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Esta temporada queremos recordar la carrera de Miriam Makeba con un programa dedicado a su disco Pata Pata de 1967, Lucía Taboada nos cuenta cómo fue el viaje de la cantante hasta ese momento. 

No hay muchas historias en la música tan peculiares como la de Supertramp, una banda apadrinada por un rico mecenas que consiguió triunfar cuando nadie lo esperaba y el dinero ya les había abandonado. 

Fue entonces, cuando se vieron en la cuerda floja, cuando los ingleses desplegaron todo su talento firmando sus mejores discos y sus canciones más recordadas. 

Las peculiaridades del grupo van más allá y se sustentan también en la dualidad entre sus dos líderes, dos tipos antagónicos y geniales que impulsaron la magia de la banda, pero que acabaron distanciados cuando el dinero comenzó a fluir.  

En 1979 y tras un par de discos en la dirección adecuada la historia de Supetramp cambió para siempre con la edición de Breakfast in America, un disco tremendamente exitoso y tan certero como original, fresco y divertido. Aquel disco marcó el principio del fin del grupo que en la gira abriría unas grietas que ni con el tiempo han conseguido cerrar.  

Esta semana decidamos el Sofá Sonoro a ese momento en la carrera de Supertramp y para recordar Breakfast in America invitamos a Fernando Neira y a Lucía Taboada.  

Las amistades son algo necesario en esta vida. Hay amistades peculiares en algunos casos, sanadoras en otros y tremendamente oportunas en su mayoría.

También las hay salvadoras. En la música los amigos han sido claves. Desde los chavales y chavalas que se juntan a hacer ruido en un local de ensayo hasta las estrellas abandonadas en la soledad de la cima.

Esta semana dedicamos el programa a recordar historias de amistad dentro del rock. Algunas difíciles de explicar, como la de Harrison y Clapton -enamorados de la misma mujer-, otras están marcadas por el drama como la de Kurt Cobain y Michael Stipe y también hay amistades que surgen de situaciones en las que parece que todo está perdido, como la que marcó la relación entre Johnny Winter y Muddy Waters o la de Cat Power con Lana del Rey.

En este episodio Alfonso Cardenal nos lleva por diferentes momentos de la historia con distintos casos de amistad entre músicos.

ESCUCHA EL PROGRAMA DEDICADO A PATTI SMITH Y MICHAEL STIPE

ESCUCHA EL PROGRAMA DEDICADO A JEFF TWEEDY Y MAVIS STAPLES

Willie Dixon es, sin mucha discusión, uno de los más grandes músicos del siglo XX. Sus canciones las han cantado todos. De Eric Clapton a los Rolling Stone pasando por Grateful Dead, Led Zeppelin o Tina Turner.

Aquel tipo negro, que había sido boxeador de éxito, llegó a Chicago en 1936 escapando del racismo y la pobreza del sur de los EEUU y allí, escribiendo y produciendo para Muddy Waters o Howling Wolf reinventó el blues, ese blues que acabaría cambiando el rock americano de los años sesenta.

Esta semana rendimos tributo a Willie Dixon y lo hacemos recordando un disco que bien define a este tipo I Am The Blues, una colección de canciones que muestra el alcance de su obra. Con este álbum, Dixon se reafirmó y sacó pecho, pero con los años su nombre ha quedado marginado en la escena y poco a poco se va olvidando el legado de este bajista, productor, compositor, arreglista y también cantante que puso los cimientos sobre los que luego se construyó el rock de los años sesenta.

Para recordar la obra de Dixon esta semana nos acompaña el periodista Manuel Recio y Lucía Taboada con sus reportajes.

Esta semana tenemos un programa que se puede considerar la segunda parte del de Canciones para un verano feliz que hicimos en julio. Un episodio con música de Antonio Vega, Nick Cave, Bill Fay y una buena cantidad de nuevos descubrimientos. 

OTROS PROGRAMAS 

Sofá Sonoro: Especial Versiones 

Canciones para un verano feliz 

Tras consolidarse después años trabajando duro y sacando buenos discos, Los Piratas se habían convertido a finales de siglo en una banda de discos de oro y de apuesta segura. Las canciones de amor de sus inicios habían ido mutando con los años y el grupo también había evolucionado en su sonido y en su apuesta. Ultrasónica fue un disco que despertó recelo en su sello y que terminó siendo su gran obra, pero primero se toparon con la frialdad de Warner que pidió una canción radiable, un éxito que catapultase a la banda. La respuesta del grupo fue grabar, a modo de broma y venganza Los Años 80, la canción que curiosamente ha terminado siendo uno de los grandes himnos de los gallegos.

Ultrasónica es un disco repleto de historias y anécdotas y nos sirve de excusa para recorrer la carrera de Los Piratas, viaje que compartimos con Arancha Moreno, autora del libro Iván Ferreiro, 30 canciones para el tiempo y la distancia, y Lucía Taboada.

OTROS PROGRAMAS

Los Planetas y el inicio de un credo

El viaje de Radiohead por los 90

Cincuenta años después de su edición, Raw Power sigue siendo uno de los discos más crudos, salvajes y fascinantes de la música y la obra maestra de Iggy Pop. Esta es su historia. 

Esta semana David Moreu nos trae al Sofá Sonoro 'King and Queen', el álbum que junto a las dos estrellas de Stax poco antes de la muerte de Otis Redding.

Escucha el programa dedicado a la actuación de Otis Redding en Monterey

Escucha el programa dedicado a los duetos de Tammi Terrell y Marvin Gaye

Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los inicios de la banda gallega, protagonista del Sofá Sonoro del 10 de octubre de 2024.

Esta semana recordamos la historia de Zombie, el álbum que el músico nigeriano publicó en respuesta al asalto militar de su comuna que acabó con el asesinato de su madre y la violación de sus coristas por parte del ejército nigeriano.

Para recordar esta joya del afrobeat debuta en el Sofá Sonoro Jesús Báez, conocido en redes por su trabajo en La Historieta Musical. 

Esta semana recordamos 'Cecilia 2', el segundo disco de la cantautora. Tras un inesperado éxito con su disco de debut, Cecilia entregó su disco más personal. En este álbum la cantante habla de la guerra, de ser una mujer soltera, del deterioro de las grandes ciudades. A pesar del talento y de la calidad de las canciones, 'Cecilia 2' pasó desapercibido en su época y durante décadas ha sido un disco descatalogado e imposible de encontrar. Para recorrer estas canciones y esta historia invitamos al Sofá Sonoro a Eduardo Bravo, autor del libro 'Cecilia 2'. 

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Esta semana nos visita Javier Sanabria, autor del libro 'Ese era mi bistec Valance' para hablar del debut de Bob Dylan en el cine de la mano de Sam Pekimpah cuando formó parte del elenco de Pat Garrett y Billy The Kid, cinta de la que también hizo la genial banda sonora, un disco que marcó el resurgir de Dylan en los setenta gracias a la maravillosa Knocking on Heavens Door. 

Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar Versus, el segundo álbum de la banda de Seatlle tras su exitoso debut. Un disco marcado por la presión sobre el grupo que respondió con un trabajo redondo con un sonido mejorado respecto a su primera entrega y unas letras que seguían mostrado la peculiar mirada de Vedder sobre la vida, las injusticias y su propio mundo interior.

Para recorrer el segundo disco de la banda nos acompaña el periodista y escritor Toni Castarnado y Lucía Taboada con sus reportajes.

PUEDES ESCUCHAR EL EPISODIO DEDICADO A TEN AQUÍ 

Un programa especial de versiones, discos tributo y homenajes musicales.

PLAYLIST | Todas las canciones del programahttps://open.spotify.com/playlist/4mqPiUWhUj7iOIhKkvSP8v?si=6a7e36f2f33540d1

Entre 1956 y 1964, Ella Fitzgerald editó una serie de ocho discos que rindieron tributo a los hombres y mujeres que habían dado forma a eso que se llamó El Gran Cancionero Americano, canciones de musicales de Broadway y de películas de Hollywood que formaron la banda sonora de la primera mitad del siglo XX. Aquel movimiento redimensionó la carrera de Fitzgerald tras sus años en Decca y fue su gran legado como artista. Esos cancioneros o Songbooks rindieron tributo a Cole Porter, Duke Ellington, Irving Berlin o los hermanos George e Ira Gerswin y asentaron su obra y legado entre los amantes del jazz convirtiendo sus composiciones en algo atemporal y eterno. 

Esta semana recorremos esos discos de la mano del periodista Manuel Recio y con los reportajes de Lucía Taboada. 

Pocos discos de debut han resultado tan explosivos, sorprendentes e influyentes como Dummy, la carta de presentación de Portishead. Dummy es un disco misterioso, oscuro pero bonito. Un disco que siguió la senda del debut de Massive Attack y que situó a la ciudad de Bristol como una alternativa sonora en aquella Inglaterra del britpop, un álbum que llegó en 1994, en plena explosión de Oasis y Blur y que abrió una nueva vía musical. Recuperamos el programa que dedicamos a recorrer el disco junto a Sheila Blanco. 

Pau Donés ya tenía 30 años cuando su vida cambió para siempre gracias a una canción y a un anuncio de televisión de una marca de tabaco. El debut de la banda había pasado sin hacer mucho ruido por 1996, pero aquel anuncio convirtió a La Flaca en la canción del verano de 1997 y disparó las ventas y la fama del grupo. 

Jarabe de Palo lo tenía todo para ser una banda de un solo éxito, para vivir su momento de gloria antes de desvanecerse y ser olvidados. Sin embargo, Pau Donés ha acabado compartiendo escenario con Pavarotti, Celia Cruz, Jovanotti o la flor y nata de la música española.

El tremendo comienzo del grupo tuvo continuidad cuando en su segundo disco la banda presentó Depende y demostró que su talento para hacer grandes canciones para la radio iba más allá de ese primer éxito. Poco a poco, disco a disco, Donés y sus amigos fueron construyendo una carrera seria y con buenos fundamentos que los consagraron como una de las formaciones más importantes de su generación.

La triste muerte del músico nos dejó una importante lección de vida y la excusa para recorrer aquellos primeros años cuando Pau tenía todo el tiempo del mundo y ganas de comérselo en dos bocados. De la mano del periodista David Moreu y Lucía Taboada recordamos aquellos años finales de los noventa.

Lucía Taboada nos cuentas los orígenes de Pearl Jam

SOFÁ SONORO | Escucha el programa dedicado a Ten

La historia de La Leyenda del Tiempo es fascinante y tiene personajes claves como Ricardo Pachón, Kiko Veneno, Tomatito o Raimundo Amador. Todos ellos acompañaron a Camarón en esta aventura que con el tiempo ha acabado siendo una de las grandes obras musicales de la historia española y del flamenco. Para recordar este viaje nos acompaña el periodista Manuel Recio y Lucía Taboada con sus reportajes.

Escucha el programa dedicado a Kiko Veneno

Esta semana viajamos a 1968 para recordar el contexto, la historia, las anécdotas y las canciones del programa de televisión que redimensionó la figura de Elvis Presley, el viejo rey de 33 años. Para este viaje nos acompaña el periodista Fernando Navarro y Cristina del Casar con los reportajes.

SOFÁ SONORO | Todos los programas dedicados a los pioneros del rock 

Recuperamos el episodio de la octava temporada que dedicamos al disco de debut de Ramones con la participación de Arturo Lezcano y Lucía Taboada. 

En 1959, Washington grabó 'What a Difference a Day Makes!', un trabajo que la convirtió en una gran estrella y cambió su carrera. Ya en la cima se comió Nueva York con fiestas legendarias antes de abrir su propio club en Chicago, local frecuentado por la mafia. Para entonces ya era una mujer dependiente de las pastillas y con problemas con el alcohol. Su muerte, tremendamente joven, bien pudo servir de anticipo de lo que le sucedería décadas después a Winehouse. Dinah al menos tuvo tiempo para dejarnos sobradas muestras de su talento.

Otros programas relacionados

El ocaso de Billy Holliday

La guerra de Nina Simone

El 18 de mayo de 2021 murió uno de los músicos más singulares y únicos de Europa. El Franco bueno. La muerte de Franco Battiato no fue una sorpresa, llevaba años apartado del mundo con un pacto de silencio de sus amigos que nunca hablaron de los motivos que llevaron al músico más especial de Italia a desaparecer de la escena pública.

Hoy recuperamos el programa que dedicamos junto a Sheila Blanco a recordar La Voce del Padrone.

Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los inicios en la música de Lady Gaga.

Este reportaje fue parte del programa que dedicamos al disco que grabó junto a Tony Bennett. 

Norman Granz, mánager de Ella Fitzgerald y creador del sello Verve es uno de los grandes renovadores del género y una figura clave ajena al canto o a los instrumentos.

A veces, la génesis de una obra maestra se encuentra en pequeños detalles. Una tarde de abril de 2015 una anciana llamada Hattie White celebraba en familia su noventa cumpleaños, en un momento dado la abuela pronunció una frase sin apenas importancia, pero a la vez tremendamente reveladora. En la vida me dieron limones, así que hice limonada. Esa frase inspiró el título de la obra maestra de Beyoncé.

Lemonade fue la respuesta de la cantante estadounidense al terremoto que vivió su vida personal después de la traición adultera de su marido. Beyoncé cogió esa rabia y la convirtió en su siguiente proyecto, un álbum que analiza las relaciones sentimentales de los afroamericanos en toda su complejidad. Un estudio sociológico abrumador y genial que responde a la idea de que a veces para entenderse a uno mismo hay que entender de dónde viene. Todo eso quiso Beyoncé plasmar en un disco que retrata a la mujer afroamericana y también su propia historia, raíces, incluso las dudas del presente. Lo que la cantante anhelaba era hacer un retrato de cómo la esclavitud había afectado a las relaciones sentimentales entre los afroamericanos.

El resultado de ese viaje, acompañado de un espectacular álbum visual, fue uno de los discos más asombrosos de su carrera y también de este siglo. Un trabajo que recorremos de la mano de nuestro analista Mario Tornero y con los reportajes de Lucía Taboada.

Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los inicios de Camarón de la Isla. 

Cuando te crías en una tienda de discos con toda la música del mundo a tu alcance no puede salir nada malo de ahí. A lo largo de su vida, Ben Harper ha hecho cosas de lo más diferentes, trabajos que han sorprendido al mundo y que han buscado nuevos y viejos sonidos que han mostrado las mil caras de este hombre. Desde que alcanzó el estrellato, Harper ha aprovechado su estatus para hacer todo tipo de discos y darse todo tipo de caprichos artísticos. Desde hacer un disco de góspel con los Blind Boys of Alabama a grabar un disco de folk con su madre.

Cuando te crías en una tienda de discos con toda la música del mundo a tu alcance no puede salir nada malo de ahí. A lo largo de su vida, Ben Harper ha hecho cosas de lo más diferentes, trabajos que han sorprendido al mundo y que han buscado nuevos y viejos sonidos que han mostrado las mil caras de este hombre. Desde que alcanzó el estrellato, Harper ha aprovechado su estatus para hacer todo tipo de discos y darse todo tipo de caprichos artísticos. Desde hacer un disco de góspel con los Blind Boys of Alabama a grabar un disco de folk con su madre.

En 2013, con 44 años, el californiano se desmarcó con un disco de blues junto al armonicista Charlie Musselwhite, trabajo que fue un regalo para los amantes del género. “Trabajar con Charlie es un sueño hecho realidad y nuestra relación tiene una parte paternal, una parte de hermanos, otra de amigos y también lo veo como a un héroe, así que es alguien que representa muchas cosas para mí tanto musical como personalmente”, explicaba Harper a David Moreu, nuestro invitado de esta semana en el Sofá Sonoro.

Harper y Musselwhite se conocieron en un concierto de John Lee Hooker, y fue el propio Hooker el que les propuso trabajar juntos. El resultado de esa unión fue Get Up!, un trabajo fresco que muestra la armónica salvaje de Musselwhite y la capacidad de Harper de adaptarse a cualquier género. Aquel disco fue una tremenda sorpresa que se coronó con un Grammy y el disco que Charlie y Ben grabaron juntos, ocho años después repitieron la fórmula.

Esta semana recordamos esta historia de amistad, de admiración y de blues y lo hacemos de la mano de David Moreu y Lucía Taboada.

Recuperamos el programa que dedicamos a recorrer el Live Aids de 1985 que marcó uno de los momentos más recordados de la banda británica. 

Esta semana recuperamos el programa que dedicamos a Mystery Girl, el disco póstumo del cantante de las gafas de pasta.

Cuando Pink Floyd comenzó su viaje a finales de los años 60, nadie hacía lo que hacían ellos. Nadie sonaba como ellos. La banda inglesa, comanda por un visionario Syd Barrett hacía una música totalmente nueva que remitía a la psicodelia y que era la banda sonora de un viaje de ácido al centro del universo

Syd fue el primero en apuntar a una nueva dirección y en abrir un camino musical que muchos otros siguieron. Pink Floyd ha roto muchas barreras a lo largo de su carrera y ha firmado discos inmensos y eternos que son parte de la historia de la música, a varios de ellos les hemos dedicado episodios en este mismo programa, The Piper At The Gates of Dawn, el debut de la banda es quizás el más influyente de todos.

The Piper at the Gate of Dawn fue el primer gran paso en la música de Syd Barrett, también el último antes de dejar el grupo y empezar un errático y triste peregrinaje alejado de los focos, después de que su grupo le diese la espalda cansado de su carácter en un momento en el que Pink Floyd apuntaba al estrellato.

Esta semana recordamos el comienzo de aquella aventura musical de la mano del periodista Ricardo de Querol y con los reportajes de Lucía Taboada.

Escucha los otros programas dedicados a Pink Floyd:

The Dark Side of the Moon | The Wall | Animals

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En este episodio de Sofá Sonoro nos vamos de viaje por el el cartel del BBK Live 2024, decimoséptima edición del festival bilbaíno, cita con un cartel muy variado con grandes nombres como Arcade Fire, Air, Los Planetas, Massive Attack, pero también formaciones muy interesantes como Cymande, Parcels o Slowdive. Hacemos un recorrido por algunos nombres poco conocidos y os presentamos el que sería nuestras bandas favoritas día a día. 

Escucha el Sofá Sonoro dedicado al debut de Arcade Fire.

El final de la década de los 60 dejó lo mejor de las bandas que habían definido la década. El año del Festival de Woodstock se publicaron discos brillantes de los Beatles, The Who, los Stones o Led Zeppelin. Aquel año la Creedence Crearwater Revival publicó tres discos ascendiendo de pronto a la más alta cima de la música, el mejor escenario desde el que despeñarse en un abrir y cerrar de ojos.  

Uno de esos discos fue Green River, una joya de la música americana que mezclaba con tremendo acierto los ingredientes más sabrosos de la tradición musical y que alejado de los sonidos de la época consiguió conquistar al público.

Aquel año, entre tanto genio, la Creedence reinó con canciones brutales que fueron la banda sonora de un 1969 mágico en el que nadie pudo seguir el ritmo del grupo de John Fogerty.

Esta semana recordamos aquel disco, esa época y la peculiar historia de una banda que subió a los cielos de la música para explotar y desaparecer dejando un legado inmenso difícil de igualar. Para este viaje nos acompañan Fernando Navarro y Lucía Taboada. 

Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar Walking Into Clacksdale, el primer disco de Plant y Page con temas nuevos tras el final de Led Zeppelin. Para recordar este disco de 1998 nos acompañan Toni Castarnado y Lucía Taboada.

Escucha el programa dedicado al disco de Robert Plant a Alison Krauss

Escucha el programa dedicado a Led Zeppelin, Physical Graffiti

Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los inicios de la banda estadounidense.

Este reportaje fue parte del programa dedicado a Trouble Will Find Me. Puedes escuchar el programa completo aquí. 

Recorremos el día a día del la edición del festival de Vitoria descubriendo grupos y recordando bandas. 

El viaje de Leño fue breve, underground y muy salvaje. Por el camino dejaron un manifiesto musical en tres entregas y pusieron los cimientos de lo que debía ser el rock en España.

El sonido de la banda madrileña no miraba al rock londinense o al punk de Detroit sino a los sonidos del barrio y a los personajes que lo habitaban porque como decía el grupo: “No nos considerábamos artistas: éramos trabajadores del rock”.

En 1982 llegó a las tiendas ¡Corre Corre!, el disco que encumbró al grupo y que marcó también su inesperado final tras la gira más importante de su breve trayectoria.

En las letras de Rosendo Mercado hay sabiduría, hay calle y un deje de poesía urbana, una poesía que no encajaría en Instagram, pero que sí retrataba aquel Madrid de comienzos de los ochenta que lejos de la modernidad marcaba un pulso rockero en las calles menos visitadas.

Esta semana recorremos la carrera del grupo madrileño de la mano del periodista Fernando Navarro, con los reportajes de Lucía Taboada y con las declaraciones de Carlos Narea, productor del álbum.

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Irlanda en los años setenta era un país peligroso, un país del que la gente que podía huía escapando de las bombas y las balas perdidas. En ese contexto el miedo abundaba y la música escaseaba, nadie quería ir a tocar a Irlanda, incluso los músicos de allí tenían miedo de subirse a un escenario porque ni los pubs ni los locales de fiesta estaban exentos de las explosiones.  

Por todo esto extrañó que, a finales de 1973, entre atentados del IRA, Rory Gallagher, un guitarrista de 26 años, anunciase una gira por su Irlanda, no solo eso. Iba a grabar un disco en directo y un documental. Lo que pasó sobre las tablas aquellas noches fue historia del blues e historia de Irlanda, una de las giras más poderosas de la música de los años setenta. 

A finales de diciembre de 1973 Rory Gallagher, uno de los grandes virtuosos de la nueva hornada del blues, comenzó una gira que pasó por Belfast, Dublín y Cork. Muchas voces aconsejaron a Rory que lo dejase, que no merecía la pena, que no tenía sentido jugarse la vida, pero Gallagher era irlandés, demasiado irlandés, y tenía claro que iba a comenzar el año callando las explosiones con su guitarra, dándole a esos chavales que no veían conciertos en sus ciudades una noche salvaje. Rory cumplió con su promesa y fue reconocido por ello. Su Irish Tour del 74 tiene energía, pasión, amor y transmite y capta algo especial difícil de calificar. Un álbum que eterno al que dedicamos el Sofá Sonoro de esta semana junto a Ricardo de Querol y Lucía Taboada. 

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La irrupción de Jane´s Addiction a finales de los años ochenta supuso un golpe de aire fresco en el rock de aquella época gracias a una banda única y diferente que mezclaba punk con heavy, con funk y con una puesta en escena repleta de energía y originalidad. Con Nothings Shocking y Ritual de lo Habitual el grupo dejó atrás los ochenta y abanderó los nuevos sonidos de la siguiente década.  

Con su segundo disco, Jane´s Addiction consiguió hacer un disco generacional, una colección de canciones que reflejaban los miedos, las ansias y la emoción de ser joven. En sus canciones hay amor y dudas, adrenalina y rebelión, la necesidad de conectar con algo y el laberinto de las adicciones. De esta manera la banda californiana inauguró los años noventa y lo hizo a lo grande en un año extraño en el que estaban cambiando muchas cosas que iban a perfilar la nueva década sonora a coronar a nuevos héroes. 

El éxito de Ritual de lo Habitual fue tan grande como inesperado y marcó esa tendencia en la que el rock alternativo se iba a convertir en el mainstream de la década, pero Jane´s Addiction no gozaría de su nuevo estatus ya que tras una accidentada gira que arrancó a puñetazos, el grupo se disolvió en su mejor momento.  

Años después arrancó un carrusel de regresos, cambios y nuevos intentos de retomar la banda, algunos con mejores resultados que otros. Sin embargo, el grupo llega al presente con un optimismo renovado y será uno de los cabezas de cartel de la edición de este año del festival Azkena, que se celebrará en Vitoria entre el 20 y el 22 de junio y donde también acturará Queen of the Stone Age, Mavis Staples, Sherly Crow o Band of Horses. 

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En la música no abundan las figuras que están de paso. La música, la fama, es siempre una meta y rara vez un medio, un lugar en el uno está de paso. Ese es el caso de Cat Stevens. El cantante tuvo una irrupción tremenda en la música siendo muy joven.  

Sus canciones tranquilas, evocadoras y poéticas conectaron con un enorme público a comienzos de los años setenta y sus discos vendieron millones de copias. Un día el joven estaba nadando en las playas de Malibú cuando tuvo un susto, uno que le cambió la vida. 

Tras ver la muerte de cerca, Stevens se alejó de la música, se convirtió al Islam y estuvo casi treinta años sin grabar un disco, pero a comienzos de los setenta la realidad era otra. En esa época tan fascinante de la música la irrupción del folk tranquilo y reflexivo de Stevens resultó una anomalía, una genial anomalía.  

Esta semana queremos recordar la historia de aquel joven y recorrer la historia, canciones y contexto que rodeó la edición de Teaser and the Firecat, un disco que marcó la cima del cantante y que recordamos junto a Fernando Neira y Lucía Taboada. 

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PROGRAMA DE ARCHIVO: que recorre el regreso de la cantante a los escenarios y al estudio de grabación en los años noventa tras la muerte de su marido y gracias a una llamada de  Michael Stipe, de REM.

Hace setenta años que se hicieron las primeras canciones de rock and roll y en estas décadas hemos visto y oído de todo, bandas originales, grupos diferentes y otros que fueron pioneros. En todo este tiempo no ha habido, y probablemente no habrá, nadie como The Cramps. 

La banda liderada por Lux Interior y Poison Ivy mostró el lado más perverso de la música creando un mundo propio que mezclaba el rock instrumental de los 50 con la actitud del punk, la estética sado, los cómics, el cine cutre de terror, la literatura pulp y la provocación.

Poco se puede decir de una banda que antes de grabar un disco había actuado en un centro psiquiátrico con sus miembros hasta arriba de LSD.

Maquillaje al margen, el debut de los Cramps es un disco excelso, fresco y divertido producido por Alex Chilton de los Big Star y con un sonido arrollador y mucho amor por el rock clásico.

La banda no llegaría muy lejos, pero marcó un camino propio y mostró una cara auténtica creada a base de mezclar esas cosas que fascinaban a una pareja que se conoció en un curso sobre chamanismo.

Esta semana sentamos en el Sofá Sonoro uno de los discos más extraños del rock, el perverso debut de The Cramps, trabajo que recorremos junto a Sara Morales y Lucía Taboada.

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A mediados de los años 90 surgió una banda en España que no ha tenido réplica ni tampoco precedente, una banda especial y diferente. Salvaje, exitosa y femenina. Una banda comandada por dos hermanas de Madrid: Dover.   

Parece que han pasado dos vidas desde aquella irrupción de Dover con su segundo disco. España y la música en España han cambiado mucho. En algunas cosas para mejor, en otras para peor. La España de Dover era una España en la que los bares no tenían hora de cierre y en el que las salas no cobraban a los grupos por tocar. Pero también era un país más machista y con más techos de cristal. Las hermanas Llanos rompieron algunos. “Éramos dos mujeres y eso imprimía al grupo una serie de cosas, si fuésemos cuatro hombres hubiera habido más grupies. Nos teníamos que recordar que éramos estrellas”, contaban en una entrevista.  

Devil Came To Me fue un disco inesperado que tuvo un éxito tremendo. Con una fuerte influencia del grounge de Seattle, las banda madrileña protagonizó una revuelta inesperada y se comieron el país de dos mordiscos con canciones frescas, salvajes y divertidas. 

La historia del disco y de la banda resulta trepidante y llena de curiosidades. Esta semana sentamos el segundo trabajo de Dover en el Sofá Sonoro y los recorremos de la mano del periodista Carlos Cano y con los reportajes de Lucía Taboada. 

Hay canciones que lo cambian todo, la vida de sus autores, la de sus intérpretes y la de los oyentes. En 1964 un experimento musical dio como resultado The Girl From Ipanema, una canción eterna que frenó la conquista mundial de los Beatles y que elevó la bossa nova a una nueva categoría.

Firmado por Stan Getz y Joao Gilberto, el disco cuenta también con Tom Jobim al piano, y autor también de las canciones, y presenta al mundo a Astrud Gilberto, la joven mujer de Joao. Astrud llegó de casualidad al proyecto y el éxito de los dos temas que cantó la convirtió en una estrella.

Esta semana invitamos al Sofá Sonoro a Arturo Lezcano para adentrarnos en la historia de este disco y de sus personajes para entender cómo se gestó este histórico disco y que supuso para sus intérpretes, que volvieron a coincidir en nuevos proyectos en los siguientes años.

En la fotografía a blanco y negro del disco se ve a un hombre en mangas de camisa y con corbata fina. Está sentado frente a un micrófono en una habitación que parece un sótano. En la pared hay un reloj inmenso y una carpeta con pinza. En la mesa, junto al micrófono, se ve un cenicero medio vacío, a su lado unas cerillas y un paquete. Mas allá hay un tocadiscos. La imagen es misteriosa, inquietante, hermosa. Arriba, con letra firme en color azul se le un nombre y un título. Donald Fagen. The Nightfly.

Tras media vida junto a Steely Dan, Donald Fagen grabó un disco en solitario. Un disco extraño, seductor. Nocturno y algo oscuro. En aquellas canciones, Fagen miraba con nostalgia a su infancia, a esos años 50 atenazados por el desastre nuclear y la Guerra Fría. Pero ese poso y esa mirada se van desarrollando a lo largo del disco en unas letras complejas que Fagen tardó ocho meses en terminar.

Aquel álbum poderoso fue disco de oro a comienzos de los años ochenta, en plena era de las estrellas del pop. Aquel logro resultó totalmente inesperado. Fagen no lo buscaba ni lo anhelaba. Él, que se había calificado de esnob del jazz, había triunfado conjugando pop y jazz con enorme maestría en una grabación compleja. Fagen tardó casi un año en dar por concluido el disco y después entró en una profunda crisis personal.

Donald Fagen no volvió a grabar un disco en 12 años. Su historia, como su música, resulta hipnótica. Hoy queremos recordar este The Nightfly, un trabajo que recorremos de la mano del periodista Fernando Neira y con los reportajes de Lucía Taboada.

Con Camino Soria, el primer disco de Gabinete Caligari en EMI, el grupo madrileño asaltó la banca y se convirtió en una de las grandes bandas de los años ochenta con unas canciones originales, frescas y que reclamaban las raíces españolas frente a las influencias anglosajonas y el modernismo de cierta ola de la Movida Madrileña. 

Hay discos que captan un momento clave de una banda, una época de enorme inspiración donde todas las piezas encajan fácilmente, de una manera sencilla. Como por arte de magia. Tras un lustro intenso ese momento llegó para Gabinete Caligari con su disco de 1987. Treinta y tantos años después la obra culmen de Gabinete sigue teniendo fuerza y sonando de cine. 

Camino Soria es en realidad un disco de ruptura, de desamor, una oda a los perdedores, a los que lo intentan y nunca lo consiguen. Sobre esas bases fueron tomando forma las canciones de un disco que también tiene espacio para los amigos caídos y para los poetas rotos. Las muertes de Uli, saxofonista de la banda, y de Eduardo Haro Ibars, que murió antes de que se editase el disco, dejaron su huella en este disco. 

Cuando el álbum llegó a las calles, la carrera de Gabinete cambió de la noche a la mañana. Tras una década de duro trabajo en el underground musical, el grupo se abrió paso en las grandes ligas y comenzaron a actuar en las grandes plazas con un gira eterna y presencia constante en las radios. 

Esta semana recordamos la historia de estas canciones y el contexto de este álbum de la mano de la periodista Arancha Moreno y con los reportajes de Lucía Taboada. 

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