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La collaboration entre Federico Fellini et Nino Rota atteint une maturité artistique exceptionnelle, accompagnant l’évolution du cinéaste vers un univers toujours plus baroque, fantasmatique et démesuré. La musique de Rota épouse cette liberté créatrice, oscillant constamment entre fantaisie, ironie, sensualité et mélancolie. Les deux artistes poussent leur complicité jusqu’à faire de la musique un élément central de la mise en scène, avant de conclure leur collaboration par une œuvre testamentaire où l’orchestre devient lui-même une métaphore de la société et de la création artistique.

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La collaboration entre Federico Fellini et Nino Rota s’impose comme l’une des plus fécondes et singulières de l’histoire du cinéma. Dès leur première rencontre, les deux artistes développent une complicité fondée sur une sensibilité commune pour le cirque, les personnages marginaux, la fantaisie et la mélancolie. Au fil de cette première décennie, ils élaborent ainsi un langage artistique immédiatement reconnaissable, dans lequel la musique semble surgir de l’inconscient du cinéaste.

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Bruce Broughton poursuit une carrière particulièrement éclectique tout en restant fidèle à une écriture orchestrale classique. Si les grands longs métrages se font progressivement moins nombreux, il signe encore plusieurs partitions ambitieuses, et devient parallèlement une figure majeure de la musique télévisuelle américaine. Depuis les années 2000, il se consacre davantage aux œuvres de concert et à l’enseignement, tout en continuant ponctuellement à composer pour l’écran, demeurant ainsi l’un des représentants les plus respectés de la tradition symphonique hollywoodienne.

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Désormais confirmé à Hollywood, Bruce Broughton enchaîne les projets pour le cinéma et la télévision, passant du thriller au drame, de l’aventure à la comédie familiale. Son écriture orchestrale conjugue sens du spectacle, richesse mélodique et attention aux émotions des personnages. Cette période confirme sa place parmi les musiciens hollywoodiens les plus polyvalents de sa génération.

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Bruce Broughton est l’un des grands représentants de l’écriture symphonique hollywoodienne des années 1980 et 1990, reconnu pour la richesse de son orchestration, son sens mélodique et son respect de la tradition classique. Il a rapidement signé des partitions majeures tout en jouant un rôle essentiel à la télévision. Également très engagé dans les institutions musicales américaines, il a contribué à défendre la place du compositeur et la valeur artistique de la musique à l’image, exerçant une influence durable sur plusieurs générations de compositeurs.

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Et si on ouvrait la boîte de Pandore, quitte à changer le cinéma pour toujours ? Et si le spectacle devenait aussi une réflexion sur le pouvoir de créer et de donner vie à l’imaginaire ? Et si John Williams inscrivait dans l’ADN de cette révolution une musique appelée à marquer des générations de spectateurs ?

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Nous avons le plaisir de recevoir aujourd’hui Serge Franklin, compositeur français qui a notamment signé les partitions de plusieurs films d’Alexandre Arcady, avant de mener une carrière particulièrement riche à la télévision. Musicien curieux et voyageur, son écriture s’est nourrie au fil des années de multiples influences, qu'il combine avec un goût marqué pour l'ampleur d'une écriture thématique et orchestrale.

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Entre l'époque où les océans engloutirent Hollywood et l’avènement des fils de Zimmer, il y eut un âge dont nul n’avait jamais rêvé, et dans lequel vécut Basil, destiné à porter la couronne sertie de joyaux du cinéma épique sur un front troublé. Nous, ses chroniqueurs, sommes seuls à pouvoir raconter son épopée. Laissez-nous vous narrer ces jours de grande aventure !

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La carrière de Miklós Rózsa se poursuit avec une production plus sélective, mais toujours riche en partitions marquantes. Cette dernière période est celle d'une reconnaissance croissante de son œuvre, couronnée par de nombreuses distinctions honorifiques, tandis que son style s'impose comme l'héritage d'un âge d'or de la musique de film, face à l'émergence d'une nouvelle génération de compositeurs.

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Une nouvelle décennie s'ouvre dans une carrière déjà exceptionnelle. Désormais sous contrat avec la MGM, Miklós Rózsa compose les partitions des productions les plus prestigieuses du studio, des films d'aventure aux œuvres plus intimistes, en passant par les plus monumentales fresques bibliques de l'époque, dont un péplum légendaire considéré comme l'un des plus grands chefs-d'œuvre de toute l'histoire de la musique de film.

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Après avoir donné ses lettres de noblesse au cinéma d'aventures, après avoir illuminé les Mille et Une Nuits de thèmes chatoyants, après avoir littéralement créé le son du film noir hollywoodien, Miklós Rózsa poursuit un chemin unique qui l'amène à réinventer la musique du péplum à l'américaine. Pas mal pour un petit immigré hongrois...

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Héritier de la grande tradition européenne, Miklós Rózsa a façonné dès ses débuts un langage musical d’une intensité rare, où le souffle épique se mêle à l’intime. Son œuvre, qui traverse les plus grandes pages de l’âge d’or hollywoodien, témoigne encore aujourd’hui de cette conviction que la musique peut, à elle seule, révéler l’invisible et donner à l’émotion une dimension universelle.

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Suite et fin des aventures de John Powell en dehors du cinéma d'animation (avec un peu d'animation quand même), toujours portées par des thèmes mémorables, des constructions rythmiques d'une folle complexité et des orchestrations d'une remarquable inventivité. Powell sera toujours Powell !

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Comme nous l'avons dit dans l'épisode précédent, Powell fait feu de tout bois pour composer d'excellentes partitions, malgré les éléments hétéroclites qui constituent cet épisode : Mini Coopers, violences conjugales, narration déconstruite, super-héros alcoolique, gros plans omniprésents, romance d'outre-tombe, attaque de chaises et taureaux en furie. Écoutez donc si vous ne nous croyez pas !

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Nous avions déjà consacré plusieurs épisodes à la fructueuse carrière de John Powell dans l’animation, et c’est désormais aux films en prise de vues réelles que s’intéresse l’équipe de Total Trax. Une filmographie dans laquelle le compositeur s’est imposé grâce à des musiques d’action alliant énergie rythmique, électronique, orchestre symphonique et thèmes mémorables.

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C’est à l’occasion de la sortie de son nouvel album, intitulé Exile to Hollywood et consacré aux compositeurs de l’âge d’or du cinéma américain, que nous recevons Isabelle Durin, violoniste passionnée de musique de film, pour une conversation à bâtons rompus autour de Steiner, Waxman, Rózsa, Tiomkin et bien d’autres.

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Voyez cela, je vois John McTiernan

Voyez cela, je vois Michael Crichton

Voyez cela, je vois Graeme Revell et Jerry Goldsmith

Voyez cela, je vois tous ceux qui ont fait le 13ème Guerrier

Et voilà, voilà qu'ils m'appellent

Et me demandent de prendre place à leur coté

Dans le palais du cinéma épique

Là ou les braves vivent à jamais

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Une romance aérienne fantastique et émouvante. Une mise en scène élégante et très personnelle pour Spielberg. Une musique délicate qui enveloppe l’ensemble d’un lyrisme nostalgique propre à John Williams. Un film rare et un peu oublié à réhabiliter de toute urgence !

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Une dernière phase plus contrastée pour les frères Coen, entre hommages aux genres classiques et expérimentations narratives. Une période empreinte de nostalgie, portée par un regard désabusé mais toujours teinté d’ironie. Puis, progressivement, des trajectoires qui se séparent…

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Au tournant des années 2000, les frères Coen ouvrent une nouvelle phase de leur cinéma, plus lumineuse en apparence, mais toujours traversée d'une ironie mordante, explorant l’Amérique sous toutes ses coutures, du plus burlesque au plus tragique.

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En 1984, un polar sombre et malin impose leur style. Puis les frères Coen enchaînent avec des œuvres mêlant humour, violence et ironie, affirmant à chaque nouveau film un ton unique entre absurdité, noirceur et personnages décalés évoluant dans un univers singulier mis en musique par Carter Burwell.

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Vous avez écouté l'épisode précédent, et découvert à cette occasion l'immense talent de John Scott ? Vous en voulez davantage ? Ça tombe bien, il y a encore beaucoup plus de merveilles à découvrir dans ce second épisode !

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Un premier épisode consacré à la carrière de John Scott, compositeur pour l'image admiré des connaisseurs mais paradoxalement méconnu du grand public. Le moment est venu de rectifier cette injustice en vous faisant découvrir les œuvres majeures de ce grand mélodiste. Merci qui ? Merci Total Trax !

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Aimez-vous les films de gladiateurs ? Avez-vous déjà été dans un gymnase ? Avez-vous déjà vu un monsieur tout nu ? Avez-vous choisi la mauvaise semaine pour arrêter de sniffer de la colle ? Encore merci, et bonne chance… Nous sommes avec vous. Et ne m’appelez pas Shirley !

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Entre imaginaire et réalité, Empire du Soleil est une œuvre où le souffle du spectacle cède la place à une méditation plus intime sur l’innocence brisée. À travers le regard d’un enfant emporté par la tourmente de la guerre, Steven Spielberg nous invite à un voyage dont chacun ressort irrémédiablement transformé.

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De Chuck Norris à Jean-Claude Van Damme, de Jean-Luc Godard à Superman, l’ascension de la Cannon se poursuit avec un appétit de cinéma toujours plus vorace. Mais la grenouille peut-elle vraiment devenir plus grosse que le bœuf hollywoodien ?

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Si à l’image se côtoient sans vergogne vigilantes, ninjas, ingénues dénudées, gladiateurs, guerriers vétérans et vampires de l’espace, le résultat est tout aussi surréaliste musicalement : on y aligne grands compositeurs hollywoodiens et bidouilleurs d’électronique à la petite semaine dans un smorgasbord d’exploitation cinématographique sans aucune limite. Bref, c’est la Cannon de Mémé et Yoyo !

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Si la prophétie de l'Antéchrist y est incarnée par un enfant en apparence innocent, c'est Jerry Goldsmith qui donne à Satan une voix retentissante dans cette trilogie de l'Apocalypse, à grand renfort de chœurs latins incantatoires, entre solennité funèbre et éclats orchestraux d’une puissance implacable, avant d'atteindre une envoûtante dimension mythologique. Ave Satani !

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Des tapis rouges des Césars à ceux des Oscars, les nominations des partitions les plus remarquées en 2025 dessinent une cartographie représentative du cinéma contemporain. Qui sont les élus des deux côtés de l'Atlantique ? On vous dit tout dans cet épisode spécial !

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C'est en 1960 qu'Alfred Hitchcock et Bernard Herrmann unissent à nouveau leur talent et leur créativité pour un projet de film qui va tout simplement devenir le mètre-étalon de tout le cinéma d'horreur depuis lors... Mais leur aventure commune ne s'arrête pas là !

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Accusé à tort d’un meurtre mystérieux, Alfred Hitchcock se retrouve avec la mort aux trousses. Le faux coupable est envahi de sueurs froides à mesure qu’il comprend que Bernard Herrmann, l’homme qui en savait trop, détient la vérité. Mais qui a tué Harry ? Et l'équipe de Total Trax parviendra-t-elle à l'innocenter ? Réponse dans cet épisode riche en rebondissements !

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Une dernière chevauchée mythique dans le Tarantino-verse alors que le réalisateur revisite l’histoire américaine dans des fables violentes et nostalgiques issues de son propre imaginaire.

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Ses influences désormais totalement digérées, Quentin Tarantino offre une lettre d’amour cabossée et rugissante aux films de bagnole, avant de réécrire l’Histoire dans un conte guerrier à la fois brutal et réjouissant.

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L’équipe de Total Trax poursuit son exploration des films de Quentin Tarantino et de leurs bandes-son aussi variées qu’atypiques, utilisées plus que jamais comme des outils narratifs essentiels, portant le récit et traçant un chemin sonore viscéral qui structure les séquences et affirme encore plus le style unique du réalisateur.

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Avec sa narration non linéaire, ses dialogues stylisés et sa représentation extrême de la violence, Quentin Tarantino a offert au cinéma indépendant une voix aussi insolente qu’inoubliable, mélangeant audacieusement les genres et célébrant la liberté fiévreuse d'un cinéma postmoderne nourri de multiples influences musicales issues de la culture populaire...

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Un film intime et personnel pour Steven Spielberg ? Une œuvre traversée de références, aux multiples résonances ? Un pur miracle d’émotion ? Les fondations d’un imaginaire qui a façonné la culture populaire ? La plus bouleversante des partitions de John Williams ? E.T. c'est tout cela à la fois… et infiniment plus.

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Ultime escale d’une carrière hors du commun, tissée de brume, de bois et de chair : trois films profondément intimes où l’ultra-geek Guillermo del Toro nous invite au cœur de son imaginaire. L’équipe de Total Trax y recompose, pour vous, la créature mythologique qui apparaît en filigrane.

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Des fantômes aux hobbits, des trolls aux kaijus, de Goldorak à la créature du lac noir, jusqu’aux profondeurs où sommeille Cthulhu : tout le bestiaire du fantastique se donne rendez-vous dans ce nouvel épisode dédié à Guillermo del Toro.

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À la frontière entre Hollywood et cinéma d’auteur, Guillermo del Toro a trouvé la place qui lui ressemble, un territoire où l’imaginaire dialogue avec l’artisanat le plus minutieux. Il lui reste alors à conquérir le cœur de la profession, ce qu’il accomplira avec éclat, porté par trois compositeurs d’exception qui offriront à son univers un florilège d'émotions.

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Sculpteur d’ombre et de lumière, Guillermo del Toro est un conteur qui invente des passerelles vers l’invisible, où chaque monstre devient un poème et chaque image une sublime blessure. Dans son monde, les musiques murmurent comme des sortilèges, amplifiant chaque émotion jusqu’à en faire vibrer le cœur du spectateur.

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Trevor Jones file comme le vent pour conclure une riche carrière remplie d’étrangers, de magiciens, de reines, de tueurs en série, de gentlemen et même de dinosaures, complétant ainsi avec panache l’étendue extraordinaire de son univers cinématographique.

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Du Dernier des Mohicans à Cliffhanger, de Barbet Schroeder à Ridley Scott, Trevor Jones courtise avec aisance les sommets du blockbuster hollywoodien, démontrant à chaque nouveau projet une versatilité remarquable, capable d’épouser aussi bien l’épique que l’intime...

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Dès ses débuts au cinéma, Trevor Jones s’impose comme l’un des compositeurs majeurs des années 80. Explorant des styles variés, il maîtrise aussi bien l’orchestre que les synthétiseurs, et se forge rapidement une réputation de créateur éclectique et novateur, alliant technologie, émotion et puissance orchestrale.

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De toute évidence, le chaos règne en maître absolu dans cette comédie cartoonesque et frénétique signée Steven Spielberg. Mais comment présenter un tel projet ? Branle-bas de combat pour le quatuor de Total Trax, qui a mis toute son énergie pour vous offrir un épisode aussi anarchique que possible ! Engagez-vous, rengagez-vous, qu'ils disaient...

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Sous le masque du démon, une petite sorcière traversait le village de Zugarramurdi. Les habitants, redoutant les nécromanciennes d’Eastwick et leur dangereuse alliance, lancèrent alors une chasse aux sorcières. Les ensorceleuses décidèrent de se réfugier dans le monde fantastique d’Oz. Dans un soupir de feu vert, elles disparurent, laissant derrière elles un écho : « Hocus pocus… jusqu’en enfer ! »

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Un dernier tour de piste pour l'équipe de Total Trax dans le cadre de la célébration du centenaire de la naissance de Georges Delerue. Alors que le compositeur est désormais définitivement installé en Californie, il y enchaine les films avec une régularité métronomique tout en continuant en parallèle à travailler sur les plus gros projets du cinéma français...

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Lalo Schifrin poursuit dans les années 80 et 90 une carrière marquée par l’éclectisme et la reconnaissance internationale. Entre jazz, musique symphonique et bandes originales emblématiques, il continue d'imposer une signature sonore unique. Retour sur la partie finale de la filmographie d'un géant.

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Devenu une évidence du cinéma hexagonal, le talent de Georges Delerue rayonne désormais au-delà des frontières. Une juste récompense pour ce mélodiste exceptionnel qui, de François Truffaut à Jack Clayton, de Philippe de Broca à Mike Nichols, a su imposer une signature musicale immédiatement reconnaissable, faite d’élégance, de clarté et d’émotion sincère.

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Dès les années 70, Robert Redford s’impose comme l’icône charismatique d’un Hollywood en pleine mutation, entre légèreté romantique et gravité politique, incarnant les rêves et les désillusions d’une génération en quête de repères. Total Trax rend aujourd’hui un hommage musical à cette figure incontournable du grand écran.

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Après les débuts fracassants des années 60, Lalo Schifrin habite littéralement le cinéma hollywoodien des seventies, une période propice à l'expérimentation qui lui permet d'aborder tous les genres de films et tous les styles de composition sans jamais y perdre une once de sa personnalité musicale.

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