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艺术漫谈第一季｜现代艺术
初萌的艺术国
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11 结束语：第二季即将上线，期待在想象里与你相遇
Épisode 11
jeudi 16 avril 2020 • Durée 04:10
大家好，我是初萌，欢迎来到我的音频节目-艺术漫谈。
第一季：现代艺术，从2月初上线到今天，已经全部完结了，感谢大家的聆听和喜爱。
从十九世纪中后期到二十世纪初，从印象派，野兽派，抽象表现主义，到立体主义，超现实主义，达达主义，我们走进了十位艺术家的人生，走进了他们的故事。不同的命运形成了不同的人生轨迹，也成就了不一样的精彩。其中有高更向往自然的信念，莫奈专注沉着的匠人精神，有马蒂斯不受约束的自由，康定斯基音乐性的表达，有弗里达主宰自己的命运的勇气，夏加尔天真纯粹的想象，有毕加索不断突破的人生挑战，达利天马行空的创造力，有马格利特对生活的探索，也有杜尚游戏人间的智慧。
他们每个人，都为我们理解艺术与生活的关系，开启了一个新的视角，既有慰籍，舒畅，美妙和陶醉，也有支撑，力量，悲悯和伤怀。我想，这就是艺术独特的魅力，除了陶冶我们的情操，还能够通过画面呈现出具有现实意义的思想性和深刻的社会性，让我们发现这些看似离我们有些遥远的人和画，依然可以用今天的视角去理解这样，无论我们研磨了什么，只要用心去体会，就会有共情，有连结，就会和画家有跨越时空的交流，就会把我们延伸到生活中来。无论我们正在经历什么，都可以获得一丝寄托。
希望第一季的十个故事为我们带去了不一样的体验，透过想象的那扇窗捕捉了更多灵感，对艺术也有了超越技法的理解，为工作和生活带来了新发现。
接下来我会继续录制《艺术漫谈第二季》的内容，在第二季里将和大家聊聊东方的艺术。
我想，只有当我们把中国文化的精神韵律作为载体，才能更好的看待与接纳不同的文明和历史，对艺术的感知才不会仅停留在造型与表现的单纯理解之上，建立起广博深厚的审美趣向，給生活更加温和舒展的拥抱。
其中会有我们熟悉的四大石窟、园林庭院、古城建筑，还有佛教艺术、陵寝文化、自然山水等等，也会以更轻松的游记讲述的方式，将我对艺术和生活的理解，将多年来的所见所感，融入美学的意蕴之中，在我们熟悉的礼乐文化与风俗信仰里，与大家一起来感受古老东方的天地之美。
艺术漫谈第二季：东方艺术，预计在五月中旬上线，欢迎大家关注我的主播动态，也期待在艺术的想象里与你相遇。
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Lire plus Réduire 10 杜尚：颠覆世界的游戏玩家
Épisode 10
jeudi 9 avril 2020 • Durée 14:01
今天是这档节目的最后一集，我们要来聊一位在艺术史上最奇特的人，他的出现完全改变了西方艺术史的进展，推开了当代艺术的大门。他就是法国艺术家马塞尔。杜尚，一个被二十世纪各大流派争抢的明星。
【主播】
初萌（微信公号：蓝木马）
【00：12】反艺术的第一人
【01：31】大道无形的境界
【02：50】离开老派的法国
【04：49】踏上自由之路-美国
【06：32】艺术没什么了不起
【08：35】实验性作品“大玻璃”
【10：09】无解的谜题
【11：31】大闹一场，悄然离去
【12：04】艺术带给我们的启迪
1、反艺术的第一人
法国艺术家马塞尔.杜尚，是一个被二十世纪各大流派争抢的明星。他用自己的人生为我们带来了一件艺术作品，让我们领教了什么是对艺术的反抗，他和世界开的玩笑是认真的，他嘲笑的不仅仅是陈规旧俗，还有人类看待世界的观念，他希望把我们领到生命的思考中去，彻底脱离形式。
2、大道无形的境界
他就用小便池向艺术发难，偏偏要用非艺术来代替艺术，他说这才是艺术的灵魂，是艺术真正的境界，那就是无拘无束的自由。他说：“我的艺术就是某种生活，每一秒、每一次呼吸就是一个作品，既跟视觉无关，也不来自我的大脑，那是一种持续的、本能的快乐。”
3、离开老派的法国
杜尚生于1887年的法国，和毕加索是同一个时期的人，他是二十世纪试验艺术的先锋人物。他的家境非常好，家庭氛围也非常和睦，兄妹四人，其中三个都从事艺术工作，他爸爸从小就十分鼓励孩子们追求自己的所爱，也给予了他们良好的教育。后来所有见过杜尚的人都说他优雅、睿智，言谈举止让人着迷。这和他的出身有直接的关系。
在早期的时候，杜尚是画画的，1912年之前他几乎把所有流派和风格都尝试过了，就用立体主义的手法画了一副《下楼的裸女》去参加展览，但是却被立体主义的评委们集体拒绝了，理由很简单，杜尚这幅画带有明显的“未来主义”风格。那未来主义是在意大利发起的一个流派，和巴黎的立体主体水火不容，所以评委们就看不惯了。
从这以后，他就不再画画了，因为他看到思想上的狭隘是人类的一种普遍具有的秉性，连这群打着解放思想旗帜的立体主义的艺术家，都也不能接纳和自己不同的观点。杜尚那个时候只有二十来岁，但是他已经看明白人性中最丑陋的东西是什么了，就是欲望。
4、踏上自由之路—美国
3年之后，也就是1915年，杜尚为了躲避一战，去了美国，到了纽约之后，大受欢迎，那副《下楼的裸女》在纽约的军械库展览中成为了注目的焦点，声望和金钱随之而来，并让他成为了艺术圈里最耀眼的人。1917年，杜尚匿名送了一个小便器去参加“现代艺术展”，給这件作品起名为《泉》，这件作品对当时的艺术节来说，简直就是五雷轰顶，有评委说这就是对艺术的侮辱，我们还记得野兽派刚刚诞生的时候，人们对马蒂色彩的那种反应么？比起杜尚来说，简直就是小儿科。
5、艺术没什么了不起
9 夏加尔：蓝色的爱情魔术师
Épisode 9
jeudi 2 avril 2020 • Durée 15:08
马克.夏加尔生于十九世纪后期的俄国，是一位遥远国度的异乡人。我们很难严格定义夏加尔究竟属于哪个流派，因为他始终是一个游离于印象主义、立体主义、超现实主义、抽象表现主义等很多流派的画家，而且被称为是“诗人画家”。
【主播】
初萌（微信公号：蓝木马）
【00：12】爱上绘画的异乡人
【01：50】贫苦的犹太家庭
【03：18】挣脱束缚，前往圣彼得堡
【04：18】乡愁、爱与神话
【05：12】像巴黎一样迷人的画家
【07：32】妻子贝拉，灵魂的缪斯
【09：52】看懂看不懂，真的不重要
【10：38】插上蓝色的翅膀
【12：12】不能被剥夺的神秘感
【13：35】夏加尔带给我们的启迪
1、爱上绘画的异乡人
在夏加尔的个人文化背景中，自始至终贯穿着对家乡的记忆，还有宗教和神话，所以让他的作品看上去就像是一个由记忆拼成的马赛克画面，充满了诗歌一般的隐喻。恋人、花朵、小木屋、烛台、塞纳河、绿色的牛、飞在天空的马⋯⋯都像星空一般回旋在他的画中。它们不仅看上去非常梦幻有趣，如果细细品味，会发现里面藏满了怀旧的伤感。就像是一首诗歌。
2、贫苦的犹太家庭
夏加尔于1887年出生在一个非常保守的犹太家庭，他出生的这个时期，俄国犹太人的生活仍然受到很大的限制，从十八世纪末到1917年的俄国革命，有将近500万人被迫住在隔离区，受到政治和法律的歧视。
夏加尔一家很穷，所在的城市叫维切布斯克，大概只有六万多人，但好在这个城市处在隔离区的商业中心，是前往圣彼得堡的交通枢纽，所以西方的文化思想很快就传到了维切布斯克这座城市，也逐步带来了一种启蒙思潮。
但是夏加尔的家人对犹太教里的禁令十分遵从，很多迷信的东西在思想中也都根深蒂固，所以他小时候经常幻想自己可以当歌手、舞蹈家和音乐家，甚至可以去另一个截然不同的国度，过自由自在的生活。不过他的家人认为老老实实做个会计师，安稳地活一辈子就行了，还花大价钱给他买了一个职位。作为处在当时那种境遇下的大多数犹太人来说，根本不敢去想可以成为一个艺术家。
3、挣脱束缚，前往圣彼得堡
所以夏加尔意识到他不会得到任何支持之后，首先尝试在当地的绘画学校找出路，然后在1906年的时候，几乎是身无分文去了圣彼得堡。当时，有很多画家都在那里的教堂和博物馆寻找灵感，并受到了来自野兽派毫无拘束运用色彩的影响，夏加尔也不例外，于是他一点点摸索，把犹太教、俄国民俗艺术和基督教、西方文化巧妙地融合到一起，创造出自己的绘画语言。
实际上，也就是把“乡愁”植入到作品里去了，成为了他日后回忆与情感的一种独特的载体，尽管夏加尔之后一直生活在法国，但犹太人的身份让他始终对故乡有着深沉的思念。
8 莫奈：他为睡莲举办了一场时装秀
Épisode 8
jeudi 26 mars 2020 • Durée 16:28
上一期，我们聊了后印象主义的代表人物，高更。今天我们把时间再往前推一推，来说说对印象派贡献最大，不得不提的一个人，法国人——克劳德.莫奈。虽然印象派的开创者是马奈，但是将这一流派发扬光大，推向高峰的人却是莫奈，他让印象派成为了艺术史中的一匹黑马。
【主播】
初萌（微信公号：蓝木马）
【00：13】印象主义，艺术中的一匹黑马
【02：00】追逐光的人们
【03：08】沉浸式体验
【05：16】绘画界的一场进化论
【06：12】日出印象
【07：40】不朽的园丁
【10：24】四季的秀场
【11：34】251件时装
【13：12】Dior的灵感缪斯
【14：09】2020莫奈色
【14：47】莫奈带给我们的启迪
1、印象主义，艺术中的一匹黑马
2、追逐光线的人们
那莫奈和他代表的印象主义，真正带来的改变是什么呢？其实就是我们的眼睛去观察事物、对焦事物的方式。在印象主义之前的画风普遍是谨慎和保守的，但到了十九世纪晚期，印象主义诞生之后，他们提出颜色不再是物体固有的特性，而是反射出来的光线，这就意味着我们可以打破时间的框架，不再按照特定的时间去绘画。
3、沉浸式的体验
这两年比较流行一种沉浸式的“数字艺术互动展”，就是通过数字技术的形式让参观者仿佛就真的置身于花海、森林和宇宙当中，通过自己的身体来感知变化中的世界，探索人与自然的关系。这种数字艺术带给我们的体验，就很像莫奈修建自己花园、并且在里边完成了一系列睡莲组画的过程。
因为莫奈除了对光线和色彩的突破，还找到了阴影和轮廓线的画法，消除了很多既定的边界，如果我们去凝视那些睡莲，会有一种慢慢陷进去的感觉，仿佛被水流和颜色包围起来，和眼前的这些植物成为了相容相通的一个整体。
4、绘画界的一场进化论
莫奈生于十九世纪中期，当时正是达尔文提出进化论和物种起源的时期，艺术家都很喜欢把兴趣放在描绘自然的生动和多彩上。花园这一主题，也逐渐由整齐规范的宫廷风格走进了日常生活当中，画面里出现了更多打着阳伞的妇人在草坪上休息，那种浪漫和自然的场景。
正是这样的一个时代背景带给了当时画家很大的启发和灵感，让他们用发现新大陆的勇气去开创新的绘画语言。
7 高更：在塔希提岛画月亮的男人
Épisode 7
jeudi 19 mars 2020 • Durée 15:21
法国画家保罗.高更，和梵高、塞尚并称为“后印象派三大巨匠”，名气等同于达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔被公认是“文艺复兴三杰”在艺术史上的地位。他对整个二十世纪的艺术都产生过重大的影响。
【主播】
初萌（微信公号：蓝木马）
【00：47】大师身后的荣耀
【02：36】毛姆，月亮与六便士
【04：33】证券投资人与业余画手
【05：49】对异国情调的渴望
【06：50】成为高贵的野蛮人
【09：40】《朝拜玛丽亚》，东西方文化的融合
【10：49】用生命作画的上帝之子
【12：53】是什么让高更对塔希提着迷
【14：07】高更带给我们的启迪
1、大师身后的荣耀
马蒂斯—表现手法
毕加索—创作思考
康定斯基—绘画理论
超现实主义—梦境与原始性
弗里达——民间艺术
2、毛姆—《月亮与六便士》
3、证券投资人与业余画手
高更出生在法国，但在5岁之前有过一段在南美洲的秘鲁生活的经历，5岁之后才又返回法国，并在修道院学习了三年，从那个时候起，哲学和神学就开始注入到高更的精神世界里了，对他之后的艺术创作播下了种子。
高更没有在专业学校学过画画，是通过各种途径自己去掌握绘画的技巧，他那个时候主要的工作是做证券投资，是一位金融界的人士，他凭借自己的眼光赚了很多钱，不仅收藏了很多绘画和艺术作品，也有条件支撑自己购买画具，继续画画。
也因为他经常和艺术交易商接触，就认识了毕沙罗、塞尚、德加这些人，开始走进了这个绘画的圈子，从业余选手变成了职业画家。因为没有受过正规的训练，让高更养成了朴拙、天真的手法，看他的画和雕塑总觉得不够完美，但是这些特点之后都成为了象征主义的绘画语言。
6 马格利特：迷恋犯罪电影的小说家
Épisode 6
jeudi 12 mars 2020 • Durée 13:58
作为二十世纪杰出的超现实主义大师，出生在比利时的雷尼.马格利特，是个沉迷于矛盾，热衷于将世界拆开，用反常的方式重新进行组装的艺术家，是个隐藏在普通人中的怪人。他把现实当作是一面镜子，在所有的画面里都留下了充满悬疑的谜语，他说只有穿过心灵的荒野，我们才能找到答案。
【主播】
初萌（微信公号：蓝木马）
【00：24】制造危险的比利时大师
【01：23】沉迷于矛盾的炼金术士
【02：03】礼帽、西装、烟斗、苹果
【03：50】长在记忆里的恐惧
【04：44】黑色幻影方托马斯
【06：31】破译密码的十种方法
【06：57】鸟笼里的鸡蛋
【07：43】酒瓶与胡萝卜
【08：46】恋人与裹尸布
【09：53】魔幻大片《受到威胁的凶手》
【12：23】马格利特带给我们的启迪
1、制造危险的比利时大师
如果达利为我们制造的梦境是紧张激烈、癫狂易怒，是剧情紧凑的动作片，那这个人的画就全部取材于生活中常见的事物：苹果、鸡蛋、蜡烛、礼帽、雨伞，都是他笔下常见的形象，这些形象看起来都像是安静、缓慢的长镜头，但当我们进入画面中的时候，会感到四处隐藏着危机，仿佛有很多双眼睛正在暗中盯着你，禁不住头皮发麻，倒吸一口凉气。
我们会产生一种幻觉，不再是观看一幅静止的画，也不是一个快照，而是像在看一部心理悬疑片，会猜想画面里都有哪些陷阱，那个看不见的幕后凶手下一秒会采取什么行动？
2、沉迷于矛盾的炼金术士
作为二十世纪杰出的超现实主义大师，出生在比利时的雷尼.马格利特，是个沉迷于矛盾，热衷于将世界拆开，用反常的方式重新进行组装的艺术家，是个隐藏在普通人中的怪人。他把现实当作是一面镜子，在所有的画面里都留下了充满悬疑的谜语，他说只有穿过心灵的荒野，我们才能找到答案。
3、礼帽、西装、烟斗、苹果
相较于超现实主义强调的视觉刺激、引人注目的噱头和花边新闻，马格利特从一开始就像个作风老派的侦探，冷静、低调，讨厌出风头。礼帽、西装、烟斗就成了他的画面中 非常有代表性的符号，它们出现在马格利特画面里的时候，是没有做任何变形和扭曲的。
有一幅作品我们应该都会有印象，就是一个身穿黑色西装、头戴礼帽的男人的半身像，他的脸上几乎看不到五官，前面是一只绿色的苹果。看似一点都不夸张，但两种不同元素的意外组合，却产生了怪诞和神秘的意向，好像是我们在半睡半醒之间，朦胧的状态下才会出现的错觉，具有一种魔幻现实主义的感觉。
5 达利：疯子在现实，天才在梦境
Épisode 5
jeudi 5 mars 2020 • Durée 14:03
二十世纪的艺术界有一位堪比网红的人物，他既不是立体主义的毕加索，也不是野兽派的马蒂斯，更不是画过睡莲的莫奈。他比任何人都显得更加出位和疯狂，敢说自己的作品超过了达芬奇，赶得上孟德斯鸠，可以在别人的灵魂中得到永生。
萨尔瓦多.达利，超现实主义绘画大师，一位怪咖、天才和疯子。
【主播】
初萌（微信公号：蓝木马）
【00：55】艺术是一剂迷幻药
【01：35】迷恋弗洛伊德的超现实主义
【02：19】行走的“超现实主义
【03：00】疯狂的小胡子横空出世
【04：28】《记忆的永恒》里藏了什么秘密
【06：00】盗梦空间
【06：58】彻底的野心家
【07：48】被审判的《悲伤的游戏》
【09：20】魔幻的晚宴
【11：21】生物学奇观《金枪鱼捕捞》
【12：35】达利带给我们的启迪
1、把艺术变为迷幻药
萨尔瓦多.达利来自西班牙的加泰罗尼亚，说不清楚是他的运气让画出了名，还是他的画成就了太过离奇的人生，总之，艺术在他的眼里是一剂迷幻药。
他从来都不怕引来争议，就怕自己默默无闻。
2、迷恋弗洛伊德的超现实主义
为什么艺术到了超现实主义的手里，变成迷幻药了呢？
超现实主义其实就是不受任何理性的控制、不被道德约束、不依赖于任何美学标准，来达到梦境与现实的统一这样一个流派，它强调的观点是著名的心理学家弗洛伊德的精神分析法。因为精神分析注重的是对梦境和幻想的研究，将我们潜意识与梦里的经验进行揉合，来从中找到艺术创作的方法，所以我们可以看到无论是达利、马格利特、米罗或是基里柯，他们的画都很奇怪，其中最特殊的一个人，正是达利。
3、行走的“超现实主义
他像一声炸裂的惊雷，自己的生活就是一个真实再现的“超现实主义”，有太多荒诞不经的行为，并且非常善于炒作自己。他曾穿着潜水服、手握权杖在伦敦的超现实主义展发表演讲，因为缺氧差点窒息，所以很多人说他哗众取宠，过于浮夸，在哄骗大众，是个疯子和自大狂。
但也正是因为这样，达利在超现实主义绘画中带来的影响也是前所未有的。
4 毕加索：折叠时空的斗牛士
Épisode 4
jeudi 27 février 2020 • Durée 14:06
毕加索说：既然上帝都没有风格，我为什么要有固定的风格？我就是国王。作为当代西方最有创造性和影响力的艺术家，这位来自西班牙的立体主义代表人物，不仅超越了传统，还超越了时代本身。关于什么是美，就有了新的表达和新的标签，由此成为了未来很长一段时间里许多画家的灵感来源。
【主播】
初萌（微信公号：蓝木马）
【00：16】和美赛跑的人
【01：48】国王和他的诗人朋友
【02：38】蓝色的忧郁
【04：03】马戏团里的即兴戏法
【04：47】毕加索的三维解剖
【07：07】《阿维尼翁的少女》的诞生
【07：49】变形会带给我们什么感受
【08：32】和拉斐尔平起平坐
【09：03】《格尔尼卡》的愤怒
【10：13】公牛的隐喻
【11：10】紊乱的精神变异者
【12：42】毕加索带给我们的启迪
1、和美赛跑的人
曾有人这样来形容毕加索的作品：毕加索跑的比美快，这就是为什么他的作品看起来很丑的原因！他难道不是在玩弄我们么？他的画分明是一堆立方体，连小孩子都比他画的要好一百倍⋯⋯
提到毕加索的名字，相信我们一定不会陌生，作为当代西方最有创造性和影响力的艺术家，这位来自西班牙、大名鼎鼎的立体主义代表人物，不仅超越了传统，还超越了时代本身，是位名副其实的人生赢家。
毕加索的艺术生涯经历了蓝色时期、玫瑰红时期、转折期和我们熟知的立体主义时期以及超现实主义时期几个不同的发展阶段，艺术风格非常多变，并不断地在进行突破。那副我们熟知的《阿维尼翁的少女》一经问世，便预示着一场造型革命的来临，也意味着他开始走上了一条全新的艺术之路。
2、国王和他的诗人朋友
毕加索惊人的天赋在于他改变了事物的面孔，他不仅在绘画上有十足的勇气挑衅传统，在生活中也不同于其他画家。
他的朋友圈就像是一部歌剧演出，由诗人和作家组成的合唱团围绕在他的周围，但里面没有任何一个画家，因为毕加索觉得自己一出生就已经知道该如何画画了，根本就不需要同行给自己输送养料，也不需要和画家做朋友。反而是这群诗人给了他源源不断的灵感，在不同的人生时期和艺术阶段与他一起组合、拆解、颠倒着世界的面孔。
3、蓝色的忧郁
没有任何一位伟大的画家生来一帆风顺，毕加索这样的时代偶像也经历过抑郁和悲伤的日子。
3 弗里达：墨西哥大地的女祭司
Épisode 3
jeudi 20 février 2020 • Durée 14:10
是什么样的命运可以让一个人有足够的勇气不再留恋今生，对死亡叫嚣？又是什么样的经历可以让一个女人成为一个国家的传奇，用画笔掀起一场沸腾的亡灵狂欢呢？她不仅是墨西哥家喻户晓的明星画家，还是二十世纪拉美最具影响力的艺术家，一个一生都饱受病痛折磨的女人。
【主播】
初萌（微信公号：蓝木马）
【01：04】拒绝超现实主义的原创画家
【02：07】弗里达的出身
【03：23】女性庄严的勇气
【04：30】艺术不是幻灭的产物
【05：18】墨西哥大地上的《根》
【07：05】苍穹下《破碎的石柱》
【08：24】《带刺项链和蜂鸟的自画像》
【09：56】陀思妥耶夫斯如何评价她
【10：35】最后的挽歌
【11：36】迷人的日记都写了什么
【12：55】弗里达带给我们的启迪
1、拒绝超现实主义的原创画家
弗里达在世时曾说过这样一句话：“我画我自己，因为我经常是孤独的，但愿死亡令人愉快，而我希望永不再来。”
常有人说弗里达是超现实主义的一员，但她坚持自己是一位原创画家，她个人的想象都是源于墨西哥的民俗传统，非任何外国流派。她的绘画天赋、独特的时尚风格以及悲情又勇敢的一生，让她成为了20世纪最富盛名的女性画家。
2、弗里达的出身
1907年，弗里达出生在墨西哥城的一个艺术家庭里，有着匈牙利、德国、西班牙和美国印地安人四种不同的血统，仿佛注定要带给她与众不同却又支离破碎的一生。她不仅从六岁时就落下了残疾，在18岁那年还经历了惨重的车祸，此后的一生几乎瘫痪在床上，作过32次大大小小的手术，每一天都在与死神对话。
弗里达在一生中所画的200多个作品中，有三分之二都是自画像，这些绘画创作主要从墨西哥民间艺术以及小型祭坛画中汲取营养，有着对痛苦的强调和被压抑的情欲，像是一位承受了人间所有罪孽的祭司，遥望着一片空灵的世界，将痛楚的诗歌写在画布上。
3、女性庄严的勇气
从来没有人像弗里达一样庄严地表现出了女性真实的面对现实的勇气。她善于将动物、人物和植物混合在一起进行表现，所以我们会看到肢体里长出树枝、鸟头；一对牵着彼此双手、穿着婚纱和传统服饰的自己；滴血的心脏等等，她还常常表现被撕裂的身体和切割的人体器官，将毫无生气的场景放置在一个开放的空间里，让人觉得恐怖、孤独和压抑。
这正是弗里达痛苦到不能诉说的一种日常，只有通过绘画能让她的灵魂得到放逐。
2 马蒂斯：爱上金鱼的野兽派国王
Épisode 2
jeudi 13 février 2020 • Durée 13:50
作为20世纪在欧洲兴起的第一个现代主义流派，野兽派摆脱了物体固有的色彩特征，把欧洲从几百年传统的自然色彩中释放了出来，运用简练的线条和夸张的颜色来实现色彩在画面中的释放。这一流派的核心人物，和毕加索共同被视为二十世纪法国最重要的两位艺术家，他就是亨利.马蒂斯。
【主播】
初萌（微信公号：蓝木马）
【00：55】野兽派是怎么被叫起来的
【02：18】新世界的游戏规则
【03：27】在丛林中寻找灵感的野兽
【04：50】被色彩扑倒在地
【06：27】用心灵绘制《生之欢乐》
【08：39】老顽童的动物朋友
【09：35】摩洛哥、冥想与金鱼
【11：10】无拘无束的《金鱼与调色板》
【12：19】马蒂斯带给我们的启迪
1、野兽派是怎么被叫起来的？
在1905年巴黎的一次秋季沙龙上，有一位批评家被一幅用纯色随意涂抹成的油画吓坏了。这幅画画的是一位《戴帽子的妇人》，妇人的脸被绿色和朱红色非常粗犷地勾画出来，可以说是不分青红皂白，像是颜料从管里硬生生挤出来一样，堆砌在了画面上，这幅画就是马蒂斯的作品，他画的是自己的妻子。
这位保守的批评家就指着展厅中间的一尊多纳泰罗的雕像对周围的人说：“大家快来看看！多纳泰罗简直被野兽包围了！”此话一出，在西方艺术史便出现了一个崭新的流派——野兽派，而马蒂斯当之无愧地成为了野兽派的灵魂人物。
2、新世界的游戏规则
争议暗示着一股新的力量正在打破昔日世界的游戏规则，作为20世纪在欧洲兴起的第一个现代主义流派，野兽派摆脱了物体固有的色彩特征，把欧洲从几百年传统的自然色彩中释放了出来，运用简练的线条和夸张的颜色来实现色彩在画面中的释放。
3、在丛林中寻找灵感的野兽
他喜欢用造型艺术表达对色彩的迷恋，就像野兽用灵敏的嗅觉寻找猎物一样寻找灵感。他梦想中的艺术，全部都充满了平衡、纯洁和静穆感，没有令人不安和刻意去表现的题材。他觉得绘画是在发现内心的自己和安抚灵魂的手段，而不是一丝不变的去再现自然，而是必须服从自己的画面精神。
4、让色彩将自己扑倒在地
马蒂斯觉得颜色的选择不是基于那些理性的科学原理，因为他自己从来没有先入为主地运用任何颜色，而相反是色彩完全本能地向自己涌过来，就像是头野兽将自己扑倒在地。
杜尚就是敢做那些从骨到筋的颠覆，他要告诉我们，艺术没什么了不起的，不值得我们大惊小怪。他把自己从艺术的局限性里拔出来，站在艺术之外看艺术，就像爱因斯坦是世界上唯一一个能把自己从三维空间的局限性拔出来看待宇宙的人，杜尚的观点对当时的波普主义、偶发艺术、行为艺术、观念艺术、大地艺术起到了直接的影响，被这些五花八门的艺术团体拿来所用，发展得千姿百态。
1919年，他给蒙娜丽莎画了一道胡子，晚年还秘密的在自己的画室里，用二十年的时间创作了一副几乎没人能看明白的作品。
在杜尚试验性的作品中，最著名的一副是他花了8年时间创作的《大玻璃》。这幅画之所以是前所有为的，因为杜尚用玻璃代替了画布，在玻璃上只需要展现出形象就够了，因为它是透明的，不再需要背景，它在哪里，哪里就是背景。所以画面具有双重性，观众不仅可以看到玻璃上形象，也可以透过玻璃去看作品以外的东西。它就像一张机械制图，没有我们通常会期待的笔触和色彩，也没有优雅的形式，甚至找不到合适的词汇来形容它。
美国著名的抽象表象主义画家德.库宁曾说：“杜尚一个人发起了一场运动，这是一个真正的现代运动，其中暗示了一切，每个艺术家都可以从他那里得到灵感。
尽管美国的波普艺术家们把生活中能用的东西，甚至是垃圾都放进艺术创作中，把杜尚的幽默演变成了一场声势浩大的运动，但也仅仅是肤浅和表面的形式，山穷水尽之后，还是要回到规规矩矩的美的道路上来，回到古典的图形和元素上，只不过是把庸俗常见的事物变得高级了而已。因为他们无法放弃艺术本身，始终走在艺术那条框定的路上。
这也是杜尚留给西方世界的一个谜题：当我们把艺术全盘推翻之后，该往哪里去？直到杜尚去世，人们也没有找到答案。
到这里，艺术漫谈第一季就结束了，十位不同的人物有着不同的境遇和各自的命运，在掌声背后，他们都造成了巨大的选择，用我们无法企及的代价换来了我们看到的精彩。希望他们的故事可以让我们体会到做一个自由的人，活出自己行云流水的人生，活出自己的态度，要比声名和金钱更加重要，因为生活的状态远远大于生活本身。
而艺术真正带给我们的，一定最大化提升了品味与格调这么简单，还应该是扩展了内心的空间，让我们少一些盲从和焦灼，不再被碎片化的信息所左右，能够多花一点时间，把节奏放慢，用自己的目光解析这个世界，用沉稳的心态前往充满变数的未来，找到让自己的心灵踏实，安宁的一片避风港。
感谢大家的聆听，欢迎前往我的微信公众号：蓝木马，了解更多和艺术美学相关的故事，期待在未来的日子里，仍然可以在艺术的想象里与你相遇。（完）
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他在圣彼得堡期间遇到了未来的妻子贝拉，之后创作了大量以贝拉为主题的作品，每一幅都极尽浪漫，看得出画家的内心是多么幸福，就像个天真的孩子。可以说有两样东西构建了夏加尔的世界，一个是民族信仰，另一个是爱与情感，而绘画将两者二合为一，具有了宗教性和神话色彩。
他认为绘画和诗歌一样，是在组构一个神圣的世界，那里到处都是迂回的藤蔓、涂抹的笔触、万花筒式的色彩，还有漂浮的人，全部展现了夏加尔心中的意象，他童年梦想的那些舞蹈家、音乐家，都在画里出现了。
1910年，夏加尔去了法国，初到巴黎，他并没有对这座城市产生好感，觉得那里过于嘈杂，但他发现在巴黎看到和感受到的东西，是他之前在任何一所学院都比不了的，世界上再没有一个地方能比巴黎更具有艺术的气息，文学、艺术在那里熠熠生辉，直达今天也不例外。
记得前年在清华大学艺术博物馆看过一场“西方绘画五百年”的展览，从文艺复兴的古典主义到浪漫主义、印象主义，再到波普艺术，大师云集，我们熟悉的安格尔、鲁本斯、莫奈、高更、毕加索、安迪沃霍尔的作品都来了，每一幅前都挤满了人。这次巡展有一副夏加尔的画，尺寸很小，画的是马戏团的场景。凝视夏加尔的作品，可以陷入一种迷离的梦境感，绝对不是达利那种张扬夸张、赤裸落的梦。
超现实主义当年非常认可夏加尔，觉得他画面里的变形是一种突破逻辑的洞察力，邀请他加入，但夏加尔却说：“我不需要弗洛伊德，也能睡得很好，对不起，我就不参加了。”
在夏加尔的画里，花束不是长在地上，反而像星空中的烟火，人和动物可以一起出现在光怪陆离的世界。会觉得越看越有滋味，简直就是一派烂漫，同样是画牛、画马戏团，毕加索是和我们玩障眼法，夏加尔画出来，可爱得不得了。同样是做梦，达利的野心是想把梦都吃掉，但夏加尔创造了一个使人眼睛湿润的世界，那种童心是其他画家身上所没有的。
还是夏加尔自己说的好：“爱，是最坚强的启蒙，是生命里的一首诗。”妻子贝拉给予他的温暖，填补了他离开家乡的失落，她像从宇宙飞来，是画家蓝色的天使。
夏加尔笔下的恋人全都浸泡在温柔的怀抱中，漫游于蓝色的深海，被各种闪着光的鱼和生物围拢，摇摇摆摆，那就是爱的意义：明亮、柔软、充满阳光，可以清楚地看见爱情在他的画布上流淌、蔓延。尽管在1944年妻子因战争感染了疾病不幸去世，他依然满怀爱意的说：“只要一打开窗，我的妻子贝拉就会出现在这儿。她为我带来了天空、爱情与鲜花。直到今日，她都穿着黑白两色的衣裙，翱翔于我的画中，照亮我的艺术之路。”
如果我们就是看不懂，也没关系，未必一定要看懂，夏加尔也不见得就能把什么都解试地清清楚楚。我们每人都有自己的理解，感受到什么，那这幅画就是什么，没有规定非要有一种标准的答案来解读所有的意思，艺术本身带来的就是感受力。我们过去的所有经历都会在看到一幅画的瞬间，凝结成一个信息，每个人能感知到的地方都是不一样的。
他一生都保有童年的原始梦幻，并沉浸在那些岁月，不断找寻俄国犹太人的家园，他敏锐的心灵和想象力，经由宗教仪式和《圣经》的启示，让他一生都在探寻和蓝色有关的传奇。在那背后，隐藏着社会与时代的复杂性，而他的天赋正是来自心灵上不断升起的海市蜃楼。
他觉得任何一个生命，如果被剥夺了神秘和感性，就会马上凋零。那当我们沉浸在他的画面中时，有没有听到那种深奥、美妙的诗意呢？那更接近是我们人性中持久不衰的一种记忆，星星点点的，闪耀着祈祷，可以将它想成是生命的一滴泪珠，可以是穿透云间的一声歌咏，也可以是天空燃烧的晚霞。
夏加尔离世时，得到了法国荣誉军团的大十字勋章，安葬在天主教的公墓里，被法国人拥抱和瞻仰，像对待自己的同胞一样，想必浪漫优雅的法国人也难以抵挡夏加尔的诗意。
也让我们为每一个微小的幸福庆幸和满足吧，哪怕未来是不可遇见的，哪怕我们依然不知道明天会发生什么。但不要错过身边人的问候和关怀，不要错失每一次和爱人、亲人、朋友相聚相拥的时刻，只有经历，才会发现这些看似微不足道的瞬间早已变成一串闪光的项链，充满爱的温度，充满爱的魔力。
所以请多一点耐心和付出，多一些拥抱和微笑。请相信，在这个世界上，唯爱永恒。
今天就到这里，感谢收听，期待下一次在艺术的想象里与你相遇。（完）
1.Paolo Fresu / Dino Rubino / Marco Bardoscia /The Silence of Your Heart
2.Paolo Fresu / Dino Rubino / Marco Bardoscia /When I Fall in Love
3.Paolo Fresu / Dino Rubino / Marco Bardoscia /Postcard from Home
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莫奈十五岁的时候就因为自己的漫画小有名气了，随后他在阿尔及利亚当了两年兵，继续读了大学，在巴黎认识了巴齐耶、雷诺阿和很多有名气的画家，和他们共同创造出了一种新的艺术手法，就是在自然光线下用油彩作画，后来就被称为了印象派。
他的《印象.日出》在1874年 印象派画家的首次联展上，一经展出，就带来了轰动的影响。这幅画看上去虽然笔触松散、画面动摇不定，却完全符合我们对“印象”这个词汇的理解，也让莫奈一下就出了名。在成名之后，莫奈并没有留在巴黎，而是周游了很多国家，到了1880年之后，可以说他与印象派的其他画家们彻底地分道扬镳，在法国的乡村吉维尼建造了一座小花园，从此之后就住在里面，开始以睡莲为主题进行创作，一共画了251幅画。
莫奈始终记着老师对他说过的话，那就是“你当场画下的任何东西，总是有一种在画室里得不到的力量，那是一种真实感和笔法的生动性。”
莫奈在写给美术评论家朋友的一封信中这样说道：“我当初种睡莲不过是为了愉悦身心，丝毫没有要画它的想法，因为一处风景不会在一夜之间告诉我们它所蕴含的意义。但在某一天，神秘的荷塘世界忽然开始在我的面前展现，我急忙地去寻找调色板，之后，直到今天，再也没有去画过其他题材。”
于是，莫奈从早到晚都在观察水面细腻丰富的变化和睡莲从苏醒到沉睡的过程，探索光色与空气之间微妙的联系。他不仅把清晨的浓雾变为了蓬松的斑点，还在不同的时间和季节下，对千变万化的睡莲展开了大胆的描绘，完全超出了简单的观察，可以说是用思维在和睡莲对话。
全球最著名的时尚品牌Dior就是印象主义的忠实粉丝，在很多主题发布会中都可以看到印象派的影子，但说起Dior的灵感缪斯，莫奈肯定是要排在第一位的，他笔下的花园和睡莲，对Dior服装色彩的搭配，以及花卉的缝制，都有着深远的影响。
今年服装的流行色“莫奈色”，就是缤纷亮丽、优雅明快的一系列颜色，有牛仔色、晚霞紫、银杏黄、苔藓绿，还有丁香粉，它们甜而不腻，带给我们的感觉像一串水面激起的涟漪，既不过分浓郁，也不任性张扬，无论是大牌的秀场，还是日常的穿搭，都充满迷人的回味，充满流动的印象。
但莫奈在我心里，更像是位不朽的园丁，用专注一生的执着，把花园当成调色板，创造出了一片绚烂，编织出了一道风景，也把我们带到了种满花草植物的时装秀场。他的眼疾没有让时光暗淡，而是浪漫的一塌糊涂，用匠人之心将美好封存，那里有他对爱人的怀念、对绘画的追求，和生命的延续。
一千个读者就有一千个哈姆雷特，有一千个观看者，就有一千个现代艺术的故事，这就是莫奈、睡莲、池塘和花园带给我的感受，也可以说是一种生命和情感的连接。听完之后，你是不是也在印象主义的精神世界里，捕捉到了一丝转瞬即逝的灵感呢？希望在不远的日子里，我们都可以把莫奈色穿在身上，成为一道亮丽的风景。
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到了35岁的时候，高更不再做投资了，他下定决心要走上绘画这条路。他就这样一直画到了1889年的世界博览会，这次盛会展出了大量的古代文明的展品，前所未有的异域风情带给了他全新的灵感，有爪哇的舞蹈、吴哥窟的浮雕，还有日本、波斯和埃及的艺术品，佛教、轮回和莲花也让他产生了兴趣。
于是高更在两年后坐船前往了他的梦想之地——塔希提岛。
塔希提早在十八世纪的时候，就有了欧洲人的身影，他们給岛上带去的疾病导致那里的人口从十五万减少到一万五千人。如今作为一个法属殖民地，失去了原本纯净的面貌，熏染上了现代文明的陋习，街上到处都是尘土飞扬。
高更很快就和当地人打成一片，搬到了位于山海之间、远离了城镇的一个小窝棚里。那里壮丽的风景将高更的激情重新点燃，还写了一本用当地的土话作为名字的散文集《诺阿.诺阿》，意思就是芳香的味道。
他在先后两次前往塔希提岛，也就是长达8年的时间里，创作出了《戴花的女人》、《塔西提少女》、《朝拜玛利亚》、《我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去？》等众多作品，抵达了自己创作生涯的高峰。
他在写给友人的信中说到：我喜欢塔希提，在那里我可以找到带有原始人品质的野蛮人。当我的木屐踏在花岗岩地面时，我听见了那种迟钝有力的声音，这是我一直在绘画中寻找的声音。”
当我们凝望高更的画，或许我们也能够在他的画中听到这种来自古老大地的喘息：
“在大神塔特加塔的眼里，君主和大臣的威严和荣耀，只不过是唾液和尘埃。在他的眼里，纯与不纯，就如同六位司雨之神的舞蹈。在他的眼里，为寻求一见佛陀，就如同向花间走去。”
高更把古老庄严的生命主题赋予了神话式的色彩，去描绘自然，去歌颂永恒。美学和宗教在他手里，成为了一种新的宣言，结束就是开始，死亡就是新生，这就是艺术永恒的生命力，也是他一生不变、探索追寻的信仰。
相信我们每个人的心里都会有一个梦想，也许生活的柴米油盐和日常的紧张与忙碌将它们藏了起来，因为用力活着就已经很难。
可不论眼前的世界多么无常，多么动荡，我们都不会停下脚步，那就让我们全身心投入生活吧，只要我们拥有一个倔强执着的灵魂，那些曾经的梦想就会生机勃勃长在我们的心里，陪伴我们走过一生。
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他神秘语意的产生源于两个重要的事情，一个是14岁那年，母亲自杀留下的恐惧。 这个景象留在马格利特的脑子里，挥之不去，成为了强烈的意象，在他的很多作品里也都可以看到河流、尸体、蒙面的人，恐惧已经深深地植入进了他的心里播下种子，等着土壤肆意生长。
给这片土壤输入养料的是一部叫做《方托马斯》的系列电影。这是一部具有戏剧色彩和黑色幽默的犯罪片，由一部小说改编，拍摄于1913到1914年，讲的是一个犯罪天才在战前的巴黎，制造骇人听闻的犯罪案件的故事。里面追踪大魔头的侦探头戴黑色圆顶礼帽，总是出现在屋顶和走廊，追踪着方托马斯那个黑色的幻影。
我们将前后两件事联系在一起时，把蒙住脸的尸体、失去母亲的孩子、犯罪电影、追踪凶手的侦探这些线索全部放进马格利特的大脑里，就可以看懂每一幅画中的谜语了。
马格利特找到了十种创作的方法，有混合变形法、时间矛盾法、反重力法、生命蜕变法、比例错乱法、穿越透视法等等，这些方法越是不合常理、自相矛盾，打乱了现实的节奏，就越让他兴奋。
在《选择性的亲和力》这副画里，一只巨大的鸡蛋被装进了鸟笼子。据说马格利特在1936年的某个晚上忽然间一觉醒来，看到屋里放着一个鸟笼，里面有一只正在睡觉的鸟。但是他当时却把笼里的鸟看成了一个鸡蛋，于是他马上捕捉到了这种美妙的误会，完成了这幅画。这就是他的“时间矛盾法”。
他这种怪诞的审美形态，还表现在名为《解释》这幅画里，一个黑色的酒瓶和一只正在变成酒瓶的胡萝卜立在眼前，远处是朦胧的群山。马格利特假想了一个场景，就是一个人回到家中，一边脱掉大衣摘掉帽子，就在同一个时间里，桌上的酒瓶和胡萝卜两种物体循环变化，产生一个连续的动作，把真实的物理距离和我们的心理距离进行对接。
还有著名的人物肖像画《恋人》。一个身穿黑色西装的男人和穿着红色上衣的女人的头都被白布紧紧裹住，像是一块裹尸布，所以两个人不仅看不到彼此的眼睛，也碰不到对方的身体，想要靠近对方，却又有着极大的距离。这幅画虽然有一个与爱情相关的名字，但实际上是借裹住脸的那块白布，传递一种 “盲目”感，究竟是什么让两个人成为了恋人？是内心阴暗的东西还是对浪漫的渴求呢？
这种恐惧和怀疑也体现在他最具魔幻效果的作品《受到威胁的凶手》这副画里。这幅画里描绘了凶手杀人之后被两名侦探围堵的场景。我们一眼看上去会马上感到有股血腥的气息扑面而来，受害者全身赤裸躺在床上，床单上留下一大片暗红色的血迹，身穿西装的凶手却一点都不感到慌张，尽管两名侦探已经做好了准备，窗外还有三名围观者，但凶手依然镇定自若地听着交响乐。
我们可能会猜想凶手是怎么作案的？他为什么还不离开，在等待什么？侦探接下来打算怎么采取行动？他们和凶手之间会有一场生死较量么？窗外的三个人是密探？还是记者？还是另有身份？马格利特用一条引线带我们穿过一根根细针，让毛骨悚然的威胁一点一点侵入我们的思想，最终把我们征服。
如果我们习惯了欣赏达芬奇、拉斐尔这些大师的古典主义绘画作品，那就需要用一把小凿子把原有的秩序敲碎、推翻，从新来理解马格利特、达利和超现实主义大胆的绘画风格。用颠覆的视角，重新理解眼前的世界。
马格利特曾说：“我们眼睛所看见的事物，都隐藏着其他的东西，而我们也总是想弄清楚，在他们的背后，都有什么。”
我们的生活中总有很多无法解开的疑惑，当我们一筹莫展、毫无进展时，可以像马格利特一样，用颠覆的视角，重新看待眼前的世界，为大脑开启一条新的通道。也许我们需要用一块布蒙住双眼，放弃那些已有的经验，推翻那些顽固的思维壁垒，去重新感知熟悉的事物。
现实是一面镜子，只有穿过心灵的荒野，才能找到转换和解决的办法，找到我们想要的答案。
今天就到这里，感谢收听，希望当我们抬头看到熟悉的景象时，会发现它们背后隐藏已久的秘密，期待下一次在艺术的想象里与你相遇
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他有一句经常被人引用的句话：“我和疯子唯一的区别，就是我没有疯。”
在35岁之前，作为严肃艺术家的达利确实还没有那么神经质，在这之后，他标志性的小胡子就有了和梵高的耳朵一样的名气。
在今天看来，艺术家去表现血液、腐烂、性和死亡，是习以为常的事情，但是放在五十年前，带给艺术界的却是一种消化不良的体验。
受到弗洛伊德“潜意识”理论的启发之后，达利尝试用梦幻般的世界来展现自己的奇思怪想。他曾专门前往精神病院去观察病人，了解他们的意识，他发现我们梦中的每一个意念都是自己不能去选择和决定的，但只有精神病人的语言、行为，才是这种潜意识最真实直接的反映。
如果我们现在走进达利最有代表性的那幅画《记忆的永恒》里，可以一层层的拨开会那个死寂般的旷野，看到它的背后真正潜藏着什么。
画面里的天空发光透亮，有荒凉的海滩，光秃秃的悬崖，一个方形台座、一棵树，还有我们熟悉的那只软塌塌的表，每种物体之间看起来没有任何关联，毫无逻辑，蚂蚁不安的爬动正在把时间一点点偷走，这种延伸的荒凉正是达利精神世界里隐藏的焦虑，一种被现实挤压带来的变形。
这幅画的背景是达利曾经生活过的一个地方，那里留给他一种时间停止的印象，所以带给我们的幻觉，就是真实与回忆之间的联系，达利希望我们在大脑的时空隧道里穿梭，把白天看到的那些坚硬的、机械的、冰冷的事物，包括意识里堕落的想法，在梦里变成柔软的、凋零的和正在溶化、腐烂的东西，并且感受到变化的过程，梦里看到的画面越是空寂，无声无息，就越会产生不确定感，它的前一秒可能刚刚发生过不可思议的事。
还记得在《盗梦空间》电影里的一个片段么，莱奥纳多饰演的柯布回到了梦里，他从一个海滩爬起来，看到远处的峭壁正在一片片地脱落砸向海面，眼前的建筑也是一片颓败，但当他穿过这片死寂之后，眼前变成了挺拔完美的建筑群。
不同的记忆交错在一起，这种画面的转换就具有了超现实主义的概念，那我们在观看达利的这副画时，也可以带着这种镜头感去体会一番。
达利非常热衷于用他的迷幻技法来放大这种荒诞，不仅在画里，生活中他也不放过任何一个机会。
他把媒体邀请到酒店的豪华套房里进行采访，镜子旁边摆着响尾蛇的骨架，美洲野猫围着找他签名的访客—核武器专家、芭蕾舞演员，还有物理学家走来走去，家具上零乱地摆着大大小小能发光的透明材料和蛋形的物体，让整个房间产生了奇异的镜面效果。而达利身穿海军蓝礼服坐在沙发里，摸着自己的发亮的胡子，让人们品尝他的白色丝绸衬衫，像个指挥战役的野心家。
见过达利的人都说，他比电影还要好看。所以，他有十足的胆量在另一副画《悲伤的游戏》里，赤裸裸地描绘性、肮脏和堕落。
这幅画毫不避讳的把污秽物推到了我们的眼前，混杂着血液和自我陶醉的脸，在达利的梦里一边抽搐，一边旋转，像个巨大的食蚁兽，正在吞吃我们的欲望。面对来自超现实主义其他成员地指责，达利满不在乎的说：
" 如果连一场梦都要受到审判，那就根本不算梦，而是一场虚构，还谈什么超现实主义？"
达利对瘫软和萎靡不振的东西有很强烈的迷恋，带有一丝窒息的病态，让我们联想到煎熟的鸡蛋、像西瓜的肉块、献祭一般的头还有黏糊糊的奶酪，让他的创作充满了悲观主义的调性。
这些描绘在普通人的眼里可能是痉挛、病态和无法接受的，而在达利的眼里，是一杯美酒，一顿佳肴。
达利曾说他六岁想当厨师，七岁想成为拿破仑。于是他在电影、雕塑、珠宝这些领域一展身手之后，还写了一本食谱《加拉的晚宴》，用拿破仑的气势设计了很多夸张到离谱的菜。
加拉的晚宴是出了名的奢侈，盛大的排场堪比国王加冕的现场，不仅有令人乍舌的食材，还有着装古怪的宾客。
达利一共想出了136道菜，每一道都挑逗着我们的感官，还給每一章都起了别具一格的名字，比如说头盘叫做“侏儒的终极不安”，肉类叫“罪孽的主菜”，还有“爱神的浓汤”、“情欲牛腱肉”、“享用加拉”、“秋季的食人族”“浪荡鸡尾酒”等等，达利特意强调，这些菜全部都可以在厨房里做出来。我们如果有兴趣，不妨找到这本书，按照达利的方法做一做，把超现实主义吃进肚子里。
达利说："我们这些超现实主义者，根本不是什么艺术家，我们只是鱼子酱！"
尽管达利复杂的性格和极端的举止尽管很难被大多数人理解，但没有什么能阻挡他成为一个大明星。
在1945年世界上第一颗原子弹爆炸成功后，达利爱上了原子核物理学，并把DNA结构用到了自己绘画上，结合离奇的宇宙学理论，创作出了《金枪鱼捕捞》这件最难理解的作品，走向更加神秘的领域。
《金枪鱼捕捞》这幅画的元素非常复杂，取自一个古老的战争场景和雕塑，达利运用了学院派、点彩派、抽象表现主义和波普艺术等不同的风格，以及DNA分子结构、物理学和宗教来展现一种迷幻的张力。
他说画面里的金枪鱼和猎杀者都是无穷宇宙的化身，我们不需要聚焦在某个点，去寻找构图，只需要把这幅画想成是一个生物学的奇观就可以了，达利觉得所有的诞生都源自喷涌的血液，这是一种超越美学的力量。
这也正像是他一生的寓言，无限的遐想为我们带来了无数奇观。
毫无疑问，达利在艺术史上的地位是不可代替的，他的影响到今天都有增无减。他对艺术的理解和精神的特质把我们带到了潜意识的边界，解开了内心深层的压抑和苦恼，并促使我们大胆地看待和思考身体、死亡和生命。
他偏执、自大，有着旺盛的生命力，也许生来就是要震惊和激怒那些传统的观看者，他不在乎人们说他把艺术“玩儿坏了”，他就是要制造迷人的幻觉，满足对新奇的渴望，他不接受平庸，喜欢挑战，所以每一天都在创造新的自己，像是注射了一剂强心针。
虽然我们不能成为达利，但我们仍然可以多些天马行空的想象，多一些自信的张扬和骄傲，尝试在探索中不断蜕变，将自己的天赋变成独特的魅力和自我治愈的方式，那我们的人生也将充满无数种可能，也将看到独特的风景。
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那段被称为蓝色时期的岁月，就源于毕加索的好友卡萨吉玛斯自杀身亡这个悲剧性的事件。由于他非常想念这位去世的朋友，于是在1901年开始用蓝色作画，将自己浸泡在蓝色的油彩里，就像跌进了万丈深渊，灵魂被巨大的痛苦包裹。
毕加索在这一时期的创作题材也多是无家可归和游荡在社会边缘的、贫困潦倒的人，他们几乎都被他表现成了自我压抑、逃避现实的状态，传递着毕加索本人极度压抑的情绪。生命的悲剧意识始终笼罩着他，也不断地冲击着我们视觉，带来前所未有的、抽搐的美感。
1904年，他走出蓝色的悲伤，走进了马戏团、小丑和杂耍艺人的国度，走进了玫瑰红时期。
曾有艺术评论家说，看到毕加索的画会想到欧几里得的几何与第四维时空，因为他太善于折叠他所看到的事物了，可以毫不费力的将主观和客观结合到一起，把现实要么扭曲成一只怪兽，要么叠成一个魔方，只要他想得到，完全可以变出一个马戏团。
让我们把毕加索想成是一位他这一时期笔下的街头艺人，看看从他的口袋里究竟能变出什么戏法，又有多少秘密被他折叠进了奇妙的时空里呢？
在毕加索眼里，世界的构造和他对空间的分割、理解有着异曲同工之处，无论把它压缩到多么小，展开到多么大，都能在其中发现一个无限丰富的细节，他会像外科医生在解剖尸体一样，丝毫不差的分解每一个我们早已看惯了的事物。
通常我们都是从单一的透视点去观察事物，但毕加索偏要从任意一个可以想到的角度去重新进行表现。他会绕着眼前的这张“平面地图”走一圈，找出他认为描绘物体的最佳角度，大胆的将平面图撕开，重新组装，于是我们看到《阿维尼翁的少女》和《格尔尼卡》在毕加索的即兴解剖下，都变成了简化的符号，呈现出了他眼中的三维效果。
《阿维尼翁的少女》这幅画的诞生，和毕加索受到非洲和原始文化的启发有关，古代伊比利亚面具特有的造型语言为他注入了源源不断的灵感，尤其注入了强有力的几何力量。同时，它也彻底否定了自文艺复兴五百年以来围绕着三维空间进行绘画的传统。
画中的五位少女全部有着伊比利亚雕塑和非洲面具的风格，轮廓如同用刀砍了出来，目不转睛的看着我们，感觉在她们背后有一个即将喷发的火山。
毕加索正是要告诉观看这幅画的每一个人，变形并不单纯的意味着粗野和无礼，而是要传递出绘画本身具有的思考，我们敢不敢直面恐惧和真实的生活呢？也许你会感到像吃掉了一艘拖船或是喝光了一瓶煤油，可这也正是我们无法忘掉这幅画的原因，当我们以为下一个景观该是手臂时，却发现出现了一颗惊惧的眼睛，像走到了悬崖，思路被切断了，掉进了迷宫，而毕加索的目光却一直在盯着我们。
他说自己14岁就能画的像拉斐尔一样好，之后他将用一生去学习像孩子一样思考，如何画画。毕加索就是有这样一种魅力，可以随心所欲的控制和摆弄我们的身体和思考方式，他用眼睛吞噬了挑战他的一切，创造出了富有想象力的时空隧道。
创作于1937年的《格尔尼卡》这件巨幅画作将近八米长，是全世界知名度最高的反战作品之一，以纳粹轰炸西班牙北部重镇格尔尼卡、杀害无辜平民的事件为背景创作完成，我们似乎可以听到飞机的轰炸和哭喊声，感受到这个极具冲击力的场景。
毕加索曾说：“格尔尼卡这些手无寸铁的妇女儿童是无辜的，她们是受害者，这幅画表达了我对格尔尼卡正在陷入痛苦和死亡的海洋，感到厌恶！”画面融合了立体主义和超现实主义的元素，用黑白灰三种颜色，表现了怀抱着垂死孩子的母亲、手拿短剑的士兵尸体、仰首的公牛和正在嘶吼的马，渲染出了悲剧性的色彩。
把毕加索称为斗牛士，因为公牛一直以来都是他最重要的意向，也是他画的最多的。他看过很多十二世纪的壁画，里面描绘斗牛场中异教徒牺牲的场景引起了其强烈的共鸣，可以说西班牙的传统一直压在他的心灵和作品上。
毕加索从蓝色时期就尝试探索的苦难和强烈的悲剧力量，也终于在这幅画中得到了最大的升华。
“你们为什么不去理解鸟的叫声呢？绘画是无解的，它只能在每个人的心里，不要问我为什么。”
荣格曾把毕加索归到精神分裂的患者名单里，说他是一位紊乱的精神变异者，他这种神奇的分裂带着原始的冲动，常常在一副完整的图像上横穿过去，当他面对黑暗和绝望时，思维正飘在一片荒无人烟的沼泽和冰冷的水雾上，被他轻松地用断线、碎布、尸体和残骸表达出来，就像我们始终看不懂的那些画，有点像蒙娜丽萨微笑，是一种瞬间即逝的感觉。
说到这里，我想到了《X战警》这部电影，如果毕加索是一位精神变异者，那他一定是用意念可以创造天地的人，那世界会不会成为一个翻转折叠、奇趣无穷的冒险乐园？
从低谷到巅峰，对抗是毕加索生命的常态，意外、偶然、波动充斥着他的艺术过程，也让他完成了37000件作品。在经历过无数起赴和绝望后，他吹响了意外的号角，有人说他是魔鬼，有人将他捧上神坛，不管怎样，他永远都是那个接受我们致敬的伟大画家。
对毕加索而言，重要的东西从不会轻盈地漂走，它会一边消失，一边扩散出波浪，不管世人如何评，他都对自己深信不疑。
对我们来说，每个人也都在寻找着自己的出发点，寻找着一颗种子，一颗果实，虽然磨难和打击总会时时出现，但学会从混沌中抽身，待绝望倾盆而去，总会看到落在手心的微光，那些属于自己的奇迹正守在我们人生的路途中，等候绽放。
那么今天就到这里，感谢收听，期待下一次在艺术的想象里与你相遇。（完）
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但是弗里达的艺术从来不是幻灭的产物，她的幻想是自己的性情、生活和场景的产物与化身，是一种亲切现实、向现实妥协的方法。她画面中的象征手法总是自传式的，她说自己的幽默是那种“在衣柜里发现一头了狮子的惊讶和神奇，那可原本是你要挂一件衬衫的地方！”
在我们的眼前有一片用写实技法画成的绿色叶子，带着挣扎的张力，要把墨西哥的大地撑裂。我们的目光穿过有着黑色叶脉的枝叶，顺着它们清晰粗大、流动着液体的绿色血管落在了一片铺展的橙色上，那是女人的一条裙子，透着暗红的血丝，有着细致规整的白色裙摆。
一条连在一起的眉毛和熟悉的目光出现在一张异域风情的脸上，一动不动地躺在地上凝视着我们。地上蜥蜴般的藤曼正在从这张面孔下起伏地心脏向外生长，贪婪地吮吸着大地上的养料。弗里达的头发散落在肩头，胸前的叶脉不再是黑色，它们变为了鲜艳的红色，浓稠的红色，流淌着，渗入裂开的大地，变为了贫瘠土地的生命之根。
弗里达从无尽的荒原中走来，赤裸的上身扎满了铁钉，断裂的脊柱像巨大的裂缝将她分为两半。她被一根罗马立柱支撑着，泪水滑过铁钉落在裹住她身体白色亚麻布上，像被天使怀抱。
没有悲悯的祈求，没有绝望的哀叹，在我们面前，只有强大的精神张力，倾泻如注，被定格在永恒里。弗里达遥远的身后，蓝色的天空和大地连在一起，充满神秘和不可预知，也构成了这副让人过目不忘的作品《破碎的石柱》。
在她的左肩，一直猴子乖巧地守候着她。它摩挲着的双手正试图解开弗里达脖子上的荆棘，想要替她驱赶肉体的痛苦，抚慰灵魂的伤口。相比下，右肩的小黑豹目光犀利，它趴在弗里达的肩头，似乎下一秒就会跃出去，攻击我们，让人颤栗不安。也让我们充分感受到弗里达内心的惶恐。
在拉丁美洲，鸟通常象征着神性，代表了人类心灵的归属，是生命的创造之路。同时也暗示出弗里达失去了创造新生命的力量，她不仅失去了身体上的活力，也被束缚在令她伤心的情感与婚姻纠葛中不能自拔。
1953年，弗里达在墨西哥举办了人生中的第一次展览，也是最后一次，她身着代表性的墨西哥民族服装，被救护车的担架提到现场，像黑夜里的斯芬克斯，被众人围绕，行进一场华丽的告别。弗里达已经知道这是自己的落幕，回到家后，她要求把床抬到可以看见院子的位置，听着雨水的歌唱，和风嬉戏，看着跳动在树叶上的光影，直到最后一刻。
弗里达在临终前写过一篇日记，日记里这样记录下了和她的画一样迷人的文字世界：
“他来了，我的手，我的红色梦幻。更大。更多你的。玻璃的殉道者。伟大的非理性。柱子和山谷。风之手指。流血的孩子。云母微粒。我不知道我的 好笑的梦在想什么。墨水、斑点。形式。色彩。我是一只鸟。我是一切，没有更多的慌乱。全部的钟。规则。大地。大树林。最大的温柔。汹涌的海浪。垃圾。浴缸。明信片。我自由自在的思想。”
弗里达的人生和她的画一样惊心动魄又扣人心弦，她用苦难创造出艺术的巅峰，在梦中冒险，为灵魂编织斑斓的外衣，捍卫着自己的尊严。那些伤害过她的人和事没有击垮她，而是成就了一段让墨西哥沸腾的传奇人生。
如果终其一生我们将面对苦难，不如用尽全力从命运中获取灵感，做自己的主宰，做自己所爱之事。无论遭遇什么，也许是不公和误解，也许是背叛和离别，但都请給自己一点力量，在逆境中勇敢的微笑，做一个在认清生活的真相后，依然可以大胆去爱着生活的人。
今天就到这里，希望弗里达的命运和墨西哥大地的魔幻可以像一阵热辣的风吹过你的耳畔，感谢收听，期待下一次在艺术的想象里与你相遇。（完）
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让我们来试着想象一下这种感觉吧：当我们我们打开窗子，眼前的色彩像水波一般从窗外、从流动的空气中、从变幻的光影中，慢慢涌向我们的身体，将我们完完全全地浸泡，将我们覆盖。也许这些色彩只是单调的灰色、褐色、白色，也许不是绚烂的，但是它们依然有丰富的变化和微妙的层次，会随着我们的心情呈现出不一样的姿态。
那么在这些色彩里的我们，此时此刻会变成什么色调呢？
1905年的夏季，马蒂斯去了西班牙的边界一个叫柯里欧尔的小渔村，并在那里生活了一段日子。尽管那是一个很小的地方，但一切都让马蒂斯觉得摆脱了尘世间的丑恶和世俗的喧闹，他将这种强烈的感受全部展现在了画面上。
在这幅画里是一片空旷的森林，远方是蓝色的大海，靠近我们视线的前方有草坪和各种姿态的人体，有的缠绕在一起，有的在尽情拥吻，不由让我们想到美妙的极乐世界。
马蒂斯把可以简化的东西都彻底简化了，他不仅舍弃了对形体的刻画，还大胆的放弃了明暗和体积的塑造，仿佛在向我们讲述着绘画的真谛：就是在一块平面上，用心灵的韵律去地安排线条和色彩，传递出欢愉的情感。
虽然被当作是野兽派的领袖，但生活中，他却是一个有着童心的老顽童，除了猫狗和小鸟这些经常客串模特的朋友之外，他尤其偏爱金鱼，并在一生中创作了很多金鱼主题的绘画作品。
马蒂斯之所以会对金鱼情有独钟，和他曾去摩洛哥考察的经历有关。在1912年里，他有整整4个月的时间都住在摩洛哥。
他很喜欢去观察当地人的生活方式，发现他们会花费很长时间去冥想，而冥想的方就是目不转睛地注视着鱼缸里的一条金鱼进行长达好几个小时的观看。当地人的行为这让马蒂斯感到非常钦佩，在他看来，这种在沉思中放松的状态非常符合野兽派的理念，那就是平衡、纯洁和宁静。
我很喜欢画家在法国巴黎的工作室中，画过的一幅金鱼画作《金鱼与调色板》。透明的鱼缸将塞纳河映在其中，金鱼就像火中燃烧的一个木块，而画面中的蓝色和灰色正在蔓延到各个方向。墙的颜色正在流入河中，天空的颜色正在泼进屋内。这也是马蒂斯希望带给我们疲惫身心的一丝宁静。
西方艺术走到这里，也变得越来越松散自由，越来越强调画面的精神内涵，马蒂斯用他手中的色彩給绘画泼出了一条绚丽的路。
他的人生和绘画让我们看到，任何事物都不是表面的看到的样子，粗犷奔放的外表下也许有一颗天真烂漫的童心，平静和谐的景象背后也许潜藏着有不为人知的秘密。跳脱制约，打破既定的框架，让自己看带事物的角度更加自由、更加忠于自己的内心，无论是一幅画、一片风景还是生活中的其他事物，我们觉得它是什么样子，那它就是什么样子。
想换换心情的时候，不如也像马蒂斯在摩洛哥活得的启发一样，花上一点时间观察光线在一条金鱼、一只宠物或一盆植物身上发生的变化，看看哪些时刻可以和自己产生心灵的共振，可以让自己获得更多平衡、纯洁、宁静和美好。
今天就到这里，感谢收听，期待下一次在艺术的想象里与你相遇。（完）
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