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Il y a des départs qui ressemblent à des deuils. Et si la danse permettait de transformer ce que l'on a quitté ?

À 14 ans, Johana Malédon quitte sa Guyane natale pour Paris avec un rêve : devenir danseuse professionnelle. Son parcours la mène ensuite à New York, à l'école Alvin Ailey, puis en Israël, où elle découvre une autre façon de danser et développe son écriture chorégraphique.

Mais comment trouver sa place lorsqu'on ne rentre pas dans les cases ? Que faire quand une école dont on rêvait devient une désillusion ?

Danseuse et chorégraphe, Johana fonde la compagnie MÂLE après avoir remporté en 2019 le Grand Prix Sobanova avec À Bientôt, une création nourrie par le déracinement.

Dans cette première partie, elle raconte son enfance, ses choix, ses doutes et ses échecs. Elle partage aussi comment la danse lui a donné une voix et comment la création lui permet de transformer ce qu'elle traverse.

Une conversation joyeuse, sincère, pleine de rires et de réflexions sur l'ambition, l'identité et notre capacité à nous réinventer.

🎙️ DANS CET ÉPISODE

• Pourquoi quitter la Guyane à 14 ans pour danser ?
• Comment affronter le sentiment d'être différente à Paris ?
• Pourquoi Alvin Ailey a-t-elle été une désillusion ?
• Comment apprendre à accepter l'échec et la critique ?
• Comment Israël a-t-il transformé son rapport au corps ?
• Comment faire du déracinement une matière chorégraphique ?

📚 RÉFÉRENCES & REPÈRES

Artistes et institutions

• Maguy Marin : chorégraphe française dont Johana découvre le travail à Paris. D'abord déroutée, elle finit par admirer ses créations.

• The Ailey School (New York) : école associée à la compagnie Alvin Ailey. Johana y acquiert une grande rigueur, mais se heurte aussi aux limites de certains codes académiques.

• Kibbutz Contemporary Dance Company (Israël) : compagnie dont l'audition marque une étape décisive dans son parcours artistique.

• Pôle supérieur Paris Boulogne-Billancourt : établissement où Johana poursuit sa formation supérieure en danse.

Œuvres et créations

• Première création en Israël : Johana évoque une pièce réunissant 21 danseuses, première expérience ambitieuse de création collective.

• À Bientôt : création pour cinq danseuses autour du départ et de la mémoire, récompensée par le Grand Prix Sobanova en 2019.

Concours et techniques

• Sobanova : concours dédié à l'émergence chorégraphique, remporté par Johana en 2019.

• Confédération nationale de danse : ses concours permettent à Johana de se confronter à d'autres danseurs dès l'enfance.

• Technique Horton : technique de danse moderne caractérisée notamment par un travail physique exigeant, des lignes et des positions géométriques.

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Je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse.

#JohanaMaledon #DanseContemporaine #LesSensDeLaDanse

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Pourquoi sommes-nous parfois si durs avec notre propre corps ? Pourquoi le jugeons-nous si facilement, alors qu'il nous accompagne à chaque instant de notre vie ?

Et si la danse pouvait nous aider à le regarder autrement ?

Nous lui demandons d'être beau, jeune, souple, performant. Nous remarquons ses imperfections, ses limites, ses changements. Mais prenons-nous vraiment le temps de l'écouter, de le ressentir, de reconnaître tout ce qu'il nous permet de vivre ?

Dans ce nouveau Pas de côté des Sens de la Danse, je vous propose d'explorer notre relation au corps, l'acceptation de soi et la place que la danse peut prendre dans cette relation parfois compliquée.

Cette réflexion m'est venue en réécoutant un reportage réalisé auprès de quatre femmes touchées par le cancer, au sein de l'association Elles Dansent, fondée par Aude Michon.

Dans les coulisses d'un spectacle, entre rires, fatigue et confidences, elles racontent ce que le mouvement représente pour elles.

L'une d'elles, Régine, me confiait sa reconnaissance envers son corps, pour ce qu'il lui permettait encore d'accomplir.

Une phrase toute simple, mais qui invite à s'interroger.

Et si nous apprenions à ressentir notre corps plutôt qu'à le juger ?

Car danser, ce n'est pas seulement exécuter des mouvements ou chercher à être beau aux yeux des autres.

C'est aussi explorer ses sensations, retrouver le plaisir de bouger, découvrir de nouvelles possibilités. Parfois même, renouer avec un corps que la maladie, l'âge ou les épreuves de la vie ont transformé.

Sans promettre de tout réparer, la danse peut ouvrir un autre chemin : celui d'une relation plus attentive et plus douce avec soi-même.

🎙️DANS CE PAS DE CÔTÉ

• Pourquoi entretenons-nous parfois une relation si exigeante avec notre corps ?

• Comment le regard des autres influence-t-il notre image corporelle et notre confiance en nous ?

• Que peut changer la danse dans notre manière de ressentir et d'habiter notre corps ?

• Pourquoi est-il parfois plus facile de voir nos limites que de reconnaître nos capacités ?

• Et si accepter son corps ne signifiait pas nécessairement l'aimer tous les jours ?

Une réflexion autour de la danse, de l'image corporelle, de la confiance en soi et de notre capacité à nous réconcilier, progressivement, avec notre propre corps.

🌸 POUR PROLONGER L'ÉCOUTE

À l'occasion d'Octobre Rose, retrouvez également mon reportage sonore « Leurs corps ont changé. Leur envie de danser, jamais. », réalisé auprès de quatre femmes de l'association Elles Dansent.

Une immersion dans les coulisses d'un spectacle, où la danse devient un espace de partage, de joie et de reconquête de la confiance.

🎧 Retrouvez le reportage sur Les Sens de la Danse.

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Et vous, est-ce que la danse a déjà changé votre regard sur votre corps ? Je serais heureuse de découvrir vos expériences en commentaire.

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Nous sommes en octobre.

Partout en France, le rose s'affiche sur les façades, les vêtements, les affiches. Il rappelle la lutte contre le cancer, la solidarité, l'espoir.

Mais ce soir, à la mairie du 3ᵉ arrondissement de Paris, ce message prend une autre forme : il se danse.

Dans les coulisses, quatre femmes se préparent à monter sur scène.

On ajuste une robe, on vérifie une coiffure, on répète quelques pas. Les rires se mêlent au trac. La fatigue est là, parfois la douleur aussi. Mais l'envie de danser est plus forte.

Muriel, Sylvia, Régine et Emmanuelle connaissent toutes la maladie. Les traitements qui épuisent, le corps qui change, la confiance qu'il faut parfois reconstruire.

Et pourtant, ce soir, elles sont là. Ensemble. Prêtes à danser.

Avec leur professeure Aurélie Lili Boo, au sein de l'association Elles Dansent, fondée par Aude Michon, elles partagent bien plus qu'une chorégraphie.

Il y a le plaisir de retrouver le mouvement, la fierté de réussir un geste, la joie de faire partie d'un groupe. Et cette relation au corps, si intime, parfois si difficile, qui peu à peu se transforme.

J'ai posé mon micro dans leurs coulisses, au plus près de leurs voix, de leurs rires, de leurs doutes et de leurs émotions.

Elles racontent la maladie, la féminité, le regard des autres, mais surtout ce que la danse leur apporte : la liberté de bouger, le bonheur d'être ensemble, le plaisir de se sentir capables.

Puis vient le moment de monter sur scène.

La musique commence. Les corps se mettent en mouvement.

Pendant quelques minutes, il n'est plus question de réussir parfaitement chaque pas. Il est question de danser, tout simplement.

🎙️ DANS CE REPORTAGE

Une immersion sonore de 13 minutes dans les coulisses d'un spectacle pas comme les autres.

Quatre femmes, quatre parcours, une même envie de danser.

Un reportage sur le cancer, la confiance en soi, le rapport au corps et la force du collectif. Mais aussi sur les rires, la complicité et ces petites victoires que l'on savoure ensemble.

🌸 OCTOBRE ROSE 2026

À l'occasion d'Octobre Rose, je vous propose de redécouvrir ce reportage réalisé en 2025.

Une histoire qui résonne particulièrement cette année, alors que l'association Elles Dansent poursuit son aventure artistique, notamment avec Le Murmure, une création chorégraphique imaginée par Aude Michon et présentée le 15 octobre au musée d'Orsay.

Une belle occasion de remettre en lumière ces voix, ces histoires et ce que la danse peut apporter lorsque la maladie bouleverse le rapport à son propre corps.

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#OctobreRose #EllesDansent #DanseEtCancer #LesSensDeLaDanse

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À quel âge est-on considéré comme trop vieux pour danser ? Et pourquoi attend-on des danseuses qu'elles repoussent les limites de leur corps tout en conservant une apparence de jeunesse ?

À partir de ma rencontre avec la danseuse et chorégraphe de flamenco Karine Gonzalez, je m'interroge sur la place de l'âge dans la danse, sur les injonctions qui pèsent particulièrement sur le corps des femmes et sur notre manière de regarder les artistes au fil du temps.

Car si le corps évolue, la danse aussi. Mais accordons-nous la même valeur à la virtuosité, à l'expérience et à la maturité artistique ?

Un Pas de côté pour questionner nos représentations de la danse, du vieillissement et de la liberté de continuer à danser à chaque âge de la vie.

🎙️ Les Sens de la Danse, un podcast créé et animé par Myriam Sellam, journaliste.

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Je vous souhaite une belle écoute

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Dans ce deuxième épisode avec Karine Herrou Gonzales, danseuse flamenca, chorégraphe et pédagogue, nous poursuivons notre conversation autour du flamenco, du tournoiement, de la danse persane, de la spiritualité et de la transmission.

Elle raconte comment ses pieds sont devenus un langage. Elle revient sur la création de sa compagnie La Mesure Sorcière, sur son lien avec la culture persane et sur Sentir flamenco sous influence, une création collective jouée 450 fois, autour de l’exil, de la mémoire et de la liberté.

Elle évoque également son travail autour de Rûmî et de saint Jean de la Croix, son rapport au tournoiement et ces instants rares où le corps semble tourner seul, jusqu’à devenir totalement poreux au monde.

Enfin, Karine nous parle de son solo A Solas, sous-titré La femme, la danseuse et le temps. Une pièce intime autour du corps des femmes, de la maternité, du vieillissement, du regard porté sur les danseuses et de la manière dont le temps s’inscrit dans nos gestes.

Une conversation menée par Myriam Sellam sur la danse comme rituel, comme acte de liberté, comme espace de guérison et comme expérience qui peut aller plus loin que celle qui la crée.

🎧 LES REPÈRES DE L’ÉPISODE

🔥 LA MESURE SORCIÈRE

La compagnie créée par Karine Herrou Gonzales. Son nom rassemble le rythme, la structure, la contrainte, le jeu et la magie du mouvement.

🕊️ SENTIRES FLAMENCO SOUS INFLUENCE

Une création collective dans laquelle Karine explore les liens entre flamenco, culture persane, exil, mémoire et liberté.

✍️ AZADI

Un mot persan qui signifie « liberté », inscrit symboliquement avec les pieds dans la chorégraphie. Tous les soirs, pendant les représentations, Karine et les autres interprètes le traçaient avec leurs mouvements.

🌙 RÛMÎ ET SAINT JEAN DE LA CROIX

Deux poètes mystiques qui ont inspiré Les Amants divins. Leurs textes permettent à Karine de faire dialoguer culture persane et culture espagnole, amour spirituel et amour charnel, écriture et mouvement.

🌀 LE TOURNOIEMENT

Pour Karine, tourner est une manière de se libérer de l’ego, d’entrer dans une forme de méditation en mouvement et de se laisser traverser.

⏳ A SOLAS

Un solo sous-titré La femme, la danseuse et le temps. Le métronome, le tricot et le cercle deviennent les éléments d’un rituel intime et collectif.

🎶 LA TRANSMISSION

Karine transmet les fondamentaux du flamenco, le compas, la technique de pieds, la posture et la musicalité, tout en donnant envie à ses élèves d’aller à la rencontre d’autres artistes et d’autres formes de danse.

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Les Sens de la Danse est un podcast consacré à celles et ceux qui dansent, créent, transmettent et transforment leur rapport au monde par le mouvement. Chaque épisode explore ce que la danse libère, révèle et transforme en nous.

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Une Karine discrète dans la vie, une autre qui se révèle sur scène. Dans notre entretien, la danseuse et chorégraphe Karine Gonzalez raconte comment ces deux parts d’elle-même ont fini par se rejoindre.

Cette confidence ouvre une question : et si on pouvait être davantage soi-même en dansant ?

Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, Myriam Sellam explore ce que le mouvement nous permet de découvrir de nous-mêmes, la liberté d’expression qu’il peut ouvrir et ce qui nous accompagne une fois la musique terminée.

🎧 Écoutez également la première partie de l’entretien avec Karine Gonzalez.

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Karine Gonzalez danse le flamenco comme on habite un langage : avec le corps, le rythme, les racines et l’instinct.

Dans cette première partie, elle raconte comment une petite fille discrète a trouvé dans la danse un espace de liberté, puis comment le flamenco s’est imposé à elle comme une évidence. Après douze années de danse classique, une solide formation musicale et des études d’espagnol, elle part se former en Espagne, notamment à Amor de Dios à Madrid, l’un des lieux emblématiques du flamenco.

Mais son parcours ne suit jamais une seule ligne. Il croise les danses persanes, le tournoiement soufi, la scène, le cinéma et une rencontre décisive avec Tony Gatlif, disparu le 2 septembre 2026. Avec lui, elle participe notamment à Vengo, dans une séquence devenue emblématique où flamenco et tournoiement se rencontrent au milieu de grandes figures de la musique.

Karine parle aussi de ce qui ne s’apprend pas complètement : le duende, l’improvisation, l’écoute, cette capacité à être « prêt à l’inconnu » pour qu’un moment de grâce puisse surgir.

🎙️ DANS CET ÉPISODE

• Son premier souvenir de danse et ce que l’espace d’un studio a représenté pour elle
• Le passage de la danse classique au flamenco
• Ses racines espagnoles et le rôle de la musique dans son parcours
• Sa formation en Espagne et son apprentissage du rythme, du compás et de l’improvisation
• Les danses persanes, le tournoiement soufi et les croisements qui nourrissent son langage
• Sa rencontre avec Tony Gatlif et les coulisses de Vengo
• Le duende, la liberté, l’intensité et cette disponibilité à l’instant

📚 RÉFÉRENCES & REPÈRES

Amor de Dios
Centre de référence du flamenco à Madrid où Karine Gonzalez s’est formée et a suivi les cours de plusieurs grands enseignants.

Federico García Lorca
Poète espagnol majeur, profondément lié à l’imaginaire du flamenco et au concept de duende. Karine explique combien ses textes ont nourri sa sensibilité artistique.

Tony Gatlif
Réalisateur, scénariste et compositeur avec lequel Karine a travaillé pendant de nombreuses années. Leur collaboration passe notamment par Vengo et plusieurs projets scéniques.

Vengo
Film de Tony Gatlif dans lequel Karine apparaît dans une séquence mêlant flamenco et tournoiement soufi, devenue l’un des moments les plus marquants de son parcours.

Israël Galván
Danseur et chorégraphe flamenco que Karine a rencontré et interviewé lors de ses recherches sur le flamenco à la fin des années 1990.

Carlos Saura
Réalisateur espagnol dont les films consacrés au flamenco ont marqué Karine et participé à sa découverte de cet univers.

Cette conversation est la première partie de l’entretien avec Karine Gonzalez. La suite approfondira ses créations, ses croisements artistiques et la manière dont elle a construit son propre langage de danse.

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Pourquoi est-il si difficile de ralentir, même quand on en ressent profondément le besoin ?

Ce Pas de côté prolonge l’entretien avec Amara Prum, danseuse de danse classique cambodgienne. Dans cet échange, elle raconte une pratique profondément liée à la lenteur, à la précision, à la présence et au sacré.

À partir de là, je me suis demandé pourquoi, dans nos vies, ralentir peut parfois être si difficile.

Nous vivons dans un rythme où il faut répondre, produire, avancer, enchaîner. Ralentir peut alors donner l’impression de décrocher, de perdre du temps ou de ne plus suivre.

Et pourtant, le corps nous rappelle souvent qu’un autre tempo est possible.

Dans cet épisode court, Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse, explore notre rapport à la lenteur à travers la danse, le corps, le mouvement, le rythme et la présence.

Et si ralentir n’était pas s’arrêter, mais retrouver une autre façon d’être là ?

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Dans cet épisode des Sens de la Danse, le podcast créé et animé par Myriam Sellam, je reçois Amara Prum pour découvrir la danse classique khmère, les Apsaras, le Ballet royal du Cambodge et ce que cet art raconte de la mémoire, de la transmission, du sacré et de l’identité.

Née en France dans une famille cambodgienne, Amara découvre cette danse enfant. Auprès de ses maîtresses, elle apprend bien plus qu’une technique : un langage du corps, des rites et une manière de rester reliée à ses origines.

Des temples d’Angkor jusqu’à la France d’aujourd’hui, nous explorons comment cet art continue de vivre malgré les ruptures de l’Histoire et ce qu’une danse aussi ancienne peut encore nous apprendre dans un monde où tout va vite.

Voici son compte instagram: @amara.prum/

et son site: https://indradevi.org

🎙️ DANS CET ÉPISODE
• les Apsaras et la danse classique khmère
• le langage des mains et du corps
• nature, mythologie et spiritualité
• les offrandes et les rituels
• la relation maîtresse élève
• la transmission après les Khmers rouges
• la mémoire et les archives
• la lenteur, l’ancrage et l’instant présent

📚 RÉFÉRENCES & REPÈRES

💃 Danse classique khmère / Ballet royal du Cambodge
→ tradition chorégraphique liée à la cour royale cambodgienne, inscrite au patrimoine culturel immatériel de l’UNESCO

✨ Apsaras
→ nymphes célestes représentées sur les bas reliefs d’Angkor, à l’origine de l’une des danses les plus connues du répertoire classique

🌺 Danse Apsara
→ chorégraphie développée au XXe siècle sous l’impulsion de la reine Sisowath Kossamak

🖐️ Mudras
→ gestes codifiés des mains utilisés comme langage symbolique dans plusieurs traditions chorégraphiques d’Asie

📖 Reamker
→ version khmère du Ramayana, avec notamment Rama, Sita et Hanuman

🐒 Hanuman
→ dieu singe et général de l’armée des singes, figure majeure du Reamker

🐍 Nâga
→ serpent mythique très présent dans les cultures cambodgienne et indienne

🏛️ Angkor / Angkor Wat
→ ensemble majeur de temples cambodgiens dont les bas reliefs représentent de nombreuses Apsaras

🎨 Auguste Rodin
→ fasciné par les danseuses cambodgiennes venues en France en 1906, il réalise de nombreux dessins inspirés de leurs mouvements

👑 Norodom Buppha Devi
→ princesse et grande figure du Ballet royal, importante dans la transmission et le rayonnement de la danse classique khmère

👑 Sisowath Kossamak
→ reine du Cambodge, grand mère de Buppha Devi, liée à l’évolution du Ballet royal et à la danse Apsara

🎬 L’Oiseau de paradis, Marcel Camus
→ film tourné au Cambodge au début des années 1960, avec Norodom Buppha Devi comme danseuse

🌍 Khmers rouges, 1975 à 1979
→ régime communiste radical dirigé par Pol Pot, responsable de la mort d’environ 1,7 million de personnes
→ artistes, intellectuels et détenteurs de savoirs ont été particulièrement touchés, entraînant la disparition d’une part importante du patrimoine culturel cambodgien

🏛️ UNESCO
→ le Ballet royal du Cambodge et le grand théâtre d’ombres khmer sont reconnus au patrimoine culturel immatériel de l’humanité

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On associe spontanément la danse au corps, au geste, au mouvement.

Mais que se passe-t-il avant que le corps ne se mette en mouvement ? Et pourquoi deux personnes exécutant le même geste ne nous donnent-elles jamais tout à fait la même chose à voir ?

Dans ce nouvel épisode d’Un pas de côté, je pars d’une phrase prononcée par Lasseindra Xclusive Lanvin au cours de notre entretien : « Danser, c’est de l’esprit. »

Une phrase qui ouvre une question passionnante sur les liens entre danse, cerveau, mouvement, mémoire, imagination, musique et personnalité.

Que se passe-t-il en nous lorsque nous dansons ? Peut-on déjà danser sans bouger ? Et qu’est-ce qui fait qu’un mouvement parfaitement exécuté devient, ou non, véritablement de la danse ?

Un Pas de côté pour regarder autrement ce qui se joue lorsque nous nous mettons en mouvement.

🎧 Cet épisode prolonge la deuxième partie de mon entretien avec Lasseindra Xclusive Lanvin, figure majeure de la ballroom en France.

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#Danse #Cerveau #Mouvement #LesSensDeLaDanse

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Dans cette deuxième partie des Sens de la Danse, Myriam Sellam poursuit sa conversation avec Lasseindra Xclusive Lanvin, longtemps connue sous le nom de Lasseindra Ninja, figure majeure du voguing et de la culture ballroom en France.

Après avoir raconté dans le premier épisode sa découverte de la ballroom, les Houses, la famille choisie et son rôle de Mother, Lasseindra va ici beaucoup plus loin.

Que devient une culture underground lorsqu’elle gagne en visibilité ? Que reste-t-il de son essence lorsqu’elle entre dans les institutions, les scènes, la mode ou la culture dominante ?

Lasseindra livre sa vision, parfois critique, de l’évolution de la ballroom en France. Elle raconte aussi pourquoi, après de nombreuses années au sein de la House of Ninja, elle a ressenti le besoin de changer de House et de devenir Lasseindra Xclusive Lanvin.

Mais cet épisode ouvre surtout une réflexion plus intime sur le corps, la transmission, la spiritualité et ce que signifie réellement danser.

🎧 LES REPÈRES DE L’ÉPISODE

BALLROOM ET TRANSMISSION
Lasseindra revient sur ce qu’elle cherche aujourd’hui à transmettre aux nouvelles générations : pas seulement une technique, mais une manière d’habiter la danse, de progresser et de trouver sa propre présence.

HOUSE OF NINJA → HOUSE OF LANVIN
Après près de quinze années liées à la House of Ninja, Lasseindra explique pourquoi elle ne s’y retrouvait plus et raconte ce que représente le fait de changer de House dans la culture ballroom.

LA SCÈNE ET LA CRÉATION
Elle évoque son travail artistique au-delà des balls, notamment ses collaborations avec (LA)HORDE, le Ballet de Marseille, ainsi que son passage par la Villa Médicis et son travail autour de Chamanique. La ballroom reste présente dans son écriture, mais elle refuse de la réduire à un simple vocabulaire chorégraphique.

LE CORPS QUI NE RÉPOND PLUS
Lasseindra raconte également une épreuve majeure : avoir été paralysée des quatre membres et avoir dû réapprendre à parler, manger, boire et marcher. Elle parle de la mémoire du corps, du mental et de la nécessité de continuer à avancer en se donnant une direction plutôt qu’un objectif figé.

Dans cet épisode, Myriam Sellam explore avec elle une question qui traverse profondément Les Sens de la Danse :

Que reste-t-il de la danse lorsque le corps que l’on croyait connaître nous échappe ?

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#Lasseindra #Voguing #Ballroom #Danse #PodcastDanse

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Et si la danse pouvait devenir bien plus qu’une pratique artistique ? Un lieu où trouver sa place, créer des liens et parfois même construire une famille.

Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, je vous propose d’explorer la manière dont la danse peut faire communauté, à travers un exemple particulièrement fort : la culture ballroom.

Née aux États-Unis au sein des communautés LGBTQ+ noires et latinos, la ballroom s’est structurée autour des Houses, des familles choisies au sein desquelles des Mothers et des Fathers accompagnent leurs « kids ». On y danse, on participe aux balls, on apprend les codes du voguing, mais on y trouve aussi de la transmission, du soutien et un sentiment d’appartenance.

À partir de l’histoire de la ballroom, ce Pas de côté ouvre une question plus universelle : comment la danse peut-elle créer des liens suffisamment forts pour devenir une forme de famille ?

Une autre manière de regarder la danse : non plus seulement comme un art du mouvement, mais comme un espace où l’on se construit avec les autres.

🎧 Ce Pas de côté prolonge mon échange avec Lasseindra Xclusive Lanvin, grande figure de la ballroom en France.

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#Ballroom #Voguing #Danse #LesSensDeLaDanse

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Dans ce premier épisode des Sens de la Danse, Myriam Sellam reçoit Lasseindra Xclusive Lanvin, que beaucoup connaissent encore sous le nom de Lasseindra Ninja.

Figure majeure du voguing et de la culture ballroom en France, aujourd’hui Legend, elle revient sur un parcours qui commence en Guyane, passe par New York, puis Paris.

À 12 ou 13 ans, elle découvre à New York la ballroom. Un univers qui va profondément changer son rapport au mouvement, à la liberté et à elle-même.

🎧 LES REPÈRES DE L’ÉPISODE

💃 BALLROOM

La ballroom est une culture née aux États-Unis au sein des communautés noires et LGBTQ+. Elle ne se résume pas au voguing : elle réunit des compétitions, des catégories, des performances, mais aussi toute une organisation communautaire autour des Houses.

🏆 BALL

Un ball est une compétition ballroom. On y concourt dans différentes catégories, face à un jury. On peut y danser, défiler, travailler son apparence, son attitude ou sa manière d’incarner certains codes.

🏠 HOUSE

Une House est un groupe qui fonctionne souvent comme une famille choisie. Elle réunit ses membres autour d’un nom commun et peut être guidée par une Mother ou un Father. Historiquement, ces Houses ont aussi joué un rôle de refuge et de transmission pour des personnes LGBTQ+ parfois rejetées par leur famille.

👑 MOTHER / FATHER / KIDS

La Mother ou le Father accompagnent les membres de la House, les kids. Pour Lasseindra, devenir Mother signifie bien plus qu’aider quelqu’un à progresser : il s’agit aussi de transmettre, conseiller, pousser et accompagner dans la vie.

✨ LEGEND

Dans la ballroom, Legend n’est pas simplement un compliment. C’est un statut qui reconnaît un parcours, une longévité, une transmission et la trace laissée dans la communauté.

👠 RUNWAY

Le Runway est une catégorie centrée sur la démarche, la présence, l’attitude et les codes du défilé.

🪞 REALNESS

La Realness travaille la manière dont une personne est perçue socialement et sa capacité à correspondre de façon crédible aux codes du genre, du rôle ou de l’identité présentés.

💥 VOGUING

Le voguing est l’une des pratiques les plus connues issues de la ballroom. Il existe notamment le Old Way, le New Way et le Vogue Fem.

Chez Lasseindra, une chose est essentielle : « Le voguing, s’il n’y a pas de personnalité, ça danse pas. »

🌍LASSEINDRA NINJA / LASSEINDRA XCLUSIVE LANVIN

Lasseindra a longtemps été connue sous le nom de Lasseindra Ninja, lié à son appartenance à la House of Ninja, fondée par Willi Ninja. Elle est aujourd’hui Lasseindra Xclusive Lanvin.

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🎙️ Les Sens de la Danse

Le podcast qui explore le pouvoir du mouvement : comment il nous transforme, nous relie et donne du sens à nos vies.

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Et si les meilleures questions sur la danse étaient parfois les plus simples ?

Dans ce Pas de côté, je reviens sur une rencontre entre des enfants et des danseurs du CFA du Théâtre du Corps.

Un échange qui dit beaucoup de notre rapport à la danse, à l’apprentissage et à cette drôle d’habitude que l’on prend parfois en grandissant : ne plus oser demander ce qu’on ne comprend pas.

Parce qu’en danse, même quand on a de l’expérience, même quand on monte sur scène, même quand on devient professionnel, il reste toujours quelque chose à chercher, à ressentir, à essayer.

Et peut-être aussi quelque chose à retrouver de l’enfance : la curiosité, la spontanéité, la liberté de poser une question sans se demander si elle est assez brillante.

Un épisode court autour de la danse, du mouvement, de la transmission, de l’apprentissage et de ce que les enfants peuvent parfois nous rappeler sur notre manière de regarder, d’écouter… et de continuer à apprendre.

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Et si, pour cette rentrée, on donnait le micro aux enfants ?

Pour ouvrir cette nouvelle saison des Sens de la Danse, direction le POC d’Alfortville, où une classe de maternelle s’apprête à vivre une journée pas tout à fait comme les autres.

Le matin, la salle est encore vide. 410 fauteuils face à eux. Une vraie scène à découvrir, des lumières, des coulisses, des loges… et quelques heures pour apprivoiser l’espace avant de danser devant le public.

À cinq ou six ans, tout prend une autre dimension.

Il y a le trac, bien sûr. Les respirations pour essayer de le calmer. La joie de découvrir la scène. Les costumes. Le maquillage. Et cette chorégraphie, Voyage au bout de la mer, peuplée de vent, de nuages, d’étoiles et de tortues.

Mais derrière cette journée se cache un projet beaucoup plus large.

Porté par Marie-Pierre Canéla et l’association M'Kowa, il fait travailler ensemble des élèves de différents âges, de la maternelle au lycée, autour de la danse et du spectacle vivant.

Les plus petits apportent leur imaginaire et leur histoire dansée. Les lycéens imaginent des créations plastiques, des vidéos ou encore des costumes capables d’accompagner le mouvement. Parmi eux, Efi, 16 ans, passionnée de stylisme, découvre qu’en créant un vêtement pour des enfants qui dansent, il faut aussi apprendre à regarder une chorégraphie autrement.

Et surtout, les échanges vont dans les deux sens.

Les grands apportent leurs techniques, leurs idées, leur savoir-faire. Mais les petits aussi les obligent à changer de regard, à écouter autrement, à prendre au sérieux leur imaginaire.

Au fil de la journée, on découvre aussi tout ce que la danse peut faire naître bien au-delà du geste : de l’autonomie, de la confiance, une place dans le groupe, la capacité à faire avec les autres.

Puis vient le vrai moment.

Le public entre.

Le trac revient.

Et les enfants montent sur scène.

Après leur propre passage, ils deviennent à leur tour spectateurs et rencontrent les danseurs du CFA du Théâtre du Corps, avec qui ils peuvent échanger directement et poser toutes leurs questions.

Un reportage immersif, drôle et sensible sur ce que la danse peut transmettre dès l’enfance.

Sur ce que signifie trouver sa place.

Sur ce que les plus grands peuvent apprendre des plus petits.

Et sur cette chose assez merveilleuse : avoir peur avant d’entrer sur scène… puis découvrir qu’une fois qu’on y est, finalement, « ça va ».

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Pour Jann Gallois, méditer, c’est danser… mais de l’intérieur.

Ce qu’elle faisait avec le mouvement — désarticuler, réarticuler, harmoniser — elle l’a retrouvé dans la méditation bouddhiste : concentrer l’esprit sur un point, l’observer, le travailler. Encore et encore.

Cet été, à l’occasion du Best-of des Sens de la Danse, je vous propose de redécouvrir ce Pas de côté qui prolonge la deuxième partie de notre échange.

Danse et méditation semblent, à première vue, presque opposées.

L’une met le corps en mouvement. L’autre invite à l’immobilité.

Et pourtant, elles travaillent un territoire commun : l’attention, la présence à soi, le lien entre le dedans et le dehors.

Les neurosciences montrent d’ailleurs que ces pratiques peuvent agir sur des mécanismes proches, notamment ceux liés à l’attention et à la conscience de soi.

Méditer n’est pas simplement s’immobiliser. Danser n’est pas seulement maîtriser.

Les deux demandent d’accueillir ce qui est là. De travailler avec, plutôt que contre.

Pour Jann Gallois, la méditation est même devenue une véritable source créative. Ses idées chorégraphiques peuvent naître de cet espace intérieur cultivé en silence.

Deux disciplines, et peut-être une même question :

comment habiter ce corps, cet esprit, cette vie avec un peu plus de présence et de grâce ?

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Dans cette deuxième partie de mon échange avec Jann Gallois, on descend plus loin.

Cet été, j’ai choisi de remettre à l’honneur cette conversation qui m’avait particulièrement marquée. Car derrière le parcours et la réussite, Jann Gallois raconte aussi ce que l’on voit beaucoup moins : ce qui se passe à l’intérieur quand, soudain, le sens disparaît.

Derrière le succès, Chaillot, les tournées qui se multiplient, il y a une souffrance que personne ne voyait. Un traumatisme intérieur. Une fracture profonde.

Et c’est au cœur de cette chute qu’elle va trouver un chemin inattendu...Le bouddhisme. La méditation. Un travail intérieur radical.

Une transformation qui va changer sa vie, mais aussi sa manière de créer et d’être avec les autres.

On parle de reconstruction et de spiritualité. De ce que signifie se reconstruire quand on a tout misé sur son art. De la différence entre chercher le bonheur dans ses créations… et commencer par le construire en soi.

On parle aussi de transmission.

Au moment de notre échange, Jann Gallois était engagée dans la co-direction de l’Agora à Montpellier. Depuis, une nouvelle étape s’est ouverte dans son parcours : elle est aujourd’hui co-directrice de Montpellier Danse.

Une évolution qui résonne particulièrement avec ce qu’elle raconte dans cet épisode : son désir de transmettre, d’accompagner et de faire une place aux nouvelles générations.

Nous parlons notamment de Boost, une formation pensée pour de jeunes danseurs autodidactes, éloignés des circuits classiques, qui ont développé une singularité forte mais n’ont pas toujours les clés pour entrer dans le milieu professionnel.

Une conviction traverse cette deuxième partie :

Votre danse existe. Et tout peut se danser.

🎧 À écouter aussi : la partie 1 — Apprendre à habiter son corps
👉 [LIEN PARTIE 1]

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Cet été, à l’occasion du Best-of des Sens de la Danse, je vous propose de redécouvrir ce Pas de côté qui prolonge mon échange avec Jann Gallois.

Une exploration sensible d’une notion qui traverse profondément son parcours : notre relation à notre propre corps.

Car habiter son corps n’a rien d’évident.

Il peut nous sembler trop grand. Trop petit. Trop visible. Parfois étranger. On peut vivre avec lui sans vraiment l’écouter, le regarder de l’extérieur, ou avoir l’impression de ne jamais être tout à fait « à sa place ».

Alors, qu’est-ce que cela signifie, réellement, habiter son corps ?

Pourquoi certaines personnes semblent-elles pleinement incarnées, quand d’autres éprouvent une forme de décalage ?

Comment la danse peut-elle devenir un espace de réconciliation ?

Et que se passe-t-il lorsque, par le mouvement, on commence à percevoir son corps autrement ?

À travers la danse, mais aussi la philosophie, la psychologie et l’expérience des danseurs et danseuses, ce Pas de côté explore ce que le mouvement peut révéler de notre identité, de notre rapport au monde et de notre manière de nous sentir vivants.

En écho au parcours de Jann Gallois, une invitation à regarder le corps non plus seulement comme quelque chose que l’on possède ou que l’on montre, mais comme un lieu que l’on peut apprendre à habiter.

Un épisode court, comme une respiration, pour remettre du lien là où parfois tout semble fragmenté.

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🎙️ Et si la danse était une peau… Une manière de refléter et de partager ce que signifie, profondément, être humain ?

Cet été, j’ai choisi de remettre à l’honneur certains des échanges qui m’ont particulièrement marquée dans Les Sens de la Danse. Et celui avec Jann Gallois en fait partie.

Danseuse et chorégraphe majeure de la scène contemporaine, aujourd’hui co-directrice de Montpellier Danse, Jann Gallois a construit un parcours singulier, à la croisée du hip-hop, de la danse contemporaine et de la recherche chorégraphique.

Notre conversation était si riche que je vous la propose à nouveau en deux parties, pendant deux dimanches.

Dans cette première partie, nous remontons aux origines.

Avant la chorégraphe, il y a une enfant qui danse dans son salon. Une danse instinctive, presque animale. Puis une formation musicale exigeante au conservatoire et, très vite, un manque : celui de ne pas pouvoir improviser, de ne pas pouvoir exister librement dans le mouvement.

Le hip-hop ouvre alors une brèche.

Un espace de liberté, d’expérimentation et d’apprentissage autodidacte.

Jann Gallois construit son langage en dehors des cadres traditionnels, entre culture des battles et recherche personnelle. Son approche du corps, à la fois instinctive et structurée, se nourrit ensuite de la danse contemporaine et de rencontres déterminantes.

Très vite, tout s’accélère : premières grandes scènes, collaborations avec des chorégraphes reconnus, tournées, reconnaissance institutionnelle…

Mais derrière cette ascension, un décalage intérieur apparaît.

Plus le succès grandit, plus une forme de perte de sens s’installe.

Dans cette première partie, Jann Gallois revient sur ces années fondatrices : son rapport au corps, à la scène, à la création et à l’interprétation.

Un parcours entre liberté et exigence, instinct et rigueur, hip-hop et écriture contemporaine.

Et déjà, une question qui traverse profondément son histoire : qu’est-ce que l’on cherche vraiment lorsque l’on danse ?

Pour aller plus loin

👤 Artistes & influences

– Thony Maskot — figure du hip-hop et influence de ses débuts
– Peter Goss — structure son regard et son exigence
– Sébastien Lefrançois — premières grandes expériences scéniques
– Sylvain Groud — exploration de l’interprétation avec Elles (2010)
– Angelin Preljocaj — rencontre déterminante avec Royaume Uni (2012)

🏛️ Repères

– Théâtre National de Chaillot — artiste associée plusieurs années
– Suresnes Cités Danse — plateforme majeure du hip-hop chorégraphique
– Montpellier Danse — qu’elle co-dirige aujourd’hui

🎬 Créations

– 2012 — Fondation de la compagnie BurnOut
– 2013 — P=mg
– 2015 — Diagnostic F20.9

🎥 À découvrir aussi : mon entretien avec Angelin Preljocaj

👉 https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/angelin-preljocaj-quand-la-danse-parle-du-vivant

🎧 Épisode disponible sur toutes les plateformes et sur la chaîne YouTube.

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Et si la danse pouvait révéler ce que les mots ne suffisent pas à dire ?

À l’occasion de la rediffusion estivale de mon entretien avec Hervé Koubi, je vous propose de redécouvrir ce Pas de côté consacré à l’une de ses œuvres emblématiques : Ce que le jour doit à la nuit.

Créée en 2013 et inspirée du roman de Yasmina Khadra, cette pièce résonne profondément avec l’histoire personnelle du chorégraphe et traverse des thèmes qui sont au cœur de son travail : l’identité, la mémoire, l’exil, la transmission et l’héritage franco-algérien.

Pour comprendre cette œuvre, il faut revenir à un moment fondateur du parcours d’Hervé Koubi.

Celui où il découvre tardivement ses origines algériennes, part en Algérie sur les traces de son histoire familiale et rencontre des danseurs de rue qu’il décrira comme ses « frères retrouvés ».

Une rencontre qui va profondément transformer sa manière de créer.

Avec eux, Hervé Koubi développe peu à peu une écriture chorégraphique singulière, à la croisée de la danse contemporaine, du hip-hop et des danses de rue, où les corps semblent porter une mémoire qui dépasse les histoires individuelles.

Dans ce Pas de côté, je vous propose donc de revenir sur ce qui relie l’homme, son histoire et son œuvre.

Et sur cette question qui traverse profondément son travail : comment la danse peut-elle devenir un langage capable de relier les cultures, de transmettre une mémoire et, peut-être, de réparer certaines histoires ?

🎧 Pour prolonger l’écoute, retrouvez également l’entretien complet avec Hervé Koubi dans Les Sens de la Danse.

💡 Les références, œuvres et artistes évoqués sont à retrouver dans la description de l’épisode principal.

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🎙️ Les Sens de la Danse, un podcast créé et animé par Myriam Sellam.

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Et si la danse pouvait révéler une part de nous-mêmes que nous ignorions ?

Cet été, je vous propose de redécouvrir quelques épisodes des Sens de la Danse qui m’ont particulièrement marquée.

Et celui avec Hervé Koubi en fait partie.

Chorégraphe français de renommée internationale, Hervé Koubi développe une œuvre à la croisée de la danse contemporaine, du hip-hop et des héritages méditerranéens.

Mais derrière son travail se cache une histoire intime qui va bouleverser son parcours.

Hervé grandit en France sans connaître ses origines algériennes. Il les découvre tardivement.

Cette révélation le conduit en Algérie, à la recherche d’une histoire familiale dont il ne savait presque rien. Là, il rencontre des danseurs de rue dans lesquels il reconnaît quelque chose de lui-même, au point d’avoir, dit-il, « l’impression d’avoir trouvé le frère que je n’ai jamais eu ».

Une rencontre qui transforme profondément sa manière de créer.

À partir de cette histoire personnelle, notre conversation explore ce que signifie appartenir, chercher ses racines, trouver sa place dans un groupe et transmettre une mémoire.

Nous revenons aussi sur son parcours étonnant, de la pharmacie à la danse, ses doutes, la légitimité artistique et la construction d’une œuvre où les corps deviennent des passeurs entre les cultures et les générations.

Un épisode que j’avais particulièrement aimé enregistrer, parce qu’il raconte ce qui est au cœur des Sens de la Danse :

comment le mouvement peut parfois nous aider à comprendre qui nous sommes, d’où nous venons et à quoi nous appartenons.

🎙️ DANS CET ÉPISODE

— Une enfance entre danse et musique
— De la pharmacie à la création chorégraphique
— La découverte de ses origines algériennes
— Le voyage en Algérie et la rencontre avec les danseurs de rue
— Fraternité, identité et appartenance
— Groupe, mémoire et transmission
— Doute et légitimité artistique
— La danse comme langage universel

🎭 PIÈCES ÉVOQUÉES

Le Golem (2000) — création et identité
Ce que le jour doit à la nuit (2013) — inspiré du roman de Yasmina Khadra
Les Nuits barbares (2015) — mémoire des civilisations méditerranéennes
Boys Don’t Cry (2018) — masculinité et émotions
Sol Invictus (2023) — unité, énergie et collectif
No Matter — création internationale

📚 QUELQUES REPÈRES

Yasmina Khadra — Ce que le jour doit à la nuit
Roland Barthes — Fragments d’un discours amoureux
Quentin Tarantino — Boulevard de la mort
Centre International de Danse Rosella Hightower — Cannes

🎧 Podcast créé et animé par Myriam Sellam.

📸 Photo : Sébastien Lozé

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🔗 Compagnie Hervé Koubi: 👉 https://cie-koubi.fr/

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Et si, parfois, la danse ne pouvait pas sauver tout de suite ?

On parle souvent de la danse comme d’une libération. D’un espace où l’on peut se retrouver, s’exprimer, réparer quelque chose.

Mais que se passe-t-il quand le corps, lui, refuse ? Quand il reste en état d’alerte. Quand certains gestes, certaines postures, certaines formes d’exposition réveillent une mémoire douloureuse. Quand bouger librement devient soudain impossible.

Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, je prolonge ma conversation avec Paloma Pradal autour d’un sujet rarement abordé dans le monde de la danse : le corps qui se ferme après un trauma.

À partir de son parcours, cette capsule explore les liens entre danse, trauma, mémoire corporelle et reconstruction.

Pourquoi certains corps n’arrivent-ils plus à bouger comme avant ?

Pourquoi la danse, même lorsqu’elle a toujours été un refuge, ne suffit-elle parfois plus ?

Et surtout : le corps a-t-il besoin de retrouver d’abord un sentiment de sécurité avant de pouvoir revenir au mouvement ?

Je reviens notamment sur les travaux du psychiatre Bessel van der Kolk, auteur de Le corps n’oublie rien, qui a largement contribué à faire connaître l’idée que les expériences traumatiques peuvent continuer à s’inscrire dans nos réactions physiques, bien après les événements eux-mêmes.

Cette réflexion fait aussi écho à Pina Bausch et à cette idée centrale dans son travail : s’intéresser moins à la manière dont les gens bougent qu’à ce qui les fait bouger.

Car lorsqu’un corps cesse de danser, la question n’est peut-être pas seulement :

« Pourquoi ne bouge-t-il plus ? »

Mais plutôt : « De quoi a-t-il besoin pour pouvoir bouger à nouveau ? »

Un épisode court autour de la mémoire du corps, du trauma, de la danse et de la reconstruction, qui invite à regarder autrement notre rapport au mouvement.

🎧 Ce Pas de côté accompagne mon entretien avec Paloma Pradal dans Les Sens de la Danse.

🎥 Voir l’entretien complet avec Paloma Pradal sur YouTube :
https://www.youtube.com/watch?v=UH20K4_fY7Q

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Que reste-t-il de la danse quand le corps dit stop ?

Pour ce Best-of de l’été des Sens de la Danse, je vous propose de redécouvrir ma rencontre avec Paloma Pradal, chanteuse, danseuse et artiste issue d’une grande famille du flamenco.

🎥 Voir l’entretien en vidéo sur YouTube : https://www.youtube.com/watch?v=UH20K4_fY7Q

Je l’ai découverte sur scène au Théâtre du Rond-Point dans son spectacle Et vous, qui êtes-vous ? Un plateau presque vide. Un corps. Une voix. Une présence.

Paloma Pradal danse depuis l’enfance. Elle grandit dans le flamenco, la musique et la transmission familiale avant de se tourner aussi vers le chant : concerts, collaborations, passage dans The Voice, puis l’album Rabia en 2018.

Mais derrière cette trajectoire artistique, il y a aussi l’histoire d’un corps marqué par les violences, qui finit par se fermer. Jusqu’à ne plus pouvoir danser.

Dans cet épisode, elle revient avec une grande sincérité sur le lien entre danse et trauma, la mémoire du corps, la fibromyalgie, la douleur, mais aussi sur ce qui peut permettre, peu à peu, de retrouver le mouvement.

Une conversation sur le flamenco et la scène, bien sûr, mais aussi sur la reconstruction, l’écoute de soi et cette question : peut-on réapprendre à habiter son propre corps ?

🎧 LES REPÈRES DE L’ÉPISODE

🔥 Le duende quand quelque chose dépasse la technique
Dans le flamenco, il désigne cet instant où une force semble traverser l’artiste. Une émotion brute, presque incontrôlable, qui dépasse la virtuosité. Le poète Federico García Lorca en a fait une théorie dans Jeu et théorie du duende.

💃 Le flamenco — un langage d’enfance
Né et développé en Andalousie, le flamenco mêle chant, musique et danse. Il est profondément lié à la culture gitane, à la transmission, à la douleur, à la fête et à la résistance. Pour Paloma, ce n’est pas une discipline apprise plus tard : c’est un langage transmis dès l’enfance.

🎶 Grandir dans un bain musical hors norme
Chez les Pradal, la musique est partout. Paloma évoque Maria Callas, Paco de Lucía, Camarón de la Isla, Leonard Cohen ou Bob Dylan : des artistes chez qui le texte, l’interprétation et l’émotion sont indissociables.

📚 Lorca, Borges, Neruda
Son imaginaire est aussi nourri par Federico García Lorca, Jorge Luis Borges et Pablo Neruda : 3 auteurs qui interrogent chacun à leur manière, la mémoire, l’identité, le corps et l’intime.

🧠 Le corps comme mémoire
Le corps peut parfois continuer à porter la trace de ce que l’on a traversé : se contracter, résister, se protéger. Paloma parle ici de fibromyalgie et de la manière dont son rapport à la danse s’est transformé.

🎤 Des artistes “habités”
Elle cite aussi Billie Holiday et Jacques Brel, 2 figures capables de transformer leur vécu en une émotion brute et universelle. Une autre manière, peut-être, de parler du duende.

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📸 Photo : Rémi Hostekind

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Cet été, Les Sens de la Danse vous propose de redécouvrir quelques-uns des épisodes qui ont marqué le podcast. Pour prolonger l'écoute de celui consacré à Jolie Ngemi, je vous invite à (re)découvrir ce Pas de côté dédié à trois grandes figures de la danse contemporaine africaine : Germaine Acogny, Nadia Beugré et Nora Chipaumire.

Trois parcours singuliers. Trois visions du corps. Mais un même élan : ouvrir des chemins, transmettre et faire émerger de nouvelles manières de danser, de créer et de raconter le monde.

De la fondation de l'École des Sables par Germaine Acogny à l'engagement physique et politique de Nadia Beugré, jusqu'à la puissance radicale de Nora Chipaumire, cette capsule propose quelques repères essentiels pour mieux comprendre les héritages qui nourrissent aujourd'hui des artistes comme Jolie Ngemi.

Car derrière chaque parcours individuel se cache une histoire plus vaste : celle de femmes qui ont déplacé les regards et affirmé que le corps africain n'était pas seulement un corps à observer, mais un corps qui crée, pense, résiste et invente.

Un éclairage précieux pour mieux comprendre les filiations, les transmissions et les enjeux qui traversent la danse contemporaine africaine.

🎧 Dans ce Pas de côté, on parle notamment :
– de la naissance de la danse contemporaine africaine ;
– de l'École des Sables et de la transmission ;
– du corps comme espace politique ;
– des héritages coloniaux et du regard occidental ;
– de trois figures féminines majeures qui ont ouvert la voie à toute une génération d'artistes.

🎙️ Les Sens de la Danse est un podcast indépendant créé par Myriam Sellam, qui explore comment le mouvement nous transforme, nous relie et donne du sens à nos vies.

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#lessensdeladanse #podcast #danse #dansecontemporaine #africandance #germaineacogny #nadiabeugre #norachipaumire #joliengemi #bestof

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À Kinshasa, la musique est partout. Elle traverse les rues, les fêtes, les églises. Et parfois, elle devient une manière de tenir debout.

Cet été, je vous propose de redécouvrir un épisode qui m'a profondément marquée et que j'avais très envie de partager à nouveau avec vous.

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Jolie Ngemi, danseuse et chorégraphe originaire de Kinshasa.

Elle revient sur un parcours aussi singulier qu'inspirant : ses débuts entre l'église protestante de son père et les danses urbaines de Kinshasa, les interdits familiaux, sa rencontre déterminante avec Jacques BanaYanga, puis sa formation à P.A.R.T.S. à Bruxelles.

Depuis, elle a collaboré avec plusieurs grandes figures de la danse contemporaine, tout en développant une écriture profondément personnelle, nourrie par ses racines congolaises. Sa création MBOK'ELENGI porte cette énergie si particulière de Kinshasa, où la joie devient une manière de résister, de faire communauté et de continuer à avancer.

En lingala, Mboka signifie « le pays », « le territoire ». Elengi, c'est « la joie », « la saveur », « le plaisir ». À travers cette pièce, Jolie fait entrer sur scène toute la vitalité de Kinshasa et nous rappelle que la danse peut être une manière de célébrer la vie, même lorsque tout semble vaciller.

Au fil de notre conversation, nous parlons de mémoire, de transmission, d'identité, de création… mais aussi de liberté, d'exil, de courage et de cette question qui traverse tout son travail : Et si la danse était une manière de rester debout ?

C'est un épisode profondément humain qui, à chaque réécoute, me rappelle combien le mouvement peut devenir un langage, un refuge et une force de transformation.

🎧 Je suis très heureuse de vous le faire découvrir — ou redécouvrir — dans ce Best of de l'été.

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LES REPÈRES DE L'ÉPISODE

🩰 Jolie Ngemi
Danseuse et chorégraphe congolaise, née à Kinshasa. Son travail mêle danses urbaines, traditions congolaises et création contemporaine.

🩰 Jacques BanaYanga
Danseur et chorégraphe congolais. Il joue un rôle déterminant dans les débuts de Jolie Ngemi.

🩰 P.A.R.T.S.
École internationale de danse contemporaine à Bruxelles, fondée par Anne Teresa De Keersmaeker et Theo Van Rompay.

🩰 Germaine Acogny
Figure majeure de la danse contemporaine africaine et fondatrice de l'École des Sables au Sénégal.

🩰 Nadia Beugré
Chorégraphe ivoirienne dont le travail engagé a marqué la scène chorégraphique contemporaine.

🩰 Nora Chipaumire
Chorégraphe zimbabwéenne reconnue pour ses créations puissantes autour du corps, de l'identité et de l'histoire africaine.

🤝 Collaborations évoquées

• Boris Charmatz
• David Zambrano
• Ula Sickle
• Yann Leguay

🎭 Œuvres citées

• MBOK'ELENGI, création de Jolie Ngemi.
Une ode à Kinshasa, à son énergie collective et à cette joie qui résiste.

🎵 Quelques artistes qui accompagnent l'univers de cet épisode

• Baloji
• Fally Ipupa
• DJ Arafat
• Bill Clinton Kalonji

Tous ces noms jalonnent le parcours de Jolie Ngemi et ouvrent autant de portes vers d'autres univers artistiques. Si l'un d'eux éveille votre curiosité, je vous encourage à aller les découvrir.

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Pourquoi la danse est-elle aujourd'hui présente dans les hôpitaux, les maisons de retraite ou les lieux de soin ?

Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, Myriam Sellam retrace les grandes étapes de cette évolution à travers quelques repères historiques et internationaux.

Des expérimentations d'Anna Halprin aux États-Unis dans les années 1960 jusqu'au développement de la community dance au Royaume-Uni, découvrez comment la danse a progressivement quitté les scènes traditionnelles pour rencontrer des corps fragilisés, sans jamais perdre sa dimension artistique.

Une capsule pour mieux comprendre pourquoi, aujourd'hui, le mouvement est reconnu comme un langage accessible à tous les corps, quels que soient l'âge, la maladie ou les capacités physiques.

🎙️ Une ressource idéale pour prolonger l'écoute de l'épisode avec Aude Michon et découvrir l'histoire, souvent méconnue, de la danse en milieu de soin.

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Et si la danse pouvait encore exister là où l'on ne l'attend plus ?

Dans ce best of estival des Sens de la Danse, je vous propose de redécouvrir l'une des conversations qui m'a le plus profondément marquée.

Aude Michon est danseuse, chorégraphe et fondatrice de l'association Elles Dansent. Depuis plus de dix ans, elle fait entrer la danse dans les hôpitaux, au plus près des personnes touchées par le cancer, mais aussi jusque dans les chambres et parfois au chevet de patients en soins palliatifs.

Au fil de cet échange, elle raconte comment la danse a quitté les scènes traditionnelles pour devenir un geste de présence, une rencontre, un langage lorsque les mots ne suffisent plus.

Comment danser avec des corps fragilisés ? Que peut la danse face à la maladie ? Comment accompagner sans jamais chercher à sauver ?

Au-delà de son engagement auprès des patients, Aude Michon revient aussi sur son propre parcours : une formation classique exigeante, un premier métier dans le notariat, puis le choix de tout quitter pour inventer une autre manière de faire vivre la danse.

Une conversation profondément humaine sur le mouvement, la vulnérabilité, la présence, la joie... et sur cette incroyable capacité qu'a parfois la danse à remettre un peu de vie là où tout semble suspendu.

🔗 Pour aller plus loin

🎥 Découvrez également le reportage Elles Dansent, réalisé auprès de femmes touchées par la maladie et évoqué dans cet épisode :

👉 https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/episode-special-octobre-rose-elles-dansent-quand-la-vie-fait-un-pas-de-cote

🎧 Les Sens de la Danse est un podcast créé et animé par Myriam Sellam, qui explore le pouvoir du mouvement à travers des conversations approfondies avec des artistes, danseurs, chorégraphes et celles et ceux qui font de la danse un véritable langage de transformation.

Si cet épisode vous touche, n'hésitez pas à le partager, à laisser un commentaire et à lui attribuer ⭐⭐⭐⭐⭐ sur votre plateforme d'écoute. C'est grâce à vous que ces histoires continuent de voyager.

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Créé en 1994 pour le Ballet de l'Opéra de Paris, Le Parc est l'une des œuvres les plus emblématiques d'Angelin Preljocaj. Plus de trente ans après sa création, ce ballet continue de fasciner les spectateurs et s'impose comme un incontournable de la danse contemporaine.

Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, je vous propose de découvrir l'histoire de cette œuvre majeure : son contexte de création, les inspirations qui l'ont nourrie et les raisons pour lesquelles Le Parc continue de nous bouleverser aujourd'hui.

Portée par la musique de Mozart et inspirée de l'univers des jardins à la française, la pièce explore les jeux de séduction, le désir, le regard et la relation à l'autre. Loin d'une simple histoire d'amour, Angelin Preljocaj dessine une véritable cartographie des relations humaines, où chaque geste, chaque silence et chaque distance racontent quelque chose de notre manière d'aimer.

À travers des scènes devenues mythiques, notamment le célèbre baiser suspendu, Le Parc interroge la confiance, le consentement, le rapprochement des corps et la puissance du mouvement. Une œuvre dont la lecture évolue au fil des époques, parce que notre regard sur les relations, le désir et les corps ne cesse lui aussi de se transformer.

Cette capsule est une invitation à mieux comprendre l'univers d'Angelin Preljocaj avant ou après l'écoute de son entretien dans Les Sens de la Danse.

🎙️ Les Sens de la Danse, le podcast qui explore comment le mouvement nous transforme, nous relie et donne du sens à nos vies.

Si cette capsule vous a plu, pensez à vous abonner, à laisser 5 étoiles sur votre plateforme d'écoute et à la partager autour de vous. Votre soutien permet de faire découvrir la danse au plus grand nombre.

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Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Angelin Preljocaj pour une conversation au long cours sur la danse comme langage du vivant, du temps et de la relation à l'autre.

Il revient sur son enfance, l'exil de ses parents albanais, et la manière dont cette histoire familiale a façonné son rapport au corps, à la rigueur et à la création.

Au fil de l'entretien, il évoque sa formation, de Karin Waehner à Merce Cunningham, ainsi que la construction d'une écriture chorégraphique exigeante et profondément singulière. Une danse où la contrainte n'enferme jamais le geste, mais crée les conditions de son surgissement. Il parle de la danse comme d'un art capable de dire ce que les mots ne savent pas formuler, de relier les corps à l'espace, au temps et aux autres.

L'épisode explore son processus de création, la place du collectif, les collaborations artistiques et la transmission de la danse dans des contextes variés : prisons, hôpitaux, écoles ou espace public. Une conviction traverse tout cet échange : la danse est un acte de relation, profondément ancré dans le réel, une manière de rencontrer l'autre autant que soi-même.

Angelin Preljocaj aborde également le temps long, la mémoire et la finitude à travers Requiem(s), une œuvre qui ne représente pas seulement la disparition, mais célèbre avant tout l'élan du vivant. Alors que cette pièce poursuit sa tournée à l'été 2026 et qu'il prépare sa nouvelle création Soulèvement, cet échange résonne avec une actualité artistique particulièrement riche.

Au-delà de son œuvre, cette conversation nous invite à réfléchir à ce que la danse révèle de notre humanité : notre fragilité, notre capacité à créer du lien et à transformer nos expériences en mouvement.

Un épisode dense et profondément inspirant pour entrer au cœur de la pensée d'un des plus grands chorégraphes contemporains.

Si cet épisode vous touche, je vous invite à le partager autour de vous, à lui laisser un commentaire et à lui attribuer 5 étoiles sur votre plateforme d'écoute. C'est grâce à votre soutien que Les Sens de la Danse continue de faire voyager les histoires et les artistes qui façonnent le monde de la danse.

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Cet épisode a été enregistré au Théâtre des Champs-Élysées, que je remercie chaleureusement pour son accueil et la mise à disposition d'un espace de travail propice à cet échange.

Photo : Julien Bengel.

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Dans ce Pas de côté du podcast Les Sens de la Danse, je vous propose une plongée dans l'histoire du flamenco, un art né en Andalousie au XVIIIᵉ siècle, à la croisée des cultures gitanes, arabes, juives et populaires espagnoles.

À l'occasion du best of consacré à Rubén Molina, dont le spectacle La Salida poursuit aujourd'hui sa tournée avec de nouvelles représentations, cette capsule vous offre les clés pour mieux comprendre l'univers dans lequel s'inscrit son travail.

Nous revenons sur les origines du flamenco, son développement dans les cafés-concerts, la structuration des différents styles flamencos et le rôle essentiel de la transmission à travers les écoles, les conservatoires et les lieux emblématiques de formation.

Pensée comme un repère pédagogique, cette capsule permet de mieux comprendre le flamenco contemporain, son évolution et la manière dont les artistes d'aujourd'hui font vivre cet héritage tout en le réinventant.

Un contenu idéal pour celles et ceux qui souhaitent découvrir le flamenco, approfondir leur culture chorégraphique ou enrichir leur écoute de l'épisode avec Rubén Molina.

🎙️ Les Sens de la Danse est un podcast imaginé et réalisé par Myriam Sellam, journaliste, réalisatrice et passionnée de danse. À travers des entretiens, des reportages et des capsules comme ce Pas de côté, il explore le pouvoir du mouvement, la transmission artistique et les parcours de celles et ceux qui font vivre la danse.

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Le flamenco est-il une danse… ou une manière d'habiter le monde ?

À l'occasion de ce best of estival des Sens de la Danse, je vous propose de redécouvrir ma rencontre avec Rubén Molina, danseur et chorégraphe originaire de Cordoue, dont le parcours incarne toute la richesse d'un flamenco profondément enraciné dans la tradition et résolument tourné vers la création.

Depuis notre entretien, Rubén Molina a poursuivi son parcours sur les plus grandes scènes. Il était notamment à l'affiche du Grand Échiquier sur France Télévisions, dans une émission exceptionnelle consacrée à la Méditerranée, confirmant la place qu'il occupe aujourd'hui parmi les grands artistes de la scène flamenca. Son spectacle La Salida, œuvre intime consacrée à la transformation, à la mémoire et aux femmes qui ont façonné son parcours, poursuit également sa tournée avec de nouvelles représentations, notamment le 21 mars 2027 au POC d'Alfortville puis le 4 mai 2027 au Théâtre des Champs-Élysées.

Dans cette conversation, Rubén revient sur son enfance en Andalousie, sa formation au Conservatoire de Cordoue puis au Conservatoire supérieur de Madrid, son passage par le mythique studio Amor de Dios et sa découverte de la danse contemporaine à Londres, qui transformera profondément sa manière d'aborder le flamenco.

Nous parlons de transmission, d'identité, de création, de blessures, de liberté et de ce dialogue permanent entre la tradition et l'invention.

Rubén raconte également la naissance de La Salida, une œuvre profondément personnelle qui interroge les passages de la vie, les héritages que nous recevons et les portes que nous choisissons d'ouvrir pour devenir pleinement nous-mêmes.

Une conversation qui dépasse largement le flamenco et nous invite à réfléchir à ce que la danse révèle de notre histoire, de notre mémoire et de notre manière d'être au monde.

🎙️ Un entretien mené par Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast.

Si cet épisode vous touche, je vous invite à vous abonner aux Sens de la Danse, à laisser cinq étoiles sur votre plateforme d'écoute et un commentaire. Votre soutien est précieux : il permet à ce projet indépendant de continuer à faire rayonner les artistes qui donnent sens à la danse.

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À l'occasion de ce best of, je vous propose de redécouvrir ce Pas de côté consacré au sabar, quelques semaines après qu'Amala Dianor a été nommé Personnalité chorégraphique de l'année par le Syndicat de la critique professionnelle théâtre, musique et danse.

Pour mieux comprendre son parcours, il faut remonter à l'une de ses racines : le sabar, danse et tradition rythmique majeure du Sénégal.

Bien plus qu'une danse, le sabar est un espace de dialogue entre le danseur et les tambours, entre l'individu et le collectif. Une pratique vivante, sociale et festive, où l'écoute, la précision et l'énergie du cercle façonnent le mouvement.

À travers cet éclairage, on comprend autrement ce qui traverse aujourd'hui l'œuvre d'Amala Dianor : son rapport au rythme, son goût du dialogue entre les cultures et cette conviction que la danse peut devenir un espace de rencontre et de vivre-ensemble, comme en témoigne notamment sa pièce DUB.

Je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse. À travers ces Pas de côté, je vous propose d'explorer l'histoire, les traditions et les cultures qui éclairent autrement les parcours de mes invités.

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« Mon ADN est purement hip-hop. Ma structure, ma colonne vertébrale. »

Depuis la diffusion de cet épisode, Amala Dianor a été nommé Personnalité chorégraphique de l'année par le Syndicat de la critique professionnelle théâtre, musique et danse. Une distinction qui récompense l'ensemble de son œuvre et confirme la place singulière qu'il occupe dans la danse contemporaine.

C'est l'occasion de redécouvrir cette conversation.

Né à Dakar et arrivé en France à l'âge de 7 ans, Amala grandit entre le sabar sénégalais, la culture hip-hop, Michael Jackson et les arts martiaux. Très tôt, la danse devient pour lui un langage, un refuge et un espace de liberté.

De la télévision des années 1980 à l'émission de Sidney, des battles en Haute-Savoie et à Angers jusqu'au Centre national de danse contemporaine (CNDC), il traverse les esthétiques.

Hip-hop, contemporain, néo-classique : il refuse de choisir. Il refuse de s'enfermer.

« Comment rester libre dans ma danse ? »

Dans cette conversation, Amala revient sur :

• son enfance au Sénégal et la puissance du sabar ;

• son arrivée en France et le choc culturel ;

• le racisme et la prise de conscience dans le monde du travail ;

• son passage audacieux vers la danse contemporaine ;

• son désir de faire dialoguer les esthétiques plutôt que de les opposer ;

• la création de sa compagnie en 2012 ;

• la naissance de DUB, pièce manifeste réunissant onze danseurs venus de communautés urbaines du monde entier.

Avec DUB, Amala cherche à « recréer l'utopie du vivre ensemble sur scène ». Une œuvre lumineuse, puissante et profondément politique.

Depuis cet enregistrement, son parcours continue de s'écrire. Artiste associé à la MC2: Grenoble, il prépare actuellement Àddina, une création réunissant des interprètes d'Amérique latine et d'Asie, qui sera créée en 2027.

🎧 Les Sens de la Danse explore le pouvoir du mouvement à travers des conversations approfondies avec celles et ceux qui font vivre la danse.

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Photo: Jérome Bonnet

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Bienvenue dans Un pas de côté, une capsule du podcast Les Sens de la Danse imaginée par Myriam Sellam pour éclairer chaque épisode.
Chaque dimanche, une voix, une histoire, un parcours intime. Et parfois, pour mieux comprendre ce qui se joue entre les mots, il suffit de faire… un pas de côté.

Cette fois, on prolonge la rencontre avec Claire Francisci-Ducret, danseuse durant 6 années au Crazy Horse Paris — ce cabaret mythique qui a fait du corps féminin un langage à part entière.
Car pour saisir la portée de son parcours, il faut aussi comprendre le lieu qui l’a façonnée.

Le Crazy Horse n’est pas un cabaret comme les autres.
Fondé en 1951 par Alain Bernardin, il est né d’une fascination pour la beauté, la lumière et la perfection du geste. Ici, pas de strass criards ni de froufrous tapageurs : tout est question d’angle, de ligne, de précision.
Les danseuses — les célèbres Crazy Girls — ne sont pas seulement des interprètes : ce sont des instruments de lumière, des sculptures vivantes. Leurs corps deviennent toiles, leurs mouvements, calligraphies.

Derrière cette esthétique millimétrée, il y a une véritable chorégraphie du regard.
L’art du Crazy Horse, c’est celui de la suggestion, du mystère, de la géométrie sensuelle. Un univers où l’érotisme se fait stylisé, abstrait, presque conceptuel.
Et pourtant, derrière le fantasme, se cache une discipline de fer : répétitions, rigueur, synchronisation parfaite. Les shows du Crazy sont le fruit d’une exigence rare, héritée du ballet et du music-hall.

En revisitant ce lieu à travers l’histoire et l’esthétique, cette capsule interroge :
👉 Comment un cabaret a-t-il pu devenir un symbole d’émancipation et d’art contemporain ?
👉 Comment la lumière peut-elle devenir chorégraphie ?
👉 Et qu’est-ce que le Crazy dit, finalement, de notre rapport au corps féminin ?

Aujourd’hui encore le Crazy Horse se réinvente sans trahir son ADN : celui d’un art sensuel, précis et profondément visuel. Un lieu où la danse se mêle à la photographie, au cinéma, à la mode.

De Dita Von Teese à Beyoncé, de Christian Louboutin à Chanel, le Crazy continue d’inspirer les créateurs du monde entier.

💃 Une plongée au cœur d’un mythe parisien, entre ombre et lumière, discipline et liberté.

Un hommage à ce lieu unique où la danse se fait illusion, et où le regard du spectateur devient, lui aussi, un acte chorégraphique.

🎙️ Écriture, narration et réalisation : Myriam Sellam

👉 Abonnez-vous à Les Sens de la Danse pour découvrir d’autres capsules Un pas de côté et plonger au cœur des histoires que le mouvement raconte.

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Cet été, je vous propose de (re)découvrir les épisodes qui vous ont le plus touchés.

Et parmi eux, cette rencontre avec Claire Francisci-Ducret, qui nous invite à porter un autre regard sur la pole dance, entre exigence, liberté et reconquête du corps.

Sous les lumières du Crazy Horse, elle a dansé la rigueur, la précision, la beauté géométrique du geste.

Sur la barre verticale de la pole dance, elle a trouvé la liberté, la force et la reconquête du corps.

Dans cet épisode, Claire Francisci-Ducret, danseuse, chorégraphe et fondatrice de Pole Spirit Paris, revient sur un parcours aussi exigeant qu'inspirant : de ses débuts au Conservatoire d'Avignon à la scène mythique du Crazy Horse, jusqu'à la création de sa propre école à Paris.

Pendant six ans, elle a dansé au Crazy Horse, temple de la lumière et de la discipline, où chaque mouvement se mesure au millimètre près.

Aujourd'hui, elle enseigne la pole dance comme un art du courage et du dépassement, un espace où le corps se libère des normes, où la puissance et la douceur se rencontrent.

Dans cette conversation enregistrée au sein de son école, Claire nous parle de :
• rigueur et sensualité,
• confiance en soi et dépassement,
• beauté du geste et puissance intérieure,
• cette liberté que seule la danse peut offrir.

Elle raconte comment elle a su transformer la discipline en art, et l'exigence en élan de vie.

🎙️ Les Sens de la Danse est un podcast imaginé et réalisé par Myriam Sellam, journaliste et passionnée de danse, qui explore le pouvoir infini du mouvement, celui qui libère, transforme et révèle.

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✨ Et comme tout l'été, retrouvez également de nouvelles capsules Un pas de côté pour continuer à explorer l'histoire, les coulisses et les multiples visages de la danse.

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Pourquoi les derviches tournent-ils sur eux-mêmes pendant de longues minutes, parfois pendant des heures ?

Dans ce Pas de côté, nous remontons aux origines de cette pratique fascinante née au XIIIᵉ siècle autour du poète mystique Rûmî et de la tradition soufie.

À travers l'histoire du tournoiement, ses symboles, sa dimension spirituelle mais aussi les découvertes des neurosciences sur les états de conscience, nous explorons ce que cette danse raconte de notre rapport au corps, à la présence et au monde.

Une plongée dans l'une des pratiques les plus mystérieuses de l'histoire de la danse, éclairée par le parcours de Rana Gorgani.

🎙️ Un épisode de Les Sens de la Danse avec Myriam Sellam.

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Deux ans après notre première rencontre, Rana Gorgani est de retour dans Les Sens de la Danse.

Lorsque nous avions échangé pour la première fois, nous parlions de spiritualité, de transmission et de danse soufie. Depuis, le monde a changé. Et son travail aussi.

Née en Allemagne d'une mère iranienne et d'un père kurde d'Iran, Rana Gorgani est aujourd'hui l'une des rares femmes au monde à se revendiquer derviche tourneur.

Aujourd'hui, nous revenons sur les bouleversements de ces deux dernières années : la guerre, le mouvement Femme, Vie, Liberté, les spectacles annulés, la calligraphie, la notion de trace et la naissance d’Operation Epic Fury, création présentée le 11 juillet 2026 lors de La Nuit de l’Année aux Rencontres d’Arles.

Une conversation sur la foi, l'engagement, les femmes, l'art et le pouvoir de la danse lorsqu'elle devient une manière de répondre au monde.

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📚 RÉFÉRENCES & REPÈRES

🎙️ Épisodes précédents avec Rana Gorgani

• Partie 1 : quand la danse soufie se conjugue au féminin et inspire les Iraniennes
https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/rana-gorgani-quand-la-danse-soufie-se-conjugue-au-feminin-et-inspire-les-iraniennes

• Partie 2 : quand la danse soufie se conjugue au féminin et inspire les Iraniennes
https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/rana-gorgani-quand-la-danse-soufie-se-conjugue-au-feminin-et-inspire-les-iraniennes-2eme-et-derniere-partie

👤 Artistes, penseurs & influences

• Rûmî — poète soufi persan du XIIIᵉ siècle, référence majeure de la spiritualité et du tournoiement.

• Marjane Satrapi — autrice de Persepolis, œuvre emblématique sur l'Iran, l'exil et la liberté des femmes. Décédée le 4 juin 2026.

• Carolyn Carlson — chorégraphe majeure de la danse contemporaine, connue pour son travail autour de la calligraphie dansée et de la trace laissée par le mouvement.

• Maryam Saeedpoor — photographe iranienne dont les images sont au cœur de la création Operation Epic Fury.

🔥 Événements évoqués

• Jeux Olympiques de Paris 2024 — Rana Gorgani porte la flamme olympique en hommage aux femmes iraniennes.

• Mouvement Femme, Vie, Liberté — mouvement né après la mort de Mahsa Jina Amini en 2022.

• Operation Epic Fury — opération militaire américaine contre l'Iran ayant inspiré le titre de la création de Rana.

🎭 Œuvres & créations

• Operation Epic Fury (2026) — création présentée le 11 juillet 2026 lors de La Nuit de l'Année, dans le cadre de la 57ᵉ édition des Rencontres d'Arles.

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Peut-on transmettre une passion sans jamais l'enseigner ?

Pourquoi certaines familles semblent-elles liées au mouvement, à l'art ou à la danse depuis plusieurs générations ?

Dans cet épisode de Un Pas de Côté, je vous emmène explorer une question fascinante née de ma rencontre avec la chorégraphe Joséphine Tilloy : que transmettons-nous réellement à travers les générations ?

Entre histoire de la danse, transmission culturelle, mémoire du corps et héritages invisibles, ce voyage nous invite à regarder autrement les gestes qui nous construisent.

Une réflexion sensible sur ce qui circule de corps en corps, parfois sans un mot.

🎧 Un Pas de Côté est le format court du podcast Les Sens de la Danse, où chaque épisode explore une idée, une histoire ou une question soulevée par une rencontre.

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Que transmettons-nous sans le savoir ?

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Joséphine Tilloy.

Chorégraphe, interprète et fondatrice de la compagnie Vibrisses, elle explore à travers ses créations les liens entre mémoire, héritage, féminité et mouvement.

Issue de quatre générations d’artistes, elle grandit entre la danse, la gymnastique, les arts plastiques et le théâtre avant de construire une écriture singulière à la croisée de la danse contemporaine, de la performance et de la transmission.

Aujourd’hui, ses pièces interrogent les récits que les corps conservent, les normes qui les traversent et les traces invisibles laissées par celles et ceux qui nous ont précédés.

Dans cet épisode, nous parlons de son parcours, de son rapport à la création, du rire comme matière chorégraphique, de maternité, de mémoire familiale et de cette question qui traverse tout son travail : que gardent les corps des histoires qui les ont précédés ?

Une conversation sensible autour de la danse comme archive vivante.

🎧 LES REPÈRES DE L'ÉPISODE

👵 LÉONCE

Léonce est l’arrière-grand-mère de Joséphine Tilloy.

Danseuse et chorégraphe, elle devient le point de départ d’une enquête intime qui donnera naissance au premier solo de Joséphine.

Une figure fondatrice qui interroge la transmission familiale, les souvenirs, les absences et ce qui continue de vivre à travers les générations.

🎭 DES RENCONTRES MARQUANTES

— Boris Charmatz : chorégraphe majeur de la danse contemporaine française, connu pour son travail autour du corps, de la mémoire et des archives.

— Robyn Orlin : chorégraphe sud-africaine dont les créations mêlent humour, engagement politique et performance.

— Mark Tompkins : figure incontournable de l’improvisation et de la performance contemporaine.

— Olga de Soto : chorégraphe explorant la mémoire des spectacles et les traces laissées dans les corps.

— Bouchra Ouizguen : chorégraphe marocaine reconnue pour ses créations autour des femmes, du rituel, de la voix et de la transe.

🩰 LES ŒUVRES ÉVOQUÉES

— Rosalie : création chorégraphique qui questionne les mécanismes de la séduction et la manière dont les normes sociales façonnent nos mouvements.

— Evila : pièce pour trois femmes explorant les stéréotypes féminins à travers le rythme, la répétition, le collectif et le rituel.

— Léonce : premier solo de Joséphine Tilloy autour de son histoire familiale, du rire, de la mémoire et des traces invisibles que nous portons.

— Figures : projet de transmission mené auprès de collégiens autour des figures féminines et queer dans le sport et dans l’art.

🏛️ LES LIEUX ET FORMATIONS ÉVOQUÉS

— Académie Internationale de la Danse (AID)

— Rencontres Internationales de Danse Contemporaine (RIDC)

— Université Paris 8

— Charleroi Danse

— La Cambre

— INSAS (Institut National Supérieur des Arts du Spectacle)

— Université Libre de Bruxelles (ULB)

✨ COMPAGNIE VIBRISSES

Structure fondée par Joséphine Tilloy en 2019 pour porter ses créations chorégraphiques, ses projets de transmission et ses recherches autour de la mémoire, du corps et des récits collectifs.

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Pourquoi certains lieux deviennent-ils des refuges pour les artistes ?

Dans ce Pas de côté, je vous emmène dans l’un des endroits les plus emblématiques de Paris : le Ritz.

Derrière ses façades élégantes et son histoire prestigieuse se cache un lien discret mais profond avec le monde de la création.

Écrivains, musiciens, comédiens, danseurs… depuis plus d’un siècle, des générations d’artistes ont franchi ses portes.

Qu’est-ce qui les attire dans ces lieux ?
Pourquoi certains espaces semblent-ils nourrir l’imaginaire plus que d’autres ?

Une parenthèse pour regarder autrement un lieu que l’on croit connaître.

🎙️ Un Pas de côté est le format court des Sens de la Danse, le podcast qui explore le pouvoir du mouvement, des lieux et des histoires qui les relient.

✨ Pour prolonger l’écoute, découvrez également mon entretien avec Frédéric Fontan, directeur artistique à l’origine des Nuits Étoilées, un nouveau festival qui fera dialoguer danse, musique et patrimoine au cœur du Ritz Paris les 13,14 et 15 juin.

🎧 Podcast créé et présenté par Myriam Sellam

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Danser sur scène… puis faire danser les lieux : comment passe-t-on de l’autre côté du rideau ?

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Frédéric Fontan.

Nous nous rencontrons au Ritz Paris, dans le jardin où se tiendront les 13, 14 et 15 juin les Nuits Étoilées.

Un nouveau festival dont il est l’initiateur et le directeur artistique, réunissant danseurs de l’Opéra de Paris, chanteurs lyriques et musiciens dans l’un des lieux les plus emblématiques de la capitale.

Mais avant d’imaginer des expériences immersives pour certaines des plus grandes maisons de luxe, Frédéric Fontan a lui-même passé quatorze ans sur scène. Danseur, chanteur, comédien.

Né à Saint-Gaudens, au pied des Pyrénées, il grandit entre les chants populaires, la nature, les études scientifiques et une passion dévorante pour le spectacle vivant.

Dans cet épisode, il revient sur son enfance, le harcèlement scolaire, la danse comme espace de liberté, sa carrière artistique, puis sa transition vers la direction artistique.

Une conversation sur le mouvement, l’imaginaire, la transmission et le pouvoir des lieux.

🎧 LES REPÈRES DE L'ÉPISODE

🏔️ LES PYRÉNÉES

Il a grandit à Saint-Gaudens, dans le Comminges, au pied des Pyrénées. Une terre de traditions où le chant, la danse et la transmission populaire font partie du quotidien.

📚 AUTRES RÉFÉRENCES ÉVOQUÉES

— Jacques Chazot (1928-1993) : danseur étoile de l’Opéra de Paris

— Les Bateaux sur la terrasse de Jessé Rémond Lacroix : un roman qui aborde notamment l’homosexualité, le harcèlement scolaire et la construction de soi.

— Jorge Donn (1947-1992) : danseur et figure mythique du Ballet du XXe Siècle de Maurice Béjart, disparu du sida à 45 ans.

🎭 DES RENCONTRES MARQUANTES

— James Carles, figure incontournable de la danse jazz en France et fondateur du centre James Carles à Toulouse.

🌙 LES NUITS ÉTOILÉES

Le nouveau festival imaginé par Frédéric Fontan au Ritz Paris les 13, 14 et 15 juin 2026

Trois soirées conçues comme un voyage entre danse, musique, opéra et patrimoine.

💃 Les artistes

— Roxane Stojanov, danseuse étoile de l’Opéra de Paris et marraine du festival.

— Andrea Sarri, premier danseur de l’Opéra de Paris.

— Florent Melac, danseur étoile de l’Opéra de Paris.

— Maia Makhateli, danseuse étoile du Ballet national des Pays-Bas.

— Agnès Letestu et Alice Renavand, anciennes danseuses étoiles de l’Opéra de Paris.

— Mathieu Ganio, danseur étoile de l’Opéra de Paris.

Informations et réservations : https://www.ritzparis.com/fr-fr/ritz-paris/nuits-etoilees

🎼 LES ŒUVRES CITÉES

— Proust, ballet de Roland Petit inspiré de l’univers de Marcel Proust.

— Le Lac des cygnes, chef-d’œuvre du ballet classique sur une musique de Piotr Ilitch Tchaïkovski.

✨ Frédéric Fontan, direction artistique, expériences immersives et scénographie : https://www.studiofontan.com

Les Sens de la Danse — un podcast créé par Myriam Sellam.

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Et si le krump n’était pas seulement une danse… mais aussi une forme d’élévation ?

Dans cet épisode de Un pas de côté, Myriam Sellam explore la dimension spirituelle du krump à travers le parcours du danseur Wrestler.

Car derrière la puissance des mouvements et l’intensité des battles, le mot KRUMP porte lui-même une signification étonnante :

Kingdom Radically Uplifted Mighty Praise que l’on pourrait traduire par :

“Louange puissante radicalement élevée au royaume.”

Le krump est né à Los Angeles dans des quartiers marqués par les violences sociales et raciales.

Mais il puise aussi dans une culture du gospel, de l’église, du collectif et de la transcendance par le corps.

Dans cet épisode, il est question :

– d’état de grâce,

– de flow,

– de transe,

– de mémoire corporelle,

– et de cette étrange sensation où le mouvement semble nous dépasser.

Une réflexion intime et sensible sur le lien entre danse, spiritualité et transformation intérieure.

🎧 Un pas de côté est le format court du podcast Les Sens de la Danse, imaginé et réalisé par Myriam Sellam.

#krump #spiritualité #danse #podcast #lessensdeladanse #hiphop #flowstate #transe #corps #danseur

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"Le krump, ça m'a accompagné dans des moments hyper sombres de ma vie. Et en fait, le krump était toujours là. Comme un pote qui te lâche jamais."

Ce qui traverse les moments sombres — et qui ressort de l'autre côté — finit par construire quelque chose.

Dans cette deuxième partie des Sens de la Danse, Wrestler sort de l'intime pour aller vers le monde. L'Opéra Bastille, le Juste Debout, les créations, la transmission — et cette question qui traverse tout : comment fait-on vivre une culture qu'on a reçue en cadeau ?

Un danseur qui devient activiste. Un lutteur qui construit des ponts.

🎙️ DANS CETTE PARTIE, ON ABORDE :

— le krump comme outil de résilience dans les moments sombres

— comment la danse permet de scanner ses émotions et de les extérioriser

— le tournage des Indes Galantes à l'Opéra Bastille en janvier 2017 — krump sur musique baroque de Rameau

— la création de l'association Komefait — produire, transmettre, donner accès

— la Colo Boost — une semaine de résidence krump en lycée à Orléans avec 22 jeunes

— pourquoi il est crucial que les krumpeurs écrivent leurs propres spectacles

— Bullet Time — sa première création avec la danseuse contemporaine Babygirl

— le Body Mind Centering — la pratique somatique qui a enrichi son rapport au corps

— le Juste Debout — première fois que le krump y était représenté, après douze ans de combat

— son rôle d'activiste et pas seulement de danseur

— Hype Is Murda — sa dernière création, sortie de résidence aux Scènes de Créteil

— le krump n'est pas la danse de la colère — c'est la danse de la rage de vivre

📚 RÉFÉRENCES & REPÈRES

🎬 Créations évoquées

• Les Indes Galantes — Clément Cogitore (2017)

Krump sur musique baroque de Rameau, filmé à l'Opéra Bastille. Nommé aux César.

→ Le moment où le krump est reconnu comme art à part entière par les institutions.

• Bullet Time Solo krump de Wrestler avec Babygirl, danseuse contemporaine.

Exploration des ralentis et de la puissance corporelle, en dialogue avec le Body Mind Centering.

• Hype Is Murda : Dernière création collective. La matière : la hype — cet encouragement collectif qui génère le dépassement de soi.

→ Première le 20 novembre au Théâtre le Germinal à Fosses. À la Sorbonne Nouvelle le 21 janvier.

👤 Références

Clément Cogitore — réalisateur des Indes Galantes, nommé aux César

Jean-Philippe Rameau — compositeur baroque, auteur des Indes Galantes

Babygirl — danseuse contemporaine, co-créatrice de Bullet Time

Pharrell Williams — "Le meilleur moyen de garder une culture vivante, c'est de la transmettre au plus grand nombre."

Feu Bala — figure majeure du krump français, inventeur du "Oh là là" — ce cri d'encouragement typiquement français exporté dans les sessions du monde entier

Body Mind Centering (BMC) — pratique somatique qui explore les systèmes du corps pour développer une conscience corporelle fine

🏛️ Lieux

Opéra Bastille — tournage des Indes Galantes, janvier 2017

CCN de Créteil — résidence pour Hype Is Murda

Juste Debout — tournoi international hip-hop, première participation du krump

Théâtre le Germinal, Fosses — première de Hype Is Murda, 20 novembre

Sorbonne Nouvelle — date de Hype Is Murda, 21 janvier

🎙️ LES SENS DE LA DANSE — un podcast créé par Myriam Sellam

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Dans le krump, on ne danse presque jamais seul.

Même lorsqu’un danseur est au centre du cercle, il est porté par les cris, les encouragements, l’énergie des autres.

On appelle ça : la hype.

Dans ce nouvel épisode de Un pas de côté, Myriam Sellam explore cette force collective au cœur du krump :

Pourquoi certaines personnes arrivent-elles à se dépasser grâce au groupe ?

Pourquoi le regard des autres peut-il parfois nous révéler à nous-mêmes ?

À travers l’univers du danseur et activiste krump Wrestler, cet épisode plonge dans une réflexion sensible sur :

– la puissance du collectif,

– le dépassement de soi,

– l’énergie des battles et des sessions,

– et notre besoin profond d’être soutenus, vus et encouragés.

Un épisode sur la danse… mais aussi sur ce qui nous relie aux autres.

🎧 Un pas de côté est le format court du podcast Les Sens de la Danse, imaginé et réalisé par Myriam Sellam.

#krump #danse #podcast #lessensdeladanse #hiphop #battle #collectif #confianceensoi #danseur #culturehiphop

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Et si certains corps avaient besoin de lutter… pour rester debout ?

Wrestler. Le nom dit tout. À trois ans, au mariage d'un oncle à Cotonou, on lui met sa tenue Michael Jackson, on le place au milieu de la salle. Et il danse. Il n'a pas encore les mots. Mais il sait déjà ce que ça fait. "J'étais le roi du monde. Je me sentais libre."

Dans cette première partie des Sens de la Danse, je reçois Wrestler, grand danseur de krump, dont le nom signifie littéralement lutteur — et c'est tout un programme.

Avec lui, on plonge dans les origines d'une danse née dans les quartiers de Los Angeles, dans le contexte des violences policières et des émeutes de 1992. On parle de révélation, de style, de familles et de ce que le krump transforme vraiment dans un corps et dans une vie.

🎧 LES REPÈRES DE L'ÉPISODE

🔥 Le krump — une danse née dans la résistance En 1992, Rodney King, un homme noir américain, est tabassé par quatre policiers blancs. La scène est filmée. Les policiers sont relaxés. Les quartiers s'embrasent. C'est dans ce contexte que Tommy the Clown — dit Tommy le clown sort de prison et décide de garder les jeunes loin de la violence. Il crée le Clowning : une danse énergique, colorée, inspirée du clown. Mais dans les corps de certains jeunes qu'il recrute, il y a des choses plus sombres à exprimer. Quelque chose qui cherche à sortir autrement. C'est comme ça qu'est né le krump.

👑 Les fondateurs Le krump a été fondé collectivement par 5 figures historiques : — Tommy the Clown — à l'origine du Clowning, terreau du krump — Tight Eyez — l'un des pères fondateurs du krump — Miss Prissy — fondatrice, figure féminine majeure dès les origines — Dragon & Lil' C — cofondateurs, visages du documentaire Rize → Une danse née collectivement, dans la communauté, pour la communauté.

🎬 Films & documentaires

Steppin' (2008) Le film déclencheur. Dans les premières minutes, un battle de krump

Rize (2005) — David LaChapelle Le documentaire fondateur sur les origines du krump à Los Angeles. Tommy the Clown, les émeutes de 1992, la naissance d'une danse dans la résistance.

Street Dancer (2001) Le film qui a mis la danse hip-hop au centre de l'imaginaire d'une génération.

👤 Artistes & influences

Michael Jackson Première influence absolue

James Brown Le groove, l'ancrage, l'énergie brute.

Chris Brown L'artiste qui a le plus démocratisé le krump dans ses clips dans les années 2000. → C'est en cherchant ses danseurs sur YouTube que Wrestler a découvert la communauté krump.

Bruce Lee "Be water, my friend." — La philosophie directe derrière le style heavy fluidity de Wrestler.

🏛️ Lieux & communauté

La Coupole — La Défense Le spot historique de la scène krump française — breakers, poppers, krumpeurs s'y retrouvaient.

Montfermeil Une salle, chaque dimanche. Le lieu de ralliement de la scène nationale à ses débuts. → L'endroit où Wrestler a découvert qu'il n'était pas le seul — et loin d'être le meilleur.

🎙️ LES SENS DE LA DANSE — un podcast créé par Myriam Sellam

La suite dans la partie 2 — ce que le krump a failli ne pas survivre, et ce qu'il a construit depuis.

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Et si, parfois, la danse ne pouvait pas sauver tout de suite…

Dans ce Pas de côté, Myriam Sellam prolonge la conversation avec Paloma Pradal autour d’un sujet rarement abordé dans le monde de la danse : celui du corps qui se ferme.

On parle souvent du mouvement comme d’une libération.

Mais que se passe-t-il lorsque le corps reste en alerte permanente ? Lorsqu’il associe certains gestes, certaines formes d’exposition ou de féminité à une mémoire douloureuse ?

À travers le parcours de Paloma, cet épisode explore les liens entre danse, trauma, mémoire corporelle et reconstruction.
Pourquoi certains corps n’arrivent-ils plus à bouger librement ?
Pourquoi la danse, parfois, ne répare-t-elle pas immédiatement ?
Et si le corps avait d’abord besoin de sécurité avant de pouvoir se remettre en mouvement ?

Myriam Sellam évoque notamment les travaux du psychiatre Bessel van der Kolk, auteur de Le corps n’oublie rien, ainsi que la vision de la chorégraphe Pina Bausch, pour qui le plus important n’était pas la manière dont les gens bougent… mais ce qui les fait bouger.

Un épisode intime et profondément humain sur le corps, la mémoire, la survie… et le retour possible du mouvement.

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Danse, trauma, mémoire du corps : que reste-t-il quand le corps ne peut plus danser ?

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Paloma Pradal.

Je l’ai découverte sur scène, au Théâtre du Rond-Point, dans son spectacle Et vous, qui êtes-vous ?.

Un plateau presque vide. Un corps. Une présence.

Danseuse depuis l’enfance, elle grandit dans le flamenco avant de se tourner vers le chant : concerts, collaborations, passage dans The Voice, album Rabia (2018).

Mais derrière cette trajectoire, une réalité plus complexe : un corps marqué par les violences, qui finit par se fermer.

Jusqu’à ne plus pouvoir danser.

Dans cet épisode, elle revient sur le lien entre danse et trauma, la mémoire du corps, et la possibilité — ou non — de revenir au mouvement.

🎧 Les repères de l’épisode

🔥 Le duende — une force qui dépasse l’artiste

Dans le flamenco, on parle du duende pour désigner cet instant où quelque chose surgit, au-delà de la technique.

Une émotion brute, incontrôlable, presque sacrée.

→ Le poète Federico García Lorca en a fait une théorie dans Jeu et théorie du duende.

💃 Le flamenco — un art chargé d’histoire

Né en Andalousie, le flamenco mêle chant, musique et danse.

Il est profondément lié à la culture gitane et à une histoire de transmission, de douleur et de résistance.

Chez Paloma, ce n’est pas une discipline : c’est un langage d’enfance.

🎶 Grandir dans un bain musical hors norme

Chez elle, la musique est omniprésente, exigeante, presque radicale.

On écoute :

— Maria Callas, pour la puissance de l’interprétation

— Paco de Lucía, figure majeure du flamenco moderne

— Camarón de la Isla, voix mythique du chant flamenco

Mais aussi :

— Leonard Cohen

— Bob Dylan

→ des artistes où texte et émotion sont indissociables.

📚 Des références littéraires puissantes

Son imaginaire est nourri par des auteurs qui explorent l’intime et la mémoire :

— Federico García Lorca

Poète de l’intensité et du tragique, il théorise le duende, cette force qui surgit au plus profond de l’artiste.

— Jorge Luis Borges

Il interroge les labyrinthes de la mémoire et les identités multiples.

— Pablo Neruda

Poète du corps et des sensations, il écrit l’émotion dans toute sa densité.

🧠 Le corps comme mémoire du trauma

Le corps peut garder la trace de ce que l’on traverse.

Se fermer. Résister. Protéger.

→ Une idée développée notamment par Bessel van der Kolk dans Le corps n’oublie rien.

Dans cet épisode, Paloma évoque aussi la fibromyalgie, une maladie liée à un état de tension permanent du système nerveux.

🎤 Des artistes “habités”

Elle cite des figures qui incarnent l'intensité sur scène du duende :

— Billie Holiday

— Jacques Brel

→ des artistes capables de transformer leur vécu en émotion brute.

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Photo: Rémi Hostekind

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Pourquoi une œuvre née au XIXe siècle continue-t-elle de toucher autant le public aujourd’hui ?

Dans cet épisode de Un pas de côté, Myriam Sellam revient sur l’histoire de La Dame aux Camélias, chef-d’œuvre littéraire devenu opéra, puis ballet.

Du roman d’Alexandre Dumas fils à La Traviata de Giuseppe Verdi, jusqu’au ballet de John Neumeier, cette figure féminine traverse les époques et les arts sans jamais perdre sa force émotionnelle.

Pourquoi cette histoire nous bouleverse-t-elle encore ?

Que raconte-t-elle du corps féminin, du désir, de l’épuisement, du regard social… et de la danse elle-même ?

À travers ce format court, Myriam Sellam explore ce qui fait de La Dame aux Camélias l’un des ballets les plus intenses du répertoire contemporain.

Un épisode également en résonance avec l’actualité de Roxane Stojanov, actuellement à l’affiche de cette œuvre à l’Opéra national de Paris dans les rôles de Prudence et de Manon.

🎧 Les Sens de la Danse, le podcast qui explore le pouvoir du mouvement, du corps et de la transmission à travers les artistes qui font la danse aujourd’hui.

Disponible sur Spotify, Apple Podcasts et Deezer.

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Et si devenir Étoile n’était que le début ?

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je vous propose de redécouvrir ma rencontre avec Roxane Stojanov, enregistrée en janvier 2026, quelques mois après sa nomination comme Danseuse Étoile à l’Opéra national de Paris.

À ce moment-là, nous parlions de ce que ce titre change.
Dans le corps. Dans le regard des autres. Dans la manière d’habiter la scène.

Mais aujourd’hui, cette conversation résonne autrement.

Car depuis, quelque chose s’est ouvert.

Le 18 avril 2026, à Skopje, en Macédoine du Nord — le pays où elle a grandi — Roxane Stojanov a lancé la première édition de son propre concours : le Prix Roxane Stojanov.
Un projet tourné vers la transmission, qui offre à de jeunes danseurs une immersion artistique à Paris.

Dans le même temps, elle poursuit son parcours sur scène, à l’Opéra de Paris, où elle danse La Dame aux Camélias de John Neumeier, dans les rôles de Prudence et Manon, et s’apprête à interpréter Gamzatti dans La Bayadère de Rudolf Noureev du 21 juin au 2 juillet 2026.

Alors, écouter cet épisode aujourd’hui, c’est entendre autre chose.

C’est écouter le moment juste après la bascule.
Avant que le parcours ne s’élargisse.
Avant que la danse ne se transmette autrement.

Un épisode sur ce que signifie devenir Étoile.
Et sur ce que cela engage, au-delà du titre.

🎙️ Un podcast imaginé et présenté par Myriam Sellam.

🎧 Disponible sur toutes les plateformes (Spotify, Apple Podcasts, Deezer…) et sur YouTube.

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Pourquoi Rudolf Noureev a-t-il bouleversé l’histoire du ballet ?
Et en quoi son héritage continue-t-il encore aujourd’hui de transformer les danseurs de l’Opéra de Paris ?

Dans cet épisode d'Un Pas de côté, le format court du podcast Les Sens de la Danse, Myriam Sellam revient sur la révolution artistique portée par Noureev : son arrivée fracassante en Occident en 1961, sa virtuosité, son intensité dramatique… mais surtout sa manière de réinventer la place des hommes dans le ballet classique.

Avant lui, les danseurs étaient souvent relégués au rôle de partenaires.

Avec Noureev, ils deviennent des interprètes à part entière : physiques, sensibles, théâtraux, profondément incarnés.

De Roméo et Juliette à Don Quichotte, en passant par son travail à l’Opéra national de Paris, cet épisode explore comment Noureev a déplacé la danse du simple geste vers l’incarnation.

Un éclairage qui résonne particulièrement aujourd’hui, alors qu’Andrea Sarri danse actuellement Roméo et Juliette de Noureev à l’Opéra Bastille.

🎧 Les Sens de la Danse est le podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des entretiens immersifs avec des danseurs, chorégraphes et artistes du corps.

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Références citées dans l’épisode

🩰 Rudolf Noureev — danseur et chorégraphe russo-soviétique, ancien directeur de la danse de l’Opéra national de Paris

🩰 Roméo et Juliette — ballet adapté par Noureev d’après Shakespeare et Prokofiev

🩰 Giselle — ballet romantique créé en 1841

🩰 Margot Fonteyn — partenaire artistique emblématique de Noureev au Royal Ballet

🩰 Serge Lifar — danseur et maître de ballet ayant contribué au renouveau de la danse masculine à Paris

🩰 George Balanchine — chorégraphe majeur du XXe siècle, fondateur du New York City Ballet

🩰 Kirov Ballet — aujourd’hui Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg

🎙️ Épisode en lien : Andrea Sarri : Premier danseur de l’Opéra de Paris, entre doute et renaissance

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