Regards critiques, le podcast – Détails, épisodes et analyse

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Regards critiques, le podcast

Bibliothèque publique d'information

Cinéma & Séries

Fréquence : 1 épisode/13j. Total Éps: 15

Dans le prolongement de son activité de programmation, la Bibliothèque publique d’information a proposé, de 2008 à 2010, en collaboration avec le service de la Parole du Centre Pompidou, des rendez-vous réguliers d’analyse de films. Cinq cycles de conférences ont été confiés à cinq personnalités, réalisateurs, critiques, enseignants : Jean-Louis Comolli, Sylvie Lindeperg, Daniel Deshays, Carole Desbarats et Bernard Eisenschitz. En leur permettant de développer leur réflexion sur plusieurs séances, et en explorant différentes formes d’écritures cinématographiques, l’objectif était d’élaborer collectivement une pensée critique sur l’image Ces cinq cycles de conférences sont rendus disponibles aujourd’hui sous forme de 22 podcasts à écouter et à télécharger.

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Regards critiques S02-E05 : Paysage

Saison 2 · Épisode 5

lundi 28 novembre 2022 • Durée 45:02

Cette dernière séance nous permet de considérer le son direct, ferment du cinéma documentaire. Le genre à propos duquel le preneur de son Antoine Bonfanti disait : « le son y est politique ». Ici Loznitsa engage une grande liberté de forme, tant avec l’image qu’avec le son. Son film nous montre comment le son peut engager notre regard à scruter l’image plus loin encore. Il nous incite à penser la forme comme dispositif d’analyse. Comment faire mieux entendre un réel saturé, fouiller dans le surgissement des paroles ? Ici, l’évacuation de tout commentaire – voix off et musique – favorise l’attention. Le peu de synchronisme permet mieux à l’auteur de construire librement la progression de son récit. Pas à pas, les voix directes nous disent l’état de souffrance du pays. Et le spectateur associe ce qui est séparément offert à son œil et à son oreille, imaginant en sous-main un synchronisme à l’ouvrage.

Avec :

Daniel Deshays, ingénieur du son

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Regards critiques S02-E04 : Libera Me

Saison 2 · Épisode 4

mercredi 23 novembre 2022 • Durée 47:13

L’exemple est suffisamment rare pour devoir le montrer. Après Thérèse (1986), voilà un long-métrage de fiction qui, en raison de son contenu – la privation de liberté, la liquidation d’une population – abandonne dialogue et musique pour ne faire confiance qu’aux sons. Pourquoi une telle radicalité ? Comment ce principe peut-il tenir face à l’exigence de notre écoute insatiable, habituée à recevoir des films surchargés? De combien de sons a-t-on besoin pour faire « tenir » une image? Face à ce modèle, il faudrait consulter Une histoire du cinéma de Jean-Luc Godard pour interroger l’épaisseur de ses sons.

Comment peut-on distinguer et choisir dans la masse sonore? Comment faire un parcours d’écoute, dans la multiplicité instantanée des données qui nous sont si souvent offertes par le mixage? Autant d’interrogations qui nous permettront de questionner l’hypothèse de l’épaisseur, d’une « verticalité » sonore cinématographique.

Avec :

Daniel Deshays

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Regards critiques S01-E05 : Terre sans pain

Saison 1 · Épisode 5

mercredi 8 juin 2022 • Durée 01:06:15

Terre sans pain est un étrange film, qui reste soixante-dix ans plus tard aussi scandaleux qu’en son temps. Encore une fois, ce « documentaire » est fabriqué comme une fiction. Répétitions, prises multiples, mise en scène, découpage… il s’agit pour Buñuel de contrôler la réalité des Hurdes, de ne pas se laisser griser ou gagner par la charge de réel, et donc de charme ou de mystère, que rencontre inévitablement tout tournage documentaire. Pourquoi? Tout simplement pour pouvoir noircir le tableau à souhait, écarter du film tout ce qui risquerait d’atténuer l’impression recherchée, celle d’une misère, d’un malheur sans fin ni remède. Car Buñuel ne veut pas que le sort épouvantable des Hurdanos suscite sentiments de compassion ou de pitié. S’exerce là un refus majeur de tout ce qui pourrait ressembler à une charité humaniste de souche chrétienne. Plutôt que la pitié, la révolte. Nous aurions voulu porter assistance à ces pauvres hères sur qui s’acharne un sort hostile? Bien, allons-y voir: le film nous guide, nous associe à sa visite, mais c’est pour nous faire arriver trop tard. Le mal est déjà fait. Irrémédiable. C’est bien au spectateur que s’en prend le film, pour le saturer de tant d’images d’un malheur sans appel qu’il lui sera interdit de se considérer plus longtemps comme étant du bon côté de l’écran. Ce n’est pas seulement la situation lamentable des Hurdes qui nous insupporte, c’est cette insistance obsessionnelle d’ajouter de la mort au malheur, de fermer le film comme une tombe, qui finissent par excéder toute « bonne place » de spectateur. Le cinéma ici n’est plus fait pour améliorer le monde mais pour le refuser tel qu'il est. Un film subversif parce qu'il s'en prend au spectacle de la misère et au confort du spectateur.

Cet épisode a été préparé par Catherine Blangonnet

Introduction : Nathalie Nosny

Avec : Jean-Louis Comolli

Réalisation : Michel Bourzeix et Catherine Blangonnet

Musique : Variations Goldberg, BWV. 988 - Variatio 18. Canone alla Sexta. a 1 Clav. (Musopen)

Ce podcast a été enregistré dans les espaces du Centre Pompidou.

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Regards critiques S01-E04 : Moi un noir

Saison 1 · Épisode 4

mercredi 1 juin 2022 • Durée 48:29

Nous sommes à la veille de l’entrée en scène du son synchrone. La caméra 16mm Éclair-Coutant est sur le point de naître. Mais quand il tourne Moi, un Noir, Jean Rouch n’en dispose pas encore. Inspiré et guidé par ses amis nigériens d’Abidjan, Rouch tourne en 16mm Kodachrome et en son témoin ce drôle de documentaire, où il y a un scénario, des dialogues, des acteurs, une intrigue, des scènes de rêve, tout cela nourri et documenté par l’errance réelle de ces exilés d’une colonie dans une autre. Éclate ici la dimension fictionnelle du grand cinéma documentaire, qui raconte des histoires aussi décousues que la vie, fait apparaître des personnages aussi fantomatiques, opaques ou transparents que ceux de la vraie vie, ouvre autant de question, y répond aussi peu. Cette fois encore, l’absence de son direct allège le montage (…). Mais ici la bande son renverse la bande image. On sait que Rouch a montré son film – une fois monté – à ses acteurs, les invitant à se « doubler », à se commenter, se raconter pendant la projection, dans la salle devenue auditorium. Le jeu est saisissant. Une liberté d’après coup soulève le film. (…) La liberté regagnée au son par les personnages du film est d’autant plus belle, plus troublante, qu’elle est conquête du colonisé sur la langue du maître (le français). On comprend ainsi comment les contraintes ou les enjeux dits « techniques » ne sont pas innocents.

Cet épisode a été préparé par Catherine Blangonnet

Introduction : Nathalie Nosny

Avec : Jean-Louis Comolli

Réalisation : Michel Bourzeix et Catherine Blangonnet

Musique : Variations Goldberg, BWV. 988 - Variatio 18. Canone alla Sexta. a 1 Clav. (Musopen)

Ce podcast a été enregistré dans les espaces du Centre Pompidou.

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Regards critiques S01-E03 : L'Homme d'Aran

Saison 1 · Épisode 3

mercredi 1 juin 2022 • Durée 50:34

Filmer pour voir, filmer pour comprendre. Dans L’Homme d’Aran, Robert Flaherty suppose, hypothèse, que le monde resterait fragmentation et chaos, menace et mort, s’il n’y avait le cinéma. Qu’en est-il de ce qu’on appelle « documentaire »? Que nous apprend la pratique de celui qui passe pour avoir fondé le genre? Perdu sur son île qui est en même temps salle de montage et labo, Flaherty se demande jour après jour si, pour lui, la seule « réalité » n’est pas la réalité filmée, si, autrement dit, la robe sans couture de la réalité ne devient pas au cinéma collage des lambeaux innombrables du manteau d’Arlequin? Montage, illusion, croyance: le spectateur est aveuglé par ce qu’il voit, alors que le cinéaste ne croit que ce qu’il filme. Cela donne un film enragé, où s’oppose à la violence du vent, des tempêtes, des requins, des pierres mêmes, la non moins grande violence des images. Encore une fois, l’impossibilité technique (et pratique, en l’occurrence) de prendre du son direct synchrone ouvre à une démultiplication des puissances du montage.

Cet épisode a été préparé par Catherine Blangonnet

Introduction : Nathalie Nosny

Avec : Jean-Louis Comolli

Réalisation : Michel Bourzeix et Catherine Blangonnet

Musique : Variations Goldberg, BWV. 988 - Variatio 18. Canone alla Sexta. a 1 Clav. (Musopen)

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Regards critiques S01-E02 : L'Homme à la caméra

Saison 1 · Épisode 2

mercredi 1 juin 2022 • Durée 42:50

Hymne à la toute-puissance du cinéma, "L’Homme à la caméra" (Dziga Vertov, 1929) reste l’un des films les plus étonnants de l’histoire. Moins le manifeste d’un nouveau « cinéma-vérité », comme le voulait son auteur, que le déploiement sans frein des vertiges du montage. Ici, la théorie du cinéma s’inscrit à même la pellicule, dans un ballet paroxystique de jeux de miroirs et de truquages ; et dans la liaison fatale entre l’analyse du mouvement et sa synthèse se jouent la vie et la mort des images. Vertov ne célèbre pas seulement l’avènement d’une nouvelle espèce humaine: le cameraman; il se soucie du regard, du désir de voir, de l’excès même du visible, de la saturation du monde par les images, bref, il invente le cinéspectateur. Mais 1929 est aussi l’année qui marque la naissance du cinéma sonore, dans les studios du moins, pour les stars, et par conséquent ni dans les rues, ni pour les hommes et femmes ordinaires du cinéma documentaire : Vertov, qui rêve sans doute d’un cinéma sonore encore hors de portée, tente de conférer aux images le pouvoir d’évoquer les sons. Nous aurons à nous interroger sur le décalage qui se manifeste alors entre bande image et bande son, qui va durer jusqu’au début des années 60.

Cet épisode a été préparé par Catherine Blangonnet

Introduction : Nathalie Nosny

Avec : Jean-Louis Comolli

Réalisation : Michel Bourzeix et Catherine Blangonnet

Musique : Variations Goldberg, BWV. 988 - Variatio 18. Canone alla Sexta. a 1 Clav. (Musopen)

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Regards critiques S01-E01 : Films Lumière 1895-1905

Saison 1 · Épisode 1

mercredi 1 juin 2022 • Durée 01:19:47

Comment recevoir aujourd’hui l’émerveillement et l’effroi tout ensemble des spectateurs de la première séance du cinématographe Lumière ? Quelle était cette peur, cette surprise ? Le cinéma s’est fondé sous le double signe du spectaculaire et de l’infra-visible : la locomotive surgissant sur l’écran et la tremblée des feuilles aux arbres du jardin. À partir de la projection de quelques-uns des films Lumière, cette séance inaugurale entend prendre acte des ambiguïtés qui marquent la naissance du cinématographe : entre « documentaire » et « fiction », entre science et magie, entre illusion et doute. D’emblée, les principaux paramètres de ce qui s’appellera plus tard « cinéma » sont posés dans leur ambivalence: le cadre est un cache, la profondeur de l’image une illusion, le mouvement lui-même un artefact et la caméra une bien drôle de machine… Nous tenterons de mesurer à la fois la distance qui sépare le spectateur d’aujourd’hui de celui des premiers films, et ce qu’ils ont – encore – en commun.

Cet épisode a été préparé par Catherine Blangonnet

Introduction : Nathalie Nosny

Avec : Jean-Louis Comolli

Réalisation : Michel Bourzeix et Catherine Blangonnet

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Regards critiques S02-E03 : Stalker

Saison 2 · Épisode 3

dimanche 13 novembre 2022 • Durée 47:26

Le passage dans l’autre monde s’effectue en draisine. La persistance de modulation du roulement du wagonnet introduit peu à peu le spectateur à la conscience du sonore du film. La découverte du reste suivra, ou pas, car le reste du sonore ne sera plus jamais autant souligné. La projection unique ne suffit pas à faire apparaître le son; il serait nécessaire de faire retour plusieurs fois sur l’écoute. Pour être repéré, le son nécessite une réécoute. Or le cinéma travaille savamment à faire disparaître la conscience de ses sons. Ou plutôt, c’est le synchronisme, comme résolution mutuelle (son d’une image et image d’un son) qui enfouit le sonore dans son effet de fusion. Dès la première scène, la matérialisation du silence par les échos lointains engage notre attention. Le dépaysement demeure tout au long de la longue quête que constitue le film. Ici, le son n’arrive jamais pour rassurer, tout surgissement conduit au silence et avec lui l’attente inquiète se prolonge.

Avec :

Daniel Deshays, ingénieur du son

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Regards critiques S02-E02 : Lucebert, temps et adieu

Saison 2 · Épisode 2

lundi 7 novembre 2022 • Durée 01:00:59

C’est la grande liberté prise par Van der Keuken qui nous étonne dans ce triptyque consacré à l’œuvre du peintre et poète hollandais Lucebert. Il approche la démarche de l’artiste, activant par le son autant l’à-plat des images que les espaces extérieurs qui entremêlent leurs couleurs. Il offre tour à tour au son et à l’image la place de la pâte colorée ou bien de la figure. Sa confiance dans la musique de son temps n’a d’égale que celle qu’il porte à ses sons, et cela tout au long de son œuvre. Plus encore, il garde toujours la main sur sa musique, allant jusqu’à la ralentir pour qu’elle s’offre plutôt comme matière que comme illustration. Si, contrairement à Tati, c’est dans le son direct qu’il puise ses énergies, ici les sons se libèrent de l’excès des liens synchroniques qu’ils ont trop l’habitude de subir. Les liens sont libres, le geste domine sur la toile comme avec l’intensité des sons. Van der Keuken nous trace un chemin dans la stratification enfin rassemblée des sons et des images.

Avec :

Daniel Deshays, ingénieur du son

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Regards critiques S02-E01 : Mon Oncle

Saison 2 · Épisode 1

vendredi 21 octobre 2022 • Durée 01:09:05

Mais de quel son veut-on parler ici ? Qu’aurait-il de si sensationnel ? Eh bien justement, cette faculté de s’adresser directement à nous par la sensation autant que par le sens. Le son s’introduit discrètement par la pertinence de son ajustement avec une partie de l’image. Cette adéquation simple s’effectue par la raréfaction nécessaire à la désignation. Par surgissement, on désigne avec le son ce qui de l’image doit être activé. Pour la première séance, c’est un modèle de désignation qui va nous aider à mieux cerner ce propos. Mon Oncle, film situé à l’apogée de la démarche sonore de Jacques Tati, s’avère être de ce point de vue l’exception, c’est un aboutissement, un modèle pédagogique. Aucune règle n’est transposable à tous, c’est ce que ce nouveau cycle nous révèlera. Aucun modèle, chaque film appelle sa propre pensée, chaque réalisateur doit, et pour chaque film différemment, opérer un ajustement sonore.

Cet épisode a été préparé par Catherine Blangonnet

Introduction : Nathalie Nosny

Avec : Daniel Deshays

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