当作历史来看待的。历史学家综合参考了《三国志》《魏略》等正统史书之后发现，所谓草船借箭不过是一次偶然的情况。当时曹操的军队和孙权的军队隔江相望，孙权屡次挑战，曹操坚守不出。孙权就冒险乘船到曹军水寨前挑衅，曹军下令万箭齐发，都射在了孙权的船上，船就向一边倾斜，差点倾覆。孙权急忙让船掉头，船的另一面也承载了足够的重量之后才没翻。安然回去的孙权也就收获了相当多的箭矢。这是纯粹的无心插柳得到的结果。
然后到了罗贯中这里，就成了让诸葛亮神话的灵感来源，从而创作出了草船借箭的故事。
回到音乐上来，这首曲子可能是整张专辑之中最符合电影配乐风格的。曲子很长，7分多钟，里面实际上有相当长的篇幅是为了烘托氛围而写就的音符，主要目的是为了体现赤壁之战的紧张和残酷。
曲子开篇的引子部分很短，只有大约40秒，用雄壮的管乐和打击乐勾勒出了一个大战一触即发的威武气势。将中国鼓和西洋管乐结合得很棒，丝毫没有违和感。
紧接着就是一阵混杂着弦乐的打击乐，各种中西打击乐器一块儿上，营造出强烈的紧张氛围，预示着两强相遇相互之间都很谨慎的态度。
从1分58秒开始，随着鼓声渐弱，国风尺八负责主旋律，此段音符在紧张感丝毫不减弱的情况下，营造出了一种对阵双方展开战术博弈的效果。不管是草船借箭还是火烧赤壁就都集中在这一段来表现。所以在尺八的篇幅之后，打击乐和管乐的齐奏又占据了上风，营造出来的感觉就是一个“乱”字来囊括，氛围感拉满。不带着脑海里的故事单独聆听可能会心里暗骂一句，这到底是什么鬼。但我相信通过我的解读，大家应该就能够感受得到火烧赤壁时战况的惨烈程度。
再次随着鼓声的渐弱，管弦乐齐奏的大结局出现在耳边，此段旋律为国风，但乐器几乎全部为西洋乐器，旋律本身也似乎和康熙王朝之中的某些片段较为类似，主要突出了帝王豪气或者是大战凯旋的威仪。
这首作品估计也是整张专辑之中配器最多，参与演奏人数最多的作品。
第二首，三分归一统。天下大势，合久必分，分久必合。估计当时谁也没想到，三国时期的各个强权最终收归到司马氏的手里，真乃造化弄人。曲子开篇刚好是赤壁之战的结尾部分，也是此曲的核心旋律。但此曲的副歌部分我实在是有些无法理解，演绎出来实在是太喜庆了，我知道作者肯定是想表达一种人们互相奔走相告，普天同庆的欢喜感。一开始还不是很违和，但在1分09秒开始的管乐协奏就充斥着那种结婚的场景感，反正至少我在听这一段的时候就会有这种感觉。而且这段旋律还重复了一次，相当违和。直到2分50秒之后才又重新回到了开篇气势磅礴的史诗质感，这时候才又重新抓住了一统天下舍我其谁的霸气。
但毕竟作品就是这样，而且每个人听过之后我相信也都会有自己的感悟，大家也不必都按我的说法去理解这首作品。我的节目只有两个目的，介绍好作品的同时抛砖引玉，引导大家去思考。
好了，这张《三国》就大致介绍到这儿，我们下期见！

独立、不随大流，每一个作品都保持着极强的个性。锲而不舍地在音乐上求精求纯，无悔投入，以表现和传承中国音乐文化精髓为己任，这就是我们要讲的大型史诗《三国》的制作公司——瑞鸣音乐。
瑞鸣音乐，与其说是一个音乐公司，不如说是一个专业的制作团队。他们自2003年成立至今，马上就20个年头了，但我想问问各位，有几个人听过这个公司？不妨在评论区告诉我答案。
正是这个专业的团队，扎根于国风音乐的创作之中，一发而不可收拾。他们不计成本地制作了一大批优秀的国风音乐，甚至还为各个省推出了属于他们的专辑——中国音乐地图系列。但可惜的是，我没有看到有一个省将这些作品当作自己的宣传音乐，甚至可能这些官老爷自己都不知道还有那么多名家为自己的辖区写过音乐呢。于是，热脸贴上了冷屁股，瑞鸣音乐此举真不知道是图个啥，纯粹也就是为了那份心中的理想，以及对音乐的热爱了吧！
为此我甚至还专门到瑞鸣的官网去看了一下，果然，在获奖记录里面，找不到这些音乐地图专辑里的任何一张。
因此，国人对于音乐的理解再次让我百思不得其解。一提那些明星，所有人都如数家珍一般，但一提到这些好的专辑，你就会看到各种呆滞的眼神，向你投来各种没听过、听不懂的表情。
这到底是瑞鸣的悲哀，还是国人的悲哀呢？
扯远了，我们回到《三国》这张专辑。瑞鸣音乐诞生于2003年，一出手就注定不凡，从国手名家完全原创的《短歌行》，到群鼓齐发震撼古今的《鼓舞心弦》，再到2007年气势磅礴荡气回肠的《三国》，经历4年的艰辛历程，终于在国风管弦乐这个市场之中站稳了脚跟。但讽刺的是，真正让瑞鸣在经济上能够站稳的，却是海外音乐发烧友的认可。可以这么说，早期瑞鸣在国外的知名度，远高于国内，在国外获奖的次数也远高于国内。
在其官网我还找到了这样一段话「多年来，瑞鸣音乐创作制作的音乐作品曾多次荣获“美国独立音乐大奖”、“华语音乐传媒大奖”等百余个奖项。」更是对我上述描述的真实写照。
《三国》这张专辑的诞生很有意思。瑞鸣从成立之初就想打破传统制作的界限，想制作一张中西合璧的大型史诗，经过慎重考虑之后，谱写了三国时期的十多个故事演变而来的音乐，凑在一起就形成了这张专辑。而最有意思的是，在演奏的时候，还邀请了中日美三个国家的近百位演奏家共同演绎。所以，一方面是故事里的三国，一方面也是真实的三国。
当时这张专辑的录制轰动了全世界，人数多自然是其中一个因素，但更主要是还得到了当时日本JVC首席母带工程师以及美国著名音乐评论家的的大力支持，才有了这张尽善尽美的作品。
专辑中的作品从“乱”开始，预示着天下三分，群雄并起。对峙征战了数十年，最终在司马氏手下一统江山，于是，专辑终曲被命名为“三分归一统”。正所谓合久必分，分久必合，世事难料，自有天机。
下面，我们就选其中几首作品为大家说道说道。
第一首，“乱”。此曲为整张专辑的序曲，用宏大气势来表现穿越时空的历史感和哀鸿遍野的乱世图景。
曲子开篇采用大编制的管乐加定音鼓描绘了恢弘的气势感。在1分29秒处才加入了唢呐，一下子就将这种气势感融入了强烈的中国风。
因为是一首序曲，所以曲子不长，2分钟左右，旋律也较为简单。但毕竟是组曲的开篇之作，目的很单纯，就是为了引出后面的作品，所以也没更多可讲的，我们就直接进入第二首吧！

第二首，长坂坡。《长坂坡》讲述的是赵子龙单骑救主奋力苦战的故事。故事大家很熟悉了，赵云七进七出长坂坡，孤身救出少主，成就了一番君臣佳话。此曲节奏明快，刻意描绘了一人一马面对千军万马时的那种危机场面。
主要乐器是琵琶，辅以大编制，有一些协奏曲的味道，但不纯粹，整体听感给人一种完美的中西合璧之感。琵琶本身在乐曲之中不仅承担着赵云形象的塑造，有时候还要模拟战马的嘶鸣，体现战争的残酷，是一首非常有意思的作品，值得大家反复聆听。

第三首，三顾茅庐。这次的主角是诸葛亮。周有姜子牙，三国有诸葛亮，都是大器晚成的典范，在成就人生巅峰之前，似乎与普通人并无二致。我们不妨一下诸葛亮在《出师表》之中自述的片段：臣本布衣，躬耕于南阳，苟全性命于乱世，不求闻达于诸侯。先帝不以臣卑鄙，猥自枉屈，三顾臣于草庐之中，咨臣以当世之事，由是感激，遂许先帝以驱驰。
该曲目也正是如此，用清新明亮的音符讲述了刘备三顾茅庐请诸葛亮出山的故事。开篇就是笛子营造出来的小清新质感，描述了一幅农家田园之美。
随后画风一转，古琴代表着身份崇高的帝王刘备，而箫则代表着躬耕南阳的诸葛亮。二者相互唱和，形成对谈之势。
经过一番交谈之后，终于，随着一阵悦耳的箫声，诸葛亮终于同意出山，成为辅佐刘备最得力的干将。
最有意思的是最后一小段的首尾呼应，似乎也和《出师表》最后的几个字完美结合在了一起，正所谓：今当远离，临表涕零，不知所言。
好了，因为篇幅的原因，我们今天先介绍到这儿，下周我们接着来聊这张百听不厌的大型史诗音乐专辑《三国》，喜欢的朋友还请记得订阅我的专辑，下周见！

今天我想借助最近这段时间比较火热的电视剧《风起陇西》来开篇，谈一谈国产电视剧的现状，然后也讲一讲片尾那首不搭调的主题曲。最后再延伸一下，谈一谈2007年那张轰动全国的纯音乐专辑《三国》。因为在我看来，如果这部电视剧能够用上《三国》这张专辑哪怕其中的一首曲子，都将会成为可以载入电视剧教科书的作品，但很遗憾，《风起陇西》再次成为了不太注重原声配乐的电视剧作品，走回到了以前的老路上。
好，言归正传，我们先从电视剧《风起陇西》说起。
4月底，正是上海疫情闹得最是人心惶惶的时候，《风起陇西》的开播总算是或多或少转移了一点点人们的注意力，也将那股子肃杀的味道稍微扭转过来一些，让人们茶余饭后终于有了别的谈资。
其实早在该片的宣传阶段我就看过预告片，精致的服化道，演员也不错，类似电影的色调，一下子就进入了我的必看片单。记得上一次看到类似的片子，那还得是《长安十二时辰》的时候，但那已经是三年前的事情了。三年啊，期间充斥了多少拿不上台面的电视剧和电影。
早些年的国产剧可真不是现在这个局面。从我有印象的国产电视剧那时起，似乎每年都会有好的作品诞生。历史的有《老三国》《老水浒》以及三部清宫帝王剧。现代的有《黑冰》《黑洞》等等。再后来的很长一段时间我打开了美剧的潘多拉盒子，一发而不可收拾。似乎就没再关注过国产剧集，但偶尔通过各大网络平台也还是关注着国产剧的发展动态。确实在那段时日里，更多的国产剧走的都是流量密码这条路。什么意思呢？就是请来的主角，清一色都是当红炸子鸡，无论会不会演戏，编剧有没有逻辑硬伤，服化道到底符不符合历史。这些问题似乎在明星闪耀的星光面前一切都不是问题。所以，大多数作品也都是些毫无逻辑可言，纯粹博年轻人眼球的东西。当然，除此之外，剩下的还有一个永不衰败的大热门，那就是抗日神剧，但此类作品我提都不想提，纯粹侮辱智商。
直到2019年的《长安十二时辰》让我刮目相看，我才想起，一晃眼竟已经快10多年没看过国产剧了。而这样一部好的作品给了我足够的震撼之外，也促使我努力去翻找是否还有类似的佳作，但很遗憾，除了那些我实在不爱看的讲述家长里短，婆媳恩怨的作品，我真没找到几部看得下去的作品。掰着手指头也就数出了《大明1566》《鹤唳华亭》这两部。
于是我发现，整个国产剧呈现出了一个完美的金字塔形状。最庞大的底部是大投资但粗制滥造的偶像剧；金字塔的中间是占据着各大卫视黄金时段的无脑神剧；只有金字塔顶端的一小部分才是这些无论演技和投资双在线的好作品。但奈何现实就是这么残酷，有什么样的观众就注定会有什么样的作品。你以为那些拍无脑神剧的导演和编剧真的很傻么？其实完全不是，而是他们明白只有这么拍才有最佳的票房或者收视率，也才能给他们带来利益的最大化。不是么？

说回到《风起陇西》，从目前的评分来看，确实算得上三年以来的最佳。豆瓣仅差0.1分就可以上到8分这个档次。我粗看了一下评价，依然是两个极端都很多。这其中排除掉那些非常刻意的低分和高分，我认为至少7.5分是可以得到的。其中很多给了三星的朋友主要是有些受不了古装剧之中的现代口语成分。剧中经常会存在诸如：开晨会、出外勤、抓活的这类型的现代口语，甚至连“干货”这个网络词汇都出现过，确实让观众觉得挺意外，有出戏感。一时间会闹不清楚到底是古装剧还是一帮现代人在玩Cosplay。
但其实从我的角度出发， 我倒觉得无伤大雅。毕竟全片都是文绉绉的古文就真的好么？遥想一下当年看《老三国》的情形吧！那时候我大约上初中，喜欢三国是从街上的电子游戏开始的。但看着三国演义里边儿那些大篇幅的文言文，实在很劝退。甚至一度造成了我对古文的恐慌。高中时候面对着诸葛亮的《出师表》可谓是心情极其复杂。当老师要求我们要对《出师表》全文背诵的时候，你更加可以想象我当时波澜壮阔的内心世界，瞬间奔过了一万匹那什么马。
所以，我其实并不排斥古装剧可以将语言尽量地口语化，而且，说实话，真正的古代，也大多都是讲白话，只有当需要写成书面文字的时候，才会用官话，也就是文言文记载下来。而且其根本目的并不是为了格调高，而是为了节约宝贵的竹简或者绢帛。
直到明清时期纸张大量普及之后，白话本小说自然也就成为了民间的主流。能用白话写，干嘛还非得写成大家看不懂的文言文呢？您说是吧！
那么，《风起陇西》这部还算不错的剧集，原声音乐又如何呢？说实话，很一般，氛围音乐居多，没什么能让我有深刻印象的作品。倒是片尾那首毫不搭调的主题曲让我印象颇深。那么，我们就来聊聊这首作品吧！

歌曲名字叫做《我不要熄灭在风中》，由新裤子乐队演绎。曲调和歌词都是励志类型，旋律简单，节奏非常动感，朗朗上口，随便听上一两遍就可以跟着哼唱。单独听确实还不错，但我真的不知道为什么一部制作那么精良的古装剧为何要选用这样一首摇滚歌曲来当主题曲？二者在风格上实在是半毛钱关系都没有。也许这就是导演的反叛精神的另一个体现吧，就和那些出戏的现代口语一样。
曲子一开始用吉他做不插电弹奏，配合着一个忧郁的男声完成了第一段的演唱。听感尚可，没有激情，显得比较慵懒。但随之而来就是插电摇滚的节奏，加上激情澎湃的演唱。有些声嘶力竭，但也充满着力量感，将歌词之中的励志精神体现得淋漓尽致。
而全曲我觉得最舒服的地方是在2分06秒开始的间奏部分。一种有着遥远距离感的哼唱混杂着稳定而有力的节奏。让曲子的高潮逐渐回落，回归到了不插电的吉他部分，首尾呼应做得很好。
但本期节目除了这首歌曲，我还用了一些很有意思的音乐，想必大家都已经听出来了。这些音乐并非来自《风起陇西》，而是2007年由瑞鸣音乐出品的大型史诗《三国》，但碍于篇幅，这部分引申的内容请允许我单开一期来讲述，那么我们就下周再见吧！

今天我们继续来聊法国反差乐队的探戈专辑。上一期我们欣赏了专辑中的两首曲子，都是阿斯特·皮阿佐拉的杰作。
而且，越当我开始详细了解这张专辑的曲目之时，我就越加发现这个名字似乎和专辑有着相当强烈的关系。但就是这样一位探戈天才在他某一段时期差点就抛弃了探戈，甚至还一度以写作探戈音乐为耻。那时候到底发生了什么，又是什么最终改变了他的想法，让他最终成为了最著名的探戈大师？下面，我们就走进皮阿佐拉传奇的一生。

阿斯特·皮阿佐拉1921年诞生于探戈之乡阿根廷。幼年的时候跟随父母举家搬迁到了纽约，纽约在他的人生中是一个重要的地方，上一期我们也有提到过那首“再见诺尼诺”就是在纽约写作的，为了纪念他的父亲，这一写就写成了一首闻名世界的佳作。
皮阿佐拉在纽约的时候，接触到了大量的音乐风格，几岁就学会了演奏班多钮手风琴，13岁时获得了一个和探戈有关的电影配角的演出机会，从此，皮阿佐拉就与探戈结下了不解之缘。
1937年，皮阿佐拉家族迁回阿根廷，已经有了相当音乐基础的皮阿佐拉和专业音乐人士有了更多的机会，并展露了作为手风琴演奏家的惊人才能。不过这时候皮阿佐拉对古典音乐，特别是古典钢琴表现出了极大的热情。刚好那时候世界级钢琴演奏家阿图尔·鲁宾斯坦也旅居阿根廷了一段时间，皮阿佐拉更加地表现出了对鲁宾斯坦的崇拜，甚至专门为其写作了一首钢琴曲，并当面求教。鲁宾斯坦虽然不认为那是一首成功的作品，但还是看到了年轻人的潜质，推荐皮阿佐拉到正规的音乐学院去学习。
经过一段时间的正统古典音乐学习之后，皮阿佐拉也确实展现出了他过人的才华，赢得了前往法国巴黎深造的机会。到了欧洲，皮阿佐拉打算隐瞒自己曾作为探戈音乐家活动的经历，认为当一名探戈音乐家是一种耻辱，而想一心投入纯正的古典音乐世界，但这个想法遭到其老师娜迪亚·布朗热(Nadie Boulanger)言辞激越的反对。因为布朗热早就从鲁宾斯坦等人口中得知皮阿佐拉对于探戈音乐有着那种写在基因里的天分，于是打消了皮阿佐拉放弃探戈的想法，热忱地鼓励皮阿佐拉大胆地在探戈的世界中耕耘出一块新的土地。无论对于皮阿佐拉，还是对于探戈音乐艺术，甚至世界音乐史而言，这个后来被证明为富有远见的建议是具有历史意义的，因为正是布朗热向皮阿佐拉证明了音乐是没有高低贵贱之分的。虽然探戈一开始确实诞生于所谓的“社会底层”，但随着时代的进步，其动感的节奏和优美的旋律早已打破了传统的界限，被越来越多的人所认可。
想通了此关节的皮阿佐拉，开始大胆创作，将现代化的古典、爵士等先进音乐技法融入探戈中，用他自己的话来说就是：“用探戈的激情来构架严肃音乐。”
确实，多种技法共同构建出来的探戈音乐，就如同这两期节目里选用的音乐一样，他们不完全是探戈，也不完全是古典音乐，而是二者相结合出来的美妙混血。这种音乐最大的魅力就在于，它不需要正襟危坐面无表情地来听，可以是一种完全放松的姿态，甚至可以随着节奏翩翩起舞。而同时，它又运用了传统古典音乐所独有的小型室内乐队的构成来演奏，让传统的古典爱好者也能产生出足够的兴趣。
所以，我个人认为这也是反差乐队想要表达的方式。同时也是对皮阿佐拉最好的致敬吧！
皮阿佐拉一生创作了300多部探戈作品，创作高峰期长达30年的时间，从上世纪60年代一直延续到1990年中风之后在宣告结束，并在两年后病逝于故乡阿根廷。
可以说，没有了皮阿佐拉，我们很难想象探戈将会成为一种世界级的音乐，至少也不可能成为一种被社会所有阶层都认可的音乐。这就是他最大的贡献。
好，下面我们接着来说反差乐队的作品。
第一首，contraste，反差。这首作品也是皮阿佐拉的作品，且作品名刚好和反差乐队的名字相同，虽然反差乐队早在2000年就成立，而这张专辑是2009年才录制的，但我绝不认为二者之间没有关联，甚至我直接认为正是这首曲子促成了一帮热爱探戈的古典音乐家凑在一起成了反差乐队。所以，在我看来，这无疑是一首重要的作品。
曲子开篇用掌声混杂着弦乐似乎毫无章法的节奏，紧接着便是小提琴和钢琴的配合，用极具动感的演绎拉开了序章。等序章结束之后，小提琴和钢琴之间交替用协奏曲的思路展开了主旋律。主旋律带有较为浓烈的悲伤氛围，就像是一个失恋的人在回味自己恋爱的整个过程。时而美妙，时而激烈，时而悲伤。整体曲风甚至还带着一些诙谐幽默。让听者无不陶醉其中，跟着高兴，跟着失落。这就是皮阿佐拉的厉害之处。
第二首，La Cumparsita，化装舞会。这首曲子是乌拉圭探戈大师赫拉多·马托斯·罗德里格创作的经典探戈舞曲，相信主旋律一起来大家就都会表示耳熟能详的。该曲目写作于1916年，是马托斯为一个假面狂欢节创作的歌曲，原本是有歌词的，但音符本身就是一门全球通行的语言。所以，纯音乐的版本比演唱的版本更加收到全世界音乐爱好者的喜爱。
这首曲子的演绎也很有意思，全部采用弦乐来完成。各种和弦和节奏的掌控可以说做到了极致，将一个四人室内小乐队的特点充分表现了出来。这张专辑的录制本身也相当出彩，如果我们仔细听的话，能够很明确地感受到不同乐器之间的配合，两把小提琴、一把中提琴、一把大提琴就是全部的乐器，但营造出来的复杂程度，丝毫不会输给一个大编制乐团。这首曲子节奏的变化非常丰富，时快时慢的速率就很考验乐手之间的默契程度。
而反差乐队最厉害的就是节奏有着极大默契的同时，还能保证优异的音准，再加上极致的录音和乐器定位，让我们通过立体声的播放设备就能够明确感知到不同的乐器所处的位置，不信的话，大家可以带好耳机闭上眼睛感受一下这一段旋律。然后您就会惊讶的发现，整个乐队就位于您的正前方，以一个扇形展开， 小提琴在左前方，中提琴在中间，大提琴在右前方。
怎样，是不是觉得很神奇。这就是一张好的专辑带给我们的震撼感受，我们可以从其中获得极佳的旋律，也可以获得身临其境的听觉感受，让耳朵享受一场饕餮盛宴。
好了， 专辑和作者以及乐队的简介通过两期节目也介绍得差不多了，剩下的就靠大家自己去感受和了解吧！本期节目就是这样，我们下周再见！

#法国“反差”乐团和探戈的激情碰撞「Cafe 1930 Tangos」（2009）
很早的时候就一直想给大家推荐今天要讲的这张专辑，但一直怕和电影没太大的关系而被听众说我不务正业。不过仔细一想，其实我主要讲的本身就是音乐，而电影或者电视剧只是我讲述音乐的一个载体，所以，今天我还是决定隆重地向大家介绍这张我反复聆听过的专辑。
这张专辑的演绎和制作被我一直当作发烧天碟一般的存在，因为乐器的层次表现实在是做到了分毫毕现，这种级别的专辑在我看来，好听的同时，也完全可以作为检验播放设备最好的音源。当然，前提条件是大家都能够收入一张正版的专辑，最不济也得是在正规的音乐平台上用最高音质来播放。当大家用好的器材来播放之时，大小提琴的相互交织的层次感和传说中的那种松香味就会呈现在您的面前。所以，大家可以想象当初我发现这张专辑的时候，简直是如获至宝！

好，说了这么多，一直都没说到底是哪张专辑。专辑的名字叫做《Cafe 1930 Tangos》，翻译过来就是《1930年代咖啡馆里的探戈》。诚然，这张专辑就是刻意去营造了一种以前老式咖啡馆里的音乐调子。所以，这注定是一个小型乐队，整体的构成就是一把小提琴，一把大提琴，一架钢琴，一把吉他。偶尔情况下会加入一点管乐和人声的哼唱，所以最多也不过就是6个人的一个小型室内乐队。如今，这个乐队在欧洲，特别是在法国，可以说已经是家喻户晓的存在，他们在2000年前后建立，为自己的乐队起了个有意思的名字，叫做“Ensemble Contraste”，也就是“反差乐队”的意思，目前乐队的大本营在法国西北部加莱地区的哈德洛城堡。他们的宗旨就是将古典音乐和现代音乐相互融合，让严肃的古典音乐能够多结合一些现代音乐的活泼氛围。于是，在2009年的时候，这张咖啡探戈的专辑应运而生，成为了跨越时代的经典。

很多朋友可能会担心听不懂这类型古典味道较为浓重的音乐。但其实大可放心，反差乐队早已考虑到了各种听众的感受。所以，这张专辑故意选用了节奏感特别有特点的探戈舞曲。而刚好，探戈这种舞曲的表现形式是在上世纪七八十年代就已经在全世界都做过了程度很深的普及的。至少在目前的中国，很多城市都有拉丁舞的培训学校，甚至很多小孩在在小学阶段就已经接触到了拉丁舞。所以，从音乐的风格接受度上来说的话，我丝毫不会担心。
下面，我就尝试用专辑中的几首曲子来让大家感受一下整张专辑的制作水准和音乐氛围，相信大家听过之后，也会深深喜欢上这张专辑的。
第一首，Adios Nonino，再见，诺尼诺。1959年由阿根廷探戈大师阿斯特·皮阿佐拉创作于纽约，目的是纪念他的父亲诺尼诺·皮阿佐拉。其实这周曲子早在1954年的时候，阿斯特就已经开始写作，但因为种种原因只写出了其中几段比较诙谐的和弦，但缺乏基础旋律将其串起来。一直到1959年父亲去世之后，悲伤的氛围和父亲在一起的种种浮上心头，才让阿斯特有了灵感。所以，我们在这首曲子之中，能够听到激情澎湃的开篇引子，也能听到温柔至极的基础旋律，当然，曲子中还存在着一些诙谐幽默以及悲伤的氛围，让听者能够很明确感受到来自作者当时面对父亲死亡的那种深切缅怀，但又回想起往日种种的复杂情绪。这就是父亲对孩子的爱，也是孩子对父亲的思念。
而且，在反差乐队的演绎之中，我们通过小提琴、大提琴和钢琴共同的配合，相互交织的音符更能让我们体会到父亲和儿子之间的深情对话以及那些谆谆教诲和殷切的期盼。
所以，当我们在聆听这首曲子的时候，如果没有了解到这些背景知识的话，可能只会单纯地觉得很好玩，一会儿诙谐幽默，一会儿铿锵有力。但如果了解了之后再来听，就会感受到作者对父亲浓烈的思念和对父亲崇高的敬意。
第二首，cafe 1930。这首曲子也是整张专辑名字的由来。曲子本身也是阿斯特·皮阿佐拉的作品。这首作品原本是一个组曲中的一首，组曲的名字叫做《探戈的历史》，由四首曲子 组成。四首曲子将探戈划定了四个年代，第一个年代叫做世俗的1900年代，第二个叫做咖啡的1930年代，第三个叫做俱乐部的1960年代，第四个叫做探戈的现代，当然，现代特指的是1980年代，也就是这些组曲创作的年代。
我们现在听到的就是组曲的中的第二首，咖啡的1930年代。曲子讲述的是探戈经历了世俗年代之后，开始向小型化乐队发展，也就是我们一开始提到的4-6人乐队的基本构成。而那时候的咖啡馆也好、剧院也罢，探戈出现的频次是相当的高，人们也更热衷于跟随者音乐的节奏翩翩起舞，而且这个时期的探戈也不再是一成不变的欢快旋律，正如这首曲子一样，有时候会充斥着大量的悲伤氛围和浪漫氛围，为舞者刻意在一首曲子里营造出时快时慢的舞蹈节奏，就能够像讲述一个跌宕起伏的故事一般，让无论舞者还是听者都能够融入到音乐之中，体会到探戈音乐的魅力。
曲子整体比较长，有7分46秒。所以，这首曲子就不能用我们平时说的几段式来做简单的分析。因为，在实际的聆听感受中，我们完全能够找出2-3首曲子的感觉，但作者将这些旋律用优美的过渡将其连接了起来。就让我们有时候徜徉在欢快的节奏之中，有时候又在极其安静的氛围之中寻找爱意的表现。
总之，这就是一首真正可以做到百听不厌的神奇探戈，无论您想要什么样的情绪，都可以在这首曲子之中去尝试寻找，我相信一定不会让您失望的。
限于篇幅，对这个极其优异的专辑，今天的介绍只能到这里。下一期，我还会接着来聊这张Cafe 1930。那么，我们就下周再见吧！

有一种细致叫「清明上河图」，还有一种美叫「千里江山图」。他们都有一个共同的特点，那就是都来自于北宋时期，而且也都是绘制在丝绢之上的绘画作品。
而我们今天要给大家重点介绍的就是千里江山图，这是画家王希孟的作品，王希孟是北宋晚期著名画家，也是中国绘画史上仅有的以一张画而名垂千古的天才画家，然而史书中没有他的详细记载。后世关于他的记载主要是根据画作上蔡京的题跋而得知。
当然，作为一个画家，其一生不可能只画过一张作品，但仅凭这一张画作就足以傲视群雄，让其成为北宋时期绘画的代表人物，艺术成就与张择端和宋徽宗赵佶本人齐名而享誉天下。
通过画卷上蔡京的题跋我们可以得知，王希孟大约18岁的时候就成为了宋徽宗的画院生徒，山水画创作曾得徽宗亲自指导，大约是在其23岁去世前两年完成了这幅旷世奇作。所以，这也成为了他唯一传世的作品。
「千里江山图」画用整绢一匹，画山峰起伏、江河浩淼之景，渔村野市间于其中，并描绘了众多的人物活动。用传统青绿法，用笔极为精细，在兰绿色调中寻求变化，为千古青绿之杰作。现在收藏于北京故宫博物院。
我之所以花了点篇幅来介绍这幅千古佳作，正是因为我前段时间玩到了一个相当不错的游戏，名字叫做《绘真·妙笔千山》，由故宫博物院授权，国内游戏巨头网易制作。游戏开篇就让我感受到了一幅动态的千里江山图，辅以绝美轻盈的古典音乐，一下子就让我犹如身临其境一般。
游戏其实非常简单，就是通过手指在手机上滑动或着点击即可，主要是解决一些小小的谜题。流程也不长，一口气玩下来也就两个来小时。但关键是我觉得制作团队非常用心，将千里江山图的很多细节和他们想要讲述的故事做到了很精彩地融会贯通，就可以让我们在极其细腻的笔触下，感受来自1000年前的丝绢画之美。也让我们可以通过游戏来领略中华文化的博大精深和传统绘画的精髓。
这样的创意我真的愿意给满分，无论是画面还是音乐，极致的融合可以让我们的思绪可以跑到1000年前的宋代自由飞翔，借助精美的画面感受北宋时期最开放、艺术成就最高的中华大地。
言归正传，我们来谈谈游戏的原声配乐。记得我之前聊过，游戏的配乐和电影电视剧不一样。电影配乐因为画面长度是固定的，所以音乐长度可以根据画面所需精确到毫秒级。但游戏则不一样，每个玩家在游戏里停留的时间是完全不一致的，那在游戏里展示的音乐就需要表达意境和情绪的同时，也要照顾到旋律本身的衔接。所以，除去头尾的音乐，剩下的大多也肯定都是一些氛围烘托的音符，所以并不具备之前给大家讲的什么三段式四段式的格局，有时候甚至是一小段音符不断的循环播放，直至玩家进入到下一个场景，音乐也才会随之改变。

不过，这样的作品就没啥好听的么？还真未必。今天我们要讲的这部《妙笔千山》就是真正的用心之作。他的音符在古典气息很浓的同时，又通过和现代乐器配合的表现形式，让我们很容易去欣赏这种古典气质。
现在大家听到的就是游戏开篇的音乐，叫做居所·碧浔芙蓉调。首先得原谅我不懂中国古典音乐，不知道此段旋律是否有出处，亦或者是游戏的原创音乐。因为遍寻作者，发现该专辑由好几位作者共同创作，难得的是几人的通力合作竟能够让作品整体风格保持一致。这一点可以说作品的前期策划肯定是非常好的，所以才能有着一致的目标和理念。
曲子开篇用琵琶弹奏出一段非常写意的音符，旋律本身很欢快，让我们能够感受到一种春天里踏青的惬意之感。背景中辅以淡淡的空灵氛围作为衬托，让我们在听此曲时有一种春风得意马蹄疾，一日看尽长安花的潇洒感受。
第二首，舞乐·难觅知音。曲子不长，1分40秒，但将传统乐器琵琶、扬琴和电子音乐结合地非常完美，四三拍的旋律让主题中“舞乐”的概念迅速流转起来，听者无不想跟随节奏翩翩起舞。
特别是在曲子中间部分加入的一小段打击乐更是让整首曲子充满着动感和节奏，而且在那么短的时长里愣是形成了一个完整的三段式，实属不易。
当然，专辑中更多的音符就是我之前提到的氛围音乐，适合在玩过游戏之后再来单独聆听，回想着游戏中绝美的画面，动人的故事，脑海中就可以瞬间放飞自我，成就一段和古人思想上产生交集的佳话。
最后，借用一段游戏本身的宣传语来结束今天的节目：舟行碧波上，人在画中游，聆听古典雅韵的背景音乐，徜徉一卷卷绘真之中，看风烟俱净，天山共色；品奇峰异水，世间独绝；享古人志趣，悟画道真谛。 

很久都没有聊国产电影电视剧了。今天我们来聊一部2018年上映的国产电视剧《将夜》。
《将夜>是一部改编自同名网络长篇小说的电视剧，最初是在起点文学网上一炮而红的作品，作者叫做猫腻，至今已经有很多作品被搬上了荧幕，包括大家很喜欢的《庆余年》。
但相比之下，其实我更喜欢他的穿越类型，而不是玄幻类型。《将夜》刚好属于后者，所以无论是书抑或电视剧我都是没有看过的。那么问题来了，我为何要来给大家讲述关于它的节目呢？原因其实很简单，因为音乐本身。
《将夜》在2018年算得上是一部制作比较精良的电视剧，制作团队和演员阵容都还算不错，甚至有胡军和郑少秋这样的老牌演员加盟，我曾一度动了念头要去观看一番，但一看到奶油般的男主就还是瞬间劝退了。我其实并不是很反感帅气的年轻男演员，因为易烊千玺在《长安十二时辰》之中的表现就给我留下了很深刻的印象。无论造型还是气质都令人难忘。反观将夜的男主剧照，又回到了那种很装的范畴里，头发非得有点故作飘逸的刘海，而且皮肤太过白净，和周围的其他演员站一块儿总有种出戏感，始终缺乏真实性。

当然，以上感觉也仅只是我自己的感受，不具备任何代表性，从沉淀至今的豆瓣评分来看，其实还是强过了大多数同类型作品的。毕竟按照目前国内电视剧的水平，能及格就算谢天谢地了，能上7分已然属于优秀级别。所以，对将夜感兴趣的朋友大可不必因为我的这点私人感受而放弃了一部还不错的作品。而那些《将夜》的粉丝也大可不必因此来攻击我，因为接下来我就要开始努力夸他了，当然，我说的是音乐。

负责《将夜》电视剧音乐制作的是国内著名音乐人阿鲲。听过我之前节目的朋友应该对这个名字不会陌生，因为今天这期节目已经是我们第三次介绍他的作品了，前两次分别是《舌尖上的中国》和《鹤唳华亭》。《鹤唳华亭》也许有人没看过，但舌尖系列我觉得没人没看过了吧？我觉得舌尖系列恐怕是中国本土最出名且重播次数最高的纪录片了吧！
好，言归正传，阿鲲老师的详情在此就不赘述了，之前的两期都有过介绍，大家可以稍后去翻看之前的节目。我们在这里就着重来讲述他为将夜所创作的原声音乐。
因为《将夜》是一部长达43集的电视剧，而且从原著的篇幅来看，2018年的43集顶多算是第一季，后面按照同样的容量至少还有两到三季，但这就得看制作方的意愿了。
所以如此长度的篇幅，场景又变幻莫测还带有较为浓重的玄幻色彩和民族特点，音乐上的容量自然也得比较丰富。于是，我们看到了阿鲲为《将夜》制作了一张收录了60首曲目的原声专辑。目前这个专辑在各大音乐平台都有，大家可以自行搜索来聆听。
当然，从我的角度我也不可能将所有曲目全部讲解一遍，特别是其中那些纯粹的氛围音乐。我依然是挑选出了其中的三首最精华的作品来为大家讲解。
第一首，将夜主题曲。这首曲子主要作为电视剧的片头曲来使用。通常来说，片头片尾曲对一部国产电视剧来说是至关重要的。这也是和我们国家观众几十年建立起来的独特审美有关系。从上世纪80年代开始，电视剧这种表现形式就让大家有了一个不需要走进电影院就能观看到好故事的渠道，而且电视剧对剧情的容量还是往往是电影的几倍到几十倍。常规来说，大家最喜闻乐道的美剧很少会制作时间很长的片头，甚至大多数美剧的片头都是隐藏在片子前四分之一的位置，先靠剧情将人留住，再用片头来强调一次品牌效应。
而我们的国产电视剧，则通过一个篇幅较长的片头来彰显用了什么样的演员，服化道细不细致、导演给不给力，歌曲好不好听的方式来综合引导观众留下观看。
好，回到音乐上来，曲子开篇非常壮阔，这样的音符就是典型的通过气势来拉观众注意力的方式。当然，从旋律本身来看的话，整首曲子是一首三段式的处理方式，先气势磅礴，继而用大提琴和洞箫来交替演绎一段柔情的旋律，体现着男性的力量感和女性柔美的质感。第三段再次恢复到气势上来，营造出来的感觉就如同太极八卦一般，阳中有阴，阴中带阳。
第二首，将夜主题萧变奏。这是一首非常柔美的曲子，整体风格和我们以前给大家讲过的《鹤唳华亭》主题曲“萧”如出一辙，但在旋律的变化上更加优美和地道，更显阿鲲老师的功力。旋律本身很简单，小调为主，356为基础音，但几处高低转折所形成的变奏给整首曲子带来了脱俗的质变，让一首哀伤的小调转变成为了一种飘逸且有仙境氛围的存在。这首曲子被我发现的当时，可谓是如获至宝一般，反复聆听过数万次，这一点是丝毫不夸张的事实。如今，终有想起好东西不能够私藏，于是在这里郑重和大家一起分享。希望大家能够静下心来，仔细聆听曲子中的几处高低转折，实乃天籁之作。
第三首，将夜主题之渭城。这是主题曲的另一首变奏曲，玩的也是气势磅礴的路子，曲子不长，两分钟都不到，但直抒胸臆，再也没有委婉的余地，将气势从头到尾贯穿到底，而且开头的大提琴刻意营造出了一种带有一丝丝悲壮的氛围。等到曲子中部的时候，节奏不紧不慢，将气势拿捏得死死的，将整个渭城的繁华与富庶通过音乐表现得淋漓尽致。
这样的音乐我觉得只要大场面都可以借鉴使用，特别是在国风的曲子中，难得碰上阿鲲这样优秀的作者，我们终于不用再在日本写的大唐盛世中来感受音乐的魅力，这一点尤为重要！好了，本期就是这样，感谢大家的支持，我们下期见！

上一期我们讲了关于电影之中凡人英雄的落寞，但这一期我想讲讲那些被搬上大荧幕的真正的凡人英雄。
今天的主角来自1970年4月的三位英雄。他们的名字分别是指令长吉姆·洛威尔、指令舱驾驶员杰克·斯威格特以及登月舱驾驶员弗莱德·海斯。他们的英雄故事在1995年被拍成了电影，我们先记住这几个名字，然后我们再来详细给大家介绍他们的英雄事迹。

1960年代，美国在美苏太空竞赛之中逐渐取得了优势，特别是1969年7月20日，当尼尔·阿姆斯特朗首次代表全人类站在了月球表面之后，美国可以说完胜了与苏联的这场竞赛。而且在之后的10年之中，阿波罗系列任务更是本着科学务实的态度，持续进行了若干次登月任务，使得我们真正开始了解我们的这颗卫星，对月球的科研考察还能给我们研究整个太阳系到底是如何形成的，提供了巨大的帮助。
而我们今天的三位主角就是这一系列任务中第三次登月的主要人物。在他们之前，阿波罗11和12号已经圆满完成了两次登月任务。
有朋友可能会好奇，为何第一次登月的任务编号会是11号。那是因为1-10号任务都是为登月做了充足的准备，从近地轨道出仓，一直到绕月飞行，1-10号任务的充分准备为后续任务的成功着陆奠定了良好的基础，于是才有了我们开头提到的1969年7月20日震动全球的壮举。
而阿波罗12号在第一次登月的基础上，可以说是做到了轻车熟路，完美完成了任务。但到了13号的时候，各种小意外却接连不断地困扰着任务本身。而西方通常也认为13是个不祥的数字，在民间还有着黑色星期五的传言，也就是当一个月的13号与周五重合之时，就会被认定为黑色星期五。关于黑色星期五的由来，还有着这么一个说法，传说耶稣正是在公元33年的4月13日被钉在了十字架上，而那天刚好是一个周五，所以整个西方社会都对这两个重合的概念极其恐惧，认为13是个不祥的数字。但其实经过现在比较科学的判断，公元33年的4月3日那个周五才是真正的耶稣受难日。但以讹传讹了2000年，黑色周五的性质在某些虔诚的信徒心中已经成为了迷信的代名词。所以当阿波罗13号任务确立的时候，NASA，也就是美国航天宇航局也曾郑重考虑过是否要跳过这个数字，特别是任务前的各种小麻烦不断，更是让当时的人们觉得要避开这个不祥的数字。
但最终NASA还是坚持使用了13的代号，毕竟作为当时全球科学界的翘楚，如果在一个数字上都有着迷信的色彩，还怎么给全人类灌输科学思想呢？于是，最终阿波罗13号的任务名称还是确定了下来，大家也就依然按部就班地开展着各种工作，有麻烦不可怕，可怕的是不去解决麻烦。于是我们才看到了后续所发生的一切，虽然麻烦越来越大，甚至直接威胁到了三位宇航员的性命。
1970年4月11日，三位宇航员在万众瞩目之下乘坐着阿波罗13号发射升空，直奔月球而去。2天之后，正当飞船离开地球321,860公里时，服务舱的二号氧气罐突然发生爆炸，这次爆炸缘起于二号氧气罐的度数异常。此时休斯顿的指令中心要求他们进行“搅动氧气管”的操作，以达到三个氧气罐负载平衡的目的。但就是搅动操作之后，二号氧气罐就发生了爆炸。这次爆炸直接损坏了飞船上的服务舱。这也是不幸中的万幸。因为如果爆炸波及到了指令舱的话，三位宇航员就当场殒命了。而如果波及到了登月舱的话，他们也就没有了返航的可能。
所以，当他们发现爆炸发生的那一瞬间，就有了NASA历史上最著名的第二句话：“休斯顿，我们有麻烦了！”，第一著名的话自然是阿姆斯特朗说的那句：“我的一小步，人类的一大步。”
而当三位宇航员发现面目全非的服务舱之时，便迅速作出了返航的周密部署，此时的登月任务变成了艰巨的返航任务。他们只能抛弃指令舱和损毁的服务舱，将氧气全部集中到完好的登月舱之中，开启了3个人的4天返航之旅。
在这趟旅程中，3个人不仅遭遇了爆炸，更在接下来的返航途中遭遇了生命维持的重重考验，最终在1970年4月17日安全返回地球，降落在南太平洋的海面上。
三个人的英勇表现征服了全世界的人们，也因此获得了美国平民能获得的最高荣誉：总统自由勋章，由时任美国总统的尼克松总统亲自颁发。
至此，阿波罗13号的任务遗憾结束，但其带给后续阿波罗任务的宝贵经验可以说是挽救了无数宇航员的生命，他们的行动也被历史所铭记，成为了宇航史上的一次最伟大的自救壮举。

1995年，也就是真实阿波罗13号事件发生25周年的时候，好莱坞将这个故事搬上了大银幕，由当时美国最炽手可热的影星汤姆·汉克斯领衔主演，朗·霍华德执导。关于电影有个小细节不得不说，那就是NASA内部的设施因为属于机密，不允许摄制组进场拍摄，导演朗·霍华德就带着道具组的几个人去参观了一次，回来后凭借着超人的记忆力搭建了一个一模一样的片场来拍摄内部的戏份。等到电影上映之后，NASA当时的主管大发雷霆，质问手下的员工到底是谁放了电影剧组进场拍摄。这个疑问一直到《阿波罗13号》电影的幕后花絮放出才得到平息。原来剧组正是通过场景搭建和大量的绿幕加电脑后期技术才完美还原了电影中我们看到的NASA内部场景，此片的技术运用，也为后来的好莱坞大片指明了一条可供参考的制作道路，所以，后期的很多电影，特别是科幻片就大量运用了这种虚实结合的拍摄手法，而且随着电脑特效的日新月异，我们现在从肉眼的角度已经几乎不可能分辨出这些大制作影片的场景到底是真实的还是虚拟出来的了。

影片的原声音乐由好莱坞当红制作人詹姆斯·霍纳负责。我们在此主要讲述他的主题曲部分，选用的版本依然来自由艾瑞克·孔泽尔改编，辛辛那提通俗交响乐团演绎的版本。
之所以选择这个版本，主要是因为原版太长，整整7分钟，而改编的版本在保留最精华的部分之后，时长缩短到了4分36秒。而且配器和录音上更加豪华，整张专辑就叫做《大片》，发行于1997年。专辑中的其他曲目我也会找机会给大家讲述。
曲子开篇非常雄壮，采用打击乐和弦乐来烘托出一个惊艳的开场，随后采用管乐为主的基调打造了一个略微带有军旅色彩的引子。这其实很好理解，NASA虽然是一个科学机构，但担任宇航员的通常都是来自空军的王牌飞行员，这在任何一个具备宇航基础的国家都是一样的。
而且这种类型的旋律非常容易营造出振奋人心的感受。所以我们能够发现，在这首曲子中，这段旋律通过不同的配器方式重复了好多次，仅在2分钟到2分30秒处刻意柔和了30秒钟。此举的目的是为了后面更加雄壮的旋律来铺路。
当然，更加雄壮的旋律背后也需要一段柔情的旋律在做支撑，就像是一个人有骨血，也有肌肤一样，柔中带刚，刚中有柔，这就是一首优秀的音乐带给我们的终极体验。
好了，本周就是这样，我们下期见！

上一期我们就对本期要做的节目进行了预告，那就是1998年上映的《佐罗的面具》。上一期我们提到过1975年的版本，我在小时候通过露天电影的方式观看过，那时候太小，对电影剧情已经完全忘记，但那种英雄情结却深深植入到了我的内心。当然同时印象深刻的还有佐罗那张面具之下英俊帅气的脸庞。正因如此，也才有了我上一期节目关于人生老病死的思考。
而有意思的是，1998年的《佐罗的面具》给了我们一种关于衰老和传承的最佳诠释。电影通过老佐罗对接班人的培养和传承，让“佐罗”成为了一个代号，一种英雄主义的象征。
这一点我们在007和其他英雄类型的作品之中也有类似的感受，但没有任何一部对传承交代得如此自然和清晰。其他影片但凡有传承，似乎都给人一种要么迫不得已，要么是主角牺牲之后的作为。而《佐罗的面具》则给人一种真正的新老交替，自然过渡之感。而这种传承不仅保留了老佐罗的精神，还增加了新佐罗的率性而为。这就可以让我们感受到，不同的佐罗有着不同的魅力和相同的行侠仗义。这一点是最重要的，因为这种自然的传承能够给观众一种新鲜感，这种新鲜感不仅来自于电影全新的故事，还来自于新生代演员独特的气质。
1975年到1998年，足足跨越了23年时间。时代在变化，观众自然也不是20多年前的那一批，精神得以继承的同时，自然也要在表演艺术层面带来新鲜的感受。

于是，我们看到了1998年版的佐罗演员阵容异常强大。安东尼奥·霍普金斯和安东尼奥·班达拉斯两位巨星完成新老两代的交替，而泽塔·琼斯也作为女主角出现。当时的美国电影界，泽塔·琼斯就是女神级别的存在。再加上传奇动作片导演马丁·坎贝尔的执导，全片可谓是阵容极其豪华，也造就了当时高票房的保障。
我们就算以现在的眼光来看待这部电影，也依然觉得美不胜收，画面极其养眼，动作设计也相当到位，是一部非常成功的好莱坞动作片。2005年的时候，还是这个阵容，又拍摄了一部续集，叫做《佐罗传奇》。同样有着不错的评分和口碑，但不知道为何在那之后，佐罗系列便淡出了观众的视野。也许正是从那一年开始，漫威宇宙的英雄电影开始崭露头角，成为了好莱坞的王牌，佐罗毕竟是属于旧时代的凡人英雄，没有高科技的加持，在各种花哨技能满天飞的漫威宇宙英雄面前，终究成为了过去。
还是回到《佐罗的面具》这部电影，当时除了演员阵容豪华之外，影片的原声音乐也请了当时好莱坞的大咖詹姆斯·霍纳来操刀制作。原谅我没能找到1975年的原声版本，所以我不知道詹姆斯·霍纳在写作原声音乐的时候是完全独立创作的，还是有可供参考的主旋律。我在此只能按照詹姆斯·霍纳的风格来为大家做赏析，所以如果有知道的朋友可以告知一下这个问题的答案，在此谢过大家！

詹姆斯·霍纳为《佐罗的面具》写下了一个完整的组曲，在电影上映之后也发行了独立的原声专辑。说实话，让詹姆斯·霍纳这个特别擅长写作欧洲大陆色彩音乐的作曲家来制作这种拉丁美洲风格电影的原声音乐，真的有些难为他了。所以我们在原声音乐整张专辑之中，确实能够感受到詹姆斯·霍纳在挣扎过后，还是决定按照自己的风格来写作音乐。
当然，毕竟拉丁美洲风格场景实在太多了，所以也不能说一点特色的元素都不去运用，于是我们在影片开始的那段旋律中就能够感受到浓烈的拉丁氛围，这也是我一直都不敢确定到底《佐罗》系列有没有原声音乐主旋律的疑惑。但这段旋律仅仅维持了1分半钟，就进入了詹姆斯·霍纳自己的旋律风格。后面的很长一段都是为了迎合画面而制作的音符，并没有什么特色。所以我们在这里将音乐切换到一首由辛辛那提通俗交响乐团重新编曲的《佐罗的面具》的主题曲，这个改编将全片之中最好的旋律集合在了一起，形成了一首完整且好听的独立作品。
曲子的开头部分，忠实于影片开头原声音乐的部分，重点突出了拉美风格的旋律，让我们感受到了火辣的阳光，充满激情的人群。
在一分钟左右，进入到全片的主旋律部分。这部分就是詹姆斯·霍纳最拿手的煽情和气势磅礴的体现。这部分还分为了两段，前面一段音量小，配器适中，完全以煽情为主。而后的重复片段则配器豪华，音量充沛，让听者能够感受到足够的气势。
巧妙的是，在这一段的尾部，用小提琴刻意渲染了一段柔情似水的旋律，让我们能够感受到英雄背后柔情的一面。在这一段之后则通过首尾呼应的方式再重复了一遍开头火辣热烈的拉美风格音符。这样的改编就把影片之中最好的旋律一次性展示在了我们面前，相当于将整部影片进行了一次压缩，让观看过影片的观众能够在4分多钟的时间内完整地回忆一次电影的情节。这样的处理方式我个人是非常喜欢的，这也是我对艾瑞克·孔泽尔以及辛辛那提通俗交响乐团的作品爱不释手的原因。
第二首，我愿花一辈子来爱你。这是一首影片的片尾曲。由澳洲女歌手蒂娜·艾莲娜和美国歌手马克·安东尼共同合作演绎。这种演唱的片尾曲形式在上世纪90年代到2010年以前是一种大趋势，无论迪士尼的动画作品还是其他公司的真人系列电影，很多都采用了类似的方式来制作片尾曲。这种方式对于尝试电影和流行音乐的跨界有着极大的帮助。但不知道为何在进入2010之后又逐渐抛弃了这种跨界方式，片尾曲基本上又回归了纯音乐的表现形式。我个人对此的猜测是现在的人们越来越浮躁，影片结束之后很少有人愿意观看片尾字幕向制作人员致敬。除非有类似漫威的电影那样的彩蛋，否则基本电影厅灯亮的同时，99%的观众已经起身开始退场了。
曲子的旋律就是片中的主旋律，由两位歌手采用交替演唱和二声部的方式演唱，整体听感很有味道。配器上也比较考究，毕竟是当年如日中天的詹姆斯·霍纳操刀制作的。在大编制的音乐之中加入了流行音乐的配器和元素。所以听感上很豪华，也很有气势，再加上两位歌手很有辨识度的声线，使得这一首作品成为了当年流行音乐榜上常驻的赢家，至今仍旧是《佐罗》系列电影爱好者经常萦绕耳畔的旋律。

好了，本期作品就是这样，喜欢的朋友记得点点关注，有任何问题都可以在评论区留下，我们下期见！

上周因为东航MU5735航班的坠毁让我完全没有了做节目的念头。毕竟始发地是我的家乡，而目的地也是我曾经生活过五年的城市，并且在那五年之中，这个航班我也没少坐过，所以一时间心情无比复杂，难以言表，再加上这种时候还做娱乐节目也确实不妥，索性停更一周。
现在官方宣布了全员遇难，全国都为这场灾难悲痛不已，我也不例外。所以，这期节目的话题或许会比较沉重，诸位可自行选择听或不听，我都是能够理解的。
本期话题沉重的原因在于，我想谈谈死亡。

其实最早有这个想法，还不是因为航班坠毁的缘由，而是因为稍早前看到了阿兰·德龙先生的一则新闻。新闻内容大致是这样说的：86岁的阿兰德龙也到了耄耋之年，越来越习惯于谈论死亡，他说：“我觉得安乐死是最合乎逻辑、最自然的事情。随着一点点变老，我们有权从活着平静地走向地狱。”他的大儿子在接受法国媒体采访的时候也证实了父亲的说法，谈到就算这一刻真的到来，他也会守护在父亲的身边陪他走完最后一程。
于是，我忽然想起了小时候第一次看到有阿兰德龙主演的《佐罗》这部电影，通过露天电影的方式呈现在我面前的时候，我完全被这个蒙着半边脸的帅气男人吸引住了。在此后的很长一段时间之中，我都自己制作了各种材质的面具，模仿着佐罗潇洒的剑术，幻想着自己行侠仗义走天涯的场景。至少在那段时日，佐罗就是我人生的理想。而且最有意思的是，这种小理想并不只是根植于我一个人的内心，而是在整个大院里的所有孩子心中。露天电影嘛，那时候可是为数不多的能够接触到外面世界的渠道之一，一年到头也碰不到几次这样的机会。所以，一旦确定了露天电影的时间，那就一定是万人空巷的场面。也正是在那样的现实中，我记住了一句并不好听的俗话：高人看戏矮人吃屁。

是的，露天电影只是在一块平整的场地中搭起来的零时电影院，不可能有正规电影院里阶梯型的座位。所以，要么早早地就得去现场守着，占据最好的座位；要么就是占着自己个头高，才能看到完整的画面。我们那时候作为小孩子，个头不可能占优势，去晚了就真是啥都看不到了。幸好小孩子也有个优势，就是可以耍滑头。只要脸皮厚，就可以拼命往前挤，被挤到的人看到是个孩子，顶多也就骂两句，不会真的怪罪下来。所以，最终的结果，就是无论去得早晚，孩子们都可以用各种方式占据离画面最近的位置。
但离得近并不见得是什么好事。离得越近，画面就越大，想要看清所有的内容其实很吃力，这也是为什么电影院的前几排通常都很少有人买的原因，最佳位置往往是在影院的中间部位。可那时候谁管得了那么多啊，能看到画面为第一原则，所以，看懂了没有并不重要，重要的是能够仗着自己是个孩子的优势，一定要到最前面去，就像自己才是影片的主角一样。
所以，当1975年版的《佐罗》在上世纪80年代才被小时候的我看到之时，我自然也是不记得到底讲了个什么样的故事的。我能记得的，就是那张极其帅气的脸庞，以及他无比潇洒的击剑技术和打完之后一定要画的那个Z字。
我想这也许是我小时候对英雄崇拜的源起吧！但当我此刻看到当年帅气的佐罗也变成了如此迟暮的老者之时，心中充满了无限感慨。是的，人这一生就是由生老病死四个阶段组成的。而生老病死这样的概念其实是来自于佛教经典。我们都知道佛祖释迦牟尼在成佛之前曾是一位王子，过着无比优渥的生活，住着豪华的宫殿，享受着众多仆人的服侍。但他有几次从不同的城门出游时却看到了生老病死的震撼场景。这就让他开始产生了对生命本质的思考。提出了哲学上的终极问题，即：人为什么活着，从哪里来，到哪里去？死后的世界又会是什么样子？于是，释迦摩尼开始追寻当时最好的法师，最好的苦行者来学习，但都没有能够解答他的疑问。最终，他还是通过自己超出常人的智慧，在菩提树下悟得正果，理解了这世间万事万物的起源和归宿，提出了转世轮回和西方极乐世界的理论，成为了真正的佛陀。
很多人可能会觉得这些故事有着很浓重的虚幻成分，这其实也是可以理解的，毕竟后世对于佛陀的故事往往都会在口口相传之中不断地添油加醋，使得原本的面目产生了很大程度的扭曲，特别是经过了统治阶级的利用之后，宗教往往都会脱离原本的初心，成为愚民的工具。但幸好我们可以抛开现象看本质，我们只需要知道佛陀本人是曾经真实存在过的即可。而且最有意思的就是佛陀与东方的孔子和西方的柏拉图、苏格拉底等哲学家都几乎是同时代的人。他们都大约是公元前500年前后出现的伟大哲学家。而且他们也都无一例外地提到了那个关于生死的终极问题，所形成的的理论也成为了一直影响着东西方直到现在的精神力量。
无论是最终产生出轮回的说法，还是去往天堂或地狱，其实都给了后世的人们无穷的想象和期望。这很好地让人们对死亡的恐惧减低到了一个完全可以接受的程度内。所以，我们能够看到，但凡有信仰的民族或国家，人们对于死亡的态度往往都比较积极和乐观，反过来没有信仰的人们，对现实世界的物欲横流充满了激情，却对死亡有着极端的恐惧。
还是回到阿兰德龙的观点中，在他看来也是这样，无论死后是去天堂还是地狱，他都早已做好了准备，而且，他愿意用自己的方式来选择如何去往。这在我看来，也是一种自由意志的终极体现。但就目前的情况来看，支持这样决定的国家还寥寥可数，能够达成愿望的费用也是令人瞠目结舌的。但有这样的选择，毕竟能够让我们看到当一个人在遭遇着极大病痛折磨的时候，能够有办法结束这种痛苦，我个人觉得真是一种好事，这才是对人性的最大关怀。
我们当然不会同意那种不负责任的因为一点点压力或情感因素就结束自己生命的草率行为。我想强调的只是生老病死这四个过程最后二者之间的关系，如果能有一种途径解除人们在这二者之间的痛苦，其实也是一种莫大的功德。
而且今天当我写下这篇文字的时候，刚好是东航MU5735航班所有成员的头七祭日，但大家听到节目的时候会稍晚几天。我们在已有的信息当中能获知到，他们走的那一瞬间，应该是没有痛苦的。随着救援和调查工作的持续展开，我们期待能够尽早获得空难的真相，告慰逝者的在天之灵。愿逝者在天堂中没有伤痛，没有苦难，在充满光和爱的极乐世界中得到终极的幸福。本文的配乐来自于电影《佐罗的面具》，下一期，我们再来详细讲解。本周就是这样。

想当年，《王牌特工》第一部在2014年一经上映，英国绅士的帅气加丝毫不拖泥带水的爽快动作一相加，就引爆了一潭死水一样沉寂已久的动作片市场。时隔三年之后，第二部接踵而至，但加入的大量美式元素就让片子的精致感瞬间打了个巨大的折扣。不过这种尝试未尝不可，同时迎合了欧美两大电影阵营的观众，口碑的精致感下来了一些，但票房却蒸蒸日上，俨然让我们看到了一个冉冉升起的全新IP。在那时候，我们完全有理由相信，如果剧本写得好，《王牌特工》是有可能成为继《007》《碟中谍》这种传统谍战片之后的另一种特工电影。
但不知道制片方是怎么想的，在2017年第二部之后，第三部就似乎没有了继续下去的迹象。而正当人们都快要将这个系列遗忘的时候，2022年第三部《王牌特工：源起》又悄悄回到了人们的视野之中。结果，不看还好，看过之后很多人都很生气，认为这其中对于历史的意淫简直令人发指。对于这一点，我也基本持相同态度。导演和编剧其实还是读了不少历史资料的，特别是关于斐迪南大公遭遇暗杀导致一战爆发这一段，我个人认为无论是场景还原还是暗杀过程的细节还原都算是做到了极致，但令人遗憾的是，偏偏前因后果却又给你东拉西扯，所谓的幕后黑手更是无厘头到了极致。
是的，我们不否认电影本身只是一种娱乐的载体。但如果你在极致的还原过程中却参杂了半真半假的私货，就让很多不明就里的观众容易被误导。不过，我回头仔细想了一下，按照第一二部的编剧水准，其实我相信导演并没有那么傻，他也许只是不得不跟随目前好莱坞非常突出的政治正确的标准。目前西方左派当道，各种意识形态化的东西，做得甚至比我们上世纪70年代还过分。这种过分倒不是体现在阶级迫害上面，而是一种近乎白痴般的盲从。比如变性人教育部长，缺失的大法官一定要一位黑人女性来填补，能力高低无所谓，要的必须就是那四个字“政治正确”。
好莱坞不知道也是从什么时候开始了极致的盲从，比如我们在《复仇者联盟4》结尾中就明确得知，美国队长将衣钵传承给了一位壮硕的黑人。这也罢了，但《007：无暇赴死》之中也明确表示今后的007将是一位黑人女性我就再也受不了了。要知道詹姆斯·邦德和007是紧密结合的，007这个代号只能是这个名字，这一点无论是原著还是几十年的电影，男主角换了那么多都没打破过，凭什么好莱坞突然往左走几步，就什么都得变了？
到了《王牌特工》之中，这种情况也有着极致的体现。各种黑人崛起、同性恋的常规左派意识思维我就不说了，应有尽有。而其中最让人接受不了的就是对别国政治的极度弱智化。片中几乎所有的国家首脑都是脑残，被一个不得志的英国二流军人耍得团团转，搞得全世界似乎只有英国是最清醒的国家，是全人类的希望一样。就连最亲密的盟友美国都被黑得一塌糊涂。从这一点来看，英国人的幽默精神倒是发挥到了极致。但，凡事都得有个度。英式幽默和极端的政治正确碰撞在一起之后，就产生了《王牌特工：源起》这类影视界的怪物，成为了影视行业的笑柄，以及观众心中的垃圾。

不过，凡事我们也还得看到其存在的两面性。除了刚才我们提到的糟粕之外，其实我们也得承认，片子中还是有一些值得我们深入思考的闪光点的。影片精良的制作自不必说，我一开始就提到过，编剧和导演其实是认真研究过一战之中很多关键节点的，甚至他们在电影中做到了一些场景的极致还原。这包括了斐迪南大公遇刺的场景，妖僧拉斯普丁的容貌、以催眠术蛊惑沙俄政权以及最终被三枪毙命等细节都是符合历史的。
片中对于一战战争场景的刻画也是比较到位的，场面相当震撼，完美刻画了战争的残酷性，只是可惜篇幅较低。而这些仅存的亮点，其实反过来让我看到了整个片子的主旨其实正是：反对战争。

没错，正是因为片中的各种脑残对于战争的儿戏态度，才更加凸显了导演对于战争残酷现实的强烈对比。大家仔细想想，不是么？有时候我们看到别人在骂一部电影的时候，很容易被带节奏而忽略了自己去独立思考。豆瓣上大量打低分的基本都是一边倒的观点，如果不会自己思考，那自然就会极度认同那些同质化的观点。但一旦学会了独立思考，我们就很容易找到那些同质化言论中的缺陷。因为，他们除了反复嘲笑别人的意识形态和那些对于历史的意淫之外，完全没有看到导演对于战争的厌恶和憎恨。如果导演和编剧能够抛弃“政治正确”和闹剧的元素，其实这部电影完全可以拍成一部真正的英式特工片，而且丝毫不会输给007系列。
好了，这个话题就此打住，再写下去就成了一篇彻彻底底的影评了。我们毕竟是一档音乐节目，那么接下来我们还是来赏析一下电影的原声音乐吧。
比较遗憾的是，由于上述提到的那些原因，《源起》并未引入国内，在这里我给大家讲述第二部《黄金圈》的原声音乐。

早在第一部的时候，王牌特工的原声音乐就已经有了个大致的雏形，包括主旋律的基调和全片的篇章质感都有所体现。但在第二部《黄金圈》之中，摒弃了第一部的电子音乐部分，音乐质感得到了大编制的加持，所以无论是豪华程度和音乐本身的细腻度在第二部之中都得到了大幅度加强。

电影的原声音乐由两位作者合作创作而成，分别是亨利·杰克曼和马修·玛杰森。这两位严格来说在原声领域可能大家都没有听说过，但起音乐风格却很成熟，很有大家风范，甚至有较强烈的篇章质感。听者就会奇怪，这样的成熟作品，不该是两位名气不大的音乐人该有的表现啊，但如果我说他们二人其实都是来自于汉斯·季默工作室的人才您是不是一瞬间就明白了。

没错，二人虽然在听众层面知名度不是很大，但在好莱坞业界却绝非素人。二者和汉斯季默共同创作的电影原声音乐包括了《达芬奇密码》《黑暗骑士》《加勒比海盗》系列、《辛普森一家》等等。马修·玛杰森更是配合做过《变形金刚》系列的原声音乐。所以，二人在制作这类复杂场面的电影原声音乐之时，算是比较得心应手。虽然通常来说，动作片的原声音乐都会比较中规中矩，不过我在《黄金圈》之中还是找到了几首好听的可以分享给大家的作品，下面我们就一起来欣赏吧！
第一首，Eggsy Is Back。严格来说，这算不得一首主题曲，但其中包含了整个《王牌特工》的基础旋律。开篇用的是苏格兰风笛这种能够表现纯正大不列颠特色的乐器，演奏的却是美国传统民谣“Take Me Home Country Road”。这一点很好地表明了这部电影英国和美国相结合的特点。
在一段充满军旅特色的过渡旋律之后，《王牌特工》的主旋律加入进来。这段旋律很好听，朗朗上口，充满了动感，弦乐负责基础节奏，管乐负责旋律的变化，整体四四拍在很快的音符流转中体现着特工片应有的节奏感。
在2分10秒左右突然转入了很长一段纯粹的背景音乐，这一段很明显主要是为了配合画面使用，所以我在这里将这段剪去，带着大家去欣赏最后的一个部分。
最后的这个部分从较快的节奏中逐渐舒缓开来，用了一段很明显的螺旋上升的音符来将主旋律再次引出。此段主旋律在配器上相较第一次出现之时更加饱满豪华，刻意彰显了“王牌特工”们帅气的英伦外表和勃发的英姿。
快到曲终之时，旋律更是完全舒缓下来，和前面紧张的氛围完全剥离，似乎营造了一种特工们自豪自信的心理状态。
所以，整体来说，此曲除了中间有一段紧张的配合画面的音符之外，完成度还是很高的，是一首ABCA的格式作品，听起来很带感，能够让看过电影的观众瞬间就回忆起影片中各种帅气的主角和紧张的情节。
第二首，Memories of Harry，哈利的回忆。这是一首需要安静下来欣赏的小品，整首曲子非常温馨。曲调之中充满了柔情，吉他和弦乐的配合非常自然，属于那种一听就内心之中充满了阳光的氛围，特别是中后部分有一小段钢琴和吉他的配合更是如沐春风之感。
在曲子的最后部分，也是刻意迎合了一小段主旋律，让曲子起到了点题的作用，明确表示了这是一首来自《王牌特工》的系列音乐。
第三首，Not In Vain，没有白费。这首曲子的曲调是对“Take Me Home Country Road”的改编作品。这首曲子原本是一首美国传统民谣，由约翰·丹弗演唱。在美国可谓是家喻户晓，所以在这里运用，是一种美国文化的象征。但曲调却没有运用原本的乡村音乐风味，而是做了大编制的改编。使得整首曲子的氛围有了雄壮质感，特别是苏格兰风笛加入进来的一小段，让本身一首田园诗意的歌曲，成为了英雄回归故里的场景。
从这一点来说，我个人是很喜欢这个改编的，特别是结合着最近不断升级的俄乌冲突，我更加希望战争的双方都能听到这样的旋律，保持克制，不要再往残酷的深渊之中迈进哪怕一小步。因为，现代战争能够获取的利益在代价面前实在无法相提并论，真诚地希望每一个战士都能毫发无伤荣归故里，这是战士的心愿，妻子的心愿，母亲的心愿和全世界爱好和平的所有人的心愿。

今天这期节目，原本想做一期《王牌特工：源起》的原声赏析，刚好其中也有部分关于第一次世界大战的场景，结合着最近俄乌冲突，我就想聊一聊关于战争的一些思考。所以，《王牌特工》的音乐赏析我们就放到下周再来给大家详细说。
最近世界确实不太平，看似简单的一个俄乌冲突，但折射出来的却是东西方在地缘政治上以及文化差异上的巨大不同。很多朋友只是简单地认为这是赤裸裸的侵略，亦或者这是在北约东扩下不得不采取的极端措施。乍一看两边儿都有道理，但仔细一想，又似乎都有问题，毕竟你所站的立场不同，所得到的的结论也许也会完全相反。于是，我们就看到在关于俄乌冲突的任意一条消息的评论区，都有着所持立场不同的激烈碰撞。
有这样的讨论其实本身是一件好事，这标志着我们国家对于大是大非问题所秉持的中立原则，以及越来越开放的包容精神和态度。但有时候我们也会经常看到一些无脑调侃，将自己的快乐建立在别人痛苦之上的愚蠢言论。这同样也说明，我们的国民素质还亟待提升，对于五千年文明所传承的仁义礼智信继承得还不够。不过，我相信，随着社会的进步，文化的发展，中华民族一定会再次成为全世界道德的典范，文明的中心。
那么说到文化自信，就目前而言，我们的影视作品，特别是关于战争的影视作品，还远没有达到发达国家的水准。前几年特别流行的神剧就是个典型代表，且不说各种无厘头的剧情，就单单说这些糟粕作品对于战争的态度本身就有很大的问题。
战争不是儿戏，就连最小规模的冲突消耗的都是一条条鲜活的人命。很多人更愿意去计算什么武器多少价值，比如一枚毒刺导弹3.8w美元，打下来的一架直升机价值600w美元。但我奇怪的是，他怎么不去想想一条鲜活的人命值多少钱？一个飞行员的训练成本又值多少钱？
如果大家对于战争的思维模式还停留在“哪边人多哪边就厉害”这种理论基础上，那其实您就回到了第二次世界大战那时候对于战争的观念了，或者至少也是冷战时期的思维。现代战争其实早就不是人多人少或者国土面积有多大就能决定胜负的概念了。现代战争，更加凸显了“大炮一响，黄金万两”的概念。而且，这里面的黄金万两，还是收支两条线都囊括在内。所谓收支，即收入和支出。支出很好理解，每一发子弹，每一颗炮弹、导弹都是钱。战争一旦开打，所消耗的武器、军需品和保障品都是天文数字，正所谓：兵马未动粮草先行。这一点从古至今都这样。俄罗斯这次开打之前，早早地就做好了各种部署，在乌克兰边境上陈兵10来万人就是做足了准备工作。而作为收入来说，每一次战争，都是对已存在的武器性能最好的检验，所有的军工企业对每一场战争的关注度无疑也是最高的。他们会通过战争对武器性能的检验，发展出自己全新的换代武器，至少也会对存在的缺陷进行修复和弥补。而新的武器在战时和战后同样也会成为政府层面极大的开支，成为军工企业收入的来源。
但真正打起来我们就发现，实际上就算准备工作做得再充分，也得看防守方的意志。孙子兵法说过，骄兵必败而哀兵必胜。这其中，天时地利人和缺一不可，俄罗斯占尽天时，但地利和人和从目前来看没有尝到丝毫甜头，所以原本预计的闪电战打成了目前比较焦灼的态势。如果接下来的两周内没有办法取得突破的话，那么，“骄兵必败而哀兵必胜”就将再一次成为亘古不变的道理。
而且，在我看来，现代战争之所以不再讲究“人海战术”的根本原因，是人权和人性得到极大发展的必然结果。因为每一个士兵都是爹妈所生养，国家之栋梁。每一条生命都值得敬重，并且每一条生命都不可重来。所以，战争这种最无奈的国家分歧解决方式，发展到现在，也在尽可能地以少损失生命为第一原则，宁可花费的金钱比以往的战争高出数倍，也要尽可能地保存生命。因为只有保护了更多的生命，国家的意志才能得到最大程度的体现。
回到音乐这个主题上来。我们做过很多期关于战争的电影原声音乐。但凡军旅题材的，其实都会有铿锵有力的进行曲节奏，但同时也有着更多的悲壮氛围。诸如我们讲过的《兄弟连》和《太平洋战争》，以及讲过多次的《辛德勒的名单》，这些影视剧的原声音乐，特别是主题曲往往都是悲壮色彩最为浓烈的。因为战争无论输赢，付出的都是生命的代价，所以，从人性上来说，悲壮的色彩一定是会浓过胜利所带来的喜悦。
经过了漫长的人类文明发展，战争也许曾是最简单最有效的问题解决方式。在那样的年代，强者就是可以通过战争的方式来让弱者臣服。战争也可以让强者一方达到利益的最大化。因为那时候的人性决定了人命就是一种商品，一种可以用金钱来衡量的商品，所以“重赏之下必有勇夫”就是那个年月的代名词。而到了现在，战争，永远都应该只是最后才走的一步棋，只有当完全没有了别的问题解决途径之时，才能走的一步棋。所以，无论这次俄乌冲突所谓的战争理由有多充分，对主权领土的侵略已经成为事实，同时，也已经付出了足够让人感到不寒而栗的生命数量。发动战争是可耻的，惟愿早日结束，让战区的每一个生命都得以喘息，感受到来自春天的温暖。

欢迎来到《电影留声机》栏目，今天我们继续讲解“电影小夜曲”专辑中的曲目，最后三首曲目之中，其实有两首我已经是做过节目的了。但经过了这段时间之后再次聆听也会有不同的感受。借此机会，我也想把这些新的感受与大家进行分享。而且，三首曲子我还打算分做两期节目来讲。一方面是因为一期节目讲述两首曲子从时间长度上来说相对比较合适。另一方面也是因为专辑的压轴曲目实在太过于经典，且每次聆听都会不自觉地被它所感动和震撼，所以那首曲子我打算单做一期，同时也稍微花一点时间对整个专辑进行一个我自己的总结。好了，废话不多说，现在开始我们今天的两首曲目的赏析。
今天的第一首曲目来自1959年的巴西电影《黑人奥菲尔》，曲子是电影的主题曲叫做《清晨嘉年华》，由巴西著名作曲家、巴西三大吉他天神路易斯·邦法创作。该曲目开创了音乐取得的成就远大于电影本身奇迹的先河。这首曲子的诞生，直接确立了Bossa Nova这种巴西音乐风格被全球所认可，成为了正儿八经的时代经典。

电影本身我没看过，也不打算去看，因为查了一下评分确实不高，也就刚及格的水平，但这片子居然拿下了当年的奥斯卡最佳外语片，也算是一个令我感到惊奇的地方。不过这首曲子也确实在我接触到“电影小夜曲”这张专辑之前就听过。虽然我努力回想也无法记起到底是在何时何地听过这首曲子，但旋律本身的熟悉程度明白无误地告诉我，我还不止一次听过这段优美的旋律。当然，因为其优美但颇具动感的旋律和曲风，我个人认为最大的可能性还是在酒吧或者咖啡吧里听到过。
确实，因为这首曲子实在是很优美，有着桑巴的节奏，美国冷爵士和前卫的欧洲古典和声于一体。采用的吉他在风格上还有着西班牙吉他的味道。可以说正是这样大胆和前卫的风格直接开创了Bossa Nova的先河。这种Bossa Nova相较于之前巴西音乐的所有风格都更加柔和一些，少了一些热情似火，多了几分柔情似水。就使得这种风格成为了一种很完美的展示爱恋的舞曲。
但随着时间的流逝，Bossa Nova这种音乐风格也许是在天气极度热辣的巴西竟自己出现了水土不服的征兆，在电影上映短短5年之后，就有音乐人坦言说Bossa Nova已经没有了发展的前途。对比1959年这首《清晨嘉年华》在欧美大红大紫的时候，1964年的音乐市场之中，Bossa Nova几乎都快被人所遗忘了。
到了上世纪70年代之后，带电乐器的兴起以及摇滚音乐的流行，更是直接将Bossa Nova这种轻爵士风格的音乐抛到了九霄云外。但幸好上世纪80年代Bossa Nova又迎来了一次春天。关于这一次Bossa Nova的复兴，还得感谢一位日本女歌手，名字叫做小野丽莎。

好巧不巧，小野丽莎1962年出生在巴西的圣保罗，从小就是在巴西音乐氛围下长大的，儿时的那几年，刚好也是Bossa Nova最流行的那几年。到了1989年，她回到日本发展，发行了一张Bossa Nova风格的专辑，将这种风格带到了日本，并一举成名，从此开始一步步走上了成为“首席Bossa Nova女王”的道路。
1959年原版的原声音乐我无法找到，但找到了小野丽莎演唱的版本。这个版本发行于1997年，收录在《Amigos》这张专辑之中。歌曲的演唱和节奏在我看来没有任何问题，但其中管乐的配器和演奏总让我觉得略显怪异。给我的感觉就像是刻意营造了一种阴冷的氛围，而且歌曲在1分30秒处完全停顿了两秒钟，让人误以为这是一首超级短的曲子，但还没等你反应过来，那种阴冷的管乐重奏又充斥在你的耳朵里，整体听感并不是很好。
所以，当我们回到“小夜曲”专辑中的演绎后，配器以及和弦的运用一下子就让人非常舒服。特别是和小提琴相伴而行的西班牙吉他的演绎贯穿全曲，产生出了完全不一样的化学反应。要知道，吉他和小提琴在一起演绎的机会真的不大，我们平时最常碰到的重奏组合是钢琴和小提琴，因为二者同属于管弦乐的常规配置。而且从演绎风格上来说，小提琴更擅长表现一些柔美婉转的风格，而西班牙吉他更擅长表现热情奔放的主题。所以将二者结合在一起之后，所产生出来的那种即奔放又温婉的曲风直接可以让耳朵怀孕。
当然，这次“小夜曲”的改编还是带来了一点点的遗憾，那就是Bossa Nova的风格有些被遮盖住了，虽然管弦乐在中后期也有加入这一风格的演奏，但因为整体氛围的改变，使得Bossa Nova的风格基本体现不出来，只有在2分钟后有一段吉他的solo部分有较强烈的表现，但后面小提琴的再次加入，Bossa Nova风格也再次变弱。不过这丝毫没有影响整首曲子对于情绪的理解和表达，依然可以算作是非常经典的曲目。

今天要给大家讲解的第二首曲目来自1993年的电影《辛德勒的名单》。这首曲子我专门做过一期节目。当时也引用过这个版本，关于曲子的构成和情绪我在以前的节目中已经做过分析，这里就不再赘述。今天只打算再次从不同的角度来讲一下这首曲子。
我在前几期节目中提到过，约翰·威廉姆斯自从谱写了1984年洛杉矶奥运会的主题曲之后，很长一段时间都对进行曲有着谜一般的热情，这其中包括了《星球大战》系列、《大地雄心》和《夺宝奇兵》等主题曲都有着浓烈的进行曲风格，在配器和演绎上或多或少也都有着奥运会主题曲的影子。但在1993年的《辛德勒名单》配乐上，威廉姆斯却一反常态用慢板的形式写作了这一首传世的经典。这其中有两种可能，一是威廉姆斯自己都觉察到了这10年来自己音乐创作风格的单一化，需要有一种新的风格或者方式来让自己的创作得到升华。另一方面则是因为《辛德勒的名单》这部电影本身所包含的悲壮氛围也实在不太适合进行曲的曲风。

《辛德勒的名单》并非缺乏大场面大制作的电影，但其中的每一个大场面画面都不是给人惊心动魄的感受，而是一种让人不忍直视的凄苦和惨烈。所以，威廉姆斯针对着这些画面将每一个音符都化作了一颗泪水，然后将其串在了一起，最终形成了一首高低起伏，如歌如泣的悲情诗篇。
正如我以前说过的，人生之中充满了喜剧、闹剧和荒诞剧，但最终都将归于悲剧。《辛德勒的名单》就是一部彻彻底底的悲剧，悲伤到无以复加，以至于许多人在观看这部电影的时候，从头到尾眼睛都是模糊的。这种眼睛的持续模糊是人类内心深处的良知被彻底震撼到的表现，也是对人世间一切残酷和暴虐所厌恶的表现。自从这部电影上映以来，就直接树立了一座不可逾越的巅峰。因为这种直击心灵最深处关于痛苦的记忆有一部就足够了，他足以在很长一段时间内让人们痛恨和反思战争这种全世界最残酷的问题解决方式。但凡人们有所遗忘，就应该将这部电影拿出来重新观看一次，让自己的每一个细胞都铭记战争对整个世界的伤害会有多大。
而威廉姆斯创作的这一首主题曲，在听觉层面也浓缩了这种痛苦和悲壮的记忆，让他在长达10多年的隐忍之后，同电影一起，攀上了那座不可逾越的巅峰。所以，如果只能用一首作品代表他的话，那么我个人认为就必须是这一首，对此，我不接受任何反驳。
而且，如果说要我自己挑一首我最喜欢的曲子，我也百分之百会选这首，因为这段慢板构成的咏叹调，已经成为了整部电影所概括的那段历史的一个高度浓缩的总结，只要听一遍，电影中或者历史中的那些最悲惨最残酷的画面就会在脑海中浮现出来。很多电影看过也就忘了，有时候再看的时候就像在看一部新片一样，但唯独《辛德勒的名单》除外。这是一部不敢多看的电影，看过一次之后，再听曲子就能够感受到电影所要表达的全部，对我来说，这已经足够警醒。
但我希望的是，能有更多的人看过这部电影和听懂这些音乐，因为在和平年代的现在，还总有那么一批人在鼓吹战争，渴望战争。如果说大家都没有直接接触过战争的残酷，但至少我们还有这样的影视作品可以让我们间接地感受一下，但凡有点良知的人，我认为都不至于在看过之后还会渴望战争这种人世间最大的悲剧。真的，但愿如此！

大家好，欢迎来到《电影留声机》栏目，今天我们接着来聊“电影小夜曲”专辑之中的两首曲目，分别是电影《龙凤配》的主题曲以及《走出非洲》的农场主题配乐。
电影《龙凤配》上映于1954年，对于这个中文译名我实在是无力吐槽。不过，想想毕竟已经是快70年前的作品，都快有我两个那么老了，所以对于那时候翻译之中带有的这种土气也就相对很好理解了。电影的英文原名其是就只是单纯女主角的名字，如果按照今天的音译标准来翻译的话，可以译作《萨宾娜》或者《萨布丽娜》。我在之前的节目中解释过欧美关于书或者电影等作品名称的命名问题，他们在这上面并不喜欢太多的弯弯绕绕，直接采用人名或者事物来命名的片子不在少数，比如莎士比亚的很多作品，《麦克白》、《罗密欧与朱丽叶》等等，以及海明威的《老人与海》等等，单看名字都足够普通，却都是一些传世的佳作。但一些能够点题的或者有好的创意的，自然也会用一些文绉绉的词汇来形容，比如《乱世佳人》的英文“Gone with the wind”，直译的话是“随风而逝”，也挺好。这其中甚至包括一些枪战片，诸如《太阳泪》的英文“Tears of the sun”，名字都比较文艺，所以，完全不是有些人故意抹黑人家，说欧美因为词汇的匮乏，起不出什么好名字，这种论调看看笑笑就好，千万不要当真，否则，你就成了井里的青蛙，被人忽悠瘸了都不知道。
刚才提过，电影是1954年的作品，是《电影小夜曲》整张专辑之中选取的最老的一部作品。而专辑本身是1997年的作品，如此一来，整张专辑的时间跨度就长达40余年，接近了半个世纪，可以这么说，这张专辑总结和囊括了半个世纪的电影之中，最优美最动听，当然也必须是最适合改成小提琴协奏曲的那些曲目。这份总结实至名归，堪称电影原声音乐的一座巅峰。
而到我现在来讲述这张专辑，又过去20多年。专辑中的许多电影按照现在的角度都已经成为了历史，现在去观看的话，会有非常明确的时代观感。这又是另一种关于时间的错觉。要知道，如果放在封建时期，那么可能只要不跨越大的朝代，比如明朝到清朝这样的跨度，那么，几十年上百年的社会变化也许都是非常小的。只有当工业革命之后所逐渐形成的现代科技开始蓬勃发展之后，整个社会形态就开始以指数级的方式在发生着改变，“日新月异”这个词才真正成为了现实。于是，到了现在，每过10年这个社会的无论人们的穿着打扮、路上的车辆、甚至于一个城市的建筑和格局都有可能发生天翻地覆的变化。所以，当我们回看70年前的电影作品时，真的会有一种恍如隔世的错觉。

当然，70年对于像电影的女主角奥黛丽·赫本来说，也足够将其从风华正茂转变为垂暮老人。幸好那时候已经有电影这样的媒介可以让我们一睹她当年的动人风采。而不是像我们现在对于中国古典四大美人的样貌只能进行很随意的猜测，以至于如果有相关的电影电视剧的话，总会有人说，里面的四大美女根本不美。其是不是不美，只是没有符合您的审美而已。正应了那句老话：一千个人心中，就有一千个哈姆雷特。
所以，像奥黛丽·赫本这样符合世界审美标准的美人儿本身就不多见，还刚好被那个时代的影音设备记录了下来，也算是一桩幸事。
《龙凤配》这部电影的内容按照现今来看，当然无非就是另一个灰姑娘的爱情故事，所以我们可以看到综合评分并不是特别高。但至少在那个年代，演员的演绎是相当的精彩，男的帅女的美，真的可谓是赏心悦目，配合着浓浓的时代气息，让我们可以好好领略一下什么叫做贵族的优雅，以及时间穿越的错觉。

是的，时间穿越到1995年，新版的《龙凤配》上映了，哈里森·福特和朱莉娅·奥蒙德重新演绎了半个世纪前的那段炽热的爱情。因为故事本身就那样，所以口碑依然也就那样，二者的评分仅相差0.1，自然还是老版本险胜。不过因为“小夜曲”专辑中选取的音乐是1995年的音乐版本，所以在这里也无法回避，也就只能一并推荐给大家去看看吧！
至于为何选取了1995年的音乐版本，这个自然也是约翰·威廉姆斯的私心在作祟啦，因为正是他本人创作了1995年版《新龙凤配》的原声音乐，那么，将其选用到专辑之中，也就顺理成章了。然而，要说电影本身的影响力而言，还是1954年的版本受众更加广泛。特别是那种黑白色调下的美女俊男以及独特的光影运用，成为了那个时代的一种象征性符号。
回到音乐上来，威廉姆斯为电影写作的原声音乐也是很符合电影原本情感纠缠的意境。所以，这首曲子在曲调上就充分展示了威廉姆斯高超的古典音乐艺术技巧，将高低音的衔接和转换几乎做到了极致，同时将多个声部的运用也发挥到了极致。
该曲目还运用了四三拍圆舞曲的方式来写作，所以在这些高低音和谐的转换过程中，就会给人一种流转自如，行云如水般的感受。该抒情的地方温柔至极，该有力量的地方也毫不含糊。所以，听罢全曲，听众的整个身心都会跟随着音乐的高低起伏一起转圈圈，一会儿体味出憧憬爱恋的无限美好，一会儿又体味出在两个爱情面前摇摆不定的纠结之感。
该曲目因为我并没有找到原声的版本，所以这里就只能单独讲解帕尔曼的版本，算是个小小的遗憾，但并不会妨碍我们聆听曲子的美好和理解其中所包含的情绪。

今天要讲的第二部影片是1985年上映的《走出非洲》，影片改编自一位丹麦女作家的自传式同名小说。所以从故事上来看就属于典型的真人真事改编的电影。而我以前就说过，但凡是真人真事改编的作品，往往评分就比较高，《走出非洲》这部电影同样也在当年交出了一份令人满意的答卷，到现在依然保持着一个8.6的高分。该片在1986年的第58届奥斯卡上也荣获了包括最佳影片、最佳导演、最佳改编剧本在内7项大奖，是当年最大的赢家。
故事本身其实不复杂，和上面提到的《龙凤配》一样，也是讲述一个富家女在非洲经营庄园和邂逅浪漫爱情的故事。然而不同的是，《龙凤配》是灰姑娘的华丽转身，《走出非洲》则是化茧成蝶的蜕变。一个是虚构的理想主义，一个则是优美的真人真事。所以获得的口碑也有所不同。

《走出非洲》的原声音乐来自拿过4次奥斯卡小金人的好莱坞著名音乐大师约翰·巴里。我在之前的节目中曾两次介绍过这位大师，分别是《007》和《与狼共舞》那两期节目，感兴趣的小伙伴可以稍后去翻看。
约翰·巴里的音乐风格也是和约翰·威廉姆斯比较相近，二者都有着良好的古典音乐教育经历，所以所谱写的电影原声音乐往往也都有着较为明确的篇章质感，也就是说，整个专辑之中，我们能够感受到有抒情的调子，也有叙事的章节。一些优美动听的旋律本身还会成为咏叹调一般的存在，让音乐本身在电影当中无法被忽视，而不是仅仅简单地和画面融为一体。当然，作为专辑的部分，我在今后找机会再给大家详细说，今天我们也只能按照“小夜曲”之中的选择，单独讲这首《我有一个农场》的主题曲。
现在大家听到的就是影片中的原声版本。曲子开篇用一段管乐和弦乐相互交织的方式打开了整个非洲壮美的场景。给人一种大草原上日出的浓烈感受。主旋律进来的时候，阳光已经洒满了整个世界，视野也一下子开阔起来，从远景的太阳转换到了脚下广袤的草原。调子本身也是135为主的大调谱写，所以就给人一种积极正向的心理暗示。
全曲两次重复了主旋律的部分，但重复之前用很柔和的管乐做了一点过渡，这时候就不光是在描绘整个场景，而是把人物也带入到了场景之中。让这幅壮美的景色，增加了一点生命的色彩，以及这些生命在这个场景中所带来的和谐与美好。
回到小夜曲的版本，小夜曲的版本改编得很少，开头的引子部分完全照搬，只是把从主旋律开始的大编制改成了小提琴协奏。这样的改编让音乐本身所要传递的情绪上有了一些微妙的变化，这些变化主要体现在小提琴本身的音色上。帕尔曼的演绎方式我们以前已经说过，情绪和氛围是他最拿手的好戏。所以在该曲目的改编上，他所营造的氛围从一开始就是女主角的咏叹调。我们可以这么来理解，原版的这首曲子只是一个宏大篇章中的一首序曲，但帕尔曼的版本则可以理解为整个乐章的浓缩和精华。用一首曲子就完整地讲述了整个故事。无论是完整度上和情绪表达上，我个人认为对于看过电影的朋友都应该会和我有一样的感受。而对于没有看过电影的朋友，则可以按我所说的，带入到电影中去试着理解看看。当然，我所说的，也仅仅只是我个人的想法，您在看过听过之后，也许会对我的说法深以为然，也许也会嗤之以鼻，这都无关紧要，重要的是，您已经通过我的讲解，有了自己的理解。
好了，本期节目就是这样，感谢各位听众听我讲述关于电影关于音乐的故事，喜欢的话不妨顺手关注一下，或者点个赞留个言再走，那将是对我最好的支持。我们下周见！

大家好，欢迎来到《电影留声机》栏目。今天我们继续讲述“电影小夜曲”中的两首曲目。
今天的两首曲目都来自上世纪60年代的电影，很遗憾我都没有看过，不过通过一定的资料查阅，以及我对音乐本身的理解，我相信我依然能够为大家讲述本期节目，但如果因为资料不够详实或者错误的地方导致我的讲述也出现了错误，还请大家在评论区予以指正。
第一首曲目I Will Wait For You，来自1964年的法国浪漫歌舞电影《瑟堡的雨伞》，片子讲述的是两个年轻人相识相恋但被战争所分离的故事。等到战后各自都拥有了自己的家庭，两人却又再次不期而遇，短暂的重聚让两人心中再次泛起波澜，回想过往的种种，彼此都明白在对方心中的位置。但家庭的道德和责任又让双方都无法放飞自我，最后男主也只得在大雪纷飞中目送女主离开。
回到题目上，瑟堡是一个法国地名，没什么好讲的，这只是单纯地交代了故事发生的地方，而雨伞二字却有两层含义，从电影海报我们不难看出，彩色的雨伞代表的正是男女主角青春靓丽的年华。但雨伞本身的功能却是在下雨下雪这样糟糕的天气时才会使用的东西。不难看出不管是小说的原作者还是电影本身，用雨伞就是一种包含双重意思的隐喻，也就是初看甜美，实则悲剧的故事。
说道这里，我突然想起了我之前做过的一期《爱乐之城》的节目，里面提到电影上映之后，导演曾说过在2016年用最传统的好莱坞手法拍摄一部毫无电脑特效的《爱乐之城》就是在向经典致敬，也直到此刻我才反应过来，其所谓的经典，也许就是今天我们聊的这一部《瑟堡的雨伞》吧！因为二者虽然年代不同，故事也有偏差，但其核心思想和情节走向却几乎一致，也同样采用了歌舞剧的方式来呈现，要说这是巧合我还真的不大相信。
回到音乐上来。现在大家听到的版本来自2005年艾瑞克·孔泽尔指挥，辛辛那提通俗交响乐团演奏的版本，是最贴近电影原声的版本。真正的电影原声版本因为年代久远，我搜遍整个网络都没找到相应的资源，所以在这里采用了孔泽尔的版本。

曲子由法国著名导演、作曲家米歇尔·勒格朗创作，“电影小夜曲”第二期中《杨朵》的原声音乐也是他的作品。《瑟堡的雨伞》原声音乐获得了第38届奥斯卡的三项提名，但最终都没能捧得小金人。最佳配乐输给了《日瓦戈医生》，最佳配乐改编输给了《音乐之声》，这个没办法，《音乐之声》是当年最大的赢家，受众太广泛了。但最佳歌曲输给了《春风无限恨》就有点不够意思，我仔细对比过两首曲子，估计评委毕竟是好莱坞的，对美国电影还是做了一定的倾斜。所以转头在欧洲的第18届戛纳电影节上，《瑟堡的雨伞》就一举斩获了4个大奖，这还真是自家孩子自家疼啊！
原声版本的曲子前半段用管乐凸显了女主对男主的思念，弦乐重复这一旋律的时候也异常轻柔，似乎代表着女主的无限柔情。此曲最有意思的就是整首曲子几乎都是同一段旋律做了各种配器的堆叠，用了渐强的处理。所以中后部我们能听到同样的旋律在所有乐器都加入进来之后，从柔美的风格就逐渐转化成了一种极其悲壮的氛围。从而预示了女主的这份感情由极度的思念转变为悲愤的可能，也带动了剧情的后续发展。
而到了“电影小夜曲”之中，曲子自然也做了一定程度的改编，不变的自然是旋律，但氛围从一开始就变成了一种悲剧的情感。帕尔曼用他的小提琴将女主的心事转化成了一种一个人的独白，如歌如诉，高低起伏，仿佛一个受到伤害，楚楚可怜的女主在昏暗的月光下倾诉自己的遭遇。直到中后段的一段小高潮之后，曲调迅速变得不再哀伤，成为了一种另类的平和，此刻给人的感觉其实就是哀莫大于心死。我只能说帕尔曼一定是看过了电影才来演绎的这一段刻骨铭心的旋律，他用琴声将女主的浪漫升华成了悲剧。

第二首曲目是1962年电影《启示录四骑士》的主题曲。有的小伙伴一看这个片名可能会认为是一部宗教题材的电影，但其实不是，电影改编自一本1918年的同名小说，1921年就搬上过大荧幕，讲述的是阿根廷一个富足的农场主认为自己的农场就是地球上的天堂，因为那里有最美丽的景色和富足的生活，同时他还拥有四个令他自豪的子女。但随着儿女的长大，第一次世界大战也在欧洲爆发，四个子女也和当时的法国德国产生了各种交集，代表了不同的意识形态和阵营，最终，农场这个人间天堂也变成了人间炼狱。
1962年的翻拍版本在故事情节上相较于1921年版本改动不大，但把故事背景从一战改成了二战，更加贴近当时人们的认知，所以一经上映就获得了很大的成功。
但片名的宗教色彩过于强烈，对非欧美国家的观众在理解上有一定的困难。我在这里稍微普及一点相对应的知识，可以方便大家理解片名之中的隐喻。
启示录四骑士，又称之为天启四骑士。是《圣经》中关于世界末日预言的一个部分。讲述的是先知在未来的某个时刻看到的异象，按顺序从天而降了四位骑士，分别骑白马、红马、黑马和灰马。按照从原文含糊的意境来看，人们理解的白马骑士对应的是瘟疫；红马骑士对应的是战争；黑马骑士对应的是饥荒，而灰马骑士对应的是死亡。
也就是说，所谓的世界末日到来之前，先会发生瘟疫，继而战争和饥荒，最后便是全人类的死亡。从顺序上来看这似乎是有一定道理的，但因为原文并未给出最直接的字眼，所以至今对于《启示录》的解读仍然存有争议，有积极乐观的学者解读出来的四骑士所对应的启示分别是精神、道义、仁义和虚妄。不管如何，其实我们本身所需要注意的是把《启示录》当作是一种警示，而不是结果就好。

电影之所以采用这个名字，可能也是因为其子女在时代浪潮中的选择有关，从可爱的四个孩子，变成了战争中的四种苦难。所以，电影所讲述的故事依然是悲剧，这一点我们从音乐之中也依然能够感受得到。现在大家听到的是电影的原声版本，曲子由德国作曲家安德列·普列文创作。曲子开篇就是管弦乐渲染出来的一种恬静优美的氛围，将农场优美和谐的环境展露无疑，但高潮之后却用小提琴展现了一段隐忧的旋律，预示着后续悲剧的大致走向，算是一种铺垫。
在“电影小夜曲”之中，改编的程度不大，因为原作本身就已经有了协奏曲的味道，“小夜曲”只是加强了这一手法。氛围上也和原作几乎没有什么变化，仍然是前面优美，后面隐忧的格局。
曲子的创作和改编本身也很有古典音乐的风格，估计这也是约翰·威廉姆斯将其收录到专辑之中的原因。威廉姆斯本身就是一个古典派的音乐家，遇上这种能够打动他内心的曲目自然不会轻易放过，所以无论是从忠实于原作还是适当的改编上来看，“小夜曲”的这个版本都可以堪称重新演绎的典范和巅峰。
今天的两部电影和曲子我们讲的都是悲剧，此刻我的脑海里突然想到了一句不知道是哪位哲学大师说的话：人生之中充满了喜剧、闹剧和荒诞剧，但最终都将归于悲剧。这句话可能不准确，我也不知道是谁说的，但却真的饱含哲理，人的一生生老病死、爱别离、怨长久、求不得、放不下，此谓佛家八苦，最终都是悲剧收场。但哲学太直白，太无奈，用最简单的词汇告诉你最根本的结果你反而不容易接受，所以人类才会发明电影来讲故事，用故事来产生强烈的代入感来让你明白一些其实你早已知道的人生哲理。这也许也正是人生的意义，为每一个哲理添加上自己的注解，为每一个赤裸的真理插上彩色的羽毛。
好了，本期节目我们就聊到这儿，下期见！

儿子讲述他学习到的春节，以及他自己亲手做的菜。给大家拜个晚年！

本周因为春节的缘故，节目提前于周一发布，下周仍然恢复到周三发布。恭祝大家新春快乐！

大家好，欢迎来到《电影留声机》栏目，今天我们继续讲解“电影小夜曲”的曲目。
今天讲解的第一首曲目来自1993年的美国电影《纯真年代》。这是一部描绘19世纪纽约上层社会年轻人关于爱情和阶级规则之间不可调和的矛盾。当时的纽约上流社会为自己制造了一系列的规则，看似儒雅，实则繁琐，吃饭的餐具十多种，参加什么活动就需要穿着什么样的衣服，这一切本来都是男主从小到大一直遵循的习惯。直到门当户对的未婚妻家里来了个从欧洲返回的亲戚，其散发出来的年轻活力和无拘无束的性格让男主顿感眼前一亮，但这种追求自我的作风却不被上流社会接纳和允许。两个人虽然相互爱慕和尊重彼此的个性，最终却还是因为男主早有婚约而选择放手。影片通过用沉闷的规则和活力四射的个性之间的强烈对比来试图告诉观众一个道理：如果一生不是为自己而是为礼数为体面活着，人生将是多么得空虚和苍白。
我相信这样的故事肯定也激发了另一位导演的创作热情。于是，在2年后的1995年，我们惊喜的发现《廊桥遗梦》这部电影也讲述了一个类似的故事。当然，在《廊桥遗梦》之中没有那么明显的阶级对立，两位主人公只是城市浪漫主义的代表和乡村平静生活的代表。但相同的是，两人经历了一场浪漫的邂逅，也彼此爱慕，但最终也是因为不愿伤害彼此的家庭而选择放手。

所以，我想给出了一个很有意思的一句话评价：《纯真年代》是19世纪版的《廊桥遗梦》，而《廊桥遗梦》则是20世纪版的《纯真年代》。如若不信，您大可自己去观看一下两部影片，尝试找出二者的相同与不同，再来品位一下我这句话。我相信有人会对这句话若有所思，也会有人对这句话嗤之以鼻。其实这都无所谓，每个人都有了自己的见解，这才是最重要的。
《纯真年代》的原声音乐来自埃尔默·伯恩斯坦。他从上世纪五十年代初进入美国电影界，由他作曲、配乐的影片已经不下一百部，他早在1967年就获得了第40届奥斯卡的小金人。《纯真年代》的配乐也获得了第66届奥斯卡的最佳音乐提名，但最终败给了《辛德勒的名单》，这个输的不冤枉，我们后面讲到《辛德勒名单》主题曲的时候会详细讲。

现在大家听到的就是《纯真年代》影片原版的主题音乐。采用了大编制的管弦乐来铺陈，整体听下来有一种纯古典音乐的氛围感，用四三拍圆舞曲的风格来写作，编曲上显得很豪华，但节奏比较舒缓，处处都体现着所谓的上流社会的那种风度翩翩和繁文缛节。
曲子为ABCA四段式，中间的C段副歌部分不是很好听，也就是现在大家听到的部分，这部分是典型的旁白型配乐，是为了剧情发展而存在的部分。所以在《电影小夜曲》的改编中约翰威廉姆斯和帕尔曼重新对副歌部分进行了调整，去掉了C段，改写了B段，使其成为了ABA的三段式，更加适合单独聆听。
现在大家听到的就是《电影小夜曲》的版本。编曲上没得说，肯定是改成了协奏曲的形式。虽然同样也使用了大编制，但为了突出小提琴的声音，管弦乐被压制了音量。而且这么一改之后，你就会发现，原本一成不变教条式的豪华感成为了无拘无束的小提琴在抒情。所传递的情感上，似乎原来的版本代表是上流社会，而“小夜曲”的版本所代表的则是女主那样的天真浪漫。至于哪个更讨人喜欢，我个人是更加倾向于后者的。不过还是那句话，每个人都有自己的见解，我只是抛砖引玉，大家自己理解的才是内心最真实的想法。

今天给大家介绍的第二首曲子来自1992年的美国电影《大地雄心》。很有意思的是，这同样也是一部讲述19世纪两个跨越阶级的年轻人的爱情故事。不同的是，这次不是自上而下或者自下而上的阶级跨越。而是两个人在阴差阳错之下，分别都抛弃的自己的阶级，前往遥远的异国他乡，靠自己的努力改变自己命运并种下爱的因果。所以，从立意上来说，这部电影并不是想让人们思考阶级固化对社会深层次的影响，而更像是一部鼓励人们通过奋斗而实现阶级突破的励志影片。所以，中文片名的《大地雄心》只是点明了其励志的主题。对于英文原名《Far And Away》从字面意思来看，这三个单词学过小学英语的都认识，就是遥远和离别的意思，当然，电影里两位主人公确实这么做了，两个人都离开了自己的故乡爱尔兰，前往遥远的美国去实现自己的梦想。不过请注意，这三个单词组合在一起除了遥远离别的意思之外，还凑成了一个俚语，所谓俚语就是英语中的俗话说。“Far And Away”，这句俚语还有个意思是“毫无疑问”。而从影片中两人离开故土之后所遭遇的一切挫折和苦难但却坚定不移，绝不回头的故事来看，这种对于梦想的坚持以及最终萌生爱情的可贵，这“毫无疑问”才是影片最大的主旨。所以，片名一语双关，把背井离乡的艰辛和追逐梦想的坚定都表达了出来，用得非常巧妙。有时候，我觉得这才是我们学习外语的真正动力，在每种语言之中，那些有着特殊用法或者深层次含义的语句，翻译是很难做到尽善尽美的，唯有去看懂原文，才能体会到其精妙之处。

扯远了，回到音乐上来。《大地雄心》的原声音乐作者，就是约翰·威廉姆斯本人，关于作者我就不多叙述了，讲过很多次。原声的版本取自片尾曲的后半部分，曲风为典型的进行曲风格，节奏很快。这种曲风是威廉姆斯从1984年洛杉矶奥运会主题曲之后就形成的专属风格。你在听这首曲子的某些部分一定也能感受到那种浓浓的奥运风。威廉姆斯对打击乐和管乐的喜爱程度要远超同时期的所有其他音乐创作者。所以在音乐中大量使用了军鼓、定音鼓和长号等乐器，以突出音乐的力量感。当然，从影片的立意来看，这种力量感和励志的故事本身也是相匹配的。
在《电影小夜曲》之中，威廉姆斯自然也针对协奏曲的方式进行了改编。前半部分依然采用了进行曲的原本风貌，但将大提琴合奏的部分改成了帕尔曼一个人的炫技。此曲也是整张专辑之中，唯一的一首充满了小提琴炫技的曲子。你所有能想到的小提琴的炫技方式在这首曲子中都有淋漓尽致的体现。我还是那句话，帕尔曼的音准不是世界第一，但作为全球公认的大师，你还真在这首曲子里挑不出什么毛病。
曲子的后半段一改进行曲的风格，恢复到了小夜曲的曲风，毕竟专辑名字就叫做小夜曲，不朝这个方向改编有些说不过去。所以，在这部分，我们又回到了和前面所有曲子一样熟悉的抒情调子上。帕尔曼也是再次充分抒发了自己对于这首曲子情感上的理解。以至于我反复将原版和此曲放在一起对比听过之后，愣是有了一种出戏的感觉。因为，两首曲子的风味实在大相径庭，要不是音符还是那些音符，我甚至一度会认为那是毫不相干的两首作品。也许这种感觉就像是我们有时候盯着一个字仔细看，时间久了就会发觉这个字正在一步步变得陌生，以至于有那么一刹那我们会怀疑自己这个字到底是个啥。但过一会儿再来看，字依然还是那样，但那种感觉却瞬间消失了。音乐也是如此，那种既熟悉又陌生的感觉，偶尔也会浮现出来，让我们产生出了一种对于真实的怀疑，此刻的你其实不必惊慌，因为恰恰这种时候，正是佛家所说的入定，只有非常专注的时候才会有这样怀疑一切的能力，如果大家也有类似的经历，那么恭喜你，长此以往，也许即将打开通往精神世界的一扇窗户。同时，也欢迎大家在评论区分享您关于此类情况的经历。
好了，本期节目就是这样，恭祝大家新春快乐，万事如意，虎年行大运。

欢迎来到电影留声机栏目。今天我们继续上一期的《电影小夜曲》音乐赏析，为大家讲解这个专辑之中的其他曲目。第一次听我节目的小伙伴请记得点点关注，今后就不会错过最新的节目了。
今天首先给大家介绍的是专辑中的第三首曲目：爸爸，你能听到吗？这是一首来自1983年的电影《杨朵》之中的插曲，话说“杨朵”这个名字实在是太过于中文化，甚至包含有一丝丝的乡土气息，以至于很多人初次看到这个片名的时候，都会以为这是一部国产电影。所以在后来也有翻译成《燕特尔》的，这样无论在发音上还是避免产生误会上都起到了积极的作用。电影讲述的是犹太女子杨朵在二十世纪初的东欧为了追求梦想而女扮男装求学的故事。 

电影由美国著名女星芭芭拉·史翠珊自编自导自演，包括其中的这首插曲演唱也是她亲自完成的。现在大家听到的就是电影的原声版本。曲子由法国著名导演、作曲家米歇尔·勒格朗写作。该曲目获得了第56届奥斯卡奖的最佳原创歌曲提名，但最终惜败给了一部叫做《闪电舞》的电影同名插曲，不过那部电影我从未看过，曲子也没听过，所以在此无法做出相应的对比。我们只是单纯从这首插曲的风格之中能够明确地感受到女主将自己心中所有的苦闷都通过一首歌的方式宣泄了出来。

而到了1997年的《电影小夜曲》这张专辑之中，曲子自然完全重新做了编曲，去掉了人声，用小提琴取而代之，然后重新写作了开头女主用讲述来倾诉和祷告的部分。改成了一段小提琴的solo，但凡只要看过电影或者听过原版歌曲的朋友，我相信都会认同这段solo的改编可谓是相当精彩。该段solo持续大约1分09秒左右，其旋律实际上就是取自主旋律的一部分，但把主人公那种渴望倾诉，但又无人可以倾诉的心情表现得淋漓尽致。
等到管弦乐加入到曲子中的时候，与原版歌曲开始演唱的部分相吻合。此段在原版演唱中是用了一种艺术的表现手法来展示主人公的内心世界和倾诉的渴望。毕竟作为常人来说，心情苦闷的时候谁都不会用唱歌的方式来表达情绪吧，这其实是用歌剧的形式来融入到电影之中。当然，一些纯粹的音乐电影也会采用类似的方式来展现剧情。
而在专辑中纯粹用小提琴协奏曲演绎的方式，对我这样的更喜欢写实主义的观众而言，也许用这样的音乐作为背景音乐，而镜头中只用台词来表演的方式也许更加符合我的口味。
编曲上，管弦乐的背景音乐部分和原版几乎一致，没有什么差异。但小提琴相较于史翠珊的歌声，我毫无疑问会更喜欢小提琴的版本。这不仅仅只是帕尔曼近乎完美的演绎，还因为我觉得小提琴这种柔美至极的音色似乎更加能够突出曲目所想要表达的情绪。
也许在电影之中，演唱的存在是一种将台词和歌曲巧妙融合的方式，不仅能让观众听到好听的旋律，还可以用歌词推动剧情的发展。但作为单独聆听的存在，帕尔曼的演绎更加能够打动我的内心，让我深切地感受到一种悲情的氛围，一种被聆听的渴望，以及一种由内而外的畅意抒发。这种对于情感的精确把控，正是帕尔曼的琴声能够打动全世界的根本之所在。

今天要给大家介绍的第二首曲目是1994年意大利电影《邮差》的主题曲。一提到意大利，大家自然会想到浪漫主义。确实，《邮差》就是一部关于诗歌，关于爱情，也关于死亡的浪漫主义电影。有人也许会说，死亡为何会与浪漫有关？其实这正是这部电影的高明之处，如果人生处处都只有顺风顺水的惬意，也许，悲剧也就悄悄临近了。电影中的主人公喜欢诗歌，也机缘巧合之下结识了自己崇拜的流放诗人，并通过诗人赠与的诗歌获得了美女的芳心。对于一个曾经口舌笨拙且事业毫无进展的人来说，认识诗人之后的生活可谓是一帆风顺。但最终的结局也让人颇为出乎意料，带有一丝浪漫地悲剧色彩，至于具体是什么还请各位听众自己到电影中去寻找答案吧！

影片的原声音乐来自阿根廷裔作曲家路易斯·巴卡洛夫，他为电影创作的原声音乐获得了1996年第68届奥斯卡金像奖剧情片最佳原创配乐的殊荣。不过他在原版配乐中大多采用的是小型室内乐队的编曲风格，现在大家听到的就是原版的主题曲。其中采用了手风琴、钢琴、贝斯、打击乐等元素，制造了一种地中海风格的浪漫情怀，情绪表达上还带有一丝飘逸和诙谐幽默的氛围，让曲目更加符合影片剧情的走向。
当然，作为影片的主题曲，在影片之中也曾多次出现，所以在编曲上也有着多样化的表现，比如现在大家听到的是西班牙吉他和手风琴合奏的版本。同样的旋律，在这里却表现出了些许悲情的意味。当然，这也暗示着整个片子最后有些悲剧的走向。但音乐的张力却丝毫没有将浪漫二字落下，仍然将意大利这个不会悲伤的国度在音符中深刻地刻画着。
回到《电影小夜曲》中来，开头的引子部分忠实于原版主题曲。但乐器的主角换成了小提琴，其他乐器也被管弦乐所取代，但仍然在背景之中加入了手风琴和吉他的元素。只不过戏份被大幅削弱，给小提琴的表演增加了厚度。
曲子的中后部也重新改编了旋律，写成了一首完整的ABA三段式的曲子。其中的第一段和第三段都是小提琴作为主角，而在第二段的过渡之中，管弦乐将主角取而代之，声场一下子加大了好几倍，成就了一段改编得很牛的副歌部分。在第三段之中，小提琴提升了一个八度进行的演绎将曲目带到了高潮，完美展现了原本旋律的优雅和浪漫，当然，如此一来，其中的悲情元素基本就消失殆尽。不过作为重新编曲单独聆听的曲子，这样的改编是完全可以理解和接受的。甚至作为一个看过电影的人而言，这样的改编更加能够唤醒他当初看电影时的那些记忆，从而感受到曲子带给他的温暖和时间的跨度。
帕尔曼先生在该曲目的演绎中，同样也没有使用过多的技巧，甚至比刚才介绍的上一首用得还少，但同样在情绪的把控上做到了尽善尽美，音准也是专辑之中超水平的发挥。那些从低音到高音的迅速转换，无不体现着大师的专业程度，让整首曲子都洋溢着一种流淌的幸福之感。
好了， 今天的节目，我们就先欣赏到这里。下一期，我们继续讲述《电影小夜曲》之中的其他作品，下周不见不散。

从今天开始，我打算给大家详细讲一张专辑，名字叫做《电影小夜曲》。这张专辑是我最喜欢的专辑之一，不仅收藏了电子版，实体专辑也购买过。

之前都是从每一部单独的电影给大家讲解，因为每次只讲一部电影或者电视剧的话，我就能够从电影台前幕后的各种观点讲起，也很容易加入自己的观点，最后再回到音乐上来，结构会比较完整。但在音乐市场上，这类型的电影音乐合集也是原声音乐的重要组成部分。他们往往会精选出某个时期之中最好的电影音乐来做成这样的合集，甚至重新编曲和演绎，让听众有耳目一新之感。这类专辑讲起来就比较麻烦，因为其中涉及到的电影很多，我就不可能单独针对某一部电影展开来讲，只能通过简介的形式一笔带过。因此，我会把重点放在音乐的讲解上，尽量做到每一首曲子都能讲得比较详细。请大家注意，针对这个专辑的讲解将会形成一个系列，请还没有订阅的小伙伴记得点点订阅，这样就不会错过今后的节目。

以我今天打算开始讲的这张《电影小夜曲》为例，它一共精选了13部电影的精彩配乐，涵盖了大几十年的欧美电影。专辑之中的曲子也不是简单的拿来主义，而是在原作的基础上精心制作的，有部分曲目甚至做了全新的编曲，但基本上依然尊重原作的编曲风格。不过，无一例外的，经过约翰·威廉姆斯的重新编曲之后全部改成小提琴协奏曲。之所以要这么改编，和负责演绎的另一位重量人物有直接的关系。

我们先来简单介绍一下这张专辑的主要大佬。首当其中的自然是专辑的策划和发行人约翰·威廉姆斯。关于他的简介我在这里就不做赘述，以前的节目介绍过很多次，大家只需要记住一个关键点就好，那就是约翰·威廉姆斯是好莱坞音乐制作人之中，古典气息最浓，同时也是最成功的的作曲家和音乐人就好了。他所写作的大多数电影音乐基本上都是有着明确的篇章质感的，最适合单独聆听。

关于约翰·威廉姆斯制作这张专辑的最早起源，还得追溯到1992年他为斯皮尔伯格写作《辛德勒的名单》的配乐之时。当时威廉姆斯在创作的时候，就写作了好几首小提琴的协奏曲，并请来了以色列著名的小提琴演奏家伊扎克·帕尔曼来负责主旋律的演绎，关于这部电影的音乐我已经专门讲过一期节目，感兴趣的小伙伴不妨在稍后可以去翻看之前的节目列表。

而正是当时两人的通力合作，让《辛德勒的名单》的配乐站在了世界电影音乐史的巅峰地位。所以，在1997年的时候，威廉姆斯再次向帕尔曼发出了诚挚的邀请，请他一同来演绎一张好莱坞音乐的总结性专辑之时，帕尔曼欣然应允。两人一同研究并选取了13首经典的旷世之作，于是就有了一场跨越半个世纪的音乐之旅。

帕尔曼1945年出生在以色列的特拉维夫，4岁的时候因为小儿麻痹导致下肢瘫痪，所以他也是一位残疾人艺术大师。残疾的身体并未影响他对于音乐的热爱，13岁就在演奏小提琴上一举成名，其后一发不可收拾，在上世纪八九十年代获奖无数，成为了当时全世界最好的小提琴演奏大师之一。帕尔曼也许并不是音准最好的小提琴大师，但他演奏过程中丰富的音色和技巧，以及渲染最到位的情感才是他能够站在顶峰的因素。可以这么说，听他的作品，你会发现他并没有过多的炫技，而是将重点放在了情感的表达上，他对所演奏的每一首作品都有着自己独特的理解，并且这种理解通常还能够获得大多数听众的认可，单此一点，就足够让其他古典大师佩服得五体投地。

该专辑的制作发行还获得了匹茨堡交响乐团的大力支持，该乐团是个百年老牌乐团，一直活跃在世界各地，演奏水准也是相当高。但令我比较疑惑的是，约翰·威廉姆斯一直都是波士顿交响乐团的首席指挥，不知道为何会将这个专辑的录制交给了匹茨堡交响乐团，在我查到的相关资料当中也没有交代这个问题。我估计应该是和帕尔曼先生的个人喜好有关。但不管如何，该专辑推出之后，便迅速登上了美国Billboard跨界音乐排行榜的第一名，匹茨堡交响乐团也被听众亲切的誉为“最伟大的美国交响乐团”。

好了，关于专辑的介绍就先聊到这儿，下面，我们就正式进入专辑的曲目，今天一共为大家讲解两首作品，第一首叫做“紫色主题”，来自1985年斯皮尔伯格执导的美国电影《紫色姐妹花》，这是一部关于黑人的女权题材电影，用现在的眼光来看，那是绝对的政治正确。但要知道，那是1985年的电影，距离真正的世俗社会抛弃对黑人的歧视还不到20年，斯皮尔伯格就已经开始揭开那块民粹主义的伤疤了，在当时确实也引起了不小的争议，算得上是一件伟大的事情。

曲子开篇用管弦乐营造了一个清新的氛围，在极短的引子之后的整个第一段都是小提琴的平铺直叙，让人能够很明确感受得到生活的美好。

但随着一段螺旋下降的音符之后，大约在1分30秒曲子出现了转折，旋律进入副歌，小提琴突然变成了演奏和弦，主旋律则由管弦乐完成。但此时大家会发现负责主旋律的声音依然无法强过小提琴，这也是协奏曲通常会采用的一种过渡方式。该段音符较为饱满，节奏也较快，带动着电影剧情的发展，展示了主人公繁忙的生活场景。

在2分50秒到3分20秒左右，一段完全没有小提琴协奏的副歌完成向主旋律的转换，管弦乐丰富的层次将曲子推到了高潮之后小提琴再次成为绝对的主角，但此刻小提琴所表现出来的音色明显带有悲伤的氛围，一直到曲终，暗示着电影后续悲剧的走向。

第二首，是一首非常著名的阿根廷探戈舞曲，中文名叫做《一步之遥》。很多朋友听到此曲就会不由自主地联想到1992年的电影《闻香识女人》，但其实这首舞曲是1935年由阿根廷歌手卡洛斯·葛戴尔作曲，亚法多·勒佩拉作词，一开始是吉他和手风琴演奏，然后有演唱的作品，后来逐渐演变为小提琴、钢琴和手风琴协奏，甚至有的版本仅保留了小提琴协奏。曲子讲述的是一个小伙子追求一个美女，最后就差了一点点就得手的故事，曲风铿锵有力的同时还有着些许的诙谐幽默，充分展示了精神小伙追求白富美的决心和最终未能得手的遗憾和失落。

曲子风格是探戈，源自一种南美拉丁舞蹈。节奏为典型的四二拍，所以舞者通常可以很舒服地踩到节拍上。当然，好的舞者必须在完美契合节拍的同时要能够融入更多的肢体语言，带动出应有的情绪，从而打动所有的观众。

引用过这首曲子的电影实在是很多，具体的我在《闻香识女人》那一期之中有过专门的讲解。在《电影小夜曲》这个专辑之中自然演绎的就是小提琴协奏曲的版本，其实在电影之中，也是小提琴协奏曲的风格，只不过原版的录音效果只是一个室内小型乐队，有钢琴、有手风琴等更多的元素，小提琴并不是很出彩。

但在这个专辑之中，编曲做了协奏曲的倾向性，小提琴自然成为了当仁不让的主角，且还有大编制的加盟演绎，可以说是豪华至极。而且相比起电影原版的2分半来说，改编版本长达3分50秒，加入了完整的引子和副歌来做过渡，同时还有小提琴的solo部分，让层次感变得非常丰富，同时录音也相较于原版有了巨大的提升，毕竟一个是为了电影而营造的空间氛围，一个是专门为了聆听而制作的大编制声场，对比起来听的话会有非常明显的差异。

感兴趣的小伙伴可以翻出《闻香识女人》那一期来仔细对比，相信您一定会同意我上述观点的。

好了，本期因为有专辑的简介，所以单曲赏析就先讲两首，下一期开始我们会专心讲解曲目，但也会根据讲解的复杂程度决定当期曲目的数量。不过大家可以放心，整个专辑的每一首曲目我都进行讲解，所以会形成一个完整的系列节目，讲解不易，请大家耐心等待，并订阅我的专辑，谢谢大家，下期见！

转眼已经是2022年，不知不觉做这个节目已经快100期了，2年多的时光飞逝，感谢所有听过我节目的小伙伴，是你们的存在，让我一直坚持到了现在。在此，祝愿大家在新的这一年中，健康平安，幸福开心。也祈祷疫情早日结束，让所有因此受到苦难的朋友们早日回归到正常生活中来。
在去年的某个时候，无意中发现了一部非常棒的美剧《黄石》，一开始看到这个名字的时候，我以为是一部关于黄石国家公园的纪录片，但定睛一看之后，发现是剧情片，主演还是大名鼎鼎的好莱坞老戏骨凯文·科斯特纳，再加上封面那种扑面而来的西部片风味，一下子就吸引了我全部的注意力。
花了几天时间，当时一口气看完了已出的全部三季内容，不得不感叹姜还是老的辣。凯文·科斯特纳自导自演的这部美剧，可以说是最近几年里最好的美剧，它就像是一部超长的电影一般，将蒙大拿州黄石农场的前世今生，农场主与印第安人原住民之间的恩怨情仇，以及外来者对土地和利益的渴求之下，与上述两方展开了血雨腥风的斗争。在这几方角色之间，一会儿相互仇视，一会儿又会因为第三方的存在而抱团取暖，同仇敌忾。这活脱脱就是一出小三国。故事将人性的纠结和狡诈展现得淋漓尽致。以至于在片中，你竟无法简单的以好坏来区分一个人。

就像主角约翰达顿一样，你说他是个好人吧，他却用最简单粗暴的拳头来管理农场，甚至还用在人身上烫出农场烙印的方式来要求员工宣誓忠诚。但你要说他是个坏人吧，他却将农场员工视如己出，给予最好的福利，甚至还帮每一个受到欺负的人讨回公道，并努力维系着这一方水土。你所谓的好与坏，只与你所持的立场有关。正如第四季中出现的一句经典台词一样：“这世间本无对错，也没有公平和道德，这些字眼都是一些道貌岸然的人发明的，用来吓唬和羞辱那些想要要回自己东西的人的话语而已。”而且，这么有道理的一句话，竟出自一位剧情中的所谓的反派，这是他用来教育儿子的一句话。那你说，这人到底是好是坏呢？其实也好也坏，关键在于他通过什么手段来达到什么目的。这其中有时候目的并不是坏的，但执行的过程中，却是坏的。
所以，人性的复杂程度在片中有着完美的展现，这也非常符合我的审美品位，我很讨厌那种非黑即白的幼稚人物关系设定，因为如果人性真的那么简单，那这个世界也就简单了，哪里还来那么多战争和文化冲突？当然，人的认知水平也是随着阅历的增加在不断进步的，我们也不能单纯的就排斥那些非黑即白的作品，毕竟受众群体不一样。

《黄石》这部片子除了故事本身的精彩之外，其中的自然风光也是一绝。故事发生的地方在美国的蒙大拿州，著名的黄石国家公园也确实有一部分属于该州，达顿的农场也是因此而命名。片中虽然没有一个镜头涉及黄石国家公园，但所呈现出来的蒙大拿自然风光，似乎也丝毫不输给国家公园。近景的牧场，中景的森林河流，远景的雪山蓝天，在其间点缀着牛仔与牛群，错落有致的农场房屋，构成了一副人与自然和谐发展的动人画面。有人在努力维持现状，但也有人想创造一个所谓更美好的未来。于是，故事就这么开始了，几方势力之间在这片绝美风光的土地上相互博弈，甚至相互厮杀，就展开了一副壮阔的画卷，成就了一个故事，也形成了一段历史。

相信看过该片的观众对其中的牛仔文化也有着浓厚的兴趣，在此之前，一提到牛仔，大家首先想到的应该是德克萨斯州，传统意义上很多美国的西部片，也是阐述了在德州的各种故事。其荒凉的戈壁沙漠，漫天尘土的小镇，成为了中国观众对牛仔生活的刻板印象。但在《黄石》之中，我们看到的却是完全不一样的牛仔和他们的生活环境，优雅惬意，干净清爽，与原本的印象似乎脱离了实际。但这只是我们了解得少而已，要知道，整个美国中西部地区的十六个州之中都有牛仔文化的存在，其中的怀俄明州才是美国公认的牛仔之乡，但最出名的却是德州。

具体的十六个州名我做了一张图片放在文字区，大家可以看一下，具体的州名我就不一一念了。在这些州之中，各自的牛仔文化也有着一定的区别，有的更加复古，诸如堪萨斯州和伊利诺伊州，有的则比较现代，比如德州和蒙大拿州。而蒙大拿州依靠着丰茂的水草和广阔的疆域，成为了美国最大的农业州和牛群数量仅次于德州的第二大畜牧业州。当然，也因为其疆域中还有着仅存的一些印第安人自留地，也才有了《黄石》故事之中那些精彩的恩怨情仇。

所以，在此，强烈推荐大家去观看这样一部震撼人心的好作品，跟着它的节奏，缓缓走进人物的内心世界。领略那些不同文化之间，以及环境和发展之间的冲突。故事所需要的背景知识不多，我在上述文字之中，也基本讲清楚了，在听过我的节目之后再去观看，应该能有比较全面的认知。

好了，讲完了《黄石》的简介，回到音乐中来。为该片创作原声音乐的是好莱坞著名音乐制作人布莱恩·泰勒。他从小就接受了正规的古典音乐教育，曾在多个交响乐团之中任职，1997年出道电影音乐行业，比较擅长氛围音乐的写作，特别擅长动作电影的音乐制作。大家比较耳熟能详的《速度与激情》第5、6、7、8部、《第一滴血4》、《复仇者联盟2》等作品均出自他之手。
说实话，他写作的音乐氛围感太强，配合着画面那是绝对的优秀，但单独聆听的时候却不是很出彩。给《黄石》创作的大多数音乐也属于氛围音乐，不过相对来说单独聆听还算是比较舒服。营造出了蒙大拿州绝美田园风光的惬意，正如现在大家听到的这一首The end of us，四二拍的节奏，模拟了骏马在草原上小跑的舒适，有人说了，为什么不是奔驰而是小跑呢？你仔细听节奏啊，外加吉他和小提琴点缀出来的明亮的音色，这绝对是有氧运动的小跑而不会是奔跑。
但曲子在后半段明显不同于前半段，显得阴沉而沮丧，这部分是为了点题，毕竟曲名叫做我们的结局，在结合前半段欢快畅意的氛围，更加能够对比出一种略显悲壮的意味。

第二首，黄石主题。曲子的节奏上用了类似上一首的风格，但要更慢一下，体现的不一定是马儿草原漫步的感觉，结合着雄壮的音符，更像是一个牛群走出了齐步走的感觉。
曲调上，主要采用管弦乐做成了三个声部，大提琴负责初始旋律，进入第一次重复之后，小提琴提升一个八度负责旋律，大提琴负责和弦，管乐负责加强氛围感。这样的好处就是主旋律其实很短，但通过不同的配器和演绎，就能让曲子形成一个独立的ABA三段式。
在剧集当中，这首主题被裁剪成1分08秒的短版，去掉了中间的副歌部分，听起来会更震撼一些，毕竟没有了过渡，节奏上保持了完整性。但有副歌的长版更适合单独聆听，时长也达到了2分28秒，更接近一首完整作品的时长，增加的副歌也起到了对听众情绪上的调整，不是一味的雄壮，中间过渡一下，能让耳朵更加舒服一些。

第三首，天堂之门。这是一首出现在第四季之中的插曲，具体在哪里希望大家自己去找。这首曲子是一首典型的美国西部乡村民谣，其中的弹拨乐器除了吉他之外，用了一种美国西部独有的班卓琴来表现其独特的音色。但其实这首歌更有特色的地方在于演唱者正是凯文·科斯特纳的女儿丽莉·科斯特纳。其干净清爽的嗓音让人一听就能喜欢，展示了乡村民谣的最朴素也最亲切的一面。
这首歌出品方则更有意思，名字叫做凯文·科斯特纳和西潮乐队（Kevin Costner & Modern West）。这个乐队是凯文·科斯特纳2005年组建的一支乡村民谣乐队，2008年发行了第一张专辑，名声还不错，当然，我也是因为做这个节目才找到这些资料，也才知道原来凯文·科斯特纳除了是个老戏骨，原来还是个实力派歌星，妥妥的影视歌三栖明星。

当这期节目上线的时候，《黄石》的第四季也已经完结，正当我意犹未尽之时让我比较惊喜的是，我发现了一个《黄石》的衍生剧《1883》，准确的是应该是《黄石》的前传，讲述的是第一代达顿抵达蒙大拿创立自己农场的故事，目前刚刚开始更新，整体风格和制作手法与《黄石》如出一辙，编剧都是同一个人，叫做泰勒·谢里丹，我查了一下他负责编剧的电视剧，基本上评分都还挺高，包括最近也比较火热的《金斯顿市长》，等有机会再讲述他的其他作品吧，今天就先这样，我们下周见！

我在之前的节目中提到过，好莱坞电影史中，有一个年代比较特殊，就是20世纪的末期的1991年到1995年。在这几年之中，诞生了诸多的最优秀的影片，诸如《阿甘正传》、《辛德勒的名单》、《肖申克的救赎》等等，这些影片所取得的成就以及评分，至今都牢牢霸占着前几位。同时期的中国香港电影也同样取得了辉煌的成就，比如徐克的武侠作品系列，吴宇森的枪战电影系列，都是那个时期最好的电影。虽然这些香港电影从意识形态以及人性思考上未必有上述好莱坞作品那么深刻，但他们的存在也确实是一个时代和一个地域的缩影，同样也做到了傲视后来的香港各类影片。
而从中国大陆来看，这个黄金年代到来得稍晚，但持续时间要更长，大约是1993年到2002年这个区间。在这期间，也诞生了很多国产优秀作品，同样做到了至今几乎无人超越。这其中，有电影诸如《霸王别姬》、《我的父亲母亲》、《阳光灿烂的日子》等，也有电视剧诸如《水浒传》1998年版、《三国演义》1994年版，以及我们今天要给大家介绍的《雍正王朝》等等。
很多朋友都喜欢将《雍正王朝》和《康熙王朝》放在一块儿来对比，诚然，两部作品都是良心剧，也同样都是二月河的小说改编而成。在豆瓣上的分数也仅仅相差0.1分，《雍正王朝》险胜。但就我而言，雍正王朝的水平其实要远高于康熙王朝。

很多朋友可能不同意，认为从人物塑造上来看，陈道明的康熙足够霸气，看起来很过瘾。没错，单纯从演绎的角度出发，我也认为康熙王朝的戏剧性是更有张力的。但我们不能忽视一个概念，那就是对原著的忠实程度。
影视作品都有剧本，而剧本要么来自于编剧的创作，要么就是编剧改编自某个作家的小说。从两个电视剧的改编程度来看，雍正王朝无疑是更贴近于原著的，改编的部分很少。而原著本身也不能算是完全演绎的，作者二月河也是根据清史稿和其他各种史料的记载，在不改变所有事件发生的时间和进程的情况下，只假想了人物当时的情绪和对话，所以二月河的小说从某种程度上来说算是一种历史演义。当然，我们也不能就把二月河的小说当作正经的历史来看待，但至少对于普罗大众了解那段历史的基本面貌是没有问题的。

所以，更贴近于二月河原著的电视剧，也就更贴近相对的真实。但有的时候，观众要得不见得是真实，而是好看，所以康熙王朝在这一点上可以说是牢牢抓住了观众的心，将康熙大帝的人物个性和一些宫闱轶事故意夸张和放大，成就了吃瓜群众对电视剧的津津乐道。
除了贴近于原著，细节的刻画很到位也是雍正王朝险胜的原因之一。众所周知，雍正和康熙分别是两位皇帝的年号，虽然自登基那一刻开始，这个年号就伴随这位皇帝终身，但作为皇帝本人，是不会以这个年号自称的。所以，在康熙王朝中，陈道明有时候会说我康熙如何如何是压根不对的。这倒也无伤大雅，不过片中斯琴高娃饰演的康熙的奶奶孝庄文皇后动不动就口呼我孝庄如何如何就是个十足的笑话了，因为孝庄是一个谥号。何谓谥号？就是死后才有的一种尊崇的名称。孝庄文皇后就是康熙在祖母死后奉上的谥号。活着的时候孝庄本人是压根不可能知道自己会被称为孝庄的，更不会用一个死后的尊称来称呼自己。那么，孝庄活着的时候被称为什么呢？在皇太极时期称为庄妃，在顺治年间称之为圣母皇太后，等到康熙登基之后则称为：昭圣太皇太后。而如果孝庄要自称的话，通常为本宫，或者老身。而清朝皇帝的自称通常只有一个字：朕。只有当面对极亲近之人的时候也会偶尔说“我”。

雍正王朝之所以这些细节做得很到位，也正是因为小说的作者二月河本身也参与了剧本的改编，我们可以在电视剧的演职名单之中明确的看到二月河作为编剧的存在。但在康熙王朝之中，编剧就没有了二月河，这也许正是二者在细节上存在差异的根本原因。
不过，话说回来，上述论断纯属吹毛求疵，丝毫不会影响两部电视剧的优秀程度，甚至可以这么说，自从诞生了这两部电视剧之后，巅峰的地位也就直接被奠定了，别的帝王局就再也拿不上台面，于是，导演们就开始将视线转移到后宫，拍出了更多人们爱看，但实则狗血的各种宫闱闹剧，娱乐娱乐也就罢了，什么雍正篡改遗诏，将“传位十四子”改成“传位于四子”之类的搞笑桥段偏偏就有人就信以为真。要知道清朝皇帝的传位诏书是满蒙汉三种文字书写的，你改一个试试？更别说上面除了你是老几之外，名字也是实打实写上去的。那么复杂的笔画，怎么改？就算汉字能改，蒙文和满文怎么办？所以，给你正剧看你不信，胡说八道的你偏信，就真的没办法了。
《雍正王朝》上映于1999年，电视剧因为制作豪华，在当时原声音乐还不太受重视的年代也还是给片子制作了一些氛围音乐。在那个年代，通常会将音乐制作的主要精力放到片头片尾的主题曲上。这个习惯直到最近几年的电影电视剧之中才算是有所突破，为我们这些原声音乐爱好者提供了越来越多的可单独聆听和欣赏的作品。

在《雍正王朝》中，剧组请来了作曲家徐沛东先生为该剧创作主题曲和原声音乐。徐沛东是我国一级作曲，曾任中国文联副主席，在上世纪80-90年代为很多电视剧创作过主题曲，很多作品在我们的父母那一辈可以说是耳熟能详。包括1990年北京亚运会的主题曲《亚洲雄风》、1989年电视剧《篱笆·女人和狗》的主题曲《篱笆墙的影子》以及那首被认为是经典曼德拉效应的歌曲《爱我中华》，歌词里面的“五十六个星座五十六支花”，被很多人怀疑记忆曾被篡改，因为他们坚信听到的曾是“五十六个民族五十六支花”。不知道大家对这首歌的歌词到底是什么是否有印象，不妨在评论区留下您的答案。
其实说实话，徐沛东老师为雍正王朝所写的音乐，并没有特别出彩之处，属于典型的氛围音乐。但因为片子实在太过优秀，以至于我看过不下3遍，所以爱屋及乌，也想来讲讲其中的部分音乐。
现在大家听到的这一首叫做《情债》，是全片之中为数不多用来烘托情感氛围的曲子。曲子开篇用洞箫配合管弦乐共同演绎，也是一种中西合璧的运用手法。曲调悠扬婉转，表达和营造了一种极其孤单的氛围。让听者无不动容，这种氛围可以对画面之中交代的事情起到推波助澜的作用，让观众更好地融入到情节中去。
曲子是一首两段式的创作，后半段通过一段弦乐的过渡转化到第二段乐曲之中，但在这段旋律上，洞箫提升了一个八度，强烈的孤独感转变成了一种沧桑感。预示着情感上的升华，从而对人物的内心可以更好地配合画面来展现。
第二首，深宫。曲子开篇的引子用人声合唱加上一些缥缈的音色，营造出了深宫大院的情景。在音符中，我们能明显感受到宫墙之内的不食人间烟火之感，用来突出皇宫与民间的根本不同。
引子过后，曲风一转，用弦乐一下子将这种氛围从天上拉回到了人间。预示着再讳莫如深的皇宫之中，其实也是人间的一部分，只是在这部分之中，有着其特殊性，无论是规矩还是人，都与民间有着截然的不同。同时音乐中还暗含着一种忙碌紧张的情绪，似乎在刻意暗示着，天子虽只有一个人，但却有无数的人在围绕着天子转，为这种至高无上的皇权增添了一分肃杀的意味。
曲子的第三部分，在一段管弦乐的高潮之后螺旋式回落，又似乎回到了开头引子之中的那种不食人间烟火的氛围，并轻轻淡出。做到了很好的首尾呼应，刻画了紫禁城该有的整体风貌。

第三首，牧童。该曲出现在年羹尧被赐死的场景中。曲子以童谣的方式出现，却刻意营造成了一种巨大的悲伤氛围，年羹尧一生杀伐决断，平定西北，位列公侯，万人之上，尊贵至极。到头来也只落得一个兔死狗烹的下场，红尘万丈，纵使轰轰烈烈如斯，也只不过是云烟过客。但话说回来，对于雍正来说，兔死狗烹绝不是他的本愿。如若不是年羹尧后来的骄狂无度，也不至于在雍正这种是非分明的君主面前毫无生机。
所以说，雍正一朝，虽只有短短13年，为乾隆盛世的60年贡献了太多的前提条件，可却在身后留下了诸多莫须有的骂名。建议对雍正有着偏见的各位看客不妨再重温一下这部经典的《雍正王朝》或者看一下二月河的原著《雍正皇帝》。再次强调，虽然无论书或者电视剧都不是真正的历史，但也许可以算是最贴近那段历史的小说和电视剧，对于我们普通民众而言，这也许就是了解那段历史最好的工具。
好了，本周就是这样，下周见！

今天给大家奉上我自己故事的最后一集，然后给大家介绍赵季平老师的一些作品。
老规矩，故事开始。
小院儿被拆，给了一些补偿。但在商品房还没有概念的年代，那点补偿几乎可以忽略不计。拿着这点钱，父母也不知道该如何是好。但还好后来赶上了一次“房改房”的政策，也就是说，当时母亲分到的宿舍，可以通过单位制定政策，以一定的价格将房子卖给职工，这个价格肯定要比市场价低一些。我们家就用小院儿的补偿款，再加上父母的积蓄，买下了当时的住所。
要知道，中国人对房子是不是自己的有一种天生的情结，这种情结来自于租房的不安全感。经历过那些动荡岁月的人，彼此之间的信任大幅降低，社会诚信度也进入到历史低点。所以，人们对于房子是不是自己的，非常在意。在顺利将宿舍买下之后，我们才算是心里踏实了。没有了小院儿，外婆自然而然的，又成为了现在房子里的一员。
外公没能等到看到我们现在的房子，在小院里走完了自己最后的时光。外公走的时候很安静，头一天还和家人一起打了麻将，胃口似乎也特别不错，但后来想想，有点回光返照的意味。
外公一生酷爱烟草，这是当兵的时候就形成的习惯。开飞机跑驼峰航线的时候，还抽过美国人的香烟，所以，在给我们讲故事的时候，对烟草的品牌如数家珍，美国的牌子也不例外，什么骆驼牌、万宝路等等，可以细致到品牌里的分支。但据他自己说，他最喜欢的，还是自己做的卷烟。
自己做卷烟，还是在东风农场“改造”的时候学会的。那年月，又是“待罪之身”，哪里能够买到商品香烟，都是自己在农场自己种烟叶，自己晒干，自己切碎，自己卷制。和同病相怜的烟友一块儿，还总结出什么烟叶好，什么香料香，抽惯了之后，反倒觉得商品烟很糟糕，用他的话来说就是“有股子草味儿”。
外公身体因为曾经从军的关系，一直都很好，但烟草最终还是给了他致命的一击。在外公70来岁的时候，就查出了肺气肿，医生要求戒烟，可外公始终不肯。84岁的时候，终于出了大问题，也就直接导致了外公走到生命的尽头。外公虽然走得很安详，但我们在清理遗物的时候，那些为自己申冤的各种材料，还是深深震撼了我们，这也说明了外公其实是含恨而去的，未能获得正式的平反，是外公一生之中，最大的遗憾。
外婆搬来和我们一起住之后，小院儿也成了她挥之不去的心病，时不时就会念叨在小院儿的各种往事。外婆从跟着外公来小城定居之日起，就一直是在小院儿所在的地方。当然，小院并不是一开始就是属于我们一家的，外公外婆那时候是租住，前前后后共经历过十数户人家，最终还是因为房东家道中落，把房子变卖给了各个租户，房子的一部分，才成为了我们小院儿之前的土房子，也就是外公外婆最终扎根下来的私宅。
可以说，外婆的大半辈子，就是在这个小院儿里度过的，虽然房子经历过重建，但地点并没有发生过改变。周围的一切，她太熟悉了，无论是来来走走的邻居，还是巷子中的那几颗柏树，都会在外婆的梦里出现。
如今，这一切都不复存在了，外婆到了一个对她而言极度陌生的地方跟随我们一起生活。虽然依旧在小城里，但对她来说，却和搬到了一座陌生的城市无异。
幸好，外婆相比起奶奶而言，豁达得多，并没有出现让我们太过担心的情况。外婆作为一个四川人，对待饮食的习惯，仍然保留着对家乡的眷恋。所以，我从小也是吃着外婆的酸辣面和回锅肉长大的。外婆似乎也将搬来之后所有的不习惯，全部倾注到了饮食上。这使得我们一家人，在很长一段时间里，对吃什么没有操过半点心，也直接导致了外婆去世之后，父母做的菜，实在让我觉得不合胃口，更加增添了我对外婆，对小院儿的思念。
时光荏苒，在小时候觉得只属于科幻时代的21世纪，就这么悄悄地到来了。我也从一个懵懂无知的孩子，长大成人，开始了自己的生活。在结婚那年，我也在父母的帮助下，买下了第一套属于自己的房子。
那时候，可能年轻气盛，总觉得想离父母远一些，考大学的时候太贪玩，没能考出去就觉得是一种莫大的遗憾，只能在小城继续扎根，所以，就特别想要尽可能的远离父母，成为独立的个体。所以，我买下的房子，在小城的北边，很远的北边。那个楼盘在当时，周边除了小城卷烟厂之外，啥也没有，全是空地。当然，现在那个地方，几乎也可以算是小城北市区的核心地带了，现在再去看看，房子已经建到了山脚下，恨不得把山拆了，继续北进。
有了自己的小家，一开始别提多开心了，几个月不回一趟父母家都是正常的。然而，当我的孩子出生之后，这一切，似乎又不同了。我们两口子都得上班，孩子就得依靠父母来照顾，媳妇儿家原本不在小城，为此还专门搬到了小城。两家人就围着一个孩子转，孩子在哪里，我们就住到哪里。一瞬间，我似乎又回到了最初小院儿里拥挤的时候，家里总是有很多很多人，每个地方都有着至少双重的功能。客厅除了是客厅，还得是孩子玩耍的地方。什么茶几饭桌，统统都得靠边；卧室也不再只是卧室，同时还得是育婴房，房间不够大，放不下婴儿床，我们就只能把一米五的床想办法加宽，在床的一侧垫上各种东西，把床的宽度增加到2米左右。有一次睡得实在膈应，翻开床垫看看到底是出了什么问题，才发现我居然是睡在一块菜板之上！垫着菜板的纸箱塌了一个角，菜板就发生了倾斜，以一个尖角顶着我的背。那一瞬间，我真是哭笑不得，有了一种“人为刀俎我为鱼肉”的深切感受。
再后来，孩子大了些，我们琢磨着孩子也应该有自己的房间了。于是卖掉了北边的婚房，鬼使神差地到小城外很远的地方，贷款买了一套复式的楼房。我觉得当时我们夫妻两，真的是被小房子弄怕了，特别希望房子能够大大的，足够用。但付出的代价就是，必须不在小城里。
小城里的房价，这几年嗖嗖的涨，虽然不像北上广深那么夸张，但和我们的工资相对比，依然贵得离谱。所以，想要大房子，只能往城外考虑。虽然在行政区划上，那个地方依然属于小城，但在距离上，却十足遥远。至少，如果你想要通过走路来达到前往的目的，是绝对不可能实现的。更令人发指的是，即便开车前往还算是挺快，大约20多分钟即可抵达，但却要经过一个收费站。将近10年的时间，这个收费站在政府层面屡次都被要求外迁，因为它的存在，直接制约了小城的经济发展。可不知道什么原因，小城的公路交通部门却在此事上坚定不移地和政府对着干，哪怕是政府下达了限期搬离的通知，都没有能够促使它滚蛋。
回头看看，这些年的搬家经历，竟让我从小城的市中心，越搬越远，直至离开了小城的实际范围。小城也不断地扩大自己的行政区域，甚至，把市政府都搬离了小城，在滇池东岸重新扎根下来，把原本的一个县，改成了小城的一个新区，就此开始了轰轰烈烈的新一轮造城运动。
小城不小了，现在属于小城的很多地方，我都完全不熟悉，偶然经过，却只有一种到了别的城市的感觉。我小的时候，小城对穿仅需30分钟，但我却觉得大得不得了。现在我长大了，小城也扩大了无数倍，但在现代化交通的帮助下，似乎也依然可以做到30分钟穿城而过，似乎这小城的大，也就不是那么大了。
更何况，在我心里，固执地不肯承认这些新增的地方，就是属于我心中小城的地域。我不知道这是否是应验了那句老话，人一旦有些年纪，就不太肯接受新事物了。我并不老，刚过不惑之年，可我怎么就一直对小院儿还在的时候的小城魂牵梦萦呢？时不时，还会带着老婆孩子去看看小院儿那片残存的废墟，心中无限惆怅。
老婆也许并不懂我的这种感受，但母亲懂，母亲说，那叫心结。


好了，以上就是我故事的全部，一共分成了6集，有兴趣的朋友可以连起来听一下。虽然也许故事之中并没有波澜壮阔的历史，也没有曲折反复情节，但这就是真真正正咱们老百姓的心心念念，每个字对于我而言都充满了分量，是我一个人，也是我这一代人的时代记忆。我相信，也许过上10年20年再回头来看看，这些故事会更有味道，在那时候，我也许还会将这个故事继续写下去，让他成为我人生的一个缩影。
下面，我们来介绍一下今天用过的一些音乐。相信对国产电视剧有执念的朋友一定听出来了，部分音乐取材于曾经制造了万人空巷效应的电视剧《大宅门》。

《大宅门》上映于2001年，是一部无论剧情还是拍摄都及其精良的国产作品，导演是郭宝昌。他是根据祖上同仁堂的历史写成的剧本，当然，部分情节是二次创作加工的，目的是为了增加戏剧性。但不可否认，无论中外，但凡有了根据真人真事改编字样的作品，往往评分都很高，就是因为足够真实，比起那些纯虚构的，每个人物都更显得有血有肉，贴近真实。
虽然说艺术来源于生活且高于生活，但目前看来，很多作品不被人们所认可，往往问题就出在这里，高于生活太多，以至于都飘起来了，自命清高，结果到头来观众不买账，却还说人家格调不够。要知道，老百姓毕竟才是这个世界的大多数，如果你期望口碑和票房，那就不能脱离实际，从群众中来，回到群众中去才是效果最好的。

扯远了，我们来说说音乐。《大宅门》的音乐来自于赵季平老师。以前我们也讲过赵老师的音乐，包括《霸王别姬》和《大话西游》，有兴趣的朋友可以稍后打开节目列表找来听一下。因为之前对赵老师已经有过介绍，这里不在赘述。我们就只针对今天用到的这些音乐单独展开。
《大宅门》的整体音乐氛围很有味道，采用了管弦乐和中国传统乐器相结合的方式来演绎，因为故事发生在以前的北京，所以京剧题材在音乐中有大量穿插，因为我不熟悉京剧，所以很多乐器说不上名来，但其中的京胡却还是知道的。京胡本身也是京剧之中非常重要的组成。而将其用到电视剧的配乐之中，在辅以大编制的管弦乐，一下子那种历史的浓厚感就应运而生了。
赵老师在这一首名为“世家”的音乐中，就大量使用了这种中西合璧的创作方式。京胡和京剧氛围打底，管弦乐负责承担和弦和背景音色，整首曲子虽然旋律非常简单，前半段是京胡负责主旋律，管弦乐做辅助，但后半段则在一种二声部的巧妙过渡中完成了管弦乐和京胡相互角色的转换。当然，最后依旧还是京胡塑造的主旋律来做结束。乍看只有一段，但总体细听却还是一个完整的三段式，将时代变迁的厚重感体现得淋漓尽致，是一首非常切题的曲子。这首曲子在整部电视剧之中可以算是一首主题曲，贯穿了整部作品，在很多场景中都能听得到。
第二首，踏雪迎春。其实总的是两首曲子，分别叫做踏雪和迎春，但从意境营造上我个人觉得可以进行合并，所以我将两首曲子放在一块儿来讲。
曲子开篇也是京胡平铺直叙了一段引子，将时间地点交代清楚，然后用笛子演奏了一段嘹亮清新的主旋律，辅以京胡和某种弹拨乐器，描绘了一副雪后初晴，心情大好的爽朗格调，其中一顿一挫的打击乐，就如同主人公的双脚在雪地里走出来的步伐，充满着坚定的力量。
现在大家听到的是迎春的部分，旋律主要采用管弦乐来铺陈，琵琶做辅助，给人一种春潮澎发，气象万千之感。冬去春来，也暗示着时代的更替，所以曲子从踏雪的小调转变为迎春的大调，精气神一下子也就从一个人转变为了一个时代，这也正是作者的高明之处。
其实对于《大宅门》我还有很多没有讲完的话，但思绪万千之下，却有时候不知从何说起，今天的节目就算是开个头，浅尝辄止。待我想清楚怎么说，今后再单独开一期慢慢和大家道来，好了， 本周的节目就先介绍到这里，下周见！

上周因为嗓子发炎说不出话来所以暂停更新了一周，用一个视频节目顶替了一期，在此向所有的会员朋友说声抱歉！
今天我们继续来讲述我自己的故事第五集，讲完之后接着和大家聊聊陈其钢老师的悲情音乐。
老规矩，故事先开始。
随着母亲在单位仕途的升迁，我们一家三口，也跟随着母亲职务的不同，换过好几次房子。而那个我最喜欢的小院，就成了真正的外婆家。
分给我们一家三口住的房子，也不像小院儿是私有的，都是母亲单位的宿舍楼。小城的百货大楼在上市后成为了集团股份有限公司，所以，集团下辖的企业其实也就远远不止百货大楼一个单位了。包括了一整套的百货公司、运输公司、批发营业部、外贸公司、华侨友谊商店等，甚至包括几百公里以外的一个铜矿。后面随着改革开放的深化，中国加入世贸组织后，房地产业集团也有所涉足。
我母亲就在集团下属的这些公司里一会儿管着这个，一会儿又管着那个。居住的房子也因为分属不同的公司，而跟着搬来搬去。频繁的时候，一年多就搬一次家，长的时候也不超过三年。以至于我现在来计算一下，我从出生到现在，平均每五年就搬了一次家。
最一开始，外公还依然住在城西的小山，但后来政府发现了我们已经有了另外的居所，就把外公的房子收回了，外公虽然也很想去城里居住，但那十年的悲惨境遇和至今没有获得的平反，让他接受不了房子被收回的现实。无奈胳膊拧不过大腿，搬回小院儿已经没得商量，外公也就只好默默看着我们帮他收拾屋子，离开了这个他一人独居了10多年的地方。
回到小院儿的外公，脾气越来越暴躁，动不动就因各种琐事和外婆吵架。家里人其实都知道真实的原因到底是什么，但也耐不住天天吵。外婆索性就搬到了原本我们住的二楼，把一楼留给外公，两人各做各的饭吃，很长一段时间都不说话，在一个院子里过起了分居的生活。
俗话说得好，一个巴掌拍不响。这么折腾了一段时间之后，确实吵架的机会少了，我们来看望他们时，也能坐在一起打打麻将吃顿饭什么的。用现在的话来说，求同存异嘛，毕竟在儿女面前，还是要和谐共处得好，自己心烦也别给儿女添乱吧！
但其实，所有人都不知道，这里面最不爽的估计就是我了吧！因为，自从外公外婆开始闹别扭，我就完全失去了回小院儿过夜的机会。在那之前二楼的格局还和我们刚搬走时一样，我想回去就回去，特别是假期里，巷子里也有些要好的小伙伴可以一起玩耍。现在却只能待在父母这边，虽然也结识了几个母亲同事的孩子为伴，但心里总觉得空落落的，直到高中，有时候下课早，我都还是会自己悄悄跑回小院去待上几个小时才回家，也不做什么，就还是和以前一样，趴在阳台上看看花草，张望一下巷子远方。外婆也不说什么，就问问我吃没吃饭，她知道我喜欢这个地方，愿待多久就待着吧！
话说回来，因为母亲工作调动搬的几次家，跟小院比起来实在乏善可陈。那时候母亲的工作特别忙，几乎每个月都要出差，每次时间也都不短。我的学业也日渐繁重。所以，每天似乎也就是学校上课，回家吃饭做作业，两点一线的生活，很是平实。要说印象最深的感受，无非就是感觉小城变大了。

小院儿在市中心，那时候我上小学，从家到学校走路仅需要10分钟的路程。上了中学之后，学校在东边的一环路边上，家里过去骑车得有20来分钟，时间长了一倍，距离可不止一倍。父母说，以前我们学校在的地方，都是田地，再出去一点点就是水域了。很多现在的陆地，都是上世纪六七十年代父母他们围海造田硬生生人造出来的土地。所以现在的小城里，才会出现各种实地看不到一滴水但却有着诸如董家湾、潘家湾、螺蛳湾等有水的地名，让来小城旅游的人万分疑惑，称得上是一种另类的奇观。
小城变大了，以至于很多新的地方都会给我强烈的陌生感。其实这是一种正常现象。很多人一辈子就生活在一个位置，工作和生活的轨迹非常狭窄，对所在城市的了解往往还不如一个外来的租户。外来人员因为工作不稳定，时常需要在城市的各个地方重新寻找落脚点，时间一长，对城市的了解自然也就更多了。要说本地人对城市最了解的，还得是的哥和快递小哥吧！当然，那时候，不叫快递小哥，都是邮政大哥，一身墨绿色的大盖帽制服骑着二八大杠就是他们最典型的标志，如果到了一个地方要问路，问他们一定没错。

等我上了高中，学校在北边，家在东边，距离上就更遥远了。每天都要穿城而过，骑自行车往返所需要花费的时间，将近2个小时。城市的发展再次让我感受到了小城真的不小了，而同时感受到的，还有逐渐遗失的老城。高楼大厦一座座拔地而起，就连原本是小城最高的建筑——工人文化宫都瞬间成为了“矮老挫”。扎堆在周边新建的各种银行大楼里，真的不好看，于是，没多久，工人文化宫就被夷为平地，政府打算在原址上，建一个小城新的地标建筑，并取了个好听的名字“春之眼”，可惜盖到一半儿听说资金链断了，成为了市中心一个极不协调的存在。

与此同时，我们家的小院儿也在这场轰轰烈烈的老城改造当中未能幸免，在上世纪90年代末，变成了一堆破碎的砖块。没有人知道我对小院儿的感情有多深。小院儿要被拆我是知道的，但什么时候拆我就没了概念，我那时就在想，拆的时候，我一定要去看着它，哪怕就是捡回个什么当做纪念都好。可惜，没有人通知我，小院儿就孤独地倒下了。然而，最让我气愤的是，直至今日，小院儿的所在地，却依旧不知道什么原因，保持着被拆毁的原貌，只有杂草长起了一人多高，年复一年，在周围高楼大厦的映衬下，成为了一块极不协调的城市伤疤。


好了，讲完了故事，我们再来说一期陈其钢老师的音乐。上一期我们说的是浪漫的陈其钢，这一期我们来说说悲情的陈其钢。刚好今天的故事对于我来说也是比较悲情的，所以选取的这些音乐在我看来是十分应景的。音乐来自于2011年张艺谋执导的影片《金陵十三钗》。讲述的是南京大屠杀期间发生的一个感人的故事。这个故事最有亮点的地方在于，导演讲述的不是一个非黑即白的情节，而是将人性之中最根本的善与恶表现了出来。原本作为最低贱职业的13个风尘女子为了保护更多的人，却义无反顾的牺牲了自己。这就让许多平时道貌岸然的道德说教者无不汗颜，因为使他们站在道德高地的那套理论在这些风尘女子的实际行动面前瞬间变得苍白无力。
故事上映之后口碑迅速两极分化，有的人说这是对南京大屠杀的一种精神亵渎，在民族大义面前还用这种类似三级片的故事来做假情怀，反正各种话说得极其难听。而另外一些人则站出来说故事是真人真事改编的，是历史中真正能展现战争中人性温度的好故事。
而在我看来，其实这种争论并没有什么对错，只与你所占的立场有关。任何事物都是这样，都有其两面性。你看到哪一面就说明你站在什么立场而已。就像当年纳粹发动战争之时，他们从来都觉得自己才是正义的一方，他们妄图通过战争来改变那些在他们看来落后腐朽的资本主义世界，让国家社会主义这种大同理想的旗帜插遍全世界。而在同盟国一方看来，那就是赤裸裸的侵略。所以，对于战争初期的双方，所占的立场不同，都不会认为各自有任何问题，直到战争结束，有了输赢的前提下，失败的一方才会被判定为错误的一方，从而接受普世价值的审判。
所以，对这部电影产生出两极化的评价我个人觉得毫不意外，甚至还有些高兴，因为人们终于可以在某些时候针对某些事情畅所欲言，充分表达自己的观点，这是社会进步的表现，也是人性得以释放的表现。不过，这种情况在这部电影之后的若干年里，又有了很大程度的倒退，以至于现在承载这些评论的平台都有些噤若寒蝉。关于这一点我也只能按下不表，多说无益。
说回到音乐，《金陵十三钗》的原声音乐也是陈其钢老师创作的。陈其钢老师在该片的音乐创作中，就兼顾了东西方文化的特点，有的曲子是纯中式的，比如现在大家听到的这一首爱情主题，虽然是以管弦乐的方式来演奏的，但曲调本身不可否认就是典型的中式小调，曲子温婉之中带着凄凉的意味，对于影片的核心刻画得非常到位，温婉代表的是女人的天性，而凄凉的氛围却阐述了这些女性悲剧的结局。曲子很短，只有1分多钟，但作为主题在电影之中被变奏过很多次，片头片尾都用过，在电影中对人性光辉时刻的展现起到了画龙点睛的作用。
第二首，秦淮景。曲子开篇非常惬意，展现了金陵盛景之一的秦淮河原本的安详与平和。一个女声以有点美声唱法的方式却唱了吴侬软语的歌词，刻意表现了一种远距离的氛围感，让人听起来如梦如幻。这也正好充分展示了陈其钢老师熟悉东西方音乐元素并将其糅合在一起的做法。后面的小提琴协奏也是这样，虽然只是重复了唱腔的曲调，但节奏稍快，把前面刻意营造的梦中秦淮河推到了世俗的层面，为后面的故事埋下了伏笔。所以，在曲子结尾的地方故意营造了一种隐约的不安。
第三首，天上来的声音。因为这部电影有着教堂这种明显的西方元素，所以陈其钢老师创作的音乐中也会有这种典型的西式风格曲子。这首曲子采用大调的形式谱写，展现了信仰在人们心中的形象，听的时候，会有一种温馨舒适的感觉，就如同在教堂中祷告时听到的唱诗班音乐一样，给人一种积极向善的心理暗示。这种暗示也对影片的故事情节有着积极的推动作用。在影片之中，教堂作为整个城市最后的一块净土，虽然最终也将走向消亡，但其存在过的意义却给了所有在里面躲避灾难的人们以生存的信心。这一点才是影片最核心的意义之所在。
所以，从这些音乐上来看，我个人认为可以算是国产电影里音画衔接最好的几部作品之一。而且，这些音画衔接很好的片子大多也都来自张艺谋导演，不信的话大家可以回头查看我最近讲的这些片子是不是都是这样。张艺谋可以说是非常重视电影原声音乐的导演，也是目前做得最好的导演。其他的导演这几年才开始有所跟进，比如像我节目前面介绍过的《长安十二时辰》和《鹤唳华亭》算是新生代的代表作品，但数量还远远不够，期待国产电影电视剧的导演们在原声音乐上多下些功夫，我一直都期盼着国产原声音乐崛起的那一天早日到来。

今天我们继续为大家奉上《大大的小城》第四集，故事讲完之后，为大家介绍一下国内著名音乐人陈其钢老师的音乐。
老规矩，先讲故事。
请原谅我小时候的记忆模糊，不记得到底在我们临时“霸占”的宿舍楼里住了多久之后，我们原本的家，总算是在原址上重建好了。
重建好的小楼依然是两层，但不同的是，这次是真正的两层，建筑材料也从土坯变成了砖石。虽然面积依旧很小，每层的实际面积不过10平方米，但毕竟那是属于我们自己的房子。交付给我们的时候，一家人简直高兴坏了。当然，在刚交给我们的时候，还是毛坯房，没有装修，国营单位也给了我们一些时间作为转圜。父母就赶紧利用这段时间，给新房来了个彻底的修整。

那时候穷，社会上也没有什么室内装潢设计的概念，我们对于装修的理解，也仅仅只是铺地和刷墙。铺地稍费周折，但也难不倒都是工人出身的父母，他们请了一大帮同事一块儿来帮忙。基本的工序是，先用水泥将地面找平，然后撒上一粒粒“马牙石”，马牙石是我们小城当地的叫法，其本质就是石英岩的一种，白色，略微有透明质感，一粒粒成小石子状，因酷似马的牙齿而得名。等水泥完全干透之后，再用水磨机打磨地面，将其再次平整和起到抛光的作用。最终的成品，我们称之为“水磨石”地面，根据需要，有的人家还可以做一些镶边、添色什么的处理，形成类似瓷砖的花纹，增加美观度。

做完地面就是墙面了，墙面更简单，同样也是水泥找平，然后刮上石灰粉，干透后在差不多齐腰的地方，用墨斗弹出一根直线，然后将直线以下到地面之间涂上绿色的油漆即可。此举主要是因为石灰粉墙面相比起现在流行的乳胶漆完全不耐脏，而且很容易因为天气潮湿而剥落。那时候的居家布局也特别喜欢什么都挨着墙放，中间留出来活动。然而几乎所有的家具除了衣柜都是不超过齐腰的高度，所以墙上涂上绿油漆之后，能增加墙面的耐受度。
把这些做完，比较大的工程就结束了，剩下的就是安装水电。有些有装修经历的朋友肯定会问了，水电不是应该最先做的么？那是现在的流程，其实，在那时候安装水电，根本不会考虑墙面开槽做隐藏，一切都以实用为主，所谓的装修，只是不碍脚，不硌手罢了，美不美观，那是有钱人才会考虑的问题。有些穷人家，甚至直接用报纸贴在墙上就算是装修了。所以，当一切就绪，达到可以入住的条件时，也就用了顶多两周的时间。
等我们全家搬进去的时候，闻着满屋子的油漆味儿，心里美滋滋的。那时候根本不懂什么甲醛对人体的危害，只觉得新房子就应该有股子油漆味，没有这股子味道的，简直对不起“新家”二字。
新家刚才说了，是一栋二层的小楼，虽然两层加起来面积不超过20平米，但最让我们欣慰的，是原本门口的那条狭窄的通道，现在被围墙一挡，就成了我们家内部的小院子，面积不超过15平米。当然，这也是建房的时候迫不得已才划给我们家的。因为从一楼上二楼的楼梯，就修在了这个小院里，楼梯下方的空间则巧妙地利用起来，成为了厨房和卫生间。细心的朋友注意到了，在这里，我没有用厕所，而是用了卫生间。因为，这个依然只是一平米的空间，真正具备了除上厕所之外，还有洗澡的功能。热水的来源是厨房里的一个当时很新奇的灶台。灶台的内部有一圈水箱，利用做饭烧的蜂窝煤，就可以持续不断的给家里提供热水。这个设计在蜂窝煤时代，应该是一个很伟大的发明。正是有了上厕所和洗澡的功能，所以这个小小的卫生间，让我们成为了整条巷子里第一家拥有洗澡装置的人家，正式结束了去公共澡堂泡大池面对各种赤身裸体的尴尬。
从小院的楼梯上到二层，还有个大约5平米不到的阳台，其实就是厨房的屋顶。在外婆的精心操持下，这个小平台，就成了各种花花草草获取光合作用的最佳场所。我记得的有海棠花、灯笼花、君子兰等等。外婆甚至还从隔壁邻居那里讨来一些葡萄的种子，让葡萄藤就顺着楼梯的栏杆爬呀爬，在家门口和楼梯口之间竟形成了一个一米见方的绿色斗篷。我每天放学回家之后，总是喜欢在这个小院之中，帮着外婆喂喂鸡，给鱼缸里换换水什么的，然后就在二楼做作业。等看到二楼小平台一侧的烟囱里冒起烟，鼻孔里传来一阵阵食物的香气时，我的肚子也就开始咕咕叫了。那时候，就一直会在平台张望，透过围墙，看看小巷远处，父母是不是该下班回来了？
现在想想，小院新家的风水一定特别好。因为，我们住在这里的那段时间，母亲的工作顺风顺水，在她和外婆都工作过的小城的百货大楼，从柜台销售员，一直做到了常务副总经理，要不是女儿身，估计就是正职。1993年，她带着公司顺利上市，成为小城的国有企业里，一个璀璨的明星。

那期间，母亲所在的百货大楼还发生了一件轰动全国的案件。一个工人对所在工厂的老板不满，不知道去哪里学会了制作土炸弹，还用工厂制造的洗衣机计时器做成了定时器！他把炸弹分装在百货大楼一楼和三楼的两个位置，设好时间从容离去。三楼的炸弹先爆炸了，那时我母亲在四楼办公，听到响动之后就下来查看。三楼的炸弹所幸只是雷管爆了，炸弹本身没有被引爆。藏炸弹的地方也没有被破坏，所以当时我母亲他们还以为是电路上出了问题。但还是开始组织人员疏散，毕竟闹不清楚到底是什么问题，疏散了人好等专业人士来查看。
正当疏散开始进行的时候，一楼的炸弹也爆炸了。这颗炸弹，当场就炸死了一个女孩，重伤了她的母亲，另外还有轻伤无数。她们两是当时离炸弹最近的人。一楼的炸弹爆炸时，我母亲处在二楼和一楼之间，正在带着人往下跑，顿时被震得跌倒在地，等一片狼藉映入眼帘之时，才明白过来发生了什么。
这样的事情，竟发生在与世无争的小城，不仅震惊了小城的所有人，也震惊了全国人民。公安部专门成立了督办组，迅速锁定了嫌疑人，在全国范围内通缉，很快，就在广州将其抓获。后来据嫌疑人交代，是因为工厂老板用言语羞辱了他残疾的肢体，他就决定报复社会！真不知道这样的逻辑是如何产生的，炸死了人他心中又是如何想的。
这件事对小城的震动是如此之大，以至于很长一段时间里，大家茶余饭后的谈资都一直围绕着这个罪犯。以至于各种以讹传讹的版本流传在民间。当然，最终证明，这个事件，也只是小城沧桑巨变之中的一个小小的插曲。时间就是抹平一切创伤的工具，很快，百货大楼再次开门营业，恢复了往日的熙攘，小城也再没有人提起这场悲剧，毕竟，日子还是要过的。
事后，我的母亲因为在爆炸案中对群众有序疏散起到了重要作用，被予以表彰。此后在百货大楼的仕途一路亨通，达到了事业的巅峰。但这世间的一切，阴极阳生，阳极则阴生。事业达到巅峰，也就意味着后面必将经历下山的险阻。


好了，今天的故事先到这里。下面我们来讲一下前面用到的几首音乐作品。
这些音乐作品来自2010年上映的电影《山楂树之恋》。电影由张艺谋执导，音乐则由陈其钢老师创作。陈其钢老师也是属于比较低调的艺术家，长期在世界各地旅居创作的经历让他对世界各民族的音乐都有领悟，可以这么说，陈其钢老师在国外的影响力要远大于在国内。

国内大家可能对他熟悉度最高的旋律，是2008年北京奥运会上刘欢和英国歌手莎拉布莱曼合唱的那一首《我和你》，那段优美的抒情旋律正是陈其钢老师创作的。同时，陈其钢老师也是08年奥运会开幕式的音乐总监。
今天给大家介绍的几首作品都是《山楂树之恋》中的插曲，第一首叫做隔河相抱。曲子由钢琴和小提琴共同完成前奏，代表了片中的男女主人公，你一言我一语互诉衷肠。其后进入的弦乐重复了一次这段旋律，仿佛两个人的声音都融入到了相隔的一条河水之中。虽然相互都听不到对方在讲什么，但情感却将两个人紧紧联系在了一起。仅仅通过一个眼神，就可以明白彼此的心意，成为一种无形却神似有型的拥抱。最后的部分，小提琴提升了一个调子再次重复该旋律，但演奏上比起开头的部分少了一些温柔的缠绵，多了几分坚定，预示着一种对未来的憧憬。

第二首，陷入沉思。此曲是影片中女主寻找男主未果之后对其心理活动的描绘。曲子依旧温婉动听，用小调尽显女人的柔情和思念之苦。乐器大家听起来像是什么呢？古琴？古筝？还是竖琴？其实都不是，是一种叫做“箜篌”的中国传统乐器，有简单版的也有复杂版的，样子我找了图片放在文字区，大家可以去看一看。样子和西方的竖琴有一些类似，但音色和演奏方式上有着本质的不同。箜篌在这首曲子中可以说运用的效果非常出色，将一个女孩子纯真的爱情观展露得非常到位，有对爱情的渴望，也有找不到恋人的失落。其中的一小段辅以小提琴点缀了一段重奏，更是把这种失落感表达得淋漓尽致。

第三首，他哪里走，我哪里跟。曲调是一首摇篮曲，但通过钢琴和小提琴的演绎，将名字中的信念表现得异常坚定。该曲目还有一个常石磊演唱的版本，我个人觉得相比起演奏版更加好听，但因为版权的原因，我在这里无法做到节目之中，还请大家自行找来听，感觉完全是不一样的。
好了，今天的节目就先到这里，还请大家多多支持我的节目，下周见！

PS：在音频中我将电影《幸福时光》口误为电视剧，特此更正！
今天给大家讲述我自己的故事《大大的小城》第三集。
在上一集故事的末尾，我们讲到了为了去看望住在小山上的外公，我们改装了一辆二八大杠自行车的故事。今天我们则讲一讲爷爷奶奶这边的故事，在我看来，那时候爷爷奶奶的家，几乎就是住在童话世界一般。同样的，讲完故事，我们接着再聊一期三宝老师的优秀原声作品，希望大家能够喜欢。

下面故事开始。

在我们自己改装的边兜车帮助下，我们一家才可能在外公不太方便来的时候，或者是约定好我们去看他的时候，有了一家人能够一起出行的交通工具。但更重要的，则是可以一家人一起去更远的爷爷奶奶家。
爷爷奶奶家住在西边更远的一座山上。那座山就真有点山的意思了，至少在当时是那样的，满山的翠绿，新鲜的空气，光走到山的面前都能够沁人心脾。爷爷奶奶之所以住那么远也是因为工作的原因。他们共同在一家军工厂里工作，爷爷是汽车修理工，奶奶则在工厂食堂掌大勺。同在这座山的，还有当时小城的骄傲“平板玻璃厂”。这个玻璃厂生产的平板玻璃，因为品质优良，透光率高，无杂色，在西南几省远近闻名。为了方便运输，当时的小城铁路局甚至将铁道直接修到了厂里。于是，我至今印象深刻的一个场景就是，趴在爷爷家的阳台上，就能看到黑乎乎的火车头冒着白茫茫的蒸汽从不远处呼啸而来，装满货物之后又冒着白茫茫的蒸汽呼啸而去，异常忙碌。但时过境迁，玻璃厂在开放市场经济的改革中，悄然死亡，仅留下这段废弃已久的铁路，默默诉说着曾经的辉煌。
当时军工厂工人的孩子长大成人之后，继承父业的很少，大多都更愿意到玻璃厂去上班。两个厂子本身离得也很近，军工厂也在80年代早期军改民，所以，生活区就几乎都混杂在了一起。同一栋宿舍楼里，可能父母是原军工厂的工人，但儿女却属于玻璃厂，这在当时也是一个挺有意思的现象。
爷爷奶奶有三个儿女，我父亲是老二。老大是闺女，也就是我的姑母，分配到了小城的缝纫机厂工作；我父亲分配到交通机械厂工作，从事热处理；我三叔则分配到了皮鞋厂工作。家里的子女竟没有一人在家门口的两个工厂工作。所以，三个子女都离开了那个生活圈。不过还好，那时候的人都很淳朴，没有小圈子概念，每次我们回爷爷奶奶家，邻居也都热情地打招呼。那时候的鄙视链里，只有工农之分，并无行业之分。
爷爷奶奶在这座小山的家里，生活了一辈子，退休后也不愿离开。毕竟，身边住的都是同事和朋友，当然也有看不顺眼的人。不过，这一切就是一个完整的生态圈，当你习惯之后，还真的割舍不下。所以，他们根本不愿意到城里来和我们一起生活。但毕竟是亲人，长时间不见，哪有不想的道理？
于是，在他们都还健康的那段岁月里，我每个暑假，都几乎是在爷爷奶奶家度过的。父母也乐得清闲，可以不用照顾我至少一个月的时间，忙他们的工作和偶尔过过二人世界，只在周末的时候，抽空来看看我。
我则在小山上乐不思蜀，每日不是跟着爷爷上山到水库钓鱼，就是跟着奶奶打理她的小菜园。也正是在这些日子里，让我懂得了五谷之分以及山野之趣。每年的暑期刚好还是小城的雨季，下过几场雨之后，野生菌就会如雨后春笋一般萌发出来。奶奶就带着我上山捡菌子，野生菌本就是是小城人们的传统山珍美味，但吃着自己捡回来的菌子，那味道就别提多鲜美了！等暑期结束回到城里开学之后，这些经历，也成了我和小伙伴之间滔滔不绝的谈资，从他们艳羡的眼神里，我收获了满满的优越感。
可惜，这样的快乐时光，总是异常短暂。爷爷在上世纪90年后期就患上了肺癌，没多久就去世了。奶奶和他的感情很深，别看平日里总是对爷爷呼来喝去的，这不满意那也不满意，但两个人在生活上的默契可不是一般夫妻能够比拟的。
奶奶从单位食堂退休之后，就承包了宿舍楼前的一片小菜园，一方面可能是闲下来之后找点事情做，另一方面则可以领取一些额外的报酬用以改善生活。所以每日花尽了心思来照顾这些蔬菜。爷爷不爱搞这些，就喜欢到处找人下棋钓鱼打牌啥的，但只要有空，就一定会给奶奶提供各种便利，诸如买来工具、化肥什么的，反正不需要奶奶开口，要用的东西就一定早早准备好了，还会在该出现的时候出现在奶奶伸手就能够得到的地方。
菜园的蔬菜，除了提供给食堂的，奶奶也自己也种了一些。新鲜的吃不完就会制作成一种我们这儿独有的特色咸菜——“柞”。每当奶奶开始表现出要做柞的时候，爷爷也就会把腌制用的瓶瓶罐罐从楼下的小库房里搬出来，洗好晾干，而且时间基本都是刚刚好。
正是这样默契地生活了一辈子，所以当爷爷走后，奶奶思念成疾，也一病不起了。为了能够照顾生病的奶奶，让她再在山上一个人生活显然是不现实的，于是我们就把她接到了城里。那时候姑母家条件比我们更好些，三叔家则不太好，我们就一致决定由姑母家和我们家轮流照顾奶奶。
奶奶自从来到了小城里，平日里话不多的她，就越发沉默寡言，每日只是吃斋念佛，谁也不爱搭理。只有当我放学回家出现在她面前的时候，她才会在日渐消瘦的脸庞上，挤出一丝久违的笑容。但那时候我根本不懂事，只觉得生病的奶奶和以前的奶奶完全不是一个人，那副病容在我看来实在可怕，让我有些不敢接近。很快，奶奶也跟着爷爷去了，间隔竟只有短短的半年。按照医生的话来说，奶奶本来的病，并没有那么可怕，但失去了活着的意志，病魔就会迅速将她吞没。
奶奶走后，我嚎啕大哭了一场，为自己之前的愚蠢自责，更为失去了至亲而难过。因为，从那以后，我就再也不可能趴在爷爷奶奶家的阳台看火车缓缓驶过田野，也再没有人带我去山上的水库钓鱼，更没有机会吃上奶奶做的可口美食。从小城里的家，到小山上爷爷奶奶曾经的家这段既远又近的路程，竟将我们阴阳两隔。


好了，今天的故事先到这儿。虽然我从未在文中提过小城是哪里，但一些细节应该能够看出是哪里，知道的朋友不妨在评论区说一说，看是否正确。
下面，我们就讲一下今天用的一首三宝老师的作品，电影《幸福时光》之中的配乐。

同样的，我并没有看过这部电影，我仅仅只是从我自己听音乐的理解来讲述这首曲子。曲子一开篇用了一段略带伤感的钢琴独奏，结合电影的名字，让我们不难想象在所谓的“幸福时光”到来之前，生活的艰辛必然是一种主旋律。但在这种伤感的氛围之中，又不难听出这是一段用小调谱写的旋律，特别是一段小提琴加入进来的协奏更加表明在这种伤感之中也有着甜蜜和欣慰的元素。
所以在全曲的前三分之一之中，我们就是在这种类似交代时代背景一般的旁白叙事音乐之中寻找着各种关于伤感和幸福之间尺度的拿捏。
其后大约在1分45秒开始，曲子突然进入一个高潮，曲调也从小调摇身一变成为大调。编曲上主要采用钢琴协奏的方式完成。听过之后，能让人有一种时代背景发生剧变的错觉，但随后音符上却有着一段螺旋式下降的处理，音量也随之减弱。
到第三部分，乐器突然变成了中国传统乐器“箫”。而且，这一段几乎就是一段独奏，只有当仔细听的时候才会发现背景之中隐约存在一丝丝伴奏，而且在收尾前完全隐去。刻意突出了箫这种乐器所带来的萧索和悲伤的氛围感。
在音符上，这段旋律也刻意突出了这种孤寂和悲伤的味道，仿佛一个历经了各种时代变革的老人在讲述着自己的故事，而且这个故事并没有任何听众，他只是自说自话，固执地阐述着心中的理念。于是，你认为的幸福，也许对他来说，只是一种无法融入的孤单。你所认为的过时与落伍，在他看来，却是最为珍贵的时代记忆。
于是，曲子结尾之处，坚决地重复了三次同一个调子，就像我们现在常说的一样：重要的事情说三遍。曲子也通过这种三遍重复的方式，强调着这种与时代脱离的寂寥和落寞。至此曲终。
不同于以往给大家讲述的曲子，这首曲子是比较罕见的ABC三段式曲子，而不是以前给大家多次讲述的ABA，三宝老师之所以没有采用收尾呼应的方式来叙事，我的理解是三段音符讲述了三个时代，或者三段关于人物内心在不同时期的描绘。我毕竟没看过电影，不知道电影是否也是大致按照上述时代或者人物内心变化的方式来讲故事的，但至少我从音乐之中感受到了这种关于时代和记忆的因素。
如果被我言中，那么我想，我在以前关于人类集体潜意识的观点就会更加正确；而如果不幸没有言中，那么，大家何妨一笑而过，就单纯听我讲音乐本身的部分就好。
本周就是这样，请喜欢我节目的朋友订阅我的专辑，有能力的朋友也可以加入我的影音客，成为支持我节目发展的根本原动力，再次感谢大家的支持，下期见！

今天给大家接着讲述我自己的故事《大大的小城》第二集。故事讲完之后同样也会接着聊一聊三宝老师精彩的原声音乐。
在上一集的故事末尾，我讲到了我们一家搬进了宿舍楼居住去等待国营单位将我们的新房子盖好的部分。搬到宿舍楼的感觉自然要比住在筒子楼一样的酒店房间里感觉要好上几百倍。南北通透，窗明几净。而且，居然还有独立的厕所！虽然那时候的房子，对卫生间的概念还几乎停留在解决内急的问题上，所以，我也才用了厕所而不是卫生间的称呼。这个厕所真的也就只是个解决内急问题的场所，连一米见方都没有，仅仅就只能容纳一个蹲坑而已。人在如厕的时候，手都没法往两边稍稍伸展，甭提有多局促了。但就是这样的一个厕所，让我们感受到了无比的惊喜，因为，再也不需要去饱受公共厕所的肮脏和腐臭。也不再需要在偶尔夜里闹肚子的时候还得强忍着等天亮去公厕排队的苦楚。我那时候小小的内心里多么赞叹这个将厕所安置在家里的发明是多么伟大啊！如果让我知道了是谁发明的这个概念，我一定会将他奉为偶像的吧？
除了厕所，最令我欣喜的，自然是屋里的格局了。有一个客厅，一个卧室，一个厨房和我前面说的厕所。客厅自然不能单独成为客厅了，毕竟家里那么多人。于是，客厅就成为了集客厅、餐厅和外婆卧室于一身的多功能房间。卧室则是我们一家三口的卧室。房间虽然也不大，但还勉强放下了两个床，所以也不算太挤。父亲因为工作单位较远，上班时间也是早晚班排班的。所以，这个小小的卧室就一会儿住三个人，一会儿住两个人。
自从有了这个住处之后，一家人的日子过得真的就算是幸福了起来。我也记不清我们一家到底是在这个临时的住处住了多长时间，也许因为还算比较舒适，家里那段时期也比较稳定。大家似乎都对老房子的问题有些遗忘了。还记得那时候的每个周日，外公都会来看我们。
对，没错，外婆和我们住在一起，但外公并没有和我们住。他一个人住在了主城西面不远的一座小山上。那座山并不是荒无人烟的那种，而是和现在的重庆一样，满满都是建筑，可以算是小城边上的一座更小的山城。
我住的这个小城三面环山，一面临水。可利用面积真的非常可怜。于是，城西的这座小山包就在上世纪70年代开始，陆续被建设成为了一个生活区。很多和生活息息相关的，诸如面粉厂、煤气厂等工厂也就建到了这里，一些单位的宿舍区也集中到了这里。
外公之所以会住到这里，还有段异常曲折的故事。
外公籍贯江西，上世纪10年代生人。在民国时期读到高中之后，抗战爆发，外公毅然从军，报考了黄埔军校南京航空兵分校。毕业后获得少尉军衔，被分配到昆明巫家坝机场从事抗战物资运输的任务，和美国人一起飞过驼峰航线，为滇西抗战的胜利，立下过汗马功劳。
抗战胜利后本来要回南京，可惜内战爆发，外公和一些当年的战友，不愿和同胞打仗，便复员创业，跑起了四川到云南的公路运输。建国后，外公在四川泸州邂逅了我的外婆，两人一同来到云南定居，并在1954年，有了我的母亲。
因为外公受到过良好的教育，会英文，会开汽车，连飞机都会开，在建国初期还曾受到过政府的重用，在民政局下属的一个单位任职。但在某个时期，这些曾经的辉煌经历和一些言辞却给他惹来了极大的悲惨境遇，被关押在离城几十公里以外的一个农场里“改造”，被迫和农场里的牛住一块儿长达10年之久。
浩劫结束之后，外公的年龄不适合再工作，原单位也早已合并到其他的部门，反倒是“改造”了十年的农场还愿意让他在农场退休，并支付了一笔可怜的“工资”，就算是打发了事。外公愤愤不平，一直在为自己平反的事情奔走，可荒唐的是，当初导致他被“改造”一事竟没有任何纸质文件，仅仅只是当时民政局领导的一句话而已。空口无凭的东西，现在人家自然不会当回事。就这样，一边是被迫害的事实，一边却是没有任何证据的荒唐。外公不依不饶，不断投诉相关单位，领导们最终也烦了，答应口头平反，并安排住处。

经历过那个时期的朋友自然知道，那时候的房子都是公家的，没有私人房产一说，更没有出租出售的说法。所以，分给你的房子你还就得住着，不住马上就会被收回。于是，外公就住到了分配给他的这座小山上的一幢宿舍楼里。刚好城里的房子本身也很小，没有我的时候父母和外公外婆还能勉强凑活，有了我之后，外公搬出去住反倒还算是给家里帮了不少忙。
但毕竟是一家人，每个周日，外公都会雷打不动的从小山包到城里来看我们，无论刮风下雨。又或者，提前约定好，我们去看他。当然，是外公来的次数远远大于我们去的次数。按照老爷子的话就是，他跑惯了，天上地下都跑过，来看我们的这点路程不算啥。
可是在我那时候看来，这段路程真的很遥远。那时候的交通工具就两样，自行车和公交车。公交车那时候只在城里跑，路数也非常有限。如果坐车去的话，只能在终点站下车，然后步行等同的距离，对于成年人来说还好，但对我来说就够呛。带着我去的话，我一定是会胡搅蛮缠要背要抱的，这样一来，大人自然也就受不了了。
骑车的话也是个麻烦，那时候自行车也不是谁想买就能买的。国家实行计划经济，一切供不应求的商品都实行票证制。像自行车、电视机这类抢手货，你就算有钱也买不到，得在所在单位提出申请，然后层层批示，同意之后你才拿得到指标，然后带着这张盖满了各种章的纸，在规定的时间到规定的地点，再用钱买。所以，那时候家里还算是运气不错，有了一辆自行车。
这种自行车全国似乎都有一个一致的称呼，二八大杠。二八指的是自行车的轮径为28寸，这个是国际惯例，现在的自行车也基本沿用这样的标准，只是相对比较小一些，常见的为20-26寸。像这样28寸的很少见。大杠则是指自行车的车体部分，连接握把横杆一直到座位的这个支撑，呈倒三角形，上面这根横杆笔直水平，就叫做“大杠”。别小看这样一辆自行车，大杠上可以加装一个儿童座椅，就成了我的专属座位；后面的载重架则还可以坐一个人，那个位置一般是我母亲的。可这也就解决了三个人的出行，外婆没地儿坐呀！
于是，在那个年代，就诞生了一种叫做“边兜车”的玩意儿。“边兜”，顾名思义是加在自行车一侧的，灵感绝对是来自于边三轮的摩托车。这种摩托车您如果没有概念的话，可以去看一部叫做《虎口脱险》电影，瞬间就能明白我在说什么了。这种边兜车装好之后，一家四口人的出行就妥妥的了。只是，这种深度改装的怪物如果放到今天的话，一定是不能上路的，因为实在太不安全了！众所周知，自行车拐弯的时候，除了要依靠手来带动握把转向，还需要身体自然倾斜来保持平衡，这是物理规律。加装了边兜之后，拐弯的时候就和三轮车类似，只能单纯依靠握把转向。但车子的重心已经发生了改变，呈现一边倒的格局。我母亲在第一次试骑的时候，就因为没法控制方向而狠狠摔过一次。这样的奇葩玩意儿一直陪伴了我们很多年，不过在那时候，这还真是没有办法的办法，劳动人民的创造力是无穷的。


好了，故事的第二部分讲完了。接下来我们来继续聊聊三宝老师的音乐。今天给大家讲述的一首来自电视剧《北方故事》的配乐“三河与梅朵”。其实，电视剧我是没看过的，单纯从名字上我们能够感受得到这明显是两个人的名字，一男一女，也许也是电视剧的两位主角的名字。
因为没看过就没有对电视剧的发言权，我只能通过网络寻找到的此片的只言片语了解到，该片发行于1997年，片中集合了梅婷、侯勇、钟镇涛等大牌演员。从阵容上看应该是一部好片，但不知道为何无论介绍还是片源都几乎没有，似乎已经完全退出了影视舞台，如果有熟悉该片的朋友，不妨在评论区讲述一下该片的情况。
幸好，在时隔三十多年之后，优秀的原声音乐还没有被遗忘。至少在我听过之后，依然引起了我强烈的共鸣，所以在这里推荐给大家一起欣赏。
曲子一开篇就是优美的马头琴直接把我们带到了广袤的大草原之上。在上一期节目之中，我们已经预告过，三宝的音乐经常会描绘内蒙大草原的广阔和孤寂。谁曾想在这首曲子之中这种感觉来得是如此干脆，看来作为蒙古族的三宝就连表现悲怆和孤寂都是那么得豪爽。
当然，除了这种豪爽之外，作者用了除开头的引子之外将近三分之一的篇幅做了一段情感上的对话。用到了一些管乐和小提琴来代表男女主人公，主旋律和和弦之间也一唱一和，仿佛正在进行的一场安静且美好的爱恋。然而整体上又却有着一种旁白音乐的效果。我相信，在电视剧的实际使用中，肯定也能够充分配合画面做到情感的烘托和情绪的提升。
曲子的后半部分加入了大量的管弦乐配置，使得同一个温馨的旋律摇身一变成为了激昂的感觉，结合电视剧的时代背景，我们不难想象这段音乐所代表的正是抛开了儿女私情转变成为家国情仇的复杂情绪。这正是不同的配器和节奏所带来的情感变化，最后再次回到马头琴一开始的旋律，把这段引子完整地重复了一遍，似乎让我们看到了两个人，从相知相恋到家国情仇的转变，最后再回归到儿女情长的根本之上。
整首曲子完成度很高，配器也比较舒服，只是录音年代稍早，演奏和录音细节上不是很完美。但三宝老师实在是太过低调，要不然，把这些优秀作品找个合适的机会重新请顶尖的乐团重新录一遍，将会让多少音乐发烧友为之疯狂呢？
好了，今天的节目就先到这儿，对我的故事和我讲述的音乐有兴趣的朋友，别忘记订阅我的专辑，有任何想说的都可以给我留言，下期见！

提醒：故事讲完后面还有音乐讲述，别关早了哦！

最近，有一位叫做“小咖的妃”的影音客希望我谈一谈著名音乐家三宝的音乐。于是，我翻开了张艺谋的1999年上映的电影《我的父亲母亲》原声专辑来重温，相信大部分人也都是从这部电影才开始认识到这位中国很有才华的音乐人三宝的。

但听着这些音乐，我的思绪一下子也回到了我的小时候，于是，我便花了点时间写下了关于我自己的一个中篇纪实作品，名字还没有完全定稿，姑且暂时称其为《大大的小城》，按照篇幅，大致可以分成6期节目，如果大家在听过之后对名字有更好的建议，也特别欢迎在评论区留下您的看法。

当然，本期节目作为这个小系列的第一期，除了讲述我的故事之外，我也会应各位朋友要求，具体讲一讲节目中运用到的这些音乐。

所以，本期节目可能会比较长，感兴趣的朋友请耐心听完，谢谢大家！

下面就开始我自己的故事，第一集。

我生活在一座小城里。

小城其实只是一个相对的概念，因为它毕竟还是一省的省会城市，如果算上所有的辖区面积的话，比北京还要大。当然，这种面积的计算方式，只能算是一个噱头，因为，如果只论城区面积或者可以利用和开发的面积，那就和北京完全没法比了。何况，如果你在这个小城里去询问每一个当地的居民，他们也会对这种对比嗤之以鼻，并且固执地认为，这个小城确实很小，30分钟即可由东向西或者由南向北实现对穿。但在我小时候看来，这点距离已然是遥不可及。

我就出生在小城的市中心。小时候，依稀记得家里住的都是土房子，只有两间房。这两间房还不是正儿八经的两间，而是一间土房子硬生生隔出了两层。而且这土房子也不是独门独户的，是依附在别人家的一面墙上增加三面墙围起来的，在我们当地把这样的房子称之为“偏厦”。我们的小房子两层加在一起，面积也是极其小的。一楼就是生火做饭和吃饭的地方，二楼则是睡觉起居的地方，兼顾了卧室和客厅，但其实面积很小，也就能放下一张床和一个柜子。巴掌大的地儿，愣住下了我们一家三口和外婆共四个人。

那时候的生活挺无忧无虑的，邻居们也相互都认识，出门都不用锁上，象征性的用锁扣挂上就行。当然，也不是说那时候就没有小偷，而是整条巷子里，时时刻刻都有邻居在，小偷什么的，几乎无从下手。

后来不知道什么原因，我们家的房子就被拆了。我那时候还小，对房子的印象本就模糊，还是听父母说房子被拆的时候也跟今天搞强拆似的，根本没人打招呼，推土机开着就进来了。推土机把房子的一面墙推倒的时候，我和父亲在里面差点被埋，东西也砸坏了不少。后面我父亲生气极了，上去就要和推土机驾驶员打架，还是邻居和居委会的人及时赶到才避免了一场冲突。搞清楚原委之后才知道，推土机要拆除的是隔壁的房屋，那是属于一个国有单位的宿舍，已经是危房，得拆除重建，但推土机驾驶员却误操作把我们家给拆了。那单位的领导来了之后，答应帮我们找房子或者原址重建，并在此期间，会提供临时的住处。

事情能够得到解决固然是好的，但从那天起，属于我们自己的房子，便没有了。

居委会和国有单位的负责人把我们一家人临时安置到了不远的一家国营酒店里住下。一开始家里人还觉得挺新鲜，毕竟那个年代住酒店的都是拿着介绍信出差的，并且有一定级别的人才可以享受的。一般的人出差，都是只能住招待所的。不过您也别以为这酒店就比招待所好到哪儿去，房间其实也就是一个普通得不能再普通的房间，除了有几张床和柜子之外，啥都没有。厕所和盥洗室都是在外面公用的。有的朋友可能会问了，那这和招待所也没什么区别呀？其实本来也就是这样的，只是人家的级别就是要高一点，可能也确实有更好的房间提供给来小城出差的领导或者外宾什么的，但是肯定与我们是无缘的，连参观一下的可能都没有。

等我们在酒店安顿下来之后，新鲜劲儿很快就过去了，那么多人挤在一个小小的房间里，甭提有多难受了。在我的印象里，唯一还记得的，估计也就剩下酒店里那个温泉浴池了吧！

那时候的小城，地下水资源特别丰富。每条巷道里的人家，都是靠井水生活的。以前没什么污染，井水都特别甘甜，还异常凉爽。夏天的时候，买来的水果都会放到井里泡着，很快就像是从冰箱里拿出来的一样，冒着丝丝白气。喜欢喝啤酒的大人，也会把啤酒放到井里冰镇，据说喝起来特别爽口。我就记得我还偷偷尝过一口，但丝毫没有爽口的感觉，只觉得这么难喝的东西，样子还跟我撒的尿一个德行。为何大人会喜欢，大人们都是特别奇怪的动物。

正因为地下水资源丰富，所以，居然在市中心的位置，也打出了温泉。我们临时安置的酒店里，就有个温泉泡池。这个泡池，也是酒店唯一向市民开放的部分。我们家就住在里面，当然可以去享用，每周都可以领到每人一张洗澡票。反正那时候，没事儿就渴望父亲带我去泡澡，一边听着那些老人天南地北地聊天，一边自己有样学样，自己搓澡。

父亲是个工人，做热处理的。日常工作就是和那些铁疙瘩打交道，没事也和同事一块儿还锻炼锻炼。所以那一身腱子肉，跟电影里的史泰龙有得一拼。虽然我很喜欢泡澡，但却最害怕父亲帮我搓澡，因为只要他一动手，我就感觉像是被一双铁钳给夹住了一样，搓得我生疼。父亲平日里就很不苟言笑，所以我也不太敢抗议，反正说了也是白说，只得忍着。然后想着尽快自己学会，就可以少受这样的痛苦。可惜在父亲眼里，我似乎永远就是个孩子，这份来自父爱的“痛苦”，还是陪伴了我好几年。

很快，住在这种狭小空间里的感觉，我们一家都受够了。父母经常去跟国营单位的人交涉，希望能够尽早要回房子。可是国营单位带父母去看的房子都非常糟糕，要么年久失修，要么就非常遥远。我们坚决不同意，便放弃了寻找现房的想法，要求必须原址重建。打那之后，父母就经常回去看我们的房子，可一点要动工的迹象都没有。有一次，他们不知道从哪里打听到消息，拆除我们家的那个国营单位，就有一幢职工宿舍楼在我们家原址的隔壁。父母没事儿就跑去观察，最终确定了消息的准确性，也探明了宿舍楼还有部分房屋是空置的。于是，在精心策划下，父亲有一天，用原来家里的一架木质的楼梯，爬到这栋宿舍楼二楼一套无人居住的房子里，直接换了锁，就将我们一家人搬了进去。然后才到所属单位宣布，啥时候把我们的房子建好，啥时候我们才搬出来。

那时候的人，可比现在要淳朴得多，眼看我们已经搬进去了住了，只好妥协，并很快就在我们家的原址上动工了。要是放到今天，我都不敢想象会发生什么。

好了，故事的第一部分就先到这儿，再次强调，这个故事会连续更新6期，有兴趣的朋友记得订阅我的节目，听音乐，讲故事，生活不仅有忙碌，更应该有丰富的内容。

下面我就来细聊一下刚才故事中用到的音乐家三宝关于电影《我的父亲母亲》的主题音乐。

三宝老师本命那日松，蒙古族，音乐之中经常能让我们领略到那种大草原上不一样的宽广和寂寞。三宝老师最为人知晓的作品可能是2004年为电视剧《金粉世家》创作的主题曲《暗香》，由著名歌星沙宝亮演唱。其扎实的音乐创作功底提供了他横跨流行音乐、歌舞剧音乐、电影音乐以及古典音乐等所有领域。且为人极其低调，以至于很多人都听过他的作品却完全不知道作者是谁，这样的情况一方面说明了三宝老师的作品旋律很动听，非常具有传播力，但另一方面也道出了国内没有一个良好艺术氛围，很少有人会关心听到的曲子作者姓甚名谁。

此刻大家听到的音乐，是来自于1999年张艺谋电影《我的父亲母亲》中的配乐。在刚才我的故事之中有用过这段音乐，当然，我的故事是真实发生过的，没有电影中的那么美，但对我来说，电影毕竟是电影，和我始终有着不可逾越的距离。而冒用三宝老师的音乐放在我的故事之上，却让我对自己的过往有了更加深刻的理解和记忆。

这种记忆成为了我在这个世界留下的淡淡的印记，于是我才写下了这些文字，让这些淡淡的印记能够勾起更多人的时代记忆，产生出更多更美好的故事。

回到音乐本身，三宝老师这段旋律最初被命名为《初恋的味道》。配器大胆采用了中国传统乐器笛子和大编制的管弦乐相互交辉，产生出了一种别样的味道。旋律其实很简单，就是一段民谣的不断重复，在中后段还通过变调的方式往上走了2个调，给人一种初恋升华成为爱情的感受。

在曲子的尾段，编曲上又用人声再次完成了这组旋律，并且上升了一个八度，完成了从甜蜜的初恋到炽热的爱恋的完美转变。最后，笛子再次登场，编曲上从协奏转变为齐奏，也就是笛子和弦乐并行的主旋律。一方面增加了结尾的豪华程度，另一方面也突出了这段爱情修成正果的喜悦之情。

所以说，这首曲子虽然5分半钟的时长看似只是以不同的配器方式不断重复同一个旋律，但实际上在情感上的变化却能够让我们听出相当大的差异，不可谓不精彩。其中我觉得最美的部分，当属初恋时笛子和弦乐相互配合的协奏部分，堪称全曲的精华所在。当然，整首曲子的完成度还是很高的，个人觉得相对比较遗憾的地方在于第一次升八度的时候，高潮部分太过短暂，没有将炽热的爱恋完全舒展开来。

当然，这也许是和电影画面之中的元素需要一一对应所导致的，也许也和中国人从来都比较含蓄的爱情观有一定的关系。

总之，音乐的魅力就是这样，每一个听众都可以有自己独特的理解，在不同的心境下所收获的感悟也许也是截然不同的。好了，本期就是这样，再次感谢各位听众和影音客的支持，同时也欢迎大家订阅我的专辑，来和我一起探讨音乐的美好和人生的感悟。

我们下期见！

最近看到了一个短视频，讲的是当看到了真正的海员在轮船上不得不作出各种怪异姿势保持平衡的时候，瞬间就明白了为什么《加勒比海盗》之中的杰克船长走路或者跑步的姿势那么怪异。原来杰克船长的这些动作，就是来自于船员现实中久而久之形成的习惯。正所谓艺术来源于生活，而高于生活。所以迪士尼这个制片方对这些细节的把控还是挺到位的。
虽然《加勒比海盗》算是虚构的故事，因为其中夹杂了大量的民间鬼怪和神话故事，但其原型还是有一定依据的。首先，自从哥伦布发现美洲新大陆之后，往返于欧洲和美洲之间的船只就开始增多，形成了连接两个大陆的一条海上商路。而其中加勒比海因为岛屿众多，成为了海盗的天然避风港。海盗们的船只可以利用这些天然岛屿将船只隐蔽在商船的必经之路附近，然后利用商船进行补给的时机对其财物进行掠夺。久而久之，海盗就成为了加勒比海地区的特产，就像我们中国明朝永乐年间的东海倭寇以及现如今的非洲东海岸一样。商船集中的地方，海盗总是会逐渐形成一定的规模和数量。

而《加勒比海盗》所描绘的时代背景也正是美洲大陆被发现到美国独立之前的这段岁月，大致也就是在16-17世纪。当然，其中的神怪元素都是根据海员口中一代代流传下来的海怪传说和部分创作加工之后形成的故事脚本。迪士尼当然也特别喜欢这类型的题材，因为这类型的题材特别适合做一些电影后期的配套产品，比如把这些元素植入到迪士尼最赚钱的全球乐园体系之中。
迪士尼除了动画长片之外，最近20年也大量尝试过真人电影的制作。毕竟21世纪以来，电影特效行业在电脑科技的带动下，也有了长足的进步，就使得以往只能够通过动画片来完成创意呈现的概念被打破。迪士尼为了拉拢成人观众的口味，在保证原有根基不动摇的前提下，确实也付出了极大的努力和诚意，终于在大制作影片的成人市场之中，分得了自己的一块蛋糕。
而这其中，迪士尼同时走了两条路线，一条就是改编原本的动画长片，以真人的方式来出演；另一条就是打造全新的故事。第一条路照目前的情况来看，观众的口碑呈现出了两个极端，一部分人认为真人版的演出就是毁经典，破坏了原有版本在自己心中的地位，认为迪士尼此举就是俗套中的俗套，为了钱什么都肯干。但另一部分人则认为不破不立，敢于利用最新的技术来完成以前想都不敢想的特效就是一种最大的创新，不仅能让大家重温小时候的美好，也能让新技术得到最好的体现，从而推动整个行业往前发展。
反正公说公有理婆说婆有理，这是典型的萝卜白菜，各有所爱的问题，所以，在这里我也保持中立，不选边不站队，因为，我几乎看过迪士尼的所有影片，不管是动画的还是真人的，非要我表态，我只能说，有的翻拍是超越经典的，有的真心是瞎搞，但这也是因为我自己的审美问题才会有这样的想法，代表不了任何人。
转过来说说迪士尼走的第二条路线，也就是刚才我们提到的打造新的故事。我非常认可迪士尼这种两条腿走路的举措，毕竟真的众口难调，一条道走到黑总有失败的一天。两条腿走路至少能在乱世之中找到一个平衡点，让自己不至于被淘汰，甚至走得好的话，两边都会开花结果，何乐而不为呢？

于是，以杰克船长为IP的《加勒比海盗》系列应运而生，成为了这第二条路的试金石。结果这一试，立马就让迪士尼从一个动画长片公司一跃成为了好莱坞敢和20世纪福克斯、环球影业等行业巨头分庭抗礼的大公司。2015年开始，迪士尼更是下狠手收购了漫威影业，自此，漫威宇宙的所有成功，都有了迪士尼的一份功劳，同时，也带给了迪士尼丰厚的回报。
所以，如果说杰克船长的成功，直接奠定了迪士尼现在的行业地位也是丝毫不过分的。要是没有当年对这第二条路的尝试，迪士尼也许依旧还停留在拍摄各种民间故事和传说的老路子上。当然，这条路已经够迪士尼吃一辈子了，但路越走越窄是它必然的宿命。除非他能够狠下心来学习宫崎骏，我就传统和保守，我就安于现状只出精品，每一部电影都必须是经典，商业利益只是比较次要的概念。但迪士尼不是这样的公司，他背后有着众多的资本，在弱肉强食的好莱坞，不是你死就是我亡，想要生存下来，就只有在行业中赢得票房，有了票房才有尊重，而赢得尊重的条件，就是创作出叫好又叫座的好电影，这一点，迪士尼做得确实还算不错。

说回到电影的原声音乐，第一部《加勒比海盗》上映于2003年，当时第一部作品请来的原声音乐创作人是克劳斯.巴代特，大家也许比较意外，以为我会说是汉斯季默，其实汉斯季默是从第二部才开始接手的。克劳斯.巴代特为影片原声音乐作出的最大贡献，就是写作了一首He’s a Priate的主旋律。也就是现在大家听到的曲子。
曲子一上来就是进行曲的曲风，采用了通俗古典的写作手法，即采用大编制的管弦乐来演奏旋律，然后加入了爵士鼓来彰显节奏，进一步拉近古典氛围和现代流行音乐的距离，让听众更容易接受，这种表现手法在一些快节奏的军事题材电影当中很常见。曲子除了开头的几秒和结尾的几秒比较缓和之外，剩余的部分几乎是一气呵成，形成一种强烈的动感，让听者无不振奋。

从第二部开始，汉斯季默接管了原声音乐的创作，相比起克劳斯.巴代特，汉斯季默更能凸显出杰克船长的个人气质。所以现在大家听到的这首杰克船长同名曲目就很好地反应了这个问题。
首先，音乐开篇用大提琴作为主要乐器，弦乐负责节奏的体现，有点大提琴协奏曲的味道。但曲风表现得有些滑稽，塑造了杰克船长玩世不恭的个人形象。
进入第二段之后，曲风摇身一变，弦乐不再只会打节奏，而成为了旋律的核心部分，当然，大提琴作为主角依然存在。而此时，也和第一部一样，采用了通俗交响乐的方式，加入了爵士鼓的打击乐来作为节奏。这种通俗交响乐的表现方式从上世纪90年代开始，成为了大众接触古典音乐的最佳入门方式，而其中的佼佼者当属美国辛辛那提通俗交响乐团，其指挥是艾瑞克·孔泽尔，他们和泰拉克公司一起出品过无数经典的专辑，关于这个乐队我会在今后专门开几期节目来聊。

到曲子的第三段，也就是高潮的部分，除了用更华丽的配器来演绎第二段的旋律之外，还加入了一段副歌作为纯粹的高潮，给人一种强烈的紧迫感和压抑感。通过音符传递给观众一种杰克船长命运多舛，任务艰巨的心理暗示。此时，我们能够更加清晰地感受到爵士鼓和大编制乐队之间的默契配合。
第四段，曲子瞬间从高潮回落，重复第一段的旋律，但以一个较为豪华的配置来结尾，给人一种happy ending的直观感受。
所以，整首曲子就是ABCA的四段式谱曲方式，完成度极高，相比起克劳斯.巴代特的第一部仅有1分30秒的主旋律而言，汉斯季默明显技高一筹。不过，汉斯季默也非常肯定克劳斯.巴代特的那段主旋律，所以无论是同样运用了通俗交响乐的编曲方式还是在后面几部电影之中也穿插了克劳斯.巴代特的主旋律，都是向原作者致敬的一种体现。
目前，这首曲子也被汉斯季默收录到了他的各种精选集之中，包括现场演奏的版本，各有各的味道，感兴趣的小伙伴可以自己找来听，我在这儿就不赘述了。好了，本期节目就是这样，希望大家多多交流，每一次的点赞评论转发都是对我最好的支持！我们下周见！

不知道大家会不会有这样一种想法？就是思考自己人生的意义到底是什么。相信绝大多数人都和我一样只是这个社会上的一个普通人，我们既没有明星的光环，也没有对这个社会作出什么贡献，我们只是尽力去做一个父母眼里的孝顺孩子，妻子眼里的好老公，别人眼里的善良者而已。但这样的人走到哪里都不会缺失，似乎少了我们的存在，对这个世界都不会有丝毫影响。
那么，我们存在的意义到底是什么呢？
以前听过一句话，叫做：“人类一思考，上帝就发笑。”确实，人类因为思考而取得的成绩在宇宙大道面前简直不值一提。有人肯定不同意我这个观点，认为那么多的科学家所提出的理论难道不重要么？其实我想说的是，这些科学家都是极其伟大的，但他们所做的，只是重新发现和揭示了这个宇宙之中本来就存在的奥秘。有点费解么？我来解释一下。
俄国化学家门捷列夫因为发现了化学元素周期表而成为化学界公认的教父级人物。这个伟大的发现在于他发现了各个自然元素之间的关系和规律，从而可以推断出人类尚未发现的自然元素。没错，元素早已存在，都是大自然的产物，你发现或不发现，元素都是客观存在的。人类既没有创造出什么，也没有消灭什么，周期表的发现只是可以用学习和继承的方式，让早已存在的元素更好地为人类服务。
包括很多揭示宇宙大道的科学家也是如此，从天圆地方到承认地球是圆的；从地心说到日心说再到现在我们才发现，就连太阳都不是什么中心，整个太阳系只是处于银河系的郊区地带而已；无数科学家抛头颅洒热血奉献一生所形成的理论，其实只是一步步地证明着早已存在的客观事实。但这些事实不能说不重要，他们的思考正是让人类与其他所有动物能够完全区别开的根本所在。
有时候我就在想，也许人类压根就不是这个地球的原住民，因为也只有人类才会经常性地看向啥都没有的天空，并好奇在那一抹蓝色之外究竟还有什么？所以人类通过几千年的发展，最终的目的，竟然是能够离开这个星球，前往浩瀚无垠且孤寂的太空之中。
那么，这究竟是好奇心在作祟，还是那种根植于我们DNA之中的回家的渴望在推动着人类的进步呢？也正是我偶然思考到了这里，我才似乎有所顿悟，原来，我们这些普通人的存在，并非不重要。虽然我们的存在感并不高，但我们恰恰就是来见证每我们所处时代之中那些伟大发现诞生的时刻的。我们每一个人看似独立，但背后都有一个集体潜意识的存在将我们牢牢捆绑在一起。所以，人类都会有善恶是非之分，有共同约定并遵守的一套道德和价值体系。这些东西看似是通过长时间的社会活动所积累起来的，但其实不然，它们就是人类集体潜意识之中早已存在的，只是重新被发现了而已。

于是，用一个不太恰当的比喻，人生好比一座旋转木马，不管你发没发现，旋转木马就在那里。当有人发现了它的存在，于是乎，这个世界之中就有了一个伟大的人。而其他的人通过他的理论，也都发现了旋转木马的存在，于是，大家都开始欣赏木马，但不知道到底能有什么用。终于有人发现了可以骑在木马上玩，在上面看风景和围着它看有很大的不同，再一次，人们又纷纷开始效仿。最后，还有人发现通过按动某一个按钮，可以让木马旋转起来，这样坐上去看风景的感受又会有了更进一步的体现。
但总体来说，能够发现木马和让其开动起来的人，毕竟是少数，包括能够坐上去体验的人也都是少数。更多的人，都是围在外面看的。但通过操作和已经体验过的人描述之后，我们围着看的人，似乎也还是能够明白木马旋转的原理，以及坐在上面的感受。然后，所有人都会有了一种：“我明白了旋转木马旋转的原理 ，以及坐上去是什么感受”的集体潜意识。
整个人类几千年的学识，大体就是上述这样一个过程。当然，这么说一定比较粗糙，我也只是为了方便大家理解而已。

我之所以用旋转的木马来做例子，当然和我们今天要分享的音乐也有着莫大的关系。今天要分享的音乐，来自于宫崎骏2006年的一部动画长片《哈尔的移动城堡》，音乐自然也是久石让的作品。现在大家听到的这一首作品，本身就叫做《人生的旋转木马》，可以说，从作品本身的名字出发，就和我上面讲到的内容非常贴切。我也正是因为这个名字，才从人类的集体潜意识之中，提取了一点点我的思考，然后形成了今天的文案。怎么样，是不是很神奇？
回到音乐本身，曲子是一首圆舞曲，四三拍的节奏非常好辨认，老一辈儿还给这种圆舞曲取了个很好记的名字叫做“蹦擦擦”，指的就是圆舞曲之中用弦乐来体现节奏的音色。现在大家听到的是久石让在《钢琴故事》第四张专辑之中重新制作的版本，和原版稍有不同，主要是突出了钢琴的存在，弦乐部分是由一个小型的室内乐队构成，而不是原版的大编制。这种室内乐队通常由3-7人组成，一个钢琴，两把小提琴，2-4把中提琴，1-2把大提琴。以这首曲子为例，钢琴和小提琴负责旋律，中提琴负责蹦擦擦的节奏，大提琴负责和声以及贝斯部分。整体时长相较原版的2分50秒拉到了5分多钟，结构上更加完整和耐听，当然内容也非常忠实于原版。

《人生的旋转木马》原版的部分，和一首叫做《世界的约定》曲子揉在了一起作为电影的片尾曲而存在，也就是现在大家听到的曲子。歌曲也非常好听，由日本词曲作家木村弓写作，日本演员及歌手倍赏千惠子演唱。同时倍赏千惠子也是影片之中女主角的配音演员。所以，当影片结束，缓缓响起女主动听的歌声时，所有的观众都会为之动容。

歌曲以温婉的钢琴开始，到女主柔声的演唱，辅以钢琴和古典吉他的伴奏，就如同摇篮曲一般将柔情发挥到了极致。就算是在中后期管弦乐的加入也是极尽温柔之能事，把一首歌表达得如歌如诉，温婉动听。我相信此刻作为听众，歌词到底表达了一个什么意思其实已经完全不重要了，仅从这温柔至极的曲调和歌声之中就已经能够充分感受到爱的因素，仿佛被一双爱人的手暖暖地包裹起来。

其实，这正是久石让和宫崎骏一直想要通过电影和音乐传递给观众和听众的概念。我们回想一下宫崎骏的所有影片，其实所有的故事，都突出了这么几个主题：反战、环保、人性以及爱。而恰恰，这几个主题其实是一环扣一环的，没有了战争，环境才有改善的空间，而人性的善恶恰恰也是在和平时期才能够得到最好的体现，当然，最后，也因为有了善恶之分，爱这种人世间最宝贵的东西也才能够有了闪光的客观条件。
我在这里说的爱并不局限于男女之间的爱恋，她是一种广义的爱，可以是朋友之间的友爱，可以是主人与宠物之间的依赖，也可以是灾难面前的博爱。这是一种抛开了物质层面，纯粹精神上的爱。而这，也恰恰是目前我们国家经过了几十年物质文明建设之后，相对比较匮乏的。所以，非常推荐大家去看看宫崎骏的这些动画作品，还是那句话，千万别以为动画片都是拍给小孩子看的，小孩子是根本看不懂宫崎骏的电影的，这一点，千万记住。
好了，本期就是这样，最后，就让我们在原版《人生的旋转木马》之中，结束今天的节目，大家可以感受一下大编制的版本和刚才推荐的版本有哪些不同，欢迎在评论区留下您的看法，我们下期见！

最近一部奈飞出品的韩剧《鱿鱼游戏》特别火，说起来有些奇怪，这种大逃杀模式的电影或者电视剧每隔几年就会火爆一段时间，完全不知道是为什么。从北野武出演的第一部真正《大逃杀》开始，到后来的美版《饥饿游戏》和《迷宫行者》，再到现在的《鱿鱼游戏》。照理来说，这种过分血腥和对人性的残酷考验，应该是大家都应该唾弃的负面因素。虽然从剧情上来说，都是打着反思人性或者构筑乌托邦愿景的旗号来宣传的。但实际上无论电影还是电视剧，无一例外地都是着重表现了毫无人性的血腥杀戮场景，以此来博大家的眼球。
我在观看之前顺手查了一下这个片子豆瓣的评分，其实也不过就是7分出头，是一个合格的分数，但远谈不上优秀，却在全球范围内引起了现象级的事件。就包括现在某宝上随便一搜都能搜出片中同款的衣服，已经充分说明了这部电视剧在国内的火爆程度。
我问过好几个已经看过《鱿鱼游戏》的朋友，他们都大呼过瘾，说剧情什么的都不重要，关键就是看着很爽。这只能说明，人类在现今社会之中的压力真的有如山大，这类型虚幻般的杀戮场景竟然成为了人们用来宣泄自己情绪和解压的最佳手段。
无可厚非，制作团队我认为正是预见到了这类型的片子每隔几年就会火爆，所以刻意在特效制作上花费了很大的功夫，无论场景的搭建还是各种人被击中的慢镜头表现，都显得张力十足。一时间，我在观影第一集的时候甚至有些出戏，仿佛回到了当年看《拯救大兵瑞恩》抢滩登陆的那一段的时候，但那本就是刻意描绘战争残酷面的写实战争电影，他花大价钱做特效固然能让观众大呼过瘾，但过瘾之后要的是对战争的反思。而对于《鱿鱼游戏》这样的娱乐片而言，我反倒是有些不理解这种刻意描绘的血腥是对什么的反思？似乎也只能从人性本恶这一点来解释，导演是期望通过这样一部大逃杀类型的剧集让我们明白这个世界的残酷。
确实，其实战争的残酷远比不过人性的残酷。毕竟所有的战争也都是人发起的，如果这个世界上没有人类的存在，最多只会存在物种之间的冲突，以及存在于食物链上的杀戮。和战争二字并没有半毛钱的关系。因为战争存在的意义本就是为政治服务的，也只有人类才会有政治这样仅存在与脑海中的非实体概念。简单来说，地球上其他的物种只会因为实际存在的物质而争斗，而人类是唯一一个会因为意识形态的不同而发生争斗的物种。也许这才是人类和其他动物最大的不同，而不是我们小时候学过的什么使用工具。
说实话，其实这类片子我并不是很喜欢，原因在上述文字当中，大家应该也能感觉得到。我在这里重点想讲的还是片中偶然出现的几首古典音乐。听过我节目的小伙伴都知道，我通常都喜欢将古典音乐称之为经典音乐，但我却不敢在标题里使用经典音乐这样的字眼，因为怕的就是很多人会因此看不懂，不知道我到底要表达什么意思。关于到底是古典还是经典的解释，我专门做过一期付费节目，感兴趣的小伙伴可以稍后去听一下那期节目，一定会对你有所帮助。
言归正传，因为《鱿鱼游戏》这个片子我目前仅观看了第一集，就已经发现了其中运用了三首经典音乐曲目，所以今天也就只围绕这三首作品展开讨论，至于后面还会不会有其他的经典音乐呈现出来，那就等我看过之后才知道，到时候再决定是否新开一期节目来讲述吧！
那下面我们就针对这三首曲子开始逐一讲解吧！

第一首，Fly Me To The Moon。带我飞到月球去。这是一首创作于1954年的美国歌曲，由凯·巴拉德演唱，凯·巴拉德是一位美国著名的影视歌三栖明星。从上世纪50年代一直活跃到2010年代，在影视界及百老汇的舞台上都有着重要的地位，2019年去世，享年93岁。但她演唱的初版在当时的美国并没有引起太大的轰动，而是直到1964年，由另一位美国著名影星兼歌手的弗兰克·辛纳特拉演唱的爵士乐版本，才引爆了这首歌的流行。而在当年，这首歌因为其名字和流行程度，还成为了阿波罗登月计划的选用歌曲，被制作成一张特制光盘于阿波罗10号绕月飞行和阿波罗11号登月舱中播放过，可以说是一首真正意义上飞向了月球的歌曲。

所以，这首歌曲存在的意义是非常不同凡响的。但这首歌被《鱿鱼游戏》的导演用到了本片之中，着实让我有些摸不着头脑。该曲目在片中出现的时候，是游戏的负责人在宣布游戏开始后，用手里的遥控器点开一个玩偶组成的爵士乐队播放的。优美的乐曲伴随着残酷的杀戮同时进行，配合着各种慢动作的被子弹击中的镜头，诡异感十足。也许这中诡异感正是导演需要的，是一种类似当年吴宇森飞舞的白鸽一样，算得上一种暴力美学的范畴吧！

第二首，经典中的经典，蓝色多瑙河。是奥地利作曲家小约翰·施特劳斯于1867年所创作的一首圆舞曲。这首圆舞曲是每年奥地利新年音乐会必演项目，也许也是中国古典音乐爱好者最早的入门曲目。这首曲子讲过的人实在太多，我在这里就不班门弄斧了，如果确实有需要我讲解的，可以留言或私信，到时候如果人多的话，我会专门制作一期节目来讲。
这首曲子其实基本上就是一首通过旋律来模拟整条多瑙河从小溪流到奔向大海的篇章，当然也在时间关系上有所描绘，从清晨到黄昏，从春天到秋天都有涉猎。但总体印象上，就是一副欢快到澎湃的过渡。《鱿鱼游戏》对其的使用，我个人的理解与上面讲过的那一首曲子没有任何不同，就是通过画面和音乐截然相反的风格，来突出暴力美学的表现。这种故意的反衬，往往会突出画面的张力和表现的质感，让观众有一种不真实但又实际发生的错觉，增加观影的惊讶性，而且，一旦这种惊讶性形成，就会造成对于影片印象的深刻，也就成为了大家在观影之后形成现象级讨论的可能。
从这一点出发，我觉得导演在音乐的使用上并不是一时兴起，而是有过深思熟虑的。据称，目前影片的制作公司已经狂赚了几千万美元，真乃细节决定成败啊！

第三首，海顿：降E大调小号协奏曲，第三乐章。这是一首奥地利作曲家海顿写作的最后一部协奏曲。创作于1796年。此曲为小号协奏曲的典范之作，经久不衰。第三乐章全曲光辉四射，富于青春活力，淋漓尽致地发挥了小号辉煌灿烂的音色特性，要知道当年海顿写作此曲的时候已经是个64岁的老人了，可是大家在听音乐的时候，那种年轻小伙子充满活力的感觉是不是油然而生？可以想见，在海顿心里，实际年龄和心理年龄根本就不是一回事，青春的心态，就是艺术家保持活力和创作的仙丹灵药。
降E大调小号协奏曲的第三乐章是海顿全部作品里最流行的一部。许多种古典音乐专辑之中都收入过这条旋律，国外的电台广播里常采用这段音乐来做时段过渡或栏目的开始曲。所以，说海顿的这首小号协奏曲是他所有作品里最流行的一点也不过分。海顿在这个乐章里照例留下一段空白的华彩乐段，任由小号独奏者去自由发挥，展示演奏者自己的演奏技巧，表现自己的音乐气质。在欣赏这部协奏曲的第三乐章时，应该仔细留意独奏者的华彩乐段，这里不仅是技巧的炫耀，也在宣示着演奏者对海顿音乐的独自见解。所以，不同的演奏者对于这部分华彩的理解和表现也是不同的，大家可以找不同的版本来对比欣赏，听完之后，你对古典音乐，或者我称之为的经典音乐，也就会有了一些全新的认识。
同样的，对于这首曲子在片中的运用，与上述曲目并无二致，稍有不同的是，三首曲子从爵士的温婉到管弦乐的欢快再到小号的炫技，音乐的质感本身和游戏的进程一样也是在升华的，这也预示着影片的三个阶段，但我在这里就不做赘述了，期望大家在听过我的节目之后，自己到影片之中去寻找答案吧！
那么，本期就是这样，如果大家有新的想法和发现，也欢迎留言讨论，我们下期见！

这世界上迄今为止有三大成功的谍战电影系列，一个是007系列，我们已经讲过。另外两个是《谍影重重》和《碟中谍》系列。今天我们就先翻开碟中谍这个系列，来看看这个阿汤哥从小鲜肉拍到成熟大叔的电影，到底有什么魅力让碟中谍成为了影视界的一棵常青树。
《碟中谍》系列的第一部上映于1996年，最初无论导演还是编剧都没有将电影当作一个系列来拍摄，只是一部常规意义上的谍战电影，其中最令人称道就是不断反转的剧情和片中对于假面具的设定。电影上映之后获得的成功自然也让片方看到了伊森航特这个IP的潜力。再加上汤姆克鲁斯帅气的外表，也为这个IP奠定了良好的基础。

于是，从第二部开始，《碟中谍》系列扩大了第一部中展示欧洲各地风光的特点，专门找风景好的地方拍，还夸张地让阿汤哥徒手攀了回岩。剧情上也是拼命玩反转，但过犹不及，吴宇森执导的第二部生生地把碟中谍拍成了北美版的《英雄本色》。虽然这些吴宇森惯用的桥段对于北美观众来说也许是新鲜事，但对于我们中国观众来说，就显得太做作，也太过牵强，完全抛弃了第一部之中严谨的作风，除了耍帅就是场面。

幸好，到了第三部之中，浮夸的成分被去掉，场景也更加多样化，为了迎合国内的观众，新的导演还特意选了上海作为外景地之一。不过，因为第二部的口碑下降，直接导致了第三部的市场低迷。痛定思痛，制片方制定了一个新的策略，那就是铁打的阿汤哥，流水的导演和团队。
其实前三部本身也都是不同的导演和团队完成的，也就形成风格完全不同的三部曲。从第三部之后，制片方有了一个新的要求，那就是风格要求尽量统一，这才是塑造一个IP的最正确做法。于是，我们后来看到了风格相对统一的第四部到第六部，每一部都是以反转的剧情、高科技的谍战手段、环游世界各地的豪华风光为基础的碟中谍系列。剧情什么的，其实都不重要，大家要看的，无非就是阿汤哥跳高楼、扒飞机、开豪车、泡美女的这一全过程而已。也就是说，阿汤哥才是《碟中谍》的代名词，也许有人一提到碟中谍就会想起阿汤哥，但如果你问阿汤哥饰演的角色叫啥，不一定有人能马上说出来。
所以，这个系列，不可能像007那样隔几年换一个主角，因为007才是那个大家都能记住的行动代号，只要能够胜任的特工都是可以继承这个代号的。所以，传言最新一代的007很可能会是以为黑人女性。当然，这一定也是和目前欧美盛行的意识形态有很大关系，但我在这里这么说，主要也只是想阐述007这个代号和到底谁来演并没有直接关联。

但我们的伊森航特就不一样了，首先，伊森航特本来就是具体的名字，这在第一部之中就已经明确，其次，阿汤哥至少在前三部的出演已经奠定了这个IP的形象和地位。所以，这个角色就只能是阿汤哥的独角戏。制片方也明白这个概念，所以，近些年反过来比较高产，从第四部开始保持着每三年出一部新作的节奏在维持这个IP以及阿汤哥本人的热度。
不过，随着阿汤哥年岁的增加，还那么拼命拍动作片肯定会越来越吃力，所以，我们更应该珍惜这个系列，因为，等到阿汤哥拍不动了，那么这个系列也必将终结。

说回到电影的原声音乐。音乐的制作也同样和导演团队一样，成为了流水的营盘。从第一部到第六部，至少用过4位音乐人。其中第一部的丹尼·叶夫曼为整个系列贡献了一个最为经典且精彩的片头音乐，就是现在大家听到的这段旋律。这段旋律也和阿汤哥一样，成为了整个系列的名片之一。旋律其实有很重的模仿痕迹，无论在曲调和配器上，都有着向007经典片头音乐致敬的意味，有着强烈的英伦范儿。
不过，大家都是谍战片嘛，风格类似也无伤大雅，至少旋律上还是有明显差异的，否则人们也不可能将其奉为经典，一耳朵就能识别出谁是谁。从这一点来说，叶夫曼就已经成功了。
这里要重点说的是第二部的配乐，虽然第二部在观感上是整个系列之中最差的，但吴宇森居然请来了汉斯季默为电影编写配乐。
但出乎意料的是，汉斯季默这次并没有在原声配乐之中加入过多的电子音乐元素，只是用摇滚的方式改编了主题音乐，让其听起来更加动感和现代。配合着阿汤哥一头飘逸的长发和酷酷的墨镜，每一场放映都能燃爆了整个电影院。

其他的音乐之中，吉他成为了本片的最常见乐器，其中最好听的一首曲子叫做男主和女主，也就是伊森和尼娅。整首曲子通篇表达了一种强烈的浪漫主义色彩，曲调有着西班牙小调的全部因素，包括在和弦的写作上，也完完全全都是一首完成度极高的西班牙风格吉他作品。配合着吴宇森在片中大量运用的慢动作场景和英雄本色风格的白鸽飞舞，整体感非常怪异，这也许就是当年吴宇森对暴力美学的理解。将无数象征美好的元素与杀戮结合在一起，就成为了暴力美学的一种典范。但殊不知这种组合放在本身就是崇尚含蓄的东方可以获得理解和成功，放在简单粗暴的欧美而言，就成为了一种怪诞的组合，直接造成了票房的丰收和口碑的惨淡。
不过，单纯从音乐的角度出发，这首曲子却真的很美，如果不是运用在一部动作片里而是一部爱情片甚至悲剧之中会更加合适，单独聆听的话，可以带来非常舒适的感受，俗话说的让耳朵怀孕，大体也不过如此。
另外，在2019年发行的《汉斯季默的世界》大型演奏会专辑之中也收录了这首曲子的改编版本，风格在原本的基础上，更加突出了西班牙舞曲的质感，甚至可以成为一首踢踏舞的配乐，配器上除了吉他之外，也更加华丽，是一个不可多得的现场演奏版本。
至于其他几部《碟中谍》的配乐，恕我直言，并没有什么可讲的地方，中规中矩的氛围音乐，大家在观看电影的时候几乎可以忽略掉音乐的存在，不过至少音乐是充分融入到了画面之中，并没有任何让观众觉得突兀的地方，这对于电影音乐来说，就已经是成功了一大半了。
好了，本期就是这样，就让我们在汉斯季默的现场版音乐之中，结束今天的话题，下周见！

在上一期节目当中，我们改变了对然乌湖原本的认知，对其绝美的风光留下了深刻的印象。同时，我也在然乌湖绚烂的色彩之中，完成了一次有意义的人生思考。当天下午，我们还有大把的时间，于是，我们来到了当地藏民心中的世外桃源——来古冰川。

通往来古冰川的路就在上然乌道路右侧，距离然乌镇大约30公里。道路从一块巨大的草甸中穿过，两旁都是造型漂亮的雪山。大家可能会觉得这些雪山垂直高度并不是很高，为何我们脚下绿草如茵，抬头却是成片的雪峰呢？正是因为这里的平均海拔已经是3800多米，而4000米就是雪线，所以，看似不高的山上，海拔都是四五千米级别的，山顶全是终年的积雪。

进入来古冰川的道路笔直向前，将草甸一分为二，而这些雪山则矗立在草甸两侧，就像是世外桃源的守护神一样，威严而肃穆，凝视着每一个过往的行人。

现在是5月份，高原的气温还算是比较舒适的。在这样的地方，海拔每抬升100米气温都能感受到明显的下降。此刻的我们比在然乌湖时大约又爬升了300米的海拔，再加上近在咫尺的雪山，身上还是感受到了些许寒意。不过你只要保持运动，就几乎感觉不到寒冷。

在这里看雪山，和之前的感受又完全不同。这些雪山虽然不是很壮观，但奈何离我们是如此之接近，以至于我在镜头之中都能有一种触手可及之感。通过镜头焦段的变化，更加能感受到雪山上清晰的纹理脉络，我不禁在想，这些雪山之巅，是否曾经有过人类的足迹？在久远的没有人类的过去，又是否有过其他类型的生物曾经默默注视过它们呢？

带着这个没有答案的问题，我们很快抵达了道路的尽头，这里就是来古冰川景区的起点。景区的范围相当大，因为来古冰川实际上是由6个冰川群组成的。如果只是普通的游客，可以选择徒步或者骑马，随意浏览即可。如果是徒步或者探险爱好者，则建议提前了解住宿和露营信息再前往比较安全。

我们因为时间有限，来古冰川也只是临时决定的景点，所以我们只能选择到最近的冰湖游览一番。有意思的是，从停车点到冰湖徒步大约也就是1公里的距离，很多不明就里的游客选择骑马进入之后，又大呼太贵。但这么高的海拔几十块的骑马费用其实我还是能理解的，毕竟能节省您不少体力，特别是针对低海拔地区过来旅游的人们。

如果像我们本身就是从中高海拔地区过来的，那么这点距离自然不在话下，很快我们就来到了水边。

冰湖的水质其实一般，因为冰川在运动的过程中会夹带大量的泥沙，在冰湖中融化之后也就将湖水弄浑浊了。不过，这种浑浊和污染没有半毛钱关系，因为除了泥沙之外是没有任何有机物的污染的。所以，经过大自然的过滤和沉淀之后，注入然乌湖的雪水反而就变得清澈无比。

虽然水不是很漂亮，但冰湖的看头还是那些尚未融化的浮冰，冰川的运动肉眼虽不可见，但确实没少往湖里输送大块的浮冰。这些浮冰有的纯白无瑕，有的则带有泥沙，但最让我们啧啧称奇的是，有一块最大的浮冰，上面居然呈现出神秘的蓝色调。但唯此一块，别的浮冰都没出现这个现象。估计因为现在是春夏交替之际，浮冰数量不算多，要是等到秋冬季节再来，整个湖面可能都看不到一丝水面。那时候，这种蓝色的冰块，会不会很多呢？

反正总的来说，藏区的每一个湖泊，看一次是完全不可能了解到她的全貌的。每个季节都会变化万千，就像我们上一期说过的纳木错和然乌湖。相信来古冰川的冰湖，同样也是这个道理。这一次，我们只是记住了她云淡风轻的一面，等有机会，我们会再来看看她浓妆重彩的一面。

忽然，一个同行之人不知从哪里找到了一块晶莹剔透的冰块。冰块在湖水中浸泡之后，呈现出我们从未见过的形态。有人说它像一座缩小的冰城堡，也有人说它就是一块冰做的太湖石。总之，每个人此刻都在想象力和现实之间做出了最大的努力，试图诠释着自己看到的景象。而之所以这么做，正是因为大家面对如此美景都显得异常兴奋，都渴望与众人分享此刻的喜悦。

于是，我们一行人就索性不考虑前往来古冰川的其他景点，就在这里玩个痛快，拍个痛快吧！

当众人纷纷玩累之后，也是我们离开冰湖的时候了。当我再次爬上岸边的小土坡，忽然发现周围雪山之上的云彩，就像是两只巨大的翅膀一样。一瞬间，一副凤凰逐日的场景就刻在了我的脑海里。来古冰川世外桃源的美誉，看来绝非浪得虚名。要不然，怎么出现这种神奇的异象，以及对我们心灵的震撼呢？

最近被一首歌迷住，是一首老歌，也算是一首新歌。
说老是因为最早这首歌诞生于1992年，说新是因为陈洁仪在2016年翻唱过。30年来，无数歌手翻唱过这首作品，但先说出我的结论，最好听的就是陈洁仪的版本，但我会试图带着大家感受从1992年这首歌初创之时到现在30年的变化。

1992 年的版本是香港明星陈百强的作品，不过那时候我还小，对他的唯一印象只有那首满世界都在播放的《一生何求》，以及当年听闻他英年早逝的种种消息。所以，这首现在听来无比舒服的一首优秀作品，我就在那个年代完美错过了。
上世纪的8、90年代，那是一个黄金的年代，无论电影还是音乐，也无论是国语的还是英语、粤语的，优秀作品有着一个爆发式地增长，我在这档节目之中也讲述过太多的优秀作品。所以，当我迷上这首歌，然后在试图追根溯源的时候，惊讶地发现它居然也是属于这个黄金年代的作品之时，一切也就释然了。这首歌无论是歌词抑或作曲，都属上乘之作。
陈百强可以说是上世纪80年代最耀眼的明星之一，70年代末期进入娱乐圈，80年代初期就已经是一颗冉冉升起的新星。我们在90年代常说四大天王，但其实在80年代却不止四大天王，陈百强、谭咏麟、张国荣、罗文、许冠杰等人都保持着足够强劲的势头，用群星闪耀来形容是丝毫不过分的。而到了90年代，也许是出于媒体包装的需要，才逐渐形成了四大天王的称呼，但直到今天，所谓的四大天王之中，除了张学友是公认的歌神，其他几人似乎总有人嗤之以鼻，并不接受他们的天王称谓。
在我看来这其实也是可以理解的，经历过80年代群星闪耀年代的人都会有着这样的共识：单纯从唱歌的功底来看，当年的郭富城和刘德华只能算是有自己的特点，并没有什么技巧可言。如果没有词曲作者和所属公司的大力扶持，可能取得的成就远不如80年代的这些巨星。
反观陈百强的嗓音其实并没有太过独特的地方，但奈何人家是属于创作型的歌手，这首《等》就是陈百强自己作曲的作品。歌曲的编曲采用了当时最流行的电子音乐来做配器，整体听感上一首典型的情歌，但好听处在于，整首歌的曲调忽高忽低，温婉自然，能够将粤语铿锵的语调毫无保留地突出出来，再加上陈百强吐字清晰，丝毫不拖泥带水，就让这首歌听起来仿佛一阵清风吹过脸颊，特别的舒服。
但可惜的是，就在这首歌诞生一年之后，陈百强却意外离世，这首他最后一个专辑中的最后一首作品竟成为了他的绝唱。

时间来到2004年，歌神张学友在他的“活出生命Live演唱会”上翻唱了这首作品。从编曲配器上我们能够明显感受到，这是一次明确的向经典致敬。张学友并没有改变调子来迁就自己的嗓音，就使得一开始调子比较低的部分我们能感受到张学友有点往下够的感觉。不过也幸好歌神的音域极宽，到后面就游刃有余了。
另外，现场版的配器虽然大多也还是电子乐器，但毕竟10多年的技术发展，使得这个版本的伴奏相较于原版听起来要自然不少。张学友的演唱在我听来似乎也要比陈百强倾注了更多情感，特别是最后的哼唱部分，即便是同样运用了假声，但张学友的哼唱更加温婉，高低流转也更加自然。

时间再次快进到2016年，陈洁仪在这一年推出了单曲《等》。这也是我们今天要着重推荐的版本。
陈洁仪有着独特的嗓音，在这个音域可谓少有敌手，音色甜美，吐字清晰，特别是唱粤语歌，字正腔圆，仅有陈慧娴可与之比拟。
但上述特点普遍存在于陈洁仪的所有作品之中，那么我为何又会特别喜欢这一首作品呢？
我个人觉得，正是因为陈洁仪在演唱这首作品的时候，完全打破了原本作品的基础节奏。首先，我们先从编曲上来感受一下，陈洁仪的版本在配器上采用了真实的钢琴和管弦乐队作为伴奏。如果抛开人声的部分，就使得整首曲子成为了一首钢琴协奏曲。另外就是伴奏的编写非常具有古典气息，和人声的配合可谓相得益彰，人声突出的时候，伴奏就做到最简单；而人声较弱的时候，伴奏就变得复杂起来，这种编曲的风格和歌剧中的咏叹调非常相像。如果大家听过《雪狼湖》的话，相信对这一说法一定不会陌生。
其次，陈洁仪的版本放弃了原有的节奏和速度，完全抛弃了鼓点的使用，让这首歌在演唱的时候该快的地方快起来，该慢的地方的慢下来。这样一来，节奏的上的变化就让歌曲从一首大众可以哼唱的流行歌真正成为了需要专业歌手来演绎的作品。
另外，从陈洁仪的版本之中，我们也感受到了这是一首很独特的关于“等待”的唯美歌曲，从这首歌中你会领悟到不止是爱情需要等，人生很多事都要用心等，就像不能没有经过灌溉和等待就能尝到最甜美的葡萄一样，又如成熟娇艳的花也需要等。等不意味着错过，等“过”了，葡萄会变烂、花会枯萎，正当其时才是最好的时机。所以我们要用心去发现那些真正值得你等的人和事儿，然后做到“不错过”地去等待。
总结一下，陈百强自己作曲自己演唱的版本，中规中矩，无论是配器还是演唱风格非常符合当年的感觉，类似的曲子在哪个黄金年代数不胜数。但是，无一例外的，在那个年代火起来并流行的很多经典歌曲，在今天听来，仍然是很有味道且带有明显年代感的佳作。
张学友的版本，是向经典致敬的典范，在原作的基础上，突出了感情色彩，编曲配器上更加完备，使得作品少了一些青涩感，多了几分成熟度。
而陈洁仪的版本，则更像是一种升华，新的编曲和演唱从实质上提升了作品的层次和等级，让流行文化转变成为了古典艺术。这种转变可能会让一部分人望而却步，但却能够让歌曲更大程度地提升存世的时间长度。
不过，每个版本应该都有各自的忠实粉丝，但在我看来，还是陈洁仪的版本最符合这首歌的气质，将其唱得这般柔情似水，连每一个字都唱得极为细腻又用情极深，如果不是把自己融入进歌中故事主角，又怎会听到那哀而不伤的唱腔是来自灵魂深处的独白？
这也许才是真正的灵魂天籁。

相信您一定有过这样的经历。不管是在某次逛商场的时候，或者是在电视上播放的节目之中，总是能够听到一些非常耳熟能详的旋律。如果这时候你多了一个心眼的话，一定会在脑海中搜索此刻听到的音乐到底是什么。但多半情况下，这样的搜索是没有任何结果的，因为你对于这段音符的认知，纯粹是曾经在某些地方听到过一些片段，只是说这些片段之中的音符是那样的美妙，以至于可以让所有人都能够听一次就产生足够的印象。并且无论听的人是否有足够的音乐素养，都能够对这些音符产生出足够的共鸣。

今天我要讲的音乐正是这样一组大家一定听过无数遍，但很多人却根本不知道到底来自哪里的音乐。首先我们先给出今天的答案，选取的音乐来自宫崎骏和久石让合作的动画长片《幽灵公主》，电影上映于1997年，是一部宫崎骏筹备了16年之久的长篇巨制。也就是说，这部动画片的初创早在上世纪80年代初期宫崎骏才刚刚崭露头角的时候就已经开始酝酿。当然，后来1986年的《天空之城》打开了宫崎骏事业生涯的巅峰，让宫崎骏成为了一直站在巅峰上的动画大师。当然，我也一直在强调，宫崎骏的成功，至少有一半的因素也得归功于久石让对原声音乐的创作。这两个在长相上有着完全相反风格的两个人，对作品的创作理念却有着高度的统一，甚至可以说，他们一个负责筹划出优秀的画面和故事，另一个人则负责把优秀再次升华到了几乎不可超越的神作。也正因为此，两个人也成为了一生的挚友，这种高度和谐统一的创作灵感和对于作品的诠释，即便是夫妻或者兄弟姐妹都无法比拟，让两个人都成为了日本的国宝级人物。

很多人可能会觉得奇怪，既然宫崎骏的作品那么牛，那么为什么却只是拍一些动画电影而不尝试去拍一些真人版的电影呢？其实我在以前的节目中已经反复说过千万不要认为宫崎骏的作品是给小孩子看的，借助今天的节目，我也再来谈谈宫崎骏的创作理念吧！
首先，之所以宫崎骏将动画作为创作的载体，本身也是日本漫画文化背景下的一种产物。日本的漫画产业在全球如果说自己是第二的话，没人敢说是第一。日本的漫画产业从上世纪50年代开始就已经是一种普遍存在的社会现象。发展到今天，阅读受众涵盖了2岁之后的所有人群。即便作为日本邻国的我们，从小也没少接触这些漫画作品，从《哆啦A梦》到《七龙珠》，再到曾经的现象级《蜡笔小新》等等，有的适合青少年观看，有的则完完全全是成人才能看懂的作品。随着六七十年代动画技术的普及，很多日本漫画作品也陆续被制作成动画作品，通过电视台的传播更增加了其知名度和影响力。甚至在欧美也刮起了动画长片的制作热潮。在日本作品传入欧美之前，欧美的大多数动画作品还是以《米老鼠唐老鸭》、《猫和老鼠》那样的幽默小品居多，但在日本动漫文化的影响下，迪士尼也开始了长篇动画的创作，包括后来风靡一时的《变形金刚》等作品无一例外地也都受到了日本动画产业的影响。
所以，漫画加上动画的承载方式，成为了日本一种非常流行的文化氛围，漫画产业也逐渐转变成为了动漫产业。优秀的漫画作品几乎无一例外地也都会获得资本的投入，从而成为动画作品的一种。与之配套的，也有着相应的企划、宣传和推广等一系列的手段来帮助漫画作者完成从漫画到动画作品的转变。这种产业链式的成熟模式在日本非常常见，也造就了一大批从业人员的成功，很大程度上促进了日本的低欲望社会下人们的娱乐生活的丰富程度。
其次，宫崎骏的创意从来都是天马行空一般的存在，在上世纪80年代有着无敌的创意却没有相对应的拍摄和后期能力，动画模式就是宫崎骏将想法转变为现实最好的手段。
随着影视后期制作能力在2000年之后迅速发展，卡梅隆导演的《阿凡达》让我们看到了一丝希望，很多人也开始有了这样的想法，如果把之前成功的动画作品制作成真人版又会是什么样的情况呢？但在久久等待之后，日本这边似乎完全没有这样的想法。于是我们看到迪士尼首先坐不住了，先后把《狮子王》、《阿拉丁》和《美女与野兽》翻拍成了真人版的电影。虽然从技术上来说，迪士尼几乎可以说是把动画中的那些经典角色塑造到了以假乱真的程度，但从成片的实际表达效果来看，却往往是差强人意的。虽然还没到毁经典的程度，但观众在保持客观理性的情况下，还是觉得原版的动画作品似乎才是更加能够准确地表达故事主旨的作品。而且，翻拍的真人版作品对于电影成本的投入，往往是动画作品的数十倍，甚至上百倍。三部作品之后，票房收入与发行预期相去甚远，于是，迪士尼在尝试过之后，也只好灰溜溜地面对现实，绝口不再提起翻拍其他作品的念头。
相比之下，日本这边保持沉默或者说坚持原有的创作理念，就成为了以不变应万变的成功典范。任你好莱坞怎么折腾，宫崎骏和他的团队都不为所动，他们明白，只有把故事讲好的前提下才有技术创新的空间，否则，像类似于《变形金刚》后面几部那样，画面花哨到爆炸，但剧情弱智到令人发指的作品，又有什么存在的价值和意义？

说完了宫崎骏以及日本动漫创作的理念之后，我们来讲讲今天给大家推荐的原声音乐。《幽灵公主》的原声音乐自然也是久石让大师的作品，关于久石让我们在这里就不做赘述，关于他的作品我已经讲过很多了，感兴趣的朋友可以在稍后去翻看之前的节目。
今天给大家介绍的第一首作品是来自于动画片之中的原版配乐《幽灵公主》的演唱版。这组旋律就是我们一开始说的那些熟悉但又陌生的旋律。整体旋律的解读我想放到下一首同样以这段旋律为主的作品之中再来详细讲。针对这首歌主要想谈两个有意思的点，一个是这段演唱的人声，大家听起来觉得像是男声还是女声呢？给大家三秒钟猜一下，好，答案揭晓。这是一个男声的演唱，演唱者叫做米良美一，是日本一位著名的假声男高音演唱家，同时也是一位残疾人艺术家，一生致力于男高音的歌唱事业，他的嗓音非常独特，有一些女高音的味道，这就让我想起了国内的周深，二者虽然风格不同，但有着异曲同工之妙。

这首歌的第二个特点是，整部动画电影之中的配乐几乎全部采用了大编制的管弦乐来制作，但唯独这首歌除外。这首歌在配器上主要采用了纯电子乐器的方式来渲染，就让人在整部电影之中会有焕然一新之感，更加突出了歌曲的存在感。不过要我说，这首歌还是采用管弦乐效果会更加出彩，所以这也引出了我们下面要给大家欣赏的曲子。
第二首，幽灵公主组曲。顾名思义，这是一首改编的曲子，将原作之中最好听的旋律进行了串烧，成为了一首传世的经典之作。目前大家听到的版本来自于久石让2020年2月发行的《梦之歌：久石让精选》其中的第十首。整体时长因为长达8分31秒，我在这里做了一定的剪辑，所以喜欢完整版的朋友请到各大音乐平台自行搜索专辑进行欣赏。

这首曲子的旋律和上一首并没有什么不同，但通过大编制管弦乐团的演绎，以及出色的录音和制作之后，整体的气势和豪华程度也就不言而喻了。一上来就是那段最熟悉最感人的旋律，在这里我也交代一下大家最有可能是在什么地方听过这段旋律的。不知道大家是否还记得几年前央视有个大型寻人节目叫做《等着我》，每当采访完当事人之后，大门敞开的那一刻，播放的正是这一段感人肺腑的旋律，不知道多少观众伴随着这段旋律留下过眼泪。这个节目曾经是母亲的最爱，因为母亲感同身受，有着和节目里寻亲嘉宾一样的遭遇，她也曾苦苦寻找过自己的家人，所以《等着我》就成了母亲必看的节目之一。我也看过几期，但我自认为感情没有母亲那么坚强，经不起这种催泪弹的煎熬，所以我就有些刻意回避。不过每次音乐响起的瞬间，我总是能够回忆起当初看《幽灵公主》的剧情，那时候不懂什么叫做环保，也不懂什么叫做人与自然和谐共处。只是单纯的以为动画片就是动画片，结果现在想想，那时候的自己是多么天真，可以说根本没看懂片子到底想要讲个什么。

到如今来看，片子是看懂了，音乐也大概是听懂了，所以才会有了上述的感慨，以及人到中年的失落和悲哀。
回到一开头的话题，为何人们会对某些音乐产生出情感上的共鸣？这就不得不说说一个概念，潜意识与集体潜意识。
著名心理学家荣格曾把人类的精神划分成了三个层次，一个是意识，一个是潜意识，最后一个是集体潜意识。

前两个都很好理解，意识是我们的主动行为，比如我想做什么不想做什么都是意识主导的结果；而潜意识是一种被动行为。比如我选择看《幽灵公主》是意识行为，但看完之后记住了片中的音乐却是潜意识完成的。但什么是集体潜意识呢？就是我们前面说过的大家都对这样美好的音乐选择了记住，虽然你并不是主动记住的，只是某个时刻听到了而已，但那一瞬间音乐想要传递的情感引起了你的共鸣，从而就导致了你的记忆产生，完成了潜意识的过程。而随着越来越多的人都对同一首曲子完成了这种情感上的共鸣和记忆，也就逐渐形成了集体潜意识。如果把听过这首歌的人聚集在同一个地方播放这首歌，所有的人都会因为共同的潜意识而形成同样的情感，哪怕他们记住这首曲子的时间和地点都完全不同。
所以说，这些有着强烈情感因素的优秀曲子，其实就是联通人类集体潜意识的桥梁，它们构筑起了人类情感的纽带，让我们在看一部电影或者听一首曲子的时候，能够完全明白电影导演或者音乐家在创作的时候到底想要表达什么主旨，寄托什么情感。说到这里，我突然产生出一个可怕的念头，如果这个世界上没有了音乐，将会是怎样恐怖的一个世界？联想到前几天看到阿富汗被塔利班接管之后，首先颁布的命令就是全国范围禁止播放音乐。我真的不敢想象那里的人们今后将面对怎样艰难的生活，在这里唯有祝愿世界和平，少一些极端，多一些包容吧！

PS：节目最后有段游戏中亚瑟亲自唱的歌，算个小小的彩蛋吧！：-）

这是查尔斯·狄更斯在他的著作《双城记》里的一句名言。虽然《双城记》讲的是法国的事情，但是我在玩《荒野大镖客》这个系列游戏的时候，也明确地产生出了上述的念头。

的确，在1899年的美国，那也是两个时代的明确划分点。一个时代是西部大拓展的尾声，一个时代则是美国城市化进程的强势推行时期。
西部大拓展我们可以看做是牛仔时代的巅峰，在那样的时代，牛仔们不仅仅只是简单的牧场工人，他们居无定所，在牧场的工作只是一种权宜之计，赚到钱之后往往都会拉帮结派前往新的目的地，一方面承担着拓展美国领土的职能，另一方面也利用帮派做着一些违法的勾当。但同样的，他们有时候也会利用帮派强大的凝聚力，给所在的土地带来和平和稳定。所以，牛仔二字其实是一个灰色的定义，一个游走于法律和罪恶边缘的存在。
但随着城镇化进程的发展，和美国铁路大量的联通了各个城镇，牛仔们发现原本他们的传统技能已经变得微不足道。之前需要很多牛仔共同押运的几百头牛，如今通过火车就可以很轻松地实现长途转运。面临失业的牛仔们就只能利用帮派的力量扩大违法的勾当，这样一来，一个平衡点就被轻易地打破了。牛仔就成为了当时日渐堕落的一个群体，所形成的帮派则成为了联邦政府必须打击的对象。

于是，牛仔们所做的事情就显得异常矛盾，他们在一边抢劫火车，一边逃避联邦探员追捕的同时，还不忘记照顾那些穷苦的人们。于是，在一个帮派中经常能够看到除了牛仔之外，还有着各种老弱病残。这个特殊的群体夹在两个不同的时代缝隙中苟延残喘，成为了美国发展进程中最神奇的一段历史。
游戏所处的年代正是这样的一个特殊年代。游戏最有意思的是，先出的第一代作品讲述的是第二代作品尾声七年后的故事。也就是说，第二代作品实际上是第一代的前传。R星公司为何要这么做，主要也就是在第一代作品之中没有阐述足够的历史背景，导致了很多包括美国自己的游戏玩家对游戏的真实性产生了极大的怀疑，从而产生出游戏过于虚构的错觉。
从这一点来看，我个人认为，美国的历史教育做得并不是很好呀！
于是，R星用第二代作品，完整地讲述了牛仔帮派的没落和联邦政府之间的恩怨情仇，同时，也通过宏大的场景，向玩家展现了在工业进程之下所推动的城市化发展给牛仔们带来的机遇和挑战。这些机遇和挑战又极大地促进了牛仔们自己内部的分崩离析，从而诞生出各种信任与背叛，出卖与复仇的故事主旨。
所以，两代作品时间跨度超过20年，所涉及的地域横跨了整个美国西南部和墨西哥的一部分。这样最直接的后果就是虽然故事讲清楚了，但游戏进程太长，而且R星也将游戏做得过于逼真，还是导致了一部分玩家对游戏失去了耐性。
但在我看来，神作是不需要妥协的，对于这些没有耐性的玩家如果做出任何妥协，就是对游戏品质的一种犯罪。因为只有当玩家能够拥有强烈的代入感的时候，一个游戏才算是真正地进入了玩家的心扉。这时候，通常从玩家的角度来看，游戏内外是不分彼此的。正像是我上期讲过的《黑客帝国》一样，虚拟世界里的人物，背后其实也是有个真实的存在在操控着的。我们玩游戏的时候如果有了强烈的代入感，那么，这种真实世界和虚拟现实相互结合，不分彼此的感受，相信也是大多数玩家最真实的体验。
于是，在玩过一代作品的基础上，我在玩二代游戏的时候，确实做到了小心翼翼，一方面努力拓展了游戏中想要传递的历史知识，另一方面也深深被R星公司讲述故事的魅力所折服。
在这一点上来看，游戏相比起电影而言，就凸显出了两个最大的魅力。一个是互动性，一个是足够的时间长度。
互动性很好理解，电影是一种被动式的剧情灌输，你只要认真看了，通常而言都能完全看懂电影所要表达的故事主旨。当然，一些故弄玄虚的文艺片除外；而作为游戏，都是需要你自己主动去完成一些任务，在做任务的过程中推进剧情的发展，从而对包括历史、人物、任务动机、存在的逻辑等方面的全方位了解。

通常来说，游戏的任务还会分为主线任务和支线任务，主线任务就是整个游戏的核心剧情，每个任务都是推动剧情发展的必要条件。而支线任务所承担的作用，往往就是对主线任务之中很多历史谜团和相关知识的有效补充。这样两种任务模式相互结合的办法，可以很好地解决不同人群对游戏的要求。喜欢吃快餐的就只玩主线，不会影响对游戏故事的大致理解。而喜欢慢慢品味的，则可以充分挖掘出故事的最大完整性，以及所对应的背景知识。
对于我自己而言，我就是在当年草草玩过了一代的剧情之后，对于那段美国神奇的历史产生了浓厚的兴趣。所以，但凡有了讲述那段历史的电影和电视剧，都是我必然会观看的。而在时隔多年之后，游戏的第二代也就是第一代的前传作品发布之后，我几乎是在第一时间就迅速地成为了游戏的忠实粉丝，到我写下这段文字之时，第二代作品已经是在玩第二次了，也就是常说的二刷。
二刷的目的，并不是需要对剧情再次了解和挖掘，因为第一次玩得就足够认真，所以，这次的二刷，其实就只是单纯地想要融入R星给我们营造出来的那个神奇的环境和时代。这一点也是相关电影不能够完美还原给观众的一个因素。所以，在游戏中，我们能够得到比电影更多的融入感，当然，上面提到的第二个时间长度的魅力也就是这个意思。

回到游戏的原声音乐。荒野大镖客的原声音乐来自R星的御用音乐家伍迪·杰克逊。他几乎包揽了R星所有独立大作的原声音乐制作。之前我们也说过，其实游戏的原声音乐创作相比起电影有着很大的不同。因为电影的原声音乐只需要根据画面所展示的时间长度来定制合适的音乐，而游戏是没有固定的时间长短的。每一个玩家对于同一个游戏场景所停留的时长是完全不一致的，这就无法按照时间长度来创作音乐。所以音乐家往往只会根据场景的氛围来写作音乐，而这些音乐通常都会采用ABA三段式来创作，充分保证了音乐的可重复性。即使玩家停留时间远远超出一个剧情需要的时间，也不会有音乐戛然而止的情况发生。
但这样的结果往往就是音乐本身不会特别出彩，毕竟需要照顾的因素太多了。所以音乐家在创作的时候，比较好的音乐都会放在玩家无法操控的剧情阶段，这个阶段和电影原声音乐创作的方式是一致的。在本作中，原声音乐同样也如此，抛开过剧情的部分之外，大部分的音乐都是采用西部常见的乐器和元素堆叠来完成对那个时代的描绘，并没有什么出彩的地方，单独聆听也只适合作为一种背景音乐。但反过头来，其中的几首插曲却非常有味道，不仅突出了时代特征，更加把剧情的走向带入到顶点，让玩家能够更好地融入故事，产生强烈的代入感。
那么下面，我们就来讲两首其中的插曲吧！
第一首，That's The Way It Is，本该这样。这是一首在游戏中期经常听到的曲子，多数时候是在游戏主角亚瑟摩根产生人生思考的时候。每当亚瑟开始质疑自己的帮派与现实社会之间的关系的时候，以及和其他首领们对帮派今后的走向产生分歧的时候，这首曲子总会适时地出现。曲子慵懒而空旷，与美国西部的荒芜在意境上非常贴切。但曲调之中除了这种慵懒之外，还有着些许的无奈和悲伤。将亚瑟内心的矛盾表露无遗。

歌曲来自加拿大著名音乐人Daniel Lanois，他在该歌曲中空灵的嗓音一下子就抓住了R星游戏制作人的心，这首歌也就自然而然的成为了最能够代表亚瑟的曲目，成为了游戏迷心中的经典。
曲子的配器很简单，两把电吉他，一个沙锤，一个键盘就组成了整个乐队的全部。但营造出来的氛围感却不可小觑，曲风就是典型的美国西部民谣，歌词也足够简单，几乎就是一直重复标题。通过大量的吟唱来突出质感，把西部的广阔世界和主角矛盾的内心世界充分展示了出来。

第二首，Cruel, Cruel World，残酷的世界。歌曲来自美国加州音乐家Josh Homme。曲风同样慵懒，但与上一首不同，这首曲子的慵懒只体现在人声上，整体的曲调却是一首足够活泼的舞曲。这种四二拍的舞曲在美国西部历史上非常流行。因为创作起来足够简单，节奏也非常明显，无论有没有音乐天分的人都能够跟着哼唱和舞蹈，所以在美国西部的酒吧之中非常常见。每当这种类型的音乐响起，人们也就可以跟随着节奏开始跳一种简单的“摇摇舞”，这种舞蹈同样也不需要任何技巧，只需两个人轻轻抱在一起开始摇摆就好，是一种最简单的社交舞蹈。
这里插一句，正是因为四二拍音乐易于找到节奏，所以我们通常听到的儿歌也大多采用四二拍来写作，方便婴幼儿学会并跟着哼唱。
这首曲子是游戏通关之后，游戏的第二主角约翰营造自己农场的时候出现的，较为活泼的曲风和慵懒惬意的演唱象征着约翰有了一个happy ending，是一个皆大欢喜的结局。不过玩过一代的玩家也知道，这种皆大欢喜的结局只是一个假象，因为随后的故事又让玩家认识到了社会的残酷，所以，欢快的曲风下标题竟是“残酷的世界”，并且残酷二字还重复了一次，足以想见第一代的故事又注定也是一个悲剧。

人生就是这样，我们无论如何规划自己的人生，有时候这一刻还是美妙的，下一秒很可能就悲剧了。这也是这首曲子想要传递给我们的思考。当然，不是说我们从此就应该听天由命，彻底躺平。我们依然该为自己的人生负主要责任，毕竟未来的机会还是给有准备的人的。至少，我们应该过好当下的每一秒，就像主角亚瑟一样，明知自己的悲剧结局，他也还是非常乐观和豁达地迎接着自己的每一个挑战，直到生命的最后一刻，他都还是面向初生的阳光。我相信，亚瑟的一生虽然做过不少伤天害理的事情，但迎接阳光的那一刻，他是无怨无悔的，这样的豁达，有几个人能够做得到？

上一期我们讲述了关于子弹时间最著名的游戏。那么这一期我们自然也得来讲一下子弹时间最为出名的电影《黑客帝国》。
《黑客帝国》的英文是matrix，直接翻译的话是矩阵。在数学中，矩阵是一个按照长方阵列排列的复数或实数集合，实际之中的矩阵是可简单可复杂的一个数学概念。矩阵在电路学、力学、光学和量子物理中都有应用；计算机科学中，三维动画制作也需要用到矩阵。 矩阵的运算是数值分析领域的重要问题。
电影之所以把名字定义为矩阵其实是有着深刻的含义的。但是大多数的观众在观看这部电影的时候，只是被其中华丽的特效所吸引，而往往忽略了故事所要表达的具体内容。我相信，大多数的观众可能只记住了电影中主角们光鲜亮丽的外形，以及动作夸张的打斗场面，而忽略了“我们可能生活在一个虚拟世界”的概念。殊不知，这个概念才是电影三部曲的核心主旨。这个主旨最聪明的一点，就是抓住了这个概念本身是既不可证明，也不可证伪的命题。

我们试着回想一下我们这一波文明诞生的全过程。地球如今已经有45亿年的年龄了。而人类自诞生以来，不过短短的30万年左右。我们且不说人类的诞生到底是怎么回事，因为相比起地球上的其他动物而言，我们基本上除了吃喝拉撒之外没有任何的共同点。我们就说说着短短的30万年，前28万年基本上都是处在原始社会的阶段，人类的生存主要还是依靠野外采集和狩猎的模式。但从大约2万年前开始，部落的形成让人类首次有了除物质以外的精神需求。考古发现，只有在大约2万年前的古人类聚居点中，才开始发现有了祭祀的痕迹。这一点其实非常重要，也非常特别。要知道在这个地球上，人类并不是唯一的社会性动物，而偏偏只有人类在历史长河中的某个关键节点上突然进化出了想象力。想象力这种概念恰恰也证明了人类和地球上其他物种的完全不具备从属关系，因为有了想象力，人类就能够凭空虚构出一些概念，并且通过语言和文字的形式进行交流和传承。然后，在大约8000年前，人类又突然掌握了农业能力，而且最神奇的是，这种对农业能力的掌握，是在亚洲和南美洲几乎同时开始的。于是，这个世界有了两种最宝贵的经济作物，小麦和玉米。从此，全世界的人口开始大幅度提升，人们也从居无定所的狩猎形态逐步转变成为依靠农业的定居式生活。所以，以色列的科学家尤瓦尔·赫拉利在他的著作《人类简史》中的一个观点让我印象极其深刻。他在书中说，“自从小麦这个物种在今天的土耳其境内扎下根来，人类就帮助其在几千年的时间里扩散到了全世界，而之前人类非常惬意的采集狩猎生活也使得人类成为了有史以来最聪明和健壮的动物。但自从开始了农业社会之后，人类就不得不日复一日面朝黄土背朝天，从事着繁重且单一的劳动。而单一化的食物来源，虽然养活了更多的人，但却造成了包括骨骼、消化系统等之前从未有过的疾病。所以，事实上证明，并不是人类驯服了小麦，而是小麦驯服了人类。”

而在那之后，人类从原始社会转变成为了封建社会，在公元前500年前后世界各地又很巧合地同时出现了几位伟大的哲学思想家。欧洲出现了伟大的哲学家思想家柏拉图；印度出现了悉达多·乔达摩，也就是佛陀本人；而中国则出现了以孔子为首的百家争鸣的诸子学说。这些人的出现，对当时的各大洲文明都带来了人类思维上的又一次进化和知识爆炸。增强了当时的社会形态和结构，为封建社会的发展提供了理论上的基础。但封建社会持续了多长时间呢？也不过短短的4000余年。封建社会晚期，人类爆发了工业革命，科学技术呈现出爆炸式增长。从莱特兄弟试飞第一架飞机到今天不过短短100余年，人类竟然就已经征服了我们的卫星月球和遥远的火星。且不说这些普通人无法触及的高科技，就连我们现在日常生活中极度依赖的手机在100年前都是个神话之中才可能存在的东西。我们现在需要什么知识只需要简单的点击几下手机屏幕，就可以很方便的从各种百科网站获取到相关的知识。而古人只能通过大量的阅读书籍才能够掌握比常人更多的知识。也就是说，现代人的信息获取量和信息获取渠道是古人的几万倍。我们一周之内阅读的信息量，是古人一年甚至数年的信息获取量。回头想想，这一切似乎都太过玄幻，是那么的不真实。
我之所以扯这么多，其实也就是想说回到电影《黑客帝国》除了炫酷的特效和打斗之外想要传递给我们的故事核心——我们到底是生活在一个确确实实通过人们的劳动和创造发展起来的世界之中，还是生活在一个由比我们先进和发达几十倍甚至数百倍的世界所创造出来的虚拟世界之中？
要知道，人类的大脑虽然有着极其复杂和精密的结构，能够分析和处理的数据量是现代任何计算机都无法比拟的。但同样而言，人类的大脑也是最好欺骗的器官。为何这么说呢？其实我们只需要带上一个VR眼镜玩一个画面很简陋的互动游戏您就明白我为何要这么说了。当我们明知这个游戏无论是画面还是互动操作的程度都很差，但我们的大脑还是依然坚定地选择相信，比如游戏中一颗朝我们慢慢飞来的子弹就足以让大脑指挥着我们的身体作出夸张的躲避动作。虽然同样在大脑中我们知道这只是一个简陋的游戏，但这同一个大脑却指挥着我们躲避游戏中根本不存在的“危险”，身体几乎是在不受控制地作出着大脑不切实际的指挥。这一点是非常矛盾和不可理喻的。如果有人在事后仔细想想，一定也会有和我一样的感受。

电影《黑客帝国》正是讲述了这样一群发现了这个世界之中存在问题而觉醒并对真实的世界展开调查和对抗的故事。故事的背景非常宏大，以至于导演和编剧需要至少三部电影的时长才能够将故事完全讲述完。之所以我说的至少三部，是因为今年年底第四部在时隔18年后也即将来到我们面前，届时，不知道这久违的第四部到底又会给我们带来一个什么样的故事，大家就静静地等待吧！

回到电影的原声音乐，电影三部曲的音乐都来自美国著名作曲家、配乐家唐·戴维斯。他曾获得过8次艾美奖提名，虽然没有拿过单独奖项，但2次获得了艾美奖的“杰出系列作品”奖。通常这个奖项都是颁发给对影视音乐有着持续贡献的作曲家，由此可见，唐戴维斯也是影视音乐界的一位重量级人物。
唐戴维斯确实是一位很多产的作曲家，从1984年开始踏足这个行业以来，作品数量可谓是多如牛毛。不过他的事业巅峰期大约是1995年至2005年这十年。当然我们今天要讲的《黑客帝国》系列三部曲可以说是他巅峰的巅峰，以至于有了黑客帝国1和2之后，侏罗纪公园第三部的原声音乐创作居然抛弃了顶级大师约翰威廉姆斯，转而把橄榄枝伸向了唐戴维斯。不过，熟悉侏罗纪公园系列作品的朋友也都知道，侏罗纪公园的第三部导演也不再是斯皮尔伯格，换成了乔·约翰斯顿。所以，导演换了，后期班子跟着变也是情理之中。
黑客帝国之所以三部曲都是唐戴维斯来写作原声音乐，大概率是因为传说三部电影的实拍部分是一次性拍完的。只是后期制作的时候根据时长和故事发展的需要剪辑成了三部电影。这样的制作理念在当年的魔戒三部曲之中也有运用。随着后期制作技术的发展，特效自然也会一部比一部先进和真实。我们现在回过头来看黑客帝国的话也会有同样的感觉，特效最好的是2003年的第三部，第一部中的部分特效用现在的眼光来看的话还是会觉得比较假。就不知道时隔18年后的第四部会给我们带来什么样的震撼了。

今天给大家介绍的第一首曲子来自于黑客帝国第三部的大结局部分：宇宙的灵魂。这是一首典型的咏叹调，曲子开篇由一组螺旋上升的曲调组成。诠释了电影之中关于人类觉醒和面对强大人工智能时的不屈不挠，音符尽量采用了激昂的大调来凸显质感。在开篇完成后进入到比较平和的第二段旋律，这一段着重描绘了人类在觉醒和战胜AI之后的心理变化，这种胜利之后的平和状态是短暂而宝贵的。所以，在舒缓的音符之中，也蕴含着很大程度上的不安，这种不安主要是通过重复的小提琴反复一个和弦来完成的。但主旋律的管乐和定音鼓却预示着人类的不可战胜。这也就在音乐之中，给我们埋下了第四部存在的伏笔，也算是电影中一个小小的彩蛋吧！

第二首，纳弗拉斯。这是一个梵文的音节，具体的意思不是很清楚，但一定和宗教有关。整首曲子的设定也是这样。开篇的人声激昂大气，有着明显的中世纪宗教质感。编曲上也尽量用打击乐和管乐来突出这种金属质感。节奏上紧张明快，将中世纪的铁血岁月通过听觉的方式完美表达了出来。但曲子进入第二段之后，摇身一变成为了一种带有明显舞曲和印度风格味道。首先在节奏上从紧张的中世纪转变为舞曲是节奏上的妥协，但风格从中世纪变为印度风格就很让人有些摸不着头脑。
其实，我们从电影的立意上着手就不是很难理解这种看似毫不相关的元素拼凑在一起的做法。中世纪的音乐风格代表着电影之中还没有觉醒的人类以及统治整个虚拟社会的强大AI；而梵文哼唱的印度风格则代表着觉醒人类的精神世界，逐步放缓的节奏也预示着人类觉醒之后的平和心境以及可期的未来。整体而言，这首曲子初听之下确实有丈二和尚摸不着头脑的感觉，但细听之后又有一种让人欲罢不能，想要好好领悟其中奥秘的神奇感受。
所以，虽然《黑客帝国》电影的大多数配乐是为了画面氛围而写作的纯烘托型配乐，但其中确实也有上述这些能够让我们赏析和思考的优秀作品，这些作品不仅能够和画面配合得相得益彰，也能够在单独聆听的时候带给我们深度的思考，我只想说，唯一的遗憾，就是数量还是稍微少了一些，如果可能，那就在平行世界之中的《黑客帝国》电影里，这种配乐多一些吧！

今天应一位叫做“饮个维他先啦”的听众要求做一期游戏的原声音乐节目。
在2000年前后，有两个作品先后因为“子弹时间”在其中的大量运用而成为那个时代的宠儿，第一个作品就是1999年开始陆续推出的《黑客帝国》系列，其中大量运用的子弹时间让所有观众耳目一新，电影本身所制造出来的科幻效应也轰动了全球，关于电影的原声音乐会在今后推出。今天我们先讲一下另一个因为子弹时间而走红的作品《马克思佩恩》。
其实说起来我一开始接触到这个游戏的时候，对这个名字实在是没什么兴趣，这其实也是东西方文化差异所造成的。我们东方无论中日韩对于影视游戏作品的命名，往往都喜欢用几个高度概括作品内容的字眼或者是作品中有着特殊意义的物件或事情来对作品命名，诸如中国古典四大名著，以及我们讲过的所有国产电影和电视剧；而欧美有时候却特别喜欢直接用人物来命名，诸如古典名著里的《麦克白》、《哈姆雷特》、《罗密欧与朱丽叶》等等；现代作品也有不少，诸如 《亚瑟王》、《波斯王子》、《斯嘉丽》等等。因为有着几百年这样的传统，所以欧美的读者和观众甚至游戏玩家并不会因为一个简单的人物名字就放弃对作品的探索和尝试。

初代《马克思佩恩》是2001年的作品，而《黑客帝国》第一部是1999年的作品，要说马克思佩恩的子弹时间没有受到电影的影响和启发那就是扯淡了。但是幸好游戏有样学样，把子弹时间这个概念从观赏的角度演变到了可以互动体验的程度，但从这一点来说，卖点就足够强大。而到了第二代作品之中，部分场景还直接向《黑客帝国》致敬，这种向经典致敬的桥段在其他游戏中也有，比如在我们讲过的《使命召唤之现代战争》中就有致敬《勇闯夺命岛》监狱大战的桥段。而《马克思佩恩》向《黑客帝国》致敬的桥段，不仅是消化吸收了子弹时间的概念，更是模拟并重现了黑客帝国中两位主角在大厅枪战的精华部分。这就使得玩家们大呼过瘾，毕竟看了一部爽快的电影和玩了一部爽快的电影，在本质上还是有很大区别的。

游戏和电影有时候就是这样一种美妙的共生关系，所以一旦有了经典的IP之后，电影会被改编成游戏，而游戏同样也会被改编成电影。马克思佩恩同样也出过电影，2008年的时候由马克·沃尔伯格主演。但不知道什么原因，似乎游戏改编的电影无一例外的都比较失败，最成功的可能只有2001年的第一部《古墓丽影》吧，评分高达7.1，不要小看这个分数，这已经是游戏改编的电影里数一数二的分数了。马克思佩恩的电影分数只有可怜的5.5，连及格线都还差着0.5分。好莱坞其实完全有能力讲好一个游戏所要表达的故事，毕竟剧本已经是现成的了，甚至连分镜头脚本都可以说是现成的，毕竟游戏制作的时候都需要做大量的前期工作，但是到了电影这边，导演和编剧拿到的一手好牌非要打得稀烂，这一点是我至今都无法理解的事情。

今天我们要讲的原声音乐，来自《马克思佩恩》的第二部游戏作品，第一部我翻遍了各大平台，始终都没有找到，而电影的原声音乐因为版权的原因被下架所以没能听到，算是一种遗憾。目前还在国内各平台生存下来的，只有游戏的第二部和第三部作品。
相较而言，第二部的原声作品个人比较认可，但也仅仅只是合格，并没有太多的精彩之处，而第三部的原声音乐就只能算是单纯的氛围音乐，单独聆听的话，甚至会有一种赛博朋克的感觉，总体上觉得有些奇怪，和马克思佩恩的主题并不算非常贴切。

第二部的原声音乐来自于一位芬兰的摇滚歌手兼创作者卡特西·哈塔卡（音译），卡特西其实只是一位芬兰本土的摇滚明星，在全世界的知名度可以说是很低，那为什么马克思佩恩的第一代和第二代都会找他来制作原声音乐呢？其实答案很简单，因为游戏的制作公司Remedy娱乐就是一家芬兰的公司。他们在开发了第一代马克思佩恩之后关于马克思佩恩的游戏版权就被大名鼎鼎的R星公司收购了，对，没错，R星就是那个出品GTA系列和大表哥系列的最著名的游戏公司。提到R星就给自己埋个坑吧，大表哥的原声赏析也将会在不久的将来上线。

话说游戏版权被R星收购之后，第二代游戏算是两家公司合作开发的，到了第三代马克思佩恩就完全成了R星的独立作品，但在第三代之后，马克思佩恩就完全销声匿迹，没有了续作，电影电视方面也没有了任何进展，根本不知道R星当年强力收购这个IP的用意到底是什么。而通过网络查询，R星手捏这个IP将一直到2021年，也就是今年到期。届时原来的母公司Remedy娱乐才有权重启这个当年的经典IP，但不知道Remedy公司是否还有当年的热情。

说回到音乐本身，卡特西为游戏制作的原声音乐总体上还是非常符合游戏中的人设和情节定位的。因为马克思佩恩本身的悲剧色彩，所以卡特西将主题音乐塑造成为了一种略显压抑的氛围，主体乐器采用了大提琴的solo来表达一个中年男人的质感，音符大量采用小调和弦来营造一种悲观的情绪，突出男主的精神世界。
但可惜的是，整首曲子除了大提琴的部分是真实演奏之外，所有的伴奏都是电子音乐来合成的。而且可能当年的效果器音效一般，又或者芬兰的游戏公司并没有特别过于重视音乐的效果，所以放到现在来听的话，整首曲子的前半段还是比较出彩的，而后半段因为电子音乐的大量加入，反而会有一种比较生硬的感受。

第二首，Late Goodbye，这是一首通关时的曲子，但不是卡特西的作品，而是另一个芬兰摇滚乐队Poets of the Fall的作品，这首2004年创作的作品就是专门为马克思佩恩第二部作品编写的，也成为了当年红极一时的单曲作品。整首歌曲氛围相当不错，在凸显了马克思佩恩孤傲性格的同时，也将他向往正常生活，渴望爱与被爱的热情充分表达了出来。
歌曲整体节奏为一首不插电的摇滚作品，但曲调上又似乎有着一种美式民谣的风格，主唱略带忧郁但干净的嗓音在整首歌之中都非常突出，和乐器配合得可谓是天衣无缝。音符上，并没有传统摇滚中的大起大落，而是尽量做到了平铺直叙，就像是一个过来人一样，处变不惊地讲述着自己的过往，哪怕这种过往是那么的轰轰烈烈，但过去的总是过去的，此刻的讲述就仿佛只是别人的故事一样，与自己毫无关系。
总的来说，这首歌的精彩程度，我个人觉得远超原声音乐，但不管如何，游戏本身才是最精彩的，只是我们作为玩家兼音乐爱好者，总是希望优秀的影视作品和游戏作品同时也能够拥有优秀的原声作品，毕竟我相信音乐爱好者的数量应该是远大于单纯的游戏爱好者的，而通过音乐爱好者的欣赏和发现，也许也会有更多的人群成为游戏的爱好者，这笔买卖应该是划算的吧，就不知道游戏公司们是否能够听到我的这个建议？

今天我们来聊一期游戏的原声音乐——使命召唤。
使命召唤这个系列其实已经算是一个老牌的游戏系列，初代诞生于2003年，至今一共发行了17代作品，其中分出了很多个系列，有专门讲述二战的原生系列，现代战争系列，黑色行动系列和其他衍生系列。最让玩家津津乐道的，口碑也最好的应该是现代战争系列。其紧凑的剧情，细腻的人物刻画，出色的过场动画和音乐制作都是3A游戏大作的代表。我们今天要给大家介绍的音乐，就是来自于2009年的现代战争第二代作品。
虽然从游戏的角度来看，每隔一两年，游戏的画质水平就不可同日而语，但在当年如日中天的动视游戏公司而言，他们绝对是超越时代的典范。无论是游戏场景的搭建，人物的动作捕捉，面部识别技术等放到现在都绝对不会太显落后，要知道那可是一个12年前的游戏啊，同时期的其他所谓3A大作基本上都已经无人提及，但说到FPS第一人称的经典游戏，那么，动视公司的这一整个系列作品都将在很长一段时间内成为人们口中的话题，以及经典的存在。

使命召唤系列和我们之前讲过的EA公司的战地系列都是第一人称的战争游戏，二者就是一种实实在在的竞争关系。两个公司都一直在着力打造所谓的最好的FPS游戏，但从实际成品的角度出发， 动视公司还是要明显高过EA公司一筹。这倒不是说游戏性上的问题，从剧情包装以及画质质感上，二者各有千秋，但EA公司最大的问题就是成品之中存在的bug数量在每一代作品之中都要多过动视的产品，这就使得广大玩家在游玩的过程中总是对战地系列充斥着各种不满的情绪，大家总是觉得战地系列是EA公司赶工出来的作品，诚意明显没有动视那么足。所以，从各代作品的销量上我们也能够看出，动视目前仍然还是FPS游戏的第一把交椅。但这种差距也正在随着EA公司战地系列多人模式越来越多样化的玩法而发生着改变。
最新一代的《战地2042》即将在9月份推出，从目前发布的宣传片来看的话，确实EA公司在多人游戏的模式开发、玩法的丰富程度上已经遥遥领先动视公司。而动视还在将大量的精力放在单人剧情的营造上，可能会在多人业务板块吃大亏。但从我个人的角度出发，我还是希望动视继续保留做好单人剧情的实力，毕竟，这年头，已经没有几个公司愿意好好做单人游戏了，这份儿初衷不知道还能坚持多久。
说回到游戏的原声音乐。我们这里讲述的是第二代现代战争的音乐，因为2004年的第一代现代战争获得了巨大的成功，所以动视公司在制作现代战争2的时候就格外用心，不仅所有人物动作都采用真人来完成动作捕捉，剧情的设定也非常好，完美承接了上一代的剧情，同时也为现代战争3埋下了很好的伏笔，使整个现代战争系列成为了不朽的经典之作。

音乐上，动视公司找来了汉斯季默的公司来为该作创作原声音乐，当然，最终作品之中我们看到了两个作曲家的名字，一个自然是汉斯季默，一个是罗恩·巴尔夫。其实听过我节目的小伙伴儿应该都知道，汉斯季默工作室之中有着非常多的优秀人才，他们其中任何一个人放在不同的领域其实都是可以独当一面的人才，但都选择加盟了汉斯季默的工作室，成为汉斯季默的联合创作人。其原因其实也很简单，因为汉斯季默一个人的商业号召力可能比他们所有人加起来都高。于是，他们也就只能心甘情愿地为汉斯季默打工。不过呢，幸好汉斯季默这个大老板还是很给力的，陆续扶持起来的这些小伙伴儿也都各自拥有了自己名气和业界地位，后来单飞的也不少，但留下来的依然是大多数。

罗恩·巴尔夫就是其中业界地位比较高但至今还留在汉斯季默工作室的一个大咖。2009年的这部游戏原声作品之中，除了主题曲其他全部都是巴尔夫的作品，但确实我们看到了汉斯季默这个名字的号召力的作用，动视公司在游戏发售之后也迅速发行了游戏的原声专辑，但在当年的苹果iTunes榜单之中，却只写了汉斯季默的大名，在随后几个月后才修复了署名。但修改前和修改后的销量数据却明显显示了只写汉斯季默的销量要远高于写上巴尔夫的名字，我相信这也正是巴尔夫铁了心一直留在汉斯季默工作室默默付出的真正原因吧，毕竟，背靠大树好乘凉，这辈子可能都不愁没有单子接吧！
第一首，我们先来说说汉斯季默创作的主题曲。
如果对电子音乐不熟悉的朋友很可能会以为是管弦乐团和电子音乐相互结合的产物，但这首曲子是一首纯电子合成的仿大编制音乐，汉斯季默我以前就说过，是个很厉害的电子音乐高手，音乐之中很多纯电子音乐听起来比较死板的地方都被他用各种其他乐器和音效做了比较完美的遮盖，当然，我们仔细听也还是能听得出来，毕竟纯电子的和人演奏的怎么都会有差别。
音乐一开始所展现的氛围是一种带有很明显危险质感的音符，用电子音乐模拟的大提琴来展现。忽然一组小提琴的强烈节奏闯了进来，伴随着强烈的鼓点节奏，再加上各种模拟的管乐来做堆叠，整个曲子在这里分做了三个声部，小小提琴的主旋律，大提琴和管乐的和弦，人声和鼓点的附和完美结合在了一起，形成了一种波澜壮阔的氛围，充满展现了一个战争游戏想要表达的英雄情结和战争残酷危险的本质。曲子在快要结束时，又回到了一开始的紧张氛围之中，鼓点模拟的心跳也预示着这种强烈的不安因素，典型的ABA三段式曲子，让玩家在听到这段音乐的时候，就会忍不住想要继续了解接下来到底发生了什么，从而产生强烈的代入感，这也正是这首作品成功的地方。

第二首，敌人的敌人就是朋友。这就是罗恩·巴尔夫独立创作的一首曲子，曲子时长8分27秒，可以看做是一首组曲，是针对不同的游戏场景串起来的一首作品。我们只选取开头的部分来为大家讲解。曲子也是一首典型的电子音乐作品，合成的管弦乐和电子鼓点在背景之中烘托出一个比较悲壮且大气的氛围，前景中的有些中东特色的乐器才是主角，旋律其实也比较简单，但整体听感的营造却比较悠扬和柔情，就很好地突出了主题，和所配合的画面相得益彰。
至于专辑中的其他作品，就绝大多数都是氛围烘托型的作品，可以作为工作和学习的背景音乐来辅助提升效率，大家感兴趣的话可以自行找来感受一下。好了，本期节目就先这样，我们下期见！

今天我们来聊聊东京奥运。

（本来想聊聊东京奥运的音乐，可惜没啥亮点，就单纯谈一点自己对于奥运会的看法和思考吧！背景音乐均来自本届奥运会官方歌单，大家可自行搜索）

东京奥运也是因为疫情的关系一波三折，最终延迟了足足一年才得以举行，所以我们看到的任何宣传材料上的年份字样还是冠以2020东京奥运，拖了一年之后举行也将不影响3年后的下一届奥运开幕时间。

奥运会从来都是体育届最大的盛事，因为从现代奥运会开始举办至今，就是人类小心呵护的一个跨越宗教信仰，跨越国家民族，只追求更高更强的国际大赛。只有在一战和二战这种全球大战期间导致过现代奥运会的停办，但一旦人类社会有了复苏的迹象，奥运会这种能够突破国家界限，彰显人类传统友谊和道德的比赛，又会成为当时人们的焦点。特别是在经历世界性战争之后的人类，对这种能够通过不用付出生命就能分出胜负的比赛方式尤为看重。
说到这儿就得说说战争和体育的差别。战争本质上其实也是一种竞争方式，赢得战争的同时，也是双方或者多方之间决出高下的时刻。但战争比的是军备的强弱以及收割生命的速度，从这一点上来说的话，战争无论被冠以多么崇高的政治因素，在道德层面都是极其残忍的。但人性就是如此，整个人类史几乎就可以等同于是一部人类战争史。人类自诞生以来所发动战争的年月相比起岁月静好的年月，大致是一个二八开的格局，只是可惜的是，其中的二是和平所占的比重，而八才是战争所占的比重。
这一点无论古今中外无一例外，远的不说，单看我们中国。从三皇五帝的上古神话开始，就是各类天神之间的你死我亡。奴隶社会到封建时期的每个朝代更迭，也同样伴随着血雨腥风。就算是相对稳固的汉唐王朝，有史可循的大小战争也是不计其数，有的是对外扩张的需要，有的则是保家卫国的被动战争。所谓的岁月静好，在历史的长河之中，基本上都只是昙花一现的存在。而正是这种极其的短暂，似乎才显得格外珍贵，人们也才会趋之若鹜。
但可恨的是，人性之中似乎总是有着竞争与好战的基因在作祟，就算是在短暂的和平年代，人们也总是喜欢在某些领域与别人分个高下，于是就有了武术，有了蹴鞠，有了赛马，也有了斗牛。任何事情都是双刃剑，这种竞争基因在促使好战的情况下，在某些程度上也是促进整个人类社会发展的原动力。正是有了战争，战争中的近身格斗才得以飞速发展成可以强身健体的武术；而有了赛马，不仅马匹得以杂交进化，功能种类得以拓展，封建时期战争的走向也因为马匹的引入得到了根本的改变。骑兵的出现，让一个马背上的民族，得以在极短的时间内几乎控制了整个欧亚大陆，堪称战争史上的奇迹。
每一个看似偶然的事件，其实都是整个历史进程中不可或缺的车轮，无时无刻不在产生着蝴蝶效应，带动着历史的发展。
1896年的第一届现代奥运会也是如此。这届奥运会之所以被称之现代奥运会，是因为古典奥运会在历经了1000多年的举办后，大约是在公元4世纪末期停办，这一停，就超过了1500多年的时间。
时间来到1852年，一位叫做库齐乌斯的德国考古学家已经在古希腊的奥林匹亚挖掘了很多年，最终他形成了一份完整的考古报告，于当年的1月份在柏林宣读了这份报告，获得了当时国际社会的重视，同时他呼吁，恢复这项有着悠久历史的传统体育赛事。
他的呼吁被尊称为“现代奥林匹克之父”的法国教育家皮埃尔·德·顾拜旦所认可，1894年，顾拜旦致函各国体育组织，邀请他们参加在巴黎举行的国际体育大会。在同年6月16日举行12国的代表在巴黎举行了“恢复奥林匹克运动大会”。会议决议每四年举行一次全球范围的奥林匹克运动会。6月23日，国际奥林匹克委员会成立，希腊人泽麦特里乌斯·维凯拉斯出任主席，顾拜旦任秘书长，并亲自设计了奥运会的会徽、会旗。会议还通过了奥林匹克宪章。1896年，第一届现代奥林匹克运动会终于在希腊雅典正式举行。并决定此后每4年举行一次，会期不超过16天。

这届奥运会就是真正意义上的第一届现代奥运会。1896年奥运在1896年4月5日举行，虽然只有13个国家三百名运动员参加，但是它第一次成为了国际性的比赛。这一届的冠军没有金牌，因此不能被称作“金牌获得者”。在这一届奥运会上，也确定了奥运会由奥委会的各成员国轮流举办的原则。1913年，为了宣传奥林匹克精神、鼓励参赛运动员，由顾拜旦提议，经国际奥委会批准，将“Citius、Altius、Fortius”（拉丁语：更快、更高、更强）作为奥林匹克格言。
不要小看现代奥运会存在的意义。我在上面说过，人性之中是有着好战的基因的。正是有了现代奥运之后，人类才开始正视野蛮和杀戮，虽然后面又爆发了一战和二战，但在那之后，人们越来越渴望能够营造一个没有战争的国际环境，因此，联合国和各种国际组织也就应运而生。在所有这些国际组织当中，国际奥组委似乎又是那个最没有政治动机的组织，所以，几乎可以这么说，奥运会是目前全球最干净的国际性集合体，没有人种、宗教和政治的因素，全人类难得能够聚在一起通过非战争和杀戮的方式在相对公平的规则下分出胜负，赢了自然开心，输了也能得到尊重，这才是人类该有的样子，不是么？
最后，也预祝中国健儿在本次奥运会中取得骄人的成绩，再创辉煌！

每隔一段时间，总会有喜欢不同音乐的心境。就像我一样，包括给大家制作的节目，总有不同的曲风，不同的节奏，也有不同的地域风格。但总有这么一类音乐，能在不经意间，给到我心灵深处最大的放松。
这种放松可以看做是一种对于生活和工作压力的释放，也可以看做是调剂心情的一味良药。总之，在某些不经意或者刻意的时候，我就会想起一些曲子，然后开始循环它们，哪怕这些曲子其实早已是多年前的产物，又或者已经是聆听过不知道几百遍了。从前奏到高潮，再到结尾的每一个细节，其实不用再去聆听，只要想起，在脑海之中自然而然的也会播放起来。但在这些相对比较特殊的时刻，如果手边确实也有聆听的设备和环境，那么我也自然还是会将这些曲子添加到播放列表中，认真聆听。
这似乎已经成为了一种习惯，或者说是一种带有点信仰的感觉。可能说信仰有点过了，毕竟我刻意去聆听这类型音乐的时候，更多的是寻找一种心灵上的慰藉，或者说是情绪上的安慰。信仰毕竟是要有一种极度虔诚的信任和相对比较严格的仪式感的。我的这种习惯与信仰最大的不同，就是我只是在需要它的时候，才会去寻找。所以虽然这些曲子带给我了很大程度上的慰藉，但我却没有能够对它们保持敬畏，这样一来，就让我有时候也会产生些许的自责，认为我自己似乎有些自私。
不过转念一想，音乐之所以会被作者创作出来，就是要通过一种全人类都能共同感受和识别到的最简单、最有效的方式来获得集体潜意识上的共鸣。人们都说，科学无国界，音乐无国界。是的，无论你的国籍、信仰和语言之间有多么大的差异，通过音乐所表达的情绪却是大多数情况下一听就能够明白的。
当然，也不是说所有的音乐你都能听懂，在不同文化差异下创作的东西，总会有当地特殊的文化背景和宗教背景作为支撑。当然，听还是能听，情绪上的表达也可以感受得到，只是无法领略其中比较深邃的东西。这也正好就像我们如果有语言和文化差异的人相互沟通一样，总能通过一些最简单的肢体语言来表达最基本的诉求，不至于完全无法明白对方的意思，但再往深了就不好理解了。
说了半天，思维有些发散，回到今天的主题，我想要给大家推荐的一首作品，是来自一位民间不太出名的独立音乐人。或者可以说，是属于一个民间的音乐团体。
这个小团体非常有意思，他们一开始是一群对诗歌有追求的年轻人，大多数都是90后，来自天南海北，但对中国传统文化不约而同地都有着自己独特的理解。所以，在他们的作品之中，我们能感受到传统古诗词和现代诗歌结合的魅力。

他们集体创作的团体名称叫做爱诗柒班，主创叫做winky诗，也就是我们今天这首推荐曲子的主唱，同时他也是这个小集体的班长。这种集体创作的歌曲非常有意思，每个人都参与进来，共同创作出一首古风味很足的诗词，然后在一起作曲一起编曲，最终就形成了一首温暖甜美的歌曲。
曲子名字叫做《荒唐》，我们先来讲讲曲调。曲调是典型的江南小调和摇篮曲的混搭，初听之下就能给你一种温馨恬静的感觉。配器上也极其简单，钢琴、吉他和手鼓沙锤的搭配，一定会给你一种国风民谣的感觉。相信很多人都会将其理解成类似《成都》或者丽江古城之中经常听到的那些打着手鼓唱的曲子。
但在我看来其实不然，这首歌和那些显得带一点忧伤或者无病呻吟的歌曲是有着本质上的区别的。这首歌曲的曲调相比起那些讲述年轻人情感的曲子更加干净和纯粹，少了年轻人的情爱因素，却多了几分纯真，这样一来最大的好处就是听这首曲子的人不会被划分年龄的界限。从几岁到几十岁的人，都能从歌曲中获得自己的切身感受。
再一个就是，曲调温婉的江南风味，糅合着慵懒的摇篮曲风，一瞬间就能让听者落入一种温暖舒适的听觉氛围之中。我相信，无论你当时心境如何，是烦躁还是安逸，听到这样的曲调之时，一定也会精神一震，短暂地将注意力集中到音乐上来。然后可能又会恢复到最初的状态，但这些简单音符在内心留下的印象已经是不可磨灭的了。在不久的将来，一定会重新找到这首曲子，好好体验一次心灵的洗礼。
再来说说歌词，我之前已经提过，歌词和曲子都是共同创作，我真的很佩服这帮年轻人，他们绝不是很多人眼中玩世不恭唯我独尊的人群。因为我在诗中看到了他们对生活的细致，对古诗词的热爱，甚至对传统文化孜孜不倦的追求。
我们来看两句诗句，第一句是：
微风呢喃着细语说初春绵长，
爬山虎推开了老爷爷的窗。

这一句很精确地道出了江南一带初春的景象。微风带着细雨，润物细无声。爬山虎以惊人的速度在老房子墙上生长，一个“推”字竟道出了江南春天独有的魅力。烟雨朦胧之中，温婉而富有勃勃生机。
我们再来看第二句：
池塘里小船摇碎波光，
咿呀声勾破门角的蛛网。
酒杯里还藏着昨天的落花香，
燕子飞过屋檐唱那旧时光。

前两句的“摇碎”和“勾破”两个动词用得恰到好处，将一副静态的场景写得立刻生动了起来。突然转折的“酒杯”和“落花香”看似与前面毫无关系，却暗暗预示着过去和现在的传承，“燕子唱旧时光”也是对这种传承的精准补充。作者想要表达的意思到这里就非常明确了。过去的江南是这个样子，现在虽然时代不同了，但人的精气神却是实实在在一代代传承下来的。别看我们年轻，但我们也和以前的人们一样，流着一样的骨血，传承着同样的文化。
这里的燕子再加上后面的莺飞草长。又不禁让我想起了朱雀桥边的野草花，乌衣巷口的夕阳斜。确实，时代在变迁，昔日王谢的堂前燕，早已飞入了寻常百姓家。虽说在某些层面上，我们感受到了人心不古的遗憾，但最终我们还是不得不承认，文化的传承是始终没有中断过的，很多90后或者00后的群体，其实根本不需要去强迫他们学习，他们自己早已对传统文化有着浓厚的兴趣，向古人学习包括穿着和礼仪方面的知识。这也正是如今汉服文化在江南一带大行其道的原因，并深刻地影响着全国其他的地方。虽然这其中和古代毕竟有着很大的差别，但这种积极探索和学习的劲头，是我们70、80后望尘莫及的。
回过头来再看看这首歌曲的名字《荒唐》，很多人可能都会觉得和歌词不搭调，但其实这是一种过来人对自己以往经历的自嘲，并不是真的觉得荒唐，而是一种自我成熟的表现，所以在此，唯有祝福这些比我们年轻的群体，期待他们能够在文化和道德的传承上，更进一层，让我们伟大的中华民族，真正成为屹立于世界民族之林的代表！

最近看了一部最新的动作片，是咱们很熟悉的硬汉郭达斯坦森，啊不，杰森斯坦森的最新力作。之所以拿出来和大家一起分享，主要是因为可以算是最近一年多以来为数不多的好看的动作电影，外加原声音乐的精彩程度出乎我的意料，听起来还挺带感的。要知道常规来说，动作电影的原声音乐真的很少能单独聆听的，所以大家可以回顾一下我的节目，动作电影应该是只讲过一期《伸冤人》。这倒不是说动作电影可以不重视原声音乐的创作，而是动作电影往往更加需要借助音乐突出氛围，所以在旋律上下的功夫就不是很足。
动作电影的原声音乐大多都会采用一些摇滚类型或者电子音乐来做处理，通过密集的鼓点和重金属乐器来点燃观众的情绪，为整体电影的基调打下基础。所以，如此一来，动作片的音乐大多数都不是很好听，但放在合适的氛围之下，就一定能够起到它该起的效果。
那么， 今天要讲的这一部片子又如何让我觉得有特别之处呢？先别急，我们先来介绍一下电影本身。

这一部《人之怒》是英国著名导演盖里奇的最近力作，盖里奇绝对可以说是好莱坞动作片导演之中的一个重量级人物。因为他从1999年开始拍摄动作片至今，保持了平均分7分的优异成绩。不要小看这个分数，因为作为动作片来说，7分有时候已经是一个很难够到的门槛，大多数的动作片都是在5-6分左右徘徊，也就是说，大多数的动作片，都只是追求一个场面，而忽略了故事本身。
不过盖里奇的电影却从来都是要把故事讲好的，至少不能够出现什么逻辑硬伤。这一点和盖里奇本身是一个英国人很有关系。因为从传统英国电影电视剧的叙事手法来看，确实在剧情上花的功夫通常都要比美国来的扎实。但有时候英国人性子太慢也是导致英剧太过于冗长的原因。幸好这一点在盖里奇身上没有特别突出的体现。
总的来说，我们可以这么来理解盖里奇，他是将英国电影中叙事严谨的态度和美国电影火爆场面相互结合最成功的的一个动作片导演。于是，我们就总是很期待他能拍出一些合格的动作电影，给低迷的动作片市场，注入一些新鲜的活力。毕竟，我们总不能每次都是去观看一些纯爆米花的无脑作动片或者是纯粹的严肃题材电影，毕竟生活也是需要各方各面的因素来调剂的。包括我的赏析节目。
当然，这部电影除了讲了一个不错的故事之外，最让我乐于分享的，是片中那份执着的父爱。片中男主痛失爱子之后，穷尽一切手段为爱子报仇，期间制定了周密的计划，也利用自己独特的身份和技能展开了几乎完美的复仇行动。
在片中其实也有很多逻辑不够，编剧来凑的地方，但从整体来看是无伤大雅的。导演和杰森斯坦森的黄金组合让“男人味”这三个字得到了淋漓尽致的体现，所以一切存在的小问题小毛病也就可以容忍和迁就了。最终，片子从上映至今评分大致停留在了6.8分，这个分数我相信还是比较中肯的，也是大多数好看的动作片所应该达到的分数。

片子的原声音乐来自于英国作曲家克里斯托弗·本斯塔德。他在影视界崭露头角是2013年的电影《地心引力》，当时他是作为电影的录音和混音师，获得了奥斯卡的最佳音效奖，从此之后名声大噪，陆续与盖里奇合作了电影《绅士》和《阿拉丁》真人版，此次的《人之怒》是第三部与盖里奇合作的电影。
其实从本片全部的电影配乐来说，也是属于我在一开头提到的那种氛围烘托型配乐，大量采用密集的鼓点和低沉压抑的旋律来配合画面。但本斯塔德为该片的配乐采用了大型管弦乐的编制加上电子音乐相互结合的方式，从厚重感上来说就明显比单纯的电子音乐质感来得扎实。配合着盖里奇英国风味的动作设计，整体而言就算是杀人都有着一股子优雅的感觉，这就让电影脱离了传统作动片的范围，让电影可以有了一种可以从容欣赏的暴力美学质感。我想，这也正是这部电影我愿意分享给大家的一个理由吧！
这次要给大家重点介绍的曲子就是电影的同名主题曲，人之怒。
曲子开篇用管弦乐弹拨的方式而不是鼓点的方式呈现了强烈的节奏感，光这一点就足够标新立异，在众多的动作片之中脱颖而出，当然，鼓点的加入也是迟早的事情，但格调已经拉起来了，对音乐敏感的人自然也就过耳不忘了。
音乐的主旋律其实是在管弦乐伴奏的基础上用电子音乐完成的。主旋律走了第一遍之后，鼓点才加入进来，形成了一个完美的高潮。其实你要说旋律本身有没有什么特别之处，还真是没有，典型的AB式曲风，A段的引子走一遍后，B段的旋律重复三次。但完成度极高，旋律和节奏之间的配合完美无比，听过之后就能让人有了明显的热血之感。另外，本斯塔德的录音功夫我刚才已经埋过伏笔，拿过奥斯卡的人，在这首曲子之中，我们如果戴上耳机聆听的话，不难听出各种乐器的细节，就算是高潮的部分，所有乐器的层次都非常分明，完全不会混做一堆，难分彼此。听高手的作品，有时候真的是一种享受。这一点也是我愿意推荐给大家欣赏的另一个理由。
好了，一部动作片居然能够让我有了三个理由推荐给大家去欣赏，只是不知道大家找到这三个理由了么？欢迎大家在评论区留下您的答案，我是主播郭小闹，下期再见！

我是先看的电影《归来》，再看的严歌苓原著《陆犯焉识》。
吸引我看完电影再追原著的，不是电影满满的泪点和巩俐、陈道明出色的演绎。而是那段我们这代人所不熟知却又怎么都躲不过的时代背景。那段年月，刚好是我们的长辈所必经的年月，但在国内却被称之为“民族性失忆”或者“国家性失忆”的文化背景。凡是提到的，要么美化，要么轻描淡写几笔带过，电影《归来》也是如此，但毕竟还是有了诸多时代元素，能过审，跟老谋子的名气应该有很大的关系。
不过看过书之后，我觉得电影和书之间，其实并没有实质性的关联。我觉得最大的可能，就是张艺谋和编剧们读过原著之后，被其中的几个细节所吸引了，于是就有了《归来》的剧本，之所以要说改编自《陆犯焉识》，我猜测有两个目的，一是讨巧，原著严歌苓写于2011年，出版就获得了成功，拥有大量的粉丝，改编成熟作品，票房有保障；二是对原著提供的思路表示感谢。总体来说，《归来》之中，除了人物用了陆焉识和冯婉瑜的名字，以及整体的时代背景之外，几乎完全是另一个故事了，当然，冯婉瑜的失忆保留了下来，这是必须的，这条线，无论在书中还是电影中，都是主心骨，当然起到的作用倒不见得一致。
《归来》只取了书中的一个点来做文章，书写了另一个故事，张艺谋很厉害，这是拼命做了减法的结果。那么大的时代背景，原著是从1925年一直写到了1990年，跨度长达60余年，再有野心的编剧和导演，估计也没这个底气在一部时长120分钟左右的电影里来讲吧？真打算要讲，除非是电视剧，电视剧的时长能够保证信息量，但要还原60余年的大上海时代变迁，以及横跨了大半个中国的地域，这难度可谓空前！所以，不如好好讲故事，就讲陆焉识的归来，多的一概不讲。

上映之后，故事确实讲的漂亮，经过时间的沉淀之后，豆瓣对于《归来》的肯定，停留在了7.7分的位置上。这已经是老谋子近10年来最好的分数了，但个人觉得其实这部电影至少8分以上，被克扣的分数，应该来自于先看了书，再来看电影的人吧。（《陆犯焉识》的书评分为8.7）
这倒不是说电影不如书，毕竟我已经说过了，电影相对于书，已经是两个不同的故事了。这一点老谋子也很清楚，所以才干脆把片名都改了，不再叫做《陆犯焉识》，在合适的位置，却又保留了对原著的尊重，这样挺好。但克扣分数的人，估计还是对没能更多地还原原著而感到遗憾吧？
原著确实宏大。也只有严歌苓这样的美籍华人，才敢通过一个陆焉识，把整个结束了封建之后的中国历史，不着痕迹地一分为三了。
第一部分，我称之为“黄金岁月”。这里的陆焉识，是民国的陆焉识，也是最风流倜傥，最具学识的陆焉识。都说时代造就人才，民国就是这样一个百家齐放的短暂年代。中国近代史上最出名的学者，都集中在这短短的2、30年里。这绝对不是巧合，只有在那样思想绝对开放的情况下， 才能真正做到百家争鸣。所以，极具天赋和才华的陆焉识，风流也就成了必然。这个时候的冯婉喻，只是一个被包办婚姻的典型上海小女子，除了因为传统思想对嫁鸡随鸡嫁狗随狗的认命之外，书中其实也陆续交代了冯婉瑜对其学识的仰慕和对其“气味”的喜爱，也就是说，冯婉瑜对陆焉识几乎是一见钟情的，而且至死不渝。
第二部分，我称之为“混沌岁月”。这里的陆焉识，是新中国之初的陆焉识，是将所有学问用在“求生存”上的陆焉识。书中虽将陆焉识的被捕归咎于1936年得罪大卫·伟的伏笔上，但其实在1950年代那样的大环境下，又何尝没有千千万万个大卫·伟呢？以陆焉识的学识和书生的意气，是极容易招人嫉恨的，就连在第一部分的民国之中，都还被类似军统的流氓收拾过，书生的意气，也就决定了他悲剧的走向。但也幸好他饱读诗书，且聪明透顶，所有的知识都可以拿来为自己的求生做铺垫，做准备，比如，故意结巴20年，让脑子比嘴快几倍，于是，说出口的话，毕竟经过了大脑的再三确认，不至于带来更严重的后果；而此时的冯婉瑜，为了解救丈夫，无所不用其极，抛开道德做人情妇把陆焉识从死神手里抢了回来；又变卖家产带着儿女过着极其凄苦的生活，等着丈夫的归来。这样的女人太过于伟大，以至于老天都嫉妒了，必须要让其失忆，以示惩戒。
第三部分，我称之为“黑暗岁月”。这里的陆焉识，是历尽磨难，似乎应该享受苦尽甘来的陆焉识。但偏偏造化弄人，20几年的莫名牢狱之灾，轻描淡写地就用一笔可怜又可笑的退休金糊弄过去了，等到好不容易回到上海，却早已物是人非，十年浩劫，道德沦丧，人与人之间，任何事情，都可以凌驾于亲情和信任之上。地方还是那个地方，上海却早不是那个上海。儿子将一切遭受的罪责都归咎在陆焉识身上，仅小女儿因脾气性格相仿，还能说上几句话。最让其心痛的是，冯婉瑜竟永远地将自己封闭在了上述的第二部分之中。这样的失忆，是对人性最大失望的后果，也是对陆焉识的认知最大程度的保留。因为，如果冯婉瑜不失忆，她将比陆焉识更加痛心，更加对这个社会无所适从，结局也许会比现在这样更加凄惨。
也许有人会说，那这样一来，对陆焉识就不公平了，20几年的求生，就只是为了与冯婉瑜的最终相见呀！其实，陆焉识的冯婉瑜一直都在身边，在每次固定而准时的探监，在宁可孩子饿着也要给陆焉识送来的全蟹宴里，更在做人情妇后对压在身上的戴同志说的“陆焉识的事情你要快点想办法！”中；而冯婉瑜的陆焉识，也一直都在身边，在用了几代人的八仙桌旁，在装满写给她的若干信的漆器盒子里，在几经易手的陆家三层老宅中。所以，相比起电影，我觉得书的结局，除了让人莫名悲愤之外，还有着两人丝丝的柔情和刻骨铭心的爱情。

不作对比的话，其实电影的结局也挺好，编剧将冯婉瑜的失忆定格在了要去接归来的陆焉识这里，因为失忆再加上陆焉识拍回的电报之中只有个简单的日期，于是，在这个特定的日期要去火车站接回那个记忆中的陆焉识，就成了冯婉瑜终其一生的任务和目的，于是，我们看到了电影里的陆焉识，从心痛到接受再到无言的陪伴，结尾时，二老颤颤巍巍地举着写有“陆焉识”的牌子站在火车站门口时，观众的泪水再也忍无可忍了。这个结局之中，只有悲，没有愤，要想与观众见面，愤不起。
所以，归来的陆犯你焉能识？


前面这部分其实是我在电影上映的当年就写下的一篇文章，算是电影和书籍的观后感，之所以今天拿来放到节目里，也是因为最近又重温了这部电影的主题曲《跟着你到天边》。突然就想起了这篇文章，干脆就讲出来和大家一起分享吧。
其实在讲音乐的节目里插入影评我也不是第一次，只是通常不会那么长，这期节目就算是一种尝试吧，看是否大家能够接受，如果能够接受的话，以后也会适当加入一些类似的个人体会。如果不适应的话，那么我们就还是回归到原本的步调上。所以，希望大家在听到本期节目之后，能够踊跃发表您的看法， 无论是私信还是在节目下评论我都会一一回复。
下面我们就接着来讲讲讲这一首主题曲吧。
歌曲由国内大名鼎鼎的钢琴家和作曲家陈其钢老师操刀创作，韩磊演唱。这个组合可以说是实力派之间最默契的配合。歌曲的整体氛围是一首摇篮曲，非常温馨舒适，曲调也是摇篮曲的逐渐高低转化，没有太多的突然转折，就塑造了一个回首往事波澜不惊的具体形象，与电影本身想要传递的意境和格调非常贴切。
特别是韩磊这种适合扯开嗓子唱的嗓音，来演唱这种温婉的歌曲，就别有一番风味。初听之下觉得有些故意放不开的感觉，但又觉得很是温馨，原来铁汉也是有柔情的。等到高潮到来，合唱团和韩磊的声音一起出现的时候，就能够感觉到摇篮曲摇身一变，成为了一首大调咏叹调。这样的转变实在是很有意思，让音乐本身的魅力变得无穷无尽。
当然，除了作词作曲和演唱之外，配器的功夫也不可小觑。这首歌在编曲上还动用了一整个交响乐团和一整个合唱团的力量。这些所有的因素综合在一起，就成就了这首歌在听感上的豪华程度。可以说，这首歌在不同的听音环境下可以收获到完全不同的感受。
如果是开放式的听音环境，比如是家里的音响系统来播放的话，这首歌的临场感是很足的，你完全可以感受到整个交响乐队在前方各个部分的分布。韩磊则站在正中央为你献唱。
如果是封闭的耳机系统的话，则可以听得到各种乐器的细节，钢琴、吉他、管弦乐、打击乐都能分毫毕现。所以，这首歌在编曲上和录音上花费的功夫可一点都不比前期创作的时候少。国内这么花心思的作品说实话真的不是特别多，所以，这首歌也是我极力向大家推荐的一首单曲作品，大家一定要去找无损的版本，按照我上面的介绍去聆听，一定会有新的收获的。
好了，本期节目比较长，特别感谢耐心听到现在的每一位听众，正是有你们的存在，我才有了将节目做下去的动力，感恩大家！我们下期见！

2020欧洲杯正在如火如荼地上演，截至目前，已经进入了决赛阶段。那么这一期我们就来聊一期关于本届欧洲杯的音乐吧！
首先声明，我不算一个真正的球迷，虽然我对足球一直很喜欢，规则什么的都非常懂，但我基本不看各大俱乐部的比赛，通常只有类似洲际杯赛和世界杯我才会看。所以我对什么球星和各队实力并不是很了解，看球的时候往往还会为较弱的一方默默鼓劲加油，期待能够创造奇迹。
可能有不怎么看球的小伙伴会问，现在明明是2021年，为啥这届欧洲杯还是叫做2020欧洲杯呢？这是没有办法事情。去年就应该举行的比赛，生生被疫情拖延至今，所以就还是叫做了2020欧洲杯。拖延到今年7月举行的奥运会也是一样的道理，依然叫做2020东京奥运会。
不过这样一来，对球迷也算是个很好的消息，因为今年刚看完欧洲杯，明年就可以继续看世界杯，连续两年都有重大国际赛事，是多么幸福的事情呀！
我为何会喜欢看国际赛事而不是太喜欢俱乐部比赛呢？这个问题我自己也思考过，照道理来说，都是踢球，都有这些球星，而且俱乐部比赛之中，球员之间因为长时间的训练和比赛，配合的默契程度会更高，打出来的比赛会更好看才对。但在我看来，俱乐部比赛的商业气息还是太浓重了一些，而且缺少了国际大赛之中那种国家荣誉的体现。
反观洲际大赛和世界杯之中，每支球队无论水平高低，能够站在那个舞台上的国家队都是值得每一个人尊重的。他们不仅代表着这个20几人的队伍，更代表的是一个国家，球场上每个球员的一举一动，都是这个国家精神风貌甚至道德水平高低的一次集中体现。

说到这里，我就忽然想起了本届杯赛丹麦队球员埃里克森突然心脏骤停倒地之后的情形，队友们以极快的速度过来查看，然后召唤队医急救。在场的每一个人都被当时的情况吓到了，但所有人都表现出了人性最大的闪光点，在队医急救的同时，队友们还组成人墙默默祈祷和哭泣，观众们也都屏住了呼吸，期待着奇迹的出现。

终于，在13分钟的急救之后，埃里克森恢复了心跳，观众人群中爆发出了热烈的掌声和欢呼声。我相信这种集体意志力的爆发，也是挽救埃里克森生命的一个主观因素，虽然在科学上还没办法证明这种精神力量的功能和实际效应，但已经有很多前沿科学家在着手研究这种精神力量对于人的影响，相信在不久的将来我们就能够看得到其实际的应用。
其实这也正是为什么真正的球迷总爱花钱到现场去看球的原因。非要从纯理性的角度出发的话，在电视机上看球的效果远比在现场更加清晰，可以通过解说和各种角度的回放全面了解比赛的任何细节。在现场的话如果你买的座位位置不好的话，根本看不到什么精彩的场面。但是为何人们还愿意去现场呢？这就是精神和氛围的力量。
在现场看过球的人们都会受到在场所有观众情绪的带动，跟着一同欢呼，一同悲伤。看得到什么和感受到什么是完全不同的两种体验。同理，歌手们的演唱会也是一样的效果。除了一些专业的演唱会场馆，那些在体育场里临时搭建的演唱会效果其实可能还远不如你家客厅几千块的音响系统，但现场那种热别的氛围和能够与偶像近距离互动的感觉才是人们乐此不疲花钱买票的最大动力。
好了，扯远了一些。让我们回到本期的重点音乐上。本届欧洲杯和以往一样，也发布了官方歌单。这种歌单是组委会精选的一些适合在看球的时候播放或者聆听的歌曲，这些歌曲并不是专门为欧洲杯写的，而是一种官方的建议。歌曲大多数以舞曲和电音为主，还有一些RAP，不过我个人不是很喜欢RAP，所以选出来的几首曲子基本还是电音和舞曲，喜欢的RAP的朋友就可能会有些失望了，还请见谅。

我选的第一首叫做We Are The People。这首歌曲的名字和1977年皇后乐队的We Are The Champions非常相像，我个人认为应该是歌曲作者马丁·盖瑞斯有意向经典致敬的举措。虽然最终整体风格并没有太多相似之处，但作为一首专门为本届欧洲杯以及欧洲杯60周年纪念而创作的歌曲，歌曲的氛围非常积极向上，通过电音快速的节奏特点，再加上歌词之中优美而不乏积极进取的表达，让这首歌成为了本届欧洲杯之中最成功的的作品之一。
歌曲作者和演唱者马丁·盖瑞斯在电音届可以说是无人不知无人不晓，4岁就会用吉他自弹自唱，表现出了过人的音乐天赋。2015年之后就开始大红大紫，在2016年到2018年连续三年获得《DJ Mag》杂志评选为百大DJ第一名，2018年还参加过平昌冬奥会闭幕式的演出，可以说对于体育风格的电音作品相当熟悉，他完全知道如何来调动人们的热情。
所以，今年这首单曲作品一经推出，就迅速占领了各大平台的排行榜，可以说是本届欧洲杯期间最被人们所熟悉的旋律，而且这种热度还将持续一段时间。

第二首，同样是来自马丁·盖瑞斯的一首Used To Love。这首单曲也是一首电音作品，创作于2019年他膝盖受伤期间。当时他被医生要求静养2周的时间，他的好友同样也是歌曲创作者的迪恩·刘易斯来医院看望他，两人干脆就一起利用这段难得的闲暇时光创作了这首当年风靡欧洲的单曲作品，但盖瑞斯只负责写作和编曲，演唱则是迪恩·刘易斯一个人完成的。
歌曲推出之后，在全球口碑都不错，在美国和比利时都取得了当年电音第三名的好成绩。在盖瑞斯的老家荷兰最终闯进了电音TOP40的前十名，最终停留在第九的位置。
歌曲前半段的风格比较像是一首流行歌曲，有轻柔的钢琴和吉他来伴奏，刘易斯略带烟嗓但音域极其宽广的声音瞬间就牵动了听者的情绪，让人忍不住想要跟着哼唱。
在歌曲的中段，电音的质感才变得更加强烈，此时人声稍微被压制了一些音量。但配器上的豪华感增加了歌曲的层次感，还在间奏的时候，加入了大量吉他和鼓点的音色，让歌曲又从流行歌向舞曲做了倾斜。
到了副歌的部分则打破了前面的所有规矩，采用电音模拟的管弦乐质感来做过渡，然后又迅速回归电音，成为了一首配器和编曲都很大胆的作品，每次听都会有新鲜感，让人久听不厌。
本届欧洲杯的官方歌单目前在各大平台之中基本都有了，作品数量非常多，风格也非常多样化，我选的两首当然只能代表我自己的喜好，还请大家自己去聆听，在其中找到属于自己的宝藏！
如果大家在听的过程中有喜欢的又想让我讲的，也可以在评论区留下您的看法，或者私信给我，那么，就祝大家欧洲杯观赛愉快吧！下周见！

最近看了一部很有意思的电视剧，还没有看完，但是已经迫不及待想要和大家一起分享了。为什么呢？正是因为这部电视剧天马行空的想象和相对比较严谨的科学事实给了我们眼前一亮的感觉。
这部电视剧的时代背景很有意思。是讲述上个世纪60年代美苏太空竞赛之中的故事。但是故事的格调却和已经发生的现实完全背道而驰，成为了前苏联首先完成了包括登月在内的各种壮举之后，美国才开始奋起直追的故事。

这样一来就很有意思，让我们似乎看到了另一个平行时空中的地球上发生的事情，和我们现实中曾经发生过的一比较之后，各种对当时两个国家举全国之力耗费10多年人力物力甚至生命的得与失就瞬间跃然纸上。
那场旷日持久的太空竞赛无疑极大地推动了地球科技的发展，但同时也极大地推动了两个超级大国的武器发展速度和水平。这把双刃剑所带来的结果幸好是竞赛的双方都保持了极大的克制，然后以前苏联的解体而告一段落。
而《为了全人类》这部片子却将这段历史之中所有的大前提都对调了一下，几乎所有的领先成就都是苏联完成的。美国在极大的压力下只有奋起直追的份儿。当然，我们可以把该片看做是一种美国对那段历史的反思。反思他们如果在完全相反的境遇之下，会作出什么样的决断，会干出疯狂还是理性的选择？
当然，毕竟片子还是好莱坞拍的，有很多地方出了反思之外，也充斥着大量的个人英雄主义的所谓“美式主旋律”在里面。而且，目前美国最热门的什么种族歧视以及女权主义在片中也体现得淋漓尽致。可以说在平行时空这个噱头之下，是一部完美的关于美国当前政治诉求集中表达的电视剧。

政治这种东西，其实在人性面前是非常幼稚的。但是人类却常常会把这种极其幼稚的东西放到指导人类行为的最高准则之上。比方说，在当时谁能够首先进入太空，谁能够首先等上月球，本来都是全人类的骄傲，但在国家和政治面前，就成为了大国之间博弈的资本。他们可能会因此拔苗助长，然后造成各种类型的事故，最终付出惨痛的代价。根据统计，美苏在太空争霸的整个过程之中，因为各种原因导致的事故，一共造成了18名宇航员丧生。要知道，每一位宇航员都可以说是该国航空事业中最精锐的成员，他们往往都经历过最严苛的训练，在担任宇航员之前基本都是空军之中的王牌飞行员，甚至是新型战机的试飞员。这一点直到现在都依然是这样，包括我们中国。
所以，每一个宇航员都可以说是不计成本培养出来的最顶尖人才，但在那个长达17年的太空竞赛之中，却以每年超过一个的速度在牺牲这些最优秀的人才。虽然在当时人们也许为认为这种牺牲是值得的，没有他们的牺牲就没有现代科技的日新月异，但其实在后期的大量总结和反思之后，科技的成长其实早已注定，因为所有的事故基本上都是博弈和冒险造成的，都是为了在极短的时间内争到所谓的第一。
所以，在幼稚的政治面前，伟大的人性和科学却只能成为其垫脚石，这是多么可悲的事情。
这也正是我喜欢这部电视剧的一个因素，片子之中虽然不是那么明显地嘲讽了那个疯狂的年代，但这种对政治狂热的反思在片中无处不在，潜移默化地感染着每一个观众，试图在人性的光辉时刻与国家意志的灰暗之中努力找到一个平衡点。这也正是好作品的伟大之处，电影电视的娱乐效应无可厚非，这正是电影电视诞生的初衷。但随着这种媒介的发展，我们必须正视影视在教育、乃至推动社会发展上起到的不可或缺的因素。
似乎有些扯远了，我们回到这部片子的原声音乐，我没有找到第一季的音乐，但第二季的音乐在各大平台上都是能够找到的。其实原创的配乐本身并没有什么亮点，最有意思的其实是片中上世纪六七十年代的各种插曲。

这些插曲大多为乡村歌曲或者带有一些摇滚的风格，比如经典的I Just Want To Celebrate，由美国著名的稀土乐队演绎，该乐队可谓是一只摇滚乐史上的常青藤。从上世纪60年代一直活跃到2000年之后，时间跨度整整超越了半个世纪。
歌曲采用了全电子化的乐器来演绎，但人声的占比在整个编曲之中占到了80%以上。曲风轻快活泼，充满了美式的轻松氛围。特别适合一个积极进取的环境之中聆听，当然，在怀旧酒吧之中也会别有一番风味。

第二首，Everybody Wants To Rule The World。这是一首创作于上世纪80年代中期的流行电音摇滚作品，由英国老牌乐队Tears for Fears创作并演绎。这种流行电音作品是从上世纪70年代开始逐渐流行并延续至今的一种风格，其特点是不间断的节奏表现以及强烈的舞曲质感。所有的变化都是用演唱的旋律和不同的配器插入来完成。说白了就是以不变应万变的曲风，创作起来比较简单，但是想创作得好听就很难。
这首单曲是Tears for Fears的一首经典作品，最初收录于1985年的一张专辑之中，但经久不衰，后续经常被用于多部讲述上世纪80年代的怀旧电影作品之中，最近的两次运用，一次是在2018年的变形金刚外传：大黄蜂之中。另一次就是我们今天讲述的《为了全人类》之中。
好了，今天我们的音乐作品赏析就先到这儿，下期见！

本周因家人生病住院，需要照顾无法更新节目，特意将制作好原本打算会员专享的节目拿出来更新一期，希望大家喜欢！并为未能更新音频节目向大家致歉，下周恢复更新，不见不散！

不知不觉，4天的雨崩转山旅程很快就结束了。不知道大家有没有这样的感受：当一个人沉浸在美好的事物之中的时候，时间这个家伙就溜得特别快。
今天是我们离开雨崩的日子，我们这次没有选择舒适，而是打算真正完成一次转山的全程。也就是说，我们不打算原路返回西当温泉，而是从反方向的尼农出山。
尼农我们第一次来的时候已经走过，相对西当进山的一路爬坡，从尼农方向出山几乎都是一路向下，海拔从雨崩的3000多米要一直降到澜沧江河谷的2000米不到。垂直高差达到了1000多米。从客栈出来，跨过雨崩河顺着山脚一路前进就算是正式踏上了前往尼农的路程。虽然没有路牌，但这个方向也仅此一条路，根本不会走错。
走着走着，忽然发现道路正在施工，已经开始铺设水泥路面了，这样子的路况简直比我们第一次来不知道好了多少倍。和施工的工人聊了几句，得知其实此路并不是梅里雪山公园出资修建的，而是德钦县里响应国家要求，为了村村通公路而修建的。在从雨崩到尼农的路程中间，有一个秘境客栈，虽然离雨崩已经有将近10公里，但依然属于雨崩的管辖范围，所以为了这一户人家，也得把公路修过去。
途中我们发现，平路的部分已经基本都铺上了水泥路面，但有些陡坡还是没有办法施工，路面情况也确实够呛，全是大大小小的石块，想要做成能够至少让越野车或者拖拉机通行的道路还任重而道远。看过这样的施工条件，我也对这些施工人员充满了敬意，这点钱真的不好赚啊！
话说走尼农的山路，除了一些碎石陡坡之外，一路的景色真的很舒服。因为是在峡谷之中穿行，就算没有树林遮阴，也有山体来阻挡阳光，只要不是正午十分，基本上是可以避免阳光暴晒的。再加上路旁就是一条汇入澜沧江的小溪，溪水清澈无比，沿着从雨崩到尼农高达1000米的落差滚滚而下，时不时还能制造出一个不大不小的落差， 形成一个类似瀑布的存在，至少从声音上有点瀑布的感觉。
这些水都是梅里雪山上融化的雪水汇集而成，等到她们注入了澜沧江，便顺流而下，经由西双版纳出国，至此，澜沧江又有了一个新的名字——湄公河。再经由缅甸、老挝、泰国、柬埔寨，最终于越南胡志明市注入南海，是东南亚最大的国际河流。
也就是说，化作五冠峰圣洁外衣的每一粒雪花，雨崩河的每一滴水花，最终也会成为祖国南海汪洋之中的一滴水。这些水看过了海拔6000米的香巴拉圣域，也看过了热带地区不同民族的生活和习俗。她们滋养了沿途4880公里的人们，永不间断，却不求回报。这样的品德，足以让每一个人类成员汗颜，这样的旅程，想想也都觉得奇妙无比。
很快，我们就穿过了雨崩村的最后一户人家——秘境客栈。在这里，能够看到远处的白马雪山，坐在这里喝上一口冰可乐，真是塞过活神仙呐！
过了秘境客栈之后，就一路都是沿着峡谷内的水渠在走了。在路上我们三人都还在纳闷，这么长的水渠，是修到哪里去呢？终于，在澜沧江边，我们找到了答案。原来，水渠是把水引到了一个制作矿泉水的工厂，站在山上远远望去，工厂的形状就像是一个导弹发射井一样。走近了看，又似乎有一些福建土楼的感觉，反正我估摸着，从卫星图上看，总能吓到一些不怀好意的人吧！
终于，我们的雨崩尼农徒步行程随着一张自拍照的诞生而结束了。这条路一共15公里，全程我们共计花费了5个小时。正当我们准备庆祝胜利之时，却看到几个徒步爱好者从砂石陡坡飞奔而下，简单交流后得知，他们居然只花了3个小时就出来了。我们不禁咋舌，年轻就是好啊！
回到德钦飞来寺，我们选了一家能够看到雪山的酒店住下，就期待着第二天也是好天气了。果然，老天爷再次不负有心人，第二天一早拉开窗帘的一刹那，我们再次被震撼到，也就有了此刻大家看到的日照金山。
至此，此行可谓是功德圆满，不负如来不负卿。
看罢日照金山，再次坐大巴回到香格里拉，离乘坐飞机还早，我们去了一趟独克宗古城。说是古城，其实却处处都是透着商业化味道的新建筑。步行期间，总有种和丽江大研古城似是而非之感，直到一个巨型转经筒的出现，这种错觉才戛然而止。
其实早在进入古城的时候就已经远远地看到这个金色的转经筒了，但唯有站在其脚下的时候才发觉这个转经筒竟是如此之巨大。一个同伴费尽九牛二虎之力也未能将其转动起来，后来听人说以前挺好转的，估计是时间长了，内部的部件有些锈蚀老化，就不太好转动了。人多的话还是可以转起来的。
不过，我们没有闲心等人多，转经筒也不是娱乐的玩具，作为一种宗教信仰的依托，转与不转，又有何差异？非要让其转动，岂不是又进入了执念之中？

初次听闻这个片名的时候，相信很多朋友都会觉得这一定是一部爱情主题的电影，甚至是带有一定情色主题的电影。为什么呢？因为这几个字实在是会让人浮想联翩。这几个字字面的意思就是靠着嗅觉去了解女人或者辨认女人，光听着就已经在脑海里浮现出扑鼻的香气，以及女人独有的曼妙身材了。但当我们看到电影海报的时候，却又不禁疑惑，为何海报上却丝毫找不到半分女人的痕迹，反而是一老一少两个爷们儿？其中一个还带着一根拐杖。
其实这也正是电影的高明之处。通过一个能够让人浮想联翩的名字和一张与名字看似毫无关系的照片形成了一种视觉上和思维上的极大反差，就能引起观众对影片最大的兴趣，从而促进观众想要购买一张电影票一探究竟的冲动。但从这一点来说，我就对电影导演和制片方佩服得五体投地。
相较之下，那些名字朴实得就像是村子里的阿猫阿狗一般，海报也就纯粹只是色彩和演员无脑堆叠的宣传素材，简直就成为了一种视觉和思维上的污染。看多了这些庸俗的海报，再回过头看看上世纪90年代这些经典作品的海报，真的是一种享受。

《闻香识女人》上映于1992年的圣诞节档期，正是因为上述原因以及主演阿尔帕西诺的号召力，使得这部没什么大制作的电影在全球收获了1.3亿美元的票房，要知道那可是30年前的美元啊，放到现在来说的话，翻个5-10倍不算多吧，可以轻松打败那些顶级制作的商业片。最终，片子还荣获了第65届奥斯卡奖的诸多提名，阿尔帕西诺也终于在沉寂多年之后依靠该片拿到了影帝的称号。
至于片子到底讲述了一个什么样的故事，不好意思，我这里从不剧透，上面留的悬念，还是希望大家自己能够去观看，去欣赏，去获得属于自己的答案。毕竟，电影真的是需要去看的，而不是听别人讲，否则，电影这种艺术形式还有存在的必要么？

关于电影的原声音乐，有粉丝点播，我也仔细听过，原声音乐的作者是托马斯纽曼，纽曼的风格非常中规中矩，是属于典型的烘托型配乐，比较乏善可陈，但翻了翻评论和私信，居然不止一位朋友提到过这部电影。我仔细一想，觉得大家应该是对其中的探戈舞曲和对画面中风度翩翩的男主留下了极其深刻印象，所以，自然也就认为电影的原声音乐非常棒。

但其实，这一首探戈舞曲，并不是纽曼写的，而是一首非常著名的阿根廷探戈舞曲，中文名叫做《一步之遥》。这首舞曲是935年由阿根廷歌手卡洛斯·葛戴尔作曲，亚法多·勒佩拉作词，一开始是吉他和手风琴演奏，然后有演唱的作品，后来逐渐演变为小提琴、钢琴和手风琴协奏，甚至有的版本仅保留了小提琴协奏。
这首曲子经典到什么程度呢？很多知名的电影大作其实都引用过她，除了今天我们讲的《闻香识女人》之外，93年的《辛德勒的名单》、94年的《真实的谎言》都曾引用过这首曲子。其中，《真实的谎言》里施瓦辛格和她老婆跳舞的桥段，也是不可多得的经典场面。国内一些影视剧之中也有过运用，但模仿的痕迹太重，我就不说了。
这首曲子之所以能够引人入胜，其最大的特点就是探戈本身那种节奏感超强的旋律，以及能够充分舒展开来的优美舞蹈动作。所以在国际舞蹈比赛上，往往探戈的舞蹈都能获得很好的成绩，特别是如果再有这首《一步之遥》响起的话，往往还能获得观众席上的阵阵喝彩！
虽然我不懂探戈，但音乐是没有国界的，音乐本身要传递出来的情绪我相信我也还是能够理解的。曲子通篇讲述的是两个人炽热的爱恋，小提琴代表的女主，钢琴代表的男主，手风琴则是作为旁白。小提琴的主旋律温婉而热烈，把阿根廷的浪漫色彩表露无遗。钢琴的男主则热情奔放，主要负责节奏的掌控和低音bass的部分，将小提琴的主旋律衬托得淋漓尽致。

在电影中的版本是托马斯纽曼邀请到了以色列著名小提琴家帕尔曼先生来加盟演绎的，帕尔曼先生我们在讲述《辛德勒的名单》那一期之中有专门讲过，在此不再赘述。感兴趣的朋友可以稍后去回顾一下。
这个版本最大的特点就是在高潮部分能够明显听得到三个乐器单独存在的声部，通过和弦的连接做到了完美融合，独立存在而又相互依托，形成了一种美妙的共生关系。能够将这种多个声部完美结合的写作手法，对作者的音乐功底是一种极致的考验，当然，对编曲的要求也非常高。于是，我们在听不同的版本的时候，也会因为个人的好恶找到合适自己的版本。

就我个人而言，除了电影原声的版本之外，我还特别喜欢来自意大利注明盲人男高音歌唱家安德烈·波切利演唱的版本，该演唱的版本收录在2015年发行的专辑《电影》之中，在专辑之中，安德烈·波切利还演唱了很多其他很多优秀电影的主题曲和插曲，是一张制作精良且值得收藏的专辑，在此机缘之下，也一并推荐给大家欣赏。
好了，本期《闻香识女人》我们就先聊到这儿吧，如果有任何想说的，都可以给我留言或者私信，我会逐一回复的，感谢大家的支持，下期见！

最近虽然我的专辑播放量没有什么实质性的提升，但互动却明显增加了一些，这是我非常感动的一件事情。能够看到大家对我节目的认可，我才觉得我的所有节目都没有白做。当然，也有一些听众提出了一些要求，在这其中，《珍珠港》的原声作品呼声还蛮高的，那么，今天我们就来聊聊这部讲述二战之中太平洋战场的电影作品吧！

说实话，电影本身在我看来其实只是中规中矩，好莱坞的场面包装能力自然没什么可说的，但是对于一个拥有超级强大历史背景的题材来说，加入了过多的儿女情长，我个人认为并不能够深入地剖析当时的政治和世界格局。无独有偶，我之所以这么说，恰恰也是因为有一部同样是讲述偷袭珍珠港的老电影《虎虎虎》的存在，才使得我对《珍珠港》这个本应在现代特效加持的情况下青出于蓝的电影略感失望。
当然，如果您没有看过《虎虎虎》的话，那么，《珍珠港》带给你的震撼也不会差，刚才我说过了，这是一部好莱坞制作的中规中矩的电影，特效可以打满分，为了迎合年轻观众，还加入了一些爱情因素在其中。肯定是值得一看的片子。但有了《虎虎虎》的存在，《珍珠港》自然在我这里就有点抬不起头来了。

《虎虎虎》是1970年的老电影，我看的时候是上世纪90年代，也很久远了，现在的90后和00后估计听都没听过这部电影的名字，这部电影当时引入国内的时候也翻译做《偷袭珍珠港》，央视六套以前也放过，片子很长，2个多小时。可以说是事无巨细，从日本军国主义在国内是如何膨胀，山本五十六为何会狂妄至极想要偷袭美国，日本海军又是如何在明知不可为的情况下硬着头皮上。前因后果，交代得清清楚楚，战争细节也在当时做到了力所能及的最好情况。以现在的眼光来看待这部电影，除了特效稍微差一些，其他都可以说是完美。
所以说，如果您是想了解那段历史，顺便看一个故事，那么，《虎虎虎》最适合您；但如果您只是想看一个故事，顺便了解一段历史，那么，《珍珠港》更适合您。
两部电影其实在豆瓣的评分差距不大，一个8.3，一个8.0，这也是可以理解的，打高分的和打低分的，就是上述我说的两种观众相互对调的结果，最终打了个平手，仅此而已。

说回到我们的主角，《珍珠港》电影原声音乐，但在这之前，我再花几句话的功夫说说电影导演迈克尔贝，这是一个毁誉参半的导演，成也特效，败也特效。1996年一部《勇闯夺命岛》风靡全球，开创了动作片大制作大场面的先河，《珍珠港》是2001年上映的，口碑也极佳，特效玩得很舒服。2006年的《变形金刚》第一部更是惊艳全球，有还不错的故事，更有天花板级别的特效。但之后导演便得意忘形，抱着《变形金刚》这个IP死不放手，最终让自己陷入了万劫不复的深渊。
话说2001年的《珍珠港》，迈克尔贝靠着自己那几年不错的口碑，请来了汉斯季默为电影写作原声音乐。汉斯季默在那时候已经是好莱坞音乐届的大咖，不是谁想请就能请的。如果是他没兴趣的题材给多少钱都不会去写的。幸好，1998年的《拯救大兵瑞恩》重新点燃了美国影视二战题材的激情，但《大兵瑞恩》的音乐是约翰威廉姆斯的作品，那么，时隔三年之后，又有一部二战大片即将上映，汉斯季默自然不会放过这个和威廉姆斯分庭抗礼的机会，于是，这次和迈克尔贝的合作就很轻松愉快地答应下来了。

汉斯季默为该片写的音乐并没有采用传统战争题材中常用的史诗质感，反而大量采用了有点轻音乐风格的写作方式，采用了很多温柔的旋律，以钢琴来作为主角，管弦乐只是起到辅助。比较刻意地营造了一种战前岁月静好的效果，让人一听就会有一种我们的和平是多么的来之不易的感觉。
正如大家现在听到的这一首，And Then I Kissed Him，我亲吻了他。旋律一开始就是钢琴轻柔的开篇，刻画了一个温暖清新的早晨，我们闭上眼睛来感受这段开头的旋律，完全能够感受得到主角家乡徐徐吹来的微风，带着一些温度，当然也带着浪漫，仿佛生活在这样的环境中，就应该好好进行一场爱恋，不负时光，不负卿。
曲调当中大量引用了电影的主旋律，我们可以看做是一首主旋律的变奏作品。主旋律的部分我们会稍后再讲。有意思的是，这首曲子汉斯季默是采用了管弦乐和电子音乐相互结合的形式来编曲的，这一点可以算是汉斯季默的一个个人标签。他的另一个个人标签是能够将简单的旋律用不同的配器和演绎手法来不断的重复，但给人以不同的听觉感受。这种表现手法，与古典音乐中的卡农作品有异曲同工之妙。有时候，我在听汉斯季默的一些作品之时，都会有这样的感受。
关于这类型的作品和卡农之间的关系，说起来可能会有些复杂，我会试图在今后用一期付费节目来阐述这个观点，敬请期待。
第二首作品，田纳西。该曲目就是全片的核心旋律，很明显这也是一首钢琴、管弦乐和电子音乐相结合的作品。和上一首作品大体一样的旋律，这一首听起来是不是又多了几分磅礴的气势？这就是编曲的魅力，当然，想要有气势，曲子本身也得是采用大调的方式来写作，可柔可刚，就看怎么编曲了。
旋律刚才说过了，极致简单，就是不断重复，一会儿钢琴，一会儿大编制，一会儿还加入人声吟唱，就这么不断地变换着，但就是能让你觉得好听，百听不腻，大师的境界就是这么来的。

最后，再给大家欣赏一段来自汉斯季默2018年欧洲巡回音乐会的现场录音版本，这个版本比任何一个原声的版本配器上都更加豪华，录音效果也很不错。专辑发行于2019年，收录了汉斯季默的很多作品，包括我们讲过的很多电影，诸如角斗士、狮子王；也有很多我今后会讲的作品，诸如碟中谍、亚瑟王、加勒比海盗等等。
那么， 今天这一期就先这样吧，祝各位在即将到来的儿童节都能有个年轻的心情！

《愿得一心人》这首曲子是2015年国产电视剧《鹤唳华亭》中的插曲。关于这部电视剧，我已经讲过配乐，但这首歌今天我想单独拿出来讲一讲。这首歌的作者和演唱者我们以前也做过两期节目，《大鱼海棠》和《何以笙箫默》。有兴趣的朋友可以稍后去回顾一下。

词作者：尹约

歌曲的创作者是钱雷、尹约，演唱者是周深。这个黄金三角组合有非常多的优秀佳作，可以说是目前国内乐坛之中的一股清流，无论词曲和演唱都是一流的存在，比那些快餐式的流行歌不知道要好多少倍。更多的优秀作品在今后的节目中我应该还会提到。

今天聊的这首《愿得一心人》是一首典型的情歌，无论是曲风还是配器上其实说实话，和电视剧的古风没有丝毫关系。但因为是情歌，电视剧的主线也是爱情，所以穿插在电视剧之中的时候，也没有太多的违和感。但相比起我之前讲过的那一首主题曲《箫》在配合画面的上还是有很大的差距。
不过，这种差距不是作品的质量差距，而是意境上的差距。对于一部有着优良服化道的电视剧作品，配乐如果缺少了古风的元素，那么始终会是一种遗憾。有的朋友可能会说我是吹毛求疵，但我相信，正因为有了我这样的观众，而且数量还不少，国内的电视电影也才会有进步的可能。要不然，那些神剧就可以满足绝大多数人的胃口了吧？
好，玩笑归玩笑。回到音乐本身。这首歌虽然缺少了古风的意境，但作为一首情歌却是非常的优秀。曲调优美好听，歌词温婉感人。单独聆听的体验远远超过了在电视剧当中的运用。我敢很负责任地说，肯定有很多人是听过这首歌才去看的电视剧。而且看过之后，不管对电视剧的评价如何，对这首歌的评价绝不会低。
好了，我们就正式开始赏析这首难得的佳作吧！
开头是一段钢琴的引子，从2347的根音上我们不难听出这是一首小调的曲子，小调就是特别适合这类型讲述带有悲伤情感的故事。而且这段钢琴和弦的处理也非常到位，一耳朵听下来很是舒服，就充满了对后面音符的期待。
人们常说，一首歌编曲好不好，光听前奏和过门就知道了。这首曲子的处理我个人认为非常到位，钢琴的旋律部分几乎都是单音，突出了女主角的具体形象，这一点倒是和电视剧中的画面很搭调。而和弦的运用又将前奏部分的听感充实了起来，总体让人有种忧伤但又不缺乏温情的感觉。
过门完毕之后，周深清幽深远的嗓音轻轻地响起，配器上只有钢琴作为辅助，将一种一个人自言自语想念另一个人的氛围突出了出来。
第一段旋律的高潮进来之后，配器上加入了大提琴，其实从编曲上我们可以理解为钢琴代表女主，大提琴较为低沉的音色代表了男主。两种乐器的配合就如同在安静的夜晚两个人互诉衷肠。你一言我一语，柔情至极。
但毕竟这是一首有演唱的歌曲，那么歌词和演唱的成分，我们就可以理解为一种旁白，通过歌词，我们可以把音乐想要表达的情绪做到一目了然。流行歌就是这样的音乐，它可以将纯音乐想要表达的情绪用歌词突出出来。如果歌词本身又写得很好的话，那么，这种锦上添花的效果就会被放大数倍，远远超出1+1=2的效果。
到这里这首歌的主旋律已经完成了一次，进入了间奏的环节。在配器上加入了弦乐、木吉他和简单鼓点的烘托，进一步将曲调的厚实感加强。作为一首单曲而言，从这里开始，后面的配器就是逐渐往厚重和豪华程度上堆叠了，情感上的要求在第一段已经完成。
当然，演唱者从这里开始，也相对可以将嗓音放开一些，配器越豪华，对演唱情感上的要求相对也会更低一些。不过，周深作为一个实力派歌手，在这首曲子中，自始至终都没有松懈分毫，极力表现着自己对于歌曲的理解。也幸好，他的嗓音穿透力相当强，无论配器堆叠到什么程度，都没有能够压住他的声音。而且，他的嗓音很有特点，辨识度极高，初次听到他演唱的听众，也许还会以为周深是个女孩子，至少我第一次听到他的歌的时候就是这么认为的。
整首歌是一首典型的AB结构曲子，与我们之前讲过的ABA的方式不同，这种AB结构的着力点和爆发点都在B段曲子上，对应到本曲之中，就是从“原来一心人”一直到“愈合你余生伤痕”结束的这一整段。
整段歌词对情感的倾诉也可谓是尽善尽美，提着孤灯寻找星辰。这是对爱情多么执着的追寻啊，而且还写得那么含蓄。眼神泄露灵魂，这一句也是堪称经典，俗话说眼睛是心灵的窗户。爱过的人都知道，眼睛真的是能够表达爱意的，两情相悦时分，真的无需多言，眼神一碰撞，双方就都都明白了。
所以，还没有找到心爱之人的朋友们，大可提着孤灯，在漫天繁星之中找寻属于自己的那一颗星辰。愿得一心人，用那一怀温暖，愈合余生所有的伤痕。