Explorez tous les épisodes du podcast Kopflastig. Der Podcast über Musik, Lernen & das Leben

Mein Gast heute ist Burkhard Mikolai, Gitarrist und Fachbereichsleiter für Klassenmusizieren an der Musikschule Oder-Spree in Brandenburg. Er unterrichtet seit über zwanzig Jahren komplette Schulklassen an der Gitarre, mit bis zu vierzig Kindern gleichzeitig. Ohne ausgewählte Schüler, ohne Aufnahmeprüfung, einfach die Klasse so wie sie ist.

Damit das überhaupt möglich wurde, hat er das Guitar Colour System entwickelt. Die Idee dahinter ist bestechend einfach: Nicht jede Note bekommt eine Farbe, sondern jede Saite. Dazu bekommt jeder Bund eine Zahl. Statt “spiel das G” heißt es dann “spiel die schwarze Drei”, und jedes Kind im Raum weiß sofort, was gemeint ist. Gelernt wird das über eine Geschichte von der gelben Sonne, die auf die grüne Wiese scheint.

Wir sprechen darüber, warum gute Ideen immer aus den Stunden kommen, die nicht gut liefen, wie seine berühmte Karawanen-Geschichte die erste Unterrichtsstunde trägt, und warum er jedem Jahr ein Motto gibt: das Jahr des Mutes, das Jahr des Zuhörens, das Jahr des Vertrauens.

Außerdem geht es um seinen Weg: Gitarre erst mit 13, Ausbildung in Tanz- und Unterhaltungsmusik zu DDR-Zeiten, eine elfköpfige Band in einem Berliner Hotel, in dem Bruce Springsteen übernachtete. Und darum, warum er sein gesamtes Material kostenlos ins Netz stellt, warum Puls und Hören wichtiger sind als Stücke, und weshalb er sich von Kollegen nicht wünscht, dass sie sein System nachmachen, sondern dass sie etwas Eigenes daraus entwickeln.

Alle Materialien, Noten und Apps von Burkhard: https://www.bunte-noten.de
Kapitel folgen.

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Kapitel:

00:00 Intro
00:36 Begrüßung: Was ist eigentlich Klassenmusizieren?
02:40 Was sind bunte Noten?
05:22 Die Geschichte von der gelben Sonne
08:50 Wozu Notennamen überhaupt lernen?
13:23 Gitarre erst mit 13: Burkhards Weg zur Musik
20:48 Die Elfmann-Band im Berliner Grand Hotel
23:57 Wie das Klassenmusizieren mit Bläsern begann
29:40 Der Start des ersten Gitarrenprojekts
34:55 Was er an der Förderschule gelernt hat
39:53 Warum sein Material kostenlos ist
42:08 Das Musikhaus: Fundamente statt Stücke
49:26 Die erste Stunde: Die Karawane
52:40 "Guter Unterricht ist, wenn die Kinder weitermachen wollen"
55:50 Was die Kinder am Ende spielen
1:01:48 Lässt sich das auf Erwachsene übertragen?
1:09:37 Die Joker und die Jahresmottos
1:10:35 Das Jahr des Zuhörens
1:15:32 Die Frage des letzten Gastes
1:30:15 Die Frage für den nächsten Gast: Rettet Musik die Welt?
1:43:14 Sein Wunsch: Mitstreiter finden
1:51:35 Bonusgespräch
1:57:31 Die Vision: Musik als normale Familienaktivität
2:05:08 Wie der Rest der Welt Musik lernt
2:09:49 KI, Konsum und "Wir sind die Macher"

Mein Gast heute ist Roman Sillipp, Pianist und Instrumentalpädagoge aus Wien. Als Kind klassisch ausgebildet, mit 13 über Falco zur Popmusik gekommen, danach zwanzig Jahre Berufsmusiker: Sideman, Barpianist, Keyboarder im Tonstudio und über zehn Jahre Komponist von Werbe-Jingles für McDonald's, Mastercard und andere. Mit 40 hat er noch einmal studiert und 2021 seinen Master in Popularmusik abgeschlossen.

Gleich zu Beginn demonstriert er die Erkenntnis, die seinen ganzen Unterricht trägt: Er spielt eine Mozart-Sonatine, dann dieselbe Melodie als Walzer, als Tango und als Disco-Nummer. Die Melodie bleibt gleich, nur die Begleitung ändert sich, und das Stück landet in einer völlig anderen Welt. Genau deshalb nennt er sich nicht Klavierlehrer, sondern Instrumentalpädagoge: Er zeigt nicht nur, welche Tasten man drückt, sondern warum diese Tasten so klingen.

Wir sprechen darüber, warum jedes Stück aus Melodie, Rhythmus und Begleitung besteht, wie man mit fünf Tönen die Ode an die Freude spielt, warum es bei ihm keine reinen Technikübungen gibt und weshalb er erst ab 13 Jahren unterrichtet. Außerdem: wie er sich als Jugendlicher Songs vom Radio heruntergehört hat, wie man aus drei halb gekonnten Sinatra-Songs ein Medley macht, wie sein Tonstudio Gerät für Gerät gewachsen ist und warum ihn die Rechnung 500 Euro gegen 50 Euro pro Stück zum Lehrer gemacht hat.

Und zum Schluss erzählt er, warum seine Gitarre bis heute an der Wand hängt. Diese Geschichte solltet ihr euch anhören.

Mehr über Roman: https://romansillipp.com

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Jens Schlichting ist Pianist, Komponist und Musikpädagoge aus der Region Heidelberg, begleitet als Stummfilmpianist live improvisierend und bringt in Crashkursen erwachsenen Anfängern an einem Wochenende das Klavierspielen bei.

Wir sprechen über den Satz seines Professors, der seine Sicht auf Technik komplett verändert hat: Klaviertechnik ist, wenn die Finger das tun, was die Ohren hören wollen. Jens erklärt, warum die angeblichen Lernvorteile von Kindern zum Teil ein Mythos sind und welche Trümpfe Erwachsene tatsächlich in der Hand haben.

Dann wird es praktisch: mentales Üben nach Karl Leimer, also ein Stück auswendig lernen, bevor man es zum ersten Mal spielt. Warum Variieren der Schlüssel zu stabilem Können ist und stures Wiederholen dich sogar instabil macht. Und warum Notenlesen bei so vielen hakt: Zehn Symbole auf einmal sind zu viel, absolutes Lesen bremst, und ohne Fluss trainiert man nur das Buchstabieren.

Zum Schluss verrät er seine Ob-Wie-Was-Methode gegen den inneren Schweinehund, die vermutlich praktischste Idee, die ich in diesem Podcast bisher gehört habe.

Mehr über Jens und seine Kurse: https://klavier-kurs.de

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Mein Gast heute ist Daniel "Dän" Dickopf, Gründer, Texter und Komponist der Wise Guys, die über 25 Jahre die erfolgreichste A-cappella-Band Deutschlands waren. Heute steht er mit Alte Bekannte auf der Bühne, schreibt Kinderlieder und gibt auf seinen Kanälen Einblicke ins Texten.

Der überraschendste Satz der Folge kommt früh: Dän hat nie Harmonielehre gelernt, kann bis heute keine Noten schreiben und sieht genau das als Vorteil. Wir sprechen darüber, wie er trotzdem A-cappella-Sätze arrangiert, warum die Gitarre dafür reicht und wieso das Erfinden von Nebenstimmen beim Familiensingen der Türöffner für alles war.

Dann geht es ans Handwerk: Woher Themen kommen, warum es fast kein Tabuthema gibt, wieso der Refrain wie eine Schlagzeile funktionieren muss und wie ein Reimlexikon ganze Songs inhaltlich umlenken kann. Dän erzählt, warum Deadlines ihm helfen, weshalb Couch und Fernseher seine größten Feinde sind und was Kreativ-Auszeiten im Ferienhaus bringen.

Außerdem: Warum das erste Vorspielen eines eigenen Songs ein Entblößen ist, wie ein ehrlicher Kollege einen vermeintlich lustigen Song in die Tonne schickte, warum man Ideen nie löschen sollte und was er Leuten rät, die gerade einfach keine Lust zum Schreiben haben.

Kapitel folgen.

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Mein Gast heute ist André Tolba, den viele als Adriano Batolba kennen: Gitarrist, Produzent und musikalischer Kopf hinter Dick Brave and the Backbeats, dem Rock'n'Roll-Projekt von Sascha, das 2004 auf Platz 1 der Charts landete. Er spielt mit Peter Kraus und mit Albie Donnelly's Supercharge, hat Boppin' B produziert und arbeitet gerade an seiner eigenen Blues-Platte.

Wir sprechen darüber, wie er mehrere Bands, Produktionen und eigenes Material unter einen Hut bekommt, warum er Social Media am liebsten abschaffen würde und wie alles anfing: mit der Single-Sammlung seiner verstorbenen Mutter, einer zufällig aufgenommenen Elvis-Doku und einem Kumpel, der nach einer einzigen Gitarrenstunde "Mein Hut, der hat drei Ecken" spielen konnte.

Der Wendepunkt kam mit 14, als Rick Abao, Berufsmusiker aus New Orleans, sein Lehrer und Mentor wurde. Von ihm stammt auch der Satz, der sich durch Andrés ganze Laufbahn zieht: Success is when preparation meets opportunity. Wir reden über Jazzstudium in Hilversum, was eine Hochschule kann und was nicht, welche Soft Skills kein Übezimmer beibringt und was man konkret üben sollte, wenn man Rock'n'Roll-Gitarre spielen will.

Und dann die Dick-Brave-Geschichte: Wie aus einem einmaligen Gag auf einer Weihnachtsfeier ein Nummer-1-Album wurde, warum tanzende Eisbären auf N24 daran maßgeblich beteiligt waren und weshalb wirklich niemand das geplant hatte. Zum Schluss geht es um Vintage-Amps, Streaming und die Frage des letzten Gastes: Wie lässt sich KI-Kunst moralisch rechtfertigen?

Kapitel folgen.

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Mein Gast heute ist Markus Steffen: Mitgründer der Prog-Metal-Pioniere Sieges Even, Gitarrist und Songwriter von Subsignal, klassischer Gitarrist, Lehrbuch-Autor und aktuell mein eigener Gitarrenlehrer. Anlass ist sein neues Konzertgitarren-Album "La Tristeza Del Mar", eingespielt auf sechssaitiger Konzertgitarre und elfsaitiger Altgitarre.

Wir sprechen darüber, wie so ein Album entsteht: vom Manuskript-Stapel aus der Corona-Zeit über die Konzeptfindung bis zur Aufnahme, bei der die Tagesform mitentscheidet. Markus erklärt, wie er mit Bildern, Titeln und Erinnerungen komponiert, warum viele Stücke Gedenkstücke für Verstorbene sind und wieso man Bach spielen sollte, wenn man Komposition verstehen will.

Dann reisen wir zurück: Angus Young im Starschnitt, die erste SG-Kopie, die Kellerband mit dem besten Freund, tägliche Proben mit Sieges Even, Demotapes auf dem Tascam-4-Spur, Tape-Trading und Fanzines, bis 1988 der erste Plattenvertrag kam, da war Markus 19. Und wir klären, warum er trotz Metal-Karriere der Konzertgitarre verfiel, was Julian Bream damit zu tun hat, warum Unterrichten ihn zum besseren Musiker gemacht hat und wie er nach über 40 Jahren im Musikgeschäft auf früher und heute blickt.

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Heute wird es wissenschaftlich fundiert! Mein Gast ist Prof. Dr. Andreas C. Lehmann, Professor für Systematische Musikwissenschaft und Musikpsychologie an der Hochschule für Musik Würzburg. Er war Postdoc bei Anders Ericsson, dem Forscher hinter dem Konzept "Deliberate Practice", das durch die berühmte 10.000-Stunden-Regel um die Welt ging.

Wir klären, was bewusstes Üben wirklich bedeutet und warum Rumjammen nicht dazugehört, wie viele Stunden konzentriertes Üben pro Tag überhaupt möglich sind und was von den Geschichten über 12-Stunden-Übetage zu halten ist. Lehmann erklärt das Herzstück seiner Forschung, die mentalen Repräsentationen: Warum Anfänger glauben, lauter zu spielen, es aber nicht tun, was der Halbtempo-Test über dein Können verrät und warum die Motorik bei Anfängern fast die ganze Aufmerksamkeit auffrisst.

Außerdem: Wie er durch puren Zufall bei Ericsson landete, warum Mozart, Rubinstein und Michael Jackson beim Üben ständig beaufsichtigt wurden, wieso Jazzer anders üben müssen als Klassiker, das geniale Weihnachtsmann-Beispiel eines Geigenlehrers und die große Frage: Gibt es Talent überhaupt? Seine Antwort im Ericsson-Stil: "What's the evidence?"

Kapitel:
00:00 Begrüßung: Prof. Dr. Andreas C. Lehmann
01:50 Erste Berührungspunkte mit Musik und Solfège
04:40 Purer Zufall: Wie er Postdoc bei Anders Ericsson wurde
07:45 Was ist Deliberate Practice wirklich?
13:35 Raus aus der Komfortzone: Mentale Repräsentationen
17:20 Warum Anfänger sich nicht zuhören können (die Pizza-Regel)
20:05 Wie viele Stunden Üben pro Tag sind möglich?
22:05 10 Stunden am Tag üben: Mythos oder Realität?
24:30 Schumann, Mozart und die Wunderkinder: Die Rolle der Umgebung
29:30 So läuft Unterricht an der Musikhochschule
31:25 Die optimale Lehrsituation: Meister und Schüler
33:15 Deliberate Practice in anderen Domänen: Schach, Jazz, BMX
42:05 Von Liszt bis Malmsteen: Wie sich Virtuosität entwickelt
46:00 Übe-Mythen und Halbwissen: Was stimmt wirklich?
48:20 Guter Spieler, schlechter Lehrer? Das Weihnachtsmann-Beispiel
52:15 Die große Frage: Gibt es Talent?
57:05 Das Labyrinth-Bild: Sein eigener Lehrer werden
1:00:35 Die Traditionsfrage von Dr. Gerard Madden
1:02:50 Verabschiedung

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My first interview in English! My guest is Dr. Gerard Madden from the Institute of Musicians' Medicine at the Dresden University of Music. Gerard is a classically trained guitarist from Ireland, a bass player, fencing instructor and psychologist, and he even appeared as an extra in eight fight scenes of Game of Thrones.

His research topic is a big one: emotion regulation in music practice. How do musicians want to feel while practicing, and how should they feel to actually get better? The surprising answer: it's not about feeling good, it's about feeling the way the task in front of you requires. We talk about why musicians with high technical goals are willing to accept anxiety, whether frustration helps or hurts your learning, what I should do about my frustrated teenage student, and why a short self-reflection after every practice session is one of the most powerful tools there is.

Also in this episode: what a researcher's workday actually looks like, why wind instruments are a hygiene issue, delayed gratification instead of social media, and the traditional question from our previous guest.

Hinweis für meine deutschen Hörer: Dieses Interview war nur auf Englisch möglich. Probiert gern die automatische Übersetzung von YouTube aus. Die wichtigsten Erkenntnisse gibt es außerdem als deutsches PDF auf Patreon.

Chapters:
00:00 Welcome: My first interview in English
00:20 Were you really in Game of Thrones?
01:28 From classical guitar to fencing to psychology
09:42 The Institute of Musicians' Medicine in Dresden
10:54 What does a researcher actually do all day?
14:39 Where do research questions come from?
19:20 Mold and bacteria: hygiene in wind instruments
21:09 The big study: emotion regulation in music practice
25:01 Hedonic vs. instrumental: how do you want to feel?
28:57 Mastery: why ambitious musicians accept anxiety
31:33 Is frustration good or bad for learning?
35:42 Does practice have to be fun for kids?
38:31 My frustrated teenage student: what should I do?
42:57 What surprised you in the data?
45:18 Dream research: hands, skin and blisters
48:40 Your most important tip from all the research
50:53 Delayed gratification instead of social media
53:11 Does a researcher hear music differently?
54:45 The traditional question: what does music mean to you?
56:52 Goodbye

Send me your questions: kopflastigpodcast@gmail.com

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Heute beantworte ich eure E-Mails, und die haben es in sich!

Marco aus Wesel hat sich Lernhilfen gebaut, die Akkorden Farben und Emotionen zuordnen. Ich erzähle, warum Steve Vai und mein alter Gitarrenlehrer genau das auch machen, was echte Synästhesie von antrainierten Farbzuordnungen unterscheidet, ob man sich ein absolutes Gehör als Erwachsener antrainieren kann und warum du dir jedes Konzept auf mehreren Wegen einprägen solltest.

Ben aus Hamburg (39, spielt seit fünf Monaten) hängt im Buch "Blues You Can Use" fest und fragt, ob es zu schwer ist. Meine ehrliche Antwort: Ja, für den Anfang ist das viel. Ich erkläre, wie du solche Stücke in Einzelteile zerlegst, in welcher Reihenfolge du Blues wirklich lernen solltest und warum weniger Übe-Themen mit mehr Konzentration oft schneller zum Ziel führen.

Und Dieter, Schlagzeuglehrer aus Ostwestfalen, hat mir eine lange Mail mit Wünschen für den Podcast geschrieben. Daraus wird ein Ritt durch viele Themen: warum der Monolog für mich eine Form des Denkens ist, meine Informationsdiät gegen die Reizüberflutung, warum ich Wissenschaftler einlade, obwohl es "nichts über die Erfahrung von Musikern geht", wie ich mit Trollen umgehe, Achtsamkeit beim Üben, warum Notenlesen auf der Gitarre so schwer ist und weshalb ihr von mir keine Equipment-Videos sehen werdet.

Kapitel:
00:00 Intro
00:50 Marco: Akkorde als Farben, Bilder und Tastenmuster lernen?
23:05 Ben: Ist "Blues You Can Use" zu schwer für Anfänger?
33:15 Besser üben: weniger Themen, mehr Konzentration
39:40 Dieter: Monolog oder mehr Gäste? Informationsflut und Denkzeit
51:20 Musiker-Erfahrung oder Wissenschaft?
58:30 Wie ich mit Hass-Kommentaren umgehe
1:02:20 Achtsamkeit beim Üben
1:04:30 Notenlesen auf der Gitarre
1:09:30 Warum ich keine Equipment-Videos mache
1:15:00 Verabschiedung

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Zurück aus dem Urlaub und direkt rein in eure Fragen! In dieser Folge beantworte ich drei Zuschriften, die es in sich haben.

Woher weiß ein Musiker beim Improvisieren, welche Töne er über welche Akkorde spielen kann? Ich erkläre, warum es darauf keine einfache Antwort gibt, was Licks, Gehörbildung und Intuition damit zu tun haben und warum das eigentliche Denken beim Üben stattfinden sollte, nicht auf der Bühne.

Außerdem geht es um Veränderung: Warum kommen manche Menschen leicht damit klar, während sie andere schmerzt? Ich erzähle, wie Corona mein ganzes Geschäftsmodell umgekrempelt hat, wie es nach Vitalis Ausstieg mit dem Podcast weitergeht und welche zwei hochkarätigen Forscher demnächst zu Gast sind.

Ein Hörer fragt, wie man damit umgeht, dass immer nur der Frontmann wahrgenommen wird, obwohl die Band mehr kann als er. Meine Antwort führt über die Philosophie von Alfred Adler und den Buchtipp "Du musst nicht von allen gemocht werden" zu der Frage: Warum brauchen wir überhaupt Anerkennung von anderen?

Und zum Schluss: Warum spielen auf Stadtfesten so oft Schlagerbands? Warum fahren Leute auf Malle-Mucke ab? Und wann beende ich eigentlich den Unterricht, wenn Schüler nicht üben? (Spoiler: fast nie, und wenn ein Schüler etwas nicht versteht, ist das zu 100 Prozent mein Versagen.)

Kapitel / Zeitstempel:
00:00 Intro und Urlaubs-Update
00:56 Woher weiß ein Musiker, was er beim Improvisieren spielt?
13:54 Zieht sich Vitali komplett zurück?
17:24 Warum fällt Veränderung so schwer?
27:24 Nur der Frontmann wird gesehen: Umgang mit fehlender Anerkennung
34:23 Buchtipp: "Du musst nicht von allen gemocht werden" (Alfred Adler)
46:24 Warum läuft auf Stadtfesten Schlager? Und warum lieben Leute Malle-Mucke?
1:05:06 Wann beende ich den Unterricht, wenn Schüler nicht üben?
1:07:16 Verabschiedung

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"Wie übst du eigentlich?" – Diese Frage bekomme ich immer wieder von Schülern und Hörern. In dieser Folge gebe ich die ausführliche Antwort: Ich zeige dir mein komplettes Übesystem – von der Zielsetzung über die tägliche Routine bis zum Übeprotokoll.

Am konkreten Beispiel (Halbton-Ganzton-Leiter in die Improvisation einbauen) erkläre ich, warum ich nichts ohne konkretes Ziel übe, wie ich Ziele in Teilschritte zerlege, warum Tonleiterübungen allein nicht reichen und wie ich mit Pomodoro-Technik, Übeprotokoll und täglicher Routine dranbleibe. Dazu: die häufigsten Übe-Fehler – zu viel, zu wenig, zu leicht, zu schwer – und woran du den optimalen Lernpunkt erkennst.

Im zweiten Teil beantworte ich Fragen aus den YouTube-Kommentaren: Wunschgäste für den Podcast, wie ich mich auf meine Schüler vorbereite, wie man sich Songs und Theorie merkt und was meine musikalischen Ziele sind.

Kapitel:
00:00 – Intro: "Talent to go" von Daniel Coyle
02:04 – Warum 1:1-Unterricht am besten funktioniert
05:30 – Schritt 1: Ein konkretes Ziel setzen
12:30 – Schritt 2: Das Ziel in Teilschritte zerlegen
13:30 – Bereich 1: Tonleiterübungen
18:00 – Bereich 2: Echte Musikbeispiele lernen
23:40 – Bereich 3: Improvisieren üben
27:30 – Schritt 3: Die tägliche Routine (+ Habit Stacking aus "Atomic Habits")
36:30 – Schritt 4: Übezeit einteilen mit der Pomodoro-Technik
42:00 – Schritt 5: Das Übeprotokoll
46:00 – Schritt 6: Übungen täglich weiterentwickeln
51:00 – Schritt 7: Geduld – realistische Zeithorizonte
55:30 – Die häufigsten Übe-Fehler
01:02:30 – Fragen aus den Kommentaren: Wunschgäste
01:11:30 – Wie ich mich auf meine Schüler vorbereite
01:19:45 – Wie merkt man sich Songs und Theorie?
01:30:00 – Meine musikalischen Ziele

Die 7 Schritte als PDF gibt's auf Patreon.

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Bücher aus der Folge: "Talent to go" (Daniel Coyle), "Atomic Habits" (James Clear)

"Kein Talent" – und jetzt? Warum du trotzdem alles lernen kannst

Habe ich Talent? Und was, wenn nicht – ist Gitarre lernen dann Zeitverschwendung? Diese Frage bekomme ich immer wieder gestellt, zuletzt in einer ausführlichen Hörer-Mail, die ich in dieser Folge beantworte.

Ich erzähle euch, warum ich fest davon überzeugt bin, dass man alles lernen kann – und wie ich zu dieser Überzeugung gekommen bin. Es geht um Charles Darwin und seinen Cousin Francis Galton, um Neuroplastizität, um Myelin und die Frage, ob Einsteins Gehirn wirklich anders war. Und um die Geschichte, die mich bis heute nicht loslässt: Barbara, eine Frau mit massiven Lernbehinderungen, die sich durch selbst entwickelte Übungen buchstäblich ein besseres Gehirn gebaut hat.

Außerdem in dieser Folge:
– Warum „Talent" ein schwammiges Wort ist, das dir nicht weiterhilft
– Gehör, Rhythmus, Konzentration, Geduld – was davon ist wirklich trainierbar?
– Warum die Lernmethode über deinen Erfolg entscheidet (Vera F. Birkenbihl)
– Was „Faulheit" wirklich ist – und was fehlende Motivation damit zu tun hat
– Warum du dir Vorbilder suchen solltest, die ohne Talent gestartet sind

Erwähnte Bücher:
– Norman Doidge: „Neustart im Kopf – Wie sich unser Gehirn selbst repariert"
– Geoff Colvin: „Die Talent-Lüge – Warum wir (fast) alles erreichen können"
– Joachim-Ernst Berendt: „Nada Brahma – Die Welt ist Klang"
– Friedemann Schulz von Thun: „Miteinander reden"

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Vitali ist weg – der Podcast geht weiter. In dieser ersten Solo-Folge erzähle ich, wie es mit Kopflastig weitergeht: konkrete Themen statt reinem Plaudern, mehr Gäste (der erste hat bereits zugesagt!), eure Fragen als festes Format und vielleicht ein Segment namens „Antisocial Media".

Außerdem geht's um das, was mich nach fast 30 Jahren Gitarre beschäftigt: Gitarre üben. Warum lernt das erwachsene Gehirn nur mit voller Konzentration, Wiederholung und emotionaler Beteiligung? Was ist dran an 5-Minuten-Übeplänen. Und was ist Attention Residue? Warum habe ich meine Meinung übers Üben (und übers Notenlesen) immer wieder geändert? Und warum ist es ein Problem, wenn du dich mit deinen Gedanken und Meinungen identifizierst?

Schickt mir eure Fragen rund um Musik, Üben und Instrumente lernen an: kopflastigpodcast@gmail.com

In dieser Folge wird's emotional: Es ist die letzte gemeinsame Folge von Kopflastig. Nach drei Jahren und über 160 Folgen verabschiedet sich Vitali, um sich auf seinen eigenen Weg zu konzentrieren. Davor reden wir aber noch mal ausführlich übers Sommerloch im Musikerleben – und darüber, was für mich gerade alles spannender ist als das schöne Wetter.

Themen dieser Folge:
– Der „Erntesommer" für Musiker: Festivals, Hochzeiten, Ostsee-Touren
– und warum Buddy in Concert trotzdem Sommerpause macht
– GEMA-Gebühren: Wie das Land NRW jetzt ehrenamtliche Vereine entlastet
– Warum die Zahl der Musikstudierenden drastisch zurückgeht – und ob man überhaupt noch Musik studieren muss
– KI, immer gleiche Thumbnails und die Hoffnung, dass uns das irgendwann langweilt
– Warum man bei Hitze schlechter Gitarre spielt (Stichwort: Feinmotorik und geschwollene Finger) – Unsere persönlichen Sommerhits und -alben – Mein neues Lieblingsbuch von Barry Galbraith und die Suche nach dem perfekten Fingersatz
– Cal Newports „Slow Productivity" und der Gedanke vom Monotasking

Und zum Schluss: Abschied, Dankbarkeit und warum am Ende alles seinen Sinn hat Vitali, danke für drei Jahre. Es war immer schön mit dir.

Wenn euch der Podcast etwas bedeutet hat: Lasst Vitali zum Abschied einen lieben Kommentar da.

Eine Folge quer durch alles, was uns gerade beschäftigt!

Vitali hat einen günstigen Bass zerlegt, Thunderbird-Tonabnehmer reingefräst und sich zum zweiten Mal im Leben ans Löten getraut. Bei Sebastian ist das frisch gebaute Pedalboard für den Rockabilly-Gig mit Frank Barracuda fertig... ...inklusive der Erkenntnis, warum echte Pedale eigentlich nerven …

Dann wird's wild: Touren als eingekaufter Gitarrist, Rock'n'Roll-Kreuzfahrten und die Frage, wie man eigentlich einen Gig spielt, den man mit nur einer Probe vorbereitet hat. Plus die schönste Ansage kurz vor dem Auftritt: „Spiel bitte nicht so viel."

Außerdem reden wir über den James-Brown-Film, Doku-Tipps (Tote Hosen, Udo Lindenberg), die Amigos und ihren Abschied 2027, vergessene Platten wie Danny Gattons „American Music", Big Jim Sullivan an Tom Jones' Seite und natürlich das Fender-Trademark-Drama, das gerade jeden Gitarren-YouTuber befällt.

Viel Spaß beim Hören! 🎧 Werbefrei dank euch – unterstützt den Podcast auf Patreon.

Didi Beck ist seit über 40 Jahren der Mann am Kontrabass von Boppin'B – einer Band, die ihre eigene Szene gegen sich aufgebracht hat. In dieser Folge erzählt er, warum bei Konzerten Bierflaschen flogen, wie Boppin'B moderne Coversongs als Rockabilly machte, lange bevor Dick Brave damit berühmt wurde, und warum die Band heute wieder fast nur eigene Songs spielt.

Wir reden über seinen Weg vom Basketballfeld zum Bass, über den HipHop-Opa in ihm (Advanced Chemistry, Dendemann, Retrogott), über Burnout mit Mitte 40 und wie ihn das Laufen zurückgeholt hat. Außerdem: Warum Didi glaubt, dass Authentizität unsere beste Waffe gegen KI-Musik ist, was er von James Browns Bandführung gelernt hat – und welche Bücher er nicht mehr aus dem Kopf bekommt.

Eine Folge über Musik als Beat, übers Dranbleiben statt Talent und darüber, was bleibt, wenn man eine Band ein halbes Leben lang zusammenhält.

Didi Beck / Boppin'B: https://www.boppinb.de/
Didi Beck Instagam: https://www.instagram.com/boppinb_didi/
Didi Beck YouTube: https://www.youtube.com/@didibeckmusic

Kennst du dich wirklich selbst – als Musiker und als Mensch?

In dieser Folge sprechen Sebastian und Vitali über Persönlichkeitstests für Musiker: Was bringen sie wirklich? Wie helfen sie in der Band, im Unterricht und im Alltag als Musiker?

Wir haben beide den Persönlichkeitstest von Stefanie Stahl gemacht – und waren überrascht, wie genau die Ergebnisse uns getroffen haben. Wir reden offen darüber, was wir über uns selbst gelernt haben und warum das für jeden Musiker relevant ist.

Themen dieser Folge:

• Persönlichkeitstest für Musiker – was steckt dahinter?

• Der Stefanie Stahl Test – was sagen die Ergebnisse wirklich aus?

• Persönliche Gebrauchsanweisung – so funktionierst du wirklich

• Bandkonflikte verstehen und vermeiden

• Selbstreflexion als Musiker: Stärken und Schwächen kennen

• Introvertierte vs. extrovertierte Musiker auf der Bühne

• Warum Selbstkenntnis wichtiger ist als Technik

Egal ob du in einer Band spielst, Gitarrenunterricht gibst oder einfach leidenschaftlicher Hobbymusiker bist – diese Folge gibt dir neue Perspektiven auf dich selbst und dein Musikmachen.

Helmut Kunstmann – Bassist, Steuerberater & Gründer der Kanzlei „Der Steuerbassmann" – zu Gast im Kopflastig Podcast.

Helmut führte jahrzehntelang ein Doppelleben: tagsüber Steuerberater, abends Bassist. Heute verbindet er beides – und berät Musiker, Schauspieler und Kreative in genau den Steuerfragen, die sonst niemand versteht.

In dieser Folge sprechen wir über:

🎸 Was „Liebhaberei" steuerlich bedeutet – und warum das für Musiker gefährlich werden kann

📉 Verluste in der Anlaufphase: Wann erkennt das Finanzamt sie an, wann nicht?

🧾 Was jeder Berufsmusiker von Anfang an beachten sollte (Belege, Buchhaltung, Gewinnermittlung)

💡 Legale Wege, die Steuerlast zu senken – von Vorausmiete bis Zahlungsverschiebung

🌍 Internationale Sachverhalte: Wenn Bandmitglieder in verschiedenen Ländern leben

🎟️ Warum Konzertbesuche für Profis Betriebsausgaben sind

Egal ob du gerade deine erste Gage kassiert hast oder schon länger von der Musik lebst – diese Folge gibt dir praxisnahes Wissen, das dich vor teuren Fehlern schützt.

🔗 Kanzlei „Der Steuerbassmann": [Link einfügen]

Kopflastig Podcast – Musik, Mindset & das Leben dahinter.

In dieser Folge sprechen Vitali und Sebastian über das, was Musiker aktuell wirklich umtreibt:
Die Sehnsucht nach Echtheit, den Unterschied zwischen Künstler und Content Creator, und warum so viele Musiker still und leise aufhören. Außerdem: Was hat Dopamin mit deiner Kreativität zu tun? Warum du dich manchmal bewusst „aushungern" musst, um wieder wirklich Musik machen zu wollen – und was eine Erdbeere nach fünf Tagen Fasten damit zu tun hat.

Themen dieser Folge:
- Rohe vs. perfekte Musik – was bewegt uns wirklich?
- Künstler oder Content Creator: Wer steht da eigentlich vor der Kamera?
- Warum Musiker ausbrennen (und wie man es vermeidet)
- Musik als Ausgleich statt als Performance
- Kreativität ohne Dopamin-Hijack: Arbeiten ohne dauernd online zu sein

Eine Folge ohne festes Thema, aber mit rotem Faden und vielen Gedanken, die gerade wichtig sind.

Ihr habt geschrieben – wir antworten. In dieser Q&A-Folge nehmen sich Sebastian und Vitali drei Fragen aus der Community vor, die viele kennen dürften:

🎸 Ansgar kämpft mit einem riesigen Übe-Berg: Carter Picking, Fingerstyle, Blattspiel, Klassik, Blues – und obendrauf noch das Dominic-Miller-Beatles-Buch. Wie kommt man da raus?

🔥 David fragt: Was mache ich, wenn mich jemand spontan bittet, etwas vorzuspielen – am Lagerfeuer, bei der Oma, auf der Party? Wie baut man sich ein Repertoire auf, ohne den Druck zu spüren?

🎵 Andreas aus NRW stellt die große Frage: Kann Musik heute noch politisch bewegen – so wie einst Lennon, Springsteen oder Wolf Biermann?

Ehrlich, direkt und mit konkreten Tipps – wie immer.

Und wie immer: Bleibt kopflastig!

👋 Kopflastig wächst – und ihr könnt Teil davon sein! 🚀 Vitali und ich haben unsere Patreon-Seite gestartet: Bonusmaterial, Livestreams und direkter Kontakt zu uns warten auf euch. Jetzt reinschauen: https://www.patreon.com/cw/KopflastigPodcast

Christin spielt Bass, Gitarre und Gesang – übt für ein Akustik-Duo, eine Metal-Band und will nebenbei noch ihre Lieblingssongs nicht vergessen. Klingt bekannt? Ihr geht es vermutlich wie vielen Musikern: zu viel Stoff, zu wenig Zeit, und das Gefühl, nie wirklich voranzukommen.

Statt ihre Frage einfach zu beantworten, haben wir Christin direkt eingeladen. Im Gespräch mit Sebastian und Vitali reden wir offen darüber, wie man das tägliche Üben strukturiert – wenn man mehrere Instrumente, unterschiedliche Bands und verschiedene Ziele unter einen Hut bringen muss.

Das ist gleichzeitig der Auftakt einer neuen Rubrik: Hörer:innen als Gäste. Echte Fragen, echte Probleme, ehrliche Gespräche.

Was uns alle beschäftigt: Wann hört Pflichtprogramm auf – und wann darf man einfach spielen, was man liebt?

Eine Hörerfrage hat diese Folge ausgelöst: Kann man als Quereinsteiger — ohne Vorkenntnisse, ohne Musikausbildung — in die Musik einsteigen und damit Geld verdienen?

Vitali und Sebastian nehmen die Frage ernst und gehen sie systematisch an: Welche Möglichkeiten gibt es überhaupt, als Musiker seinen Lebensunterhalt zu verdienen? Und wie realistisch ist es, in diese Bereiche als Spätzünder einzusteigen?

Dabei zeigen die beiden, dass es durchaus Vorbilder gibt — zum Beispiel Bill Withers, der sein erstes Album mit 32 veröffentlichte, nie eine formale Musikausbildung genoss und vorher einfach in einer Fabrik arbeitete.

Am Ende liefert Sebastian einen Vortrag des Neurobiologen Gerald Hüter, der eine klare Botschaft hat: Der Mensch ist dazu gemacht, ein Leben lang zu lernen — und kann prinzipiell alles lernen, wenn er es wirklich will.

Eine Folge für alle, die sich fragen, ob der Zug für sie schon abgefahren ist. Spoiler: vielleicht nicht.

Vortrag von Gerald Hüther auf YouTube: https://youtu.be/7UZoF56D4MY?si=RonIVodRc0F03rG6

In dieser spannenden Folge von Koplastig – Gitarre & Bass im Gespräch begrüßen Vitali und Sebastian den legendären deutschen Gitarrenlehrer und Bestseller-Autor Peter Fischer (Rock Guitar Secrets, Masters Of Rock Guitar, Survival Guitar u.v.m.).

Peter erzählt ausführlich von seinen beeindruckenden Anfängen: Wie er bereits als Jugendlicher Gitarrenunterricht gab, in Tonstudios professionelle Aufnahmen für andere Bands einspielte und schließlich ans renommierte Guitar Institute of Technology (GIT) nach Los Angeles kam. Außerdem berichtet er, wie es zu seinem langjährigen Erfolg als Lehrbuchautor beim AMA Verlag kam.

Die Folge ist gespickt mit wertvollen Lektionen für alle Gitarristen:

• Warum stundenlanges YouTube-Schauen kein echtes Üben ist

• Warum deine Aufmerksamkeitsfähigkeit eines der wichtigsten „Musikinstrumente“ ist

• Warum es extrem lohnend sein kann, sich hin und wieder richtig tief in ein einziges Thema zu vergraben

• Und viele weitere praktische, ehrliche und teilweise unbequeme Einsichten aus über 40 Jahren Profi-Erfahrung.

Egal ob Anfänger oder Fortgeschrittener – diese Episode liefert echten Mehrwert und hilft dir, bewusster und effektiver zu üben.

🎶 Peter Fischer Spotify: https://open.spotify.com/intl-de/artist/1YG4We7deMtpbtLef1mB7O?si=NHyp1524R4-ZWfNns1zxHw

🌍 Peter Fischer Webseite: https://peterfischer.info/

💻 Peter Fischer YouTube-Kanal: https://www.youtube.com/user/PeterFischer1908

In dieser zweiten Folge unserer Birkenbihl-ABC-Reihe machen wir genau da weiter, wo wir beim letzten Mal aufgehört haben: Wir vervollständigen die Buchstaben, die in der ersten Sendung zu kurz gekommen sind.

Wieder hat jeder von uns assoziativ seine eigene ABC-Liste zum Thema MUSIK erstellt – und das Ergebnis ist mindestens genauso bunt und überraschend wie im ersten Teil. Von vergessenen Klassikern über YouTube-Rabatte bis hin zu ganz persönlichen Musik-Erinnerungen: Wir vergleichen unsere Listen, lachen, staunen und plaudern entspannt weiter über alles, was Musik in uns auslöst.

Zusätzlich stellt Sebastian die beliebte KAWA-Technik von Vera F. Birkenbihl vor: „Kreative Ausbeute von Wort-Assoziationen“. Eine intensive und kreative Methode, bei der man zu den Buchstaben eines zentralen Begriffs Assoziationen sammelt – perfekt, um tiefer in ein Thema einzutauchen als mit einer klassischen ABC-Liste.

Gedanken-Playlist: Birkenbihl-ABC trifft unsere Musikwelt (Teil 2)

In dieser Kopflastig-Folge zapfen wir nach Vera F. Birkenbihl das Unterbewusste an: Jeder von uns hat eine eigene ABC-Liste zum Thema MUSIK erstellt – frei assoziativ, ohne Druck, einfach alles, was einem spontan einfällt.

Das Ergebnis? Eine wilde Reise durch unsere persönlichen Musikwelten: Von Quintett über Oper bis Kontrabass, von YouTube-Musikbibliothek bis zu vergessenen Kindheitsliedern. Wir vergleichen unsere Listen, lachen über Überraschungen, graben tief in Erinnerungen und plaudern über alles, was Musik so besonders (und verrückt) macht.

Die Birkenbihl-ABC-Methode zeigt wieder einmal: Spannend, was einem so im Kopf herumwuselt: Gedanken-Playlist: Birkenbihl-ABC trifft unsere Musikwelt!

Wenn du die ABC-Methode selbst ausprobieren willst: Nimm ein Blatt, schreib A–Z senkrecht, wähle ein Thema (z. B. Musik, Liebe, Ängste…) und lass einfach alles raus, was kommt – egal in welcher Reihenfolge!

Was wäre DEIN erster Eintrag bei „Musik“? Schreib's in die Kommentare! 👇

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#Birkenbihl #ABCMethode #Musik #Lernmethoden #Podcast #Kopflastig #VeraBirkenbihl #GedankenPlaylist #Assoziationen

Danke fürs Zuhören – lasst eure Gedanken playlisten! 🎶✨

In dieser neuen Folge von Kopflastig packen wir ein Thema an, das fast jeden Musiker betrifft – und bei vielen für Frust sorgt: Gehörbildung.

In dieser neuen Folge von Kopflastig packen wir ein Thema an, das fast jeden Musiker betrifft – und bei vielen für Frust sorgt: Gehörbildung. Sebastian hat vor 20 Jahren den Gehörbildungstest zur Aufnahme an der Jazz & Rock Hochschule Freiburg bestanden – und war damals stolz drauf. Heute sagt er: „Das war ein Fehler.“ Denn die klassische Methode, wie sie in Musikschulen überall gelehrt wird (Intervalle mit Liedanfängen wie „Happy Birthday“ oder „Star Wars“ merken), funktioniert in der Praxis gar nicht richtig – vor allem nicht, wenn du wirklich improvisieren, in einer Jam Session mitspielen oder schnell hören willst, was gerade läuft.

Wir schauen uns genau an, warum diese Methode versagt und was stattdessen wirklich hilft. Sebastian verrät, was Jazz-Legende Charlie Banacos seinen Schülern (wie z.B. Mike Stern, Jerry Bergonzi, Wayne Krantz, Jeff Berlin, etc...) gelehrt hat – eine radikal andere, praxisorientierte Art des Gehörtrainings, die viele Top-Jazzmusiker bis heute nutzen.

Außerdem gibt’s konkrete Tipps für den Einstieg: - Wie fängt man als Erwachsener (oder fortgeschrittener Anfänger) sinnvoll mit moderner Gehörbildung an? - Welche Mindestanforderungen solltest du irgendwann hören und sofort erkennen können, um ein wirklich guter, flexibler Musiker zu werden? - Welche Übungen bringen am schnellsten Fortschritt – und was kannst du schon heute Abend ausprobieren?

Ob du gerade für eine Aufnahmeprüfung übst, in Bands spielst oder einfach besser improvisieren willst: Diese Folge räumt mit Mythen auf und zeigt den Weg, der in der echten Musikwelt funktioniert.

Hör rein – und lass dir dein Gehör nicht länger von Kinderliedern sabotieren. 🎧

Wer den Podcast unterstützen möchte, kann dies auf PATREON tun: https://www.patreon.com/cw/KopflastigPodcast/

Vom harten Metal-Riff zum flüssigen Fusion-Jazz-Solo: In dieser tiefgründigen Folge sprechen Vitali und Sebastian mit Sascha on Bass (@SaschaOnBass ), einem der spannendsten Bass-Content-Creators der Stunde.

Sascha erzählt seinen außergewöhnlichen Werdegang: Wie er als Metalbassist angefangen hat, irgendwann das Jazz-Bass-Studium rockte und sich schließlich zu einem Spezialisten für Advanced Bass Improvisation entwickelte – heute teilt er genau diese High-Level-Techniken auf YouTube mit tausenden Bass-Spielern weltweit.

Wir reden darüber, warum es als Bassist so verdammt schwerfällt, ein richtig gutes Solo zu spielen (und wie man diese mentale & technische Hürde knackt), warum YouTube für viele die beste (und zugänglichste) Lernplattform ever geworden ist und wie sie einem den Kontakt zur globalen Bass-Community eröffnet.

Besonderes Highlight: Sascha feuert eine ganze Ladung Musikempfehlungen ab – von seinen größten Vorbildern (allen voran Hadrien Feraud) bis hin zu anderen Meistern, die seinen Sound geprägt haben. Plus: Zwei richtig starke Buchempfehlungen, die jeder ambitionierte Bassist (und Musiker) kennen sollte.

Egal ob du gerade aus dem Metal kommst, mitten im Jazz-Studium steckst oder einfach bessere, kreativere Bass-Soli spielen willst – diese Folge ist vollgepackt mit Inspiration, ehrlichen Einblicken und direkt umsetzbaren Tipps.

Ein Hörer hat uns eine Mail geschickt, die Vitali gleich aufhorchen ließ: „Gibt’s wirklich keinen besseren Weg, etwas am Instrument zu lernen, als es einfach 100-mal zu wiederholen?“ Das ist ein gutes Thema für einen Musik-Podcast!

Für Sebastian war die Formulierung aber das ultimative Alarmsignal. Denn genau hier liegt der Kern: Wiederholung ist der wichtigste Schlüssel, um ein wirklich guter Musiker zu werden – wichtiger als Talent, wichtiger als Motivationstricks, wichtiger als fancy Apps.

Aber: Wiederholungen sind keine Langeweile-Strafe. Wenn dir beim Üben langweilig wird, machst du fast immer etwas falsch. Meistens fehlt es an echter Konzentration, an klarem Fokus oder an der richtigen Strategie. In dieser Folge zerlegen wir das Thema neurophysiologisch und praxisnah, mit Literaturbeispielen und Übungstipps:

• Warum Wiederholung dein Gehirn und deine Bewegungen umbaut (und warum „mal eben drüberstreichen“ nichts bringt)
• Wie viele gezielte, fokussierte Wiederholungen du wirklich brauchst, um eine Bewegung automatisiert und sauber zu bekommen

Kurz gesagt: Richtig wiederholt wird Üben zur Superkraft – und Langeweile zur Ausrede, die du dir nie mehr erlauben musst. Hör rein und hol dir die Blaupause, wie du mit smarten Wiederholungen schneller, präziser und vor allem motivierter besser wirst.

Wenn du schon mal frustriert warst, weil „ewiges Wiederholen“ nichts brachte – diese Folge ändert deine Sicht auf Üben für immer.Viel Spaß beim Zuhören!

#MusikLernen #InstrumentÜben #Wiederholung #MusikerPodcast #Kopflastig

In dieser Folge von Kopflastig tauchen wir tief in Adam Neelys fast 1,5-stündiges Video-Essay „Suno, AI Music, and the Bad Future“ ein – eine der schärfsten und nachdenklichsten Auseinandersetzungen mit generativer KI in der Musik, die es bisher gibt.

Wir arbeiten die zentralen Thesen heraus: Wie Suno und Co. Musik als passives Konsumgut und schnelles Content-Produkt umdeuten wollen, warum der CEO „jeder sollte kreieren“ propagiert – aber eigentlich nur Prompts eingeben lässt –, Deskilling, musikalischen Narzissmus, fehlende Einflüsse und Vorbilder, die Umkehrung von Werten („Impatience“ als neue Tugend, schneller = besser), techno-kapitalistische Futurismus-Visionen à la Marc Andreessen und die drohende Entfremdung von echter, lebendiger Musik.

Gleichzeitig diskutieren wir kritisch und ausgewogen: Ist Musik wirklich nur noch „Content“ wie Videospiele? Brauchen wir 500 Songs pro Tag oder eher mehr Zeit für echten Ausdruck? Was verliert man, wenn man nie ein Instrument spielt, nie nach Gehör lernt oder nie live mit anderen jammt? Und wo könnte Suno tatsächlich sinnvoll sein – z. B. für Funktionsmusik, Lernhilfen, Meditation oder schnelle Ideen in Serien/Film? Wir bringen eigene Perspektiven ein: Vergleiche zu Theater vs. Kino (live, fehlerhaft, authentisch vs. perfektioniert und beliebig reproduzierbar), die McDonaldisierung von Musik durch Autotune & Co., die Frage, ob Bücher oder Musik „passiv“ sein müssen (und warum das in anderen Kulturen gar nicht so gesehen wird), unsere persönlichen Werte und warum Sebastian die Trennung von LIVE MUSIK und PRODUZIERTE MUSIK für essenziell hält.

Am Ende: Mehr Fake wird kommen – aber muss das das Ende guter, menschlicher Musik bedeuten? Oder eine Chance, das Echte wieder stärker wertzuschätzen? Eine kopflastige, teils alarmierte, teils hoffnungsvolle Auseinandersetzung mit der vielleicht größten Disruption, die die Musik je erlebt hat. Hört rein, denkt mit – und spielt danach vielleicht doch mal wieder ein paar Töne selbst. 🎸

#Kopflastig #AIMusik #Suno #AdamNeely #MusikZukunft

Vitali hat sich gerade in den Kontrabass verliebt – und zwar als Erwachsener, der schon weiß, was er will. Aus seinen ersten Erfahrungen entsteht in dieser Folge ein offenes Gespräch: Wie lernt man eigentlich ein neues Instrument richtig? Und vor allem: Ist es als Erwachsener wirklich „zu spät“ – oder hat man sogar Vorteile, die Kinder nie haben?

Wir räumen mit dem Mythos auf, dass Kinder immer die besseren Lerner sind. Klar: Die haben mehr Neuroplastizität, weniger Alltagsstress und pure Begeisterungsfähigkeit. Aber Erwachsene? Die bringen Disziplin, Geduld, jahrelanges Musikwissen, bessere Konzentration, klare Ziele und vor allem: echten eigenen Antrieb mit. Dazu Geld für guten Unterricht, Kontakte zu anderen Musikern und die Freiheit, den eigenen Geschmack zu verfolgen – ohne Druck von außen.

Falls du schon mal gedacht hast „Ach, das hätte ich als Kind anfangen sollen“ – hör rein. Diese Folge motiviert dich vielleicht genau jetzt loszulegen. Weil: Zu spät? Von wegen!

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💬 In die Kommentare: Welches Instrument willst du als Nächstes angehen?

#gitarre #kontrabass #instrumentlernen #erwachsenlernen #musiklernen #spätzünder #kopflastig

In dieser besonderen Ausgabe begrüßen Vitali und Sebastian den aus Lettland stammenden Schlagzeuger und Pädagogen Rustam Guseinov (u. a. Abyss of Hell, The New Hornets, Stoned God).

Rustam nimmt euch mit auf seine persönliche Reise: Wie er als Kind in Lettland zum Schlagzeug kam, wie das Leben in den wilden 90er Jahren in Riga aussah und welche extremen Trainingsmethoden ihn einst ans Limit – und sogar ins Krankenhaus – brachten: Nach exzessivem Double-Bass-Üben waren seine Beine so stark geschwollen, dass er kaum noch laufen konnte.

Er erzählt offen, wie es ihn schließlich nach Deutschland verschlagen hat, was Musik für ihn wirklich bedeutet und wie er heute als Schlagzeuglehrer arbeitet. Rustam gibt tiefe Einblicke in seine Unterrichtsphilosophie: Warum guter Unterricht viel mehr als nur Technik-Vermittlung ist, wie man langfristig motiviert bleibt und was er seinen Schülern wirklich mit auf den Weg geben möchte.

Eine sehr persönliche, ehrliche und teilweise richtig intensive Folge über Leidenschaft, Disziplin, Schmerzen, Migration und die große Frage: Was macht Musik eigentlich mit uns – und was machen wir mit ihr?

Viel Spaß beim Hören! 🥁

Rustam auf Insatgram: https://www.instagram.com/rustamdrummer/

#Schlagzeug #Drumming #Lettland #90er #DoubleBass #Musikunterricht #KopflastigPodcast

Nach zwei Folgen, in denen wir uns intensiv mit den Merkmalen eines guten Gitarrenlehrers beschäftigt haben, drehen wir den Spieß jetzt um: Jetzt geht’s um dich – den Schüler!

Was musst DU eigentlich mitbringen, damit Gitarrenunterricht wirklich zündet und dein Geld am Ende nicht „verbrannt“ ist, sondern sich in spürbarem Fortschritt und echter Freude am Instrument auszahlt?

In dieser Episode reden wir über die entscheidenden Soft Skills und Voraussetzungen, die den Unterschied machen:

- Regelmäßige, clevere Übe-Routinen (Unterricht allein reicht nie aus!)
- Geduld & realistische Erwartungen beim langfristigen Lernen
- Vertrauen in den Lehrer und seinen Plan
- Offene, klare Kommunikation: Was willst du wirklich erreichen? Was magst du (nicht)?

Wir erklären, warum genau diese Dinge oft entscheiden, ob du „irgendwie mitspielst“ oder ein echter Gitarrist wirst.

Hör rein und finde heraus, wo du schon stark bist – und wo du noch Gas geben kannst! 🎸

#Gitarrenunterricht #GitarreLernen #BesserGitarreSpielen #ÜbenTipps #MusikLernen

Die Kunst, anderen das Musizieren beizubringen: In dieser Folge graben Vitali und Sebastian tief in die Frage ein: Wie sieht der ideale (Musik-)Lehrer aus? Und: Was macht eigentlich guten Unterricht aus – egal ob Gitarre, Bass oder ein anderes Instrument?

Sie sprechen darüber, warum messbare Fortschritte der wichtigste Beweis für Qualität sind, welche zentrale Rolle der Lehrer im gesamten Lernprozess spielt und warum vages „Mach mal so“-Feedback meistens nichts bringt. Konkretes, umsetzbares Feedback ist Pflicht!

Außerdem geht’s um die großen Hebel: Wie wichtig Spaß und echte Motivation sind, warum die persönliche Lernbiografie oft mehr blockiert als Begabung, und wieso ein guter Lehrer die individuellen Bedürfnisse jedes Schülers ernst nehmen muss.

Ob du selbst unterrichtest, einen Lehrer suchst oder einfach verstehen möchtest, woran man Qualität erkennt – diese Folge liefert viele konkrete Anhaltspunkte und Denkanstöße. Viel Spaß beim Hören – und gerne Feedback an uns, wie euer Unterricht so läuft 😉

In dieser Folge blicken Vitali und Sebastian kritisch und ehrlich auf einen kürzlich besuchten Improvisations-Workshop zurück, der Sebastians Erwartungen leider überhaupt nicht erfüllt hat. Statt inspirierender Momente gab es Verwirrung, fehlende Struktur und wenig echte Unterstützung – eine perfekte Grundlage, um genau das zu besprechen: Was macht guten Musikunterricht aus (und was verhindert ihn leider oft).

Vitali hat sich Gedanken gemacht, auf welche Qualitäten er selbst Wert legt, wenn er sich einen Lehrer sucht und Sebastian stimmt - wie gewohnt! - nicht mit jedem Punkt seines Podcast-Kollegen überein!

Das Thema ist so ergiebig, dass sie nach einer Stunde feststellen müssen, dass es auf jeden Fall einer weiteren Folge Bedarf, um alles zu sagen, was zum Thema "Was ist guter (Musik-)Unterricht" gesagt werden muss.

In dieser Episode des Kopflastig Podcasts diskutieren Vitali & Sebastian über die Bedeutung von Zielen und Vorsätzen, insbesondere im Kontext des neuen Jahres. Sie reflektieren über persönliche Erfahrungen mit Fitness, Musik und der Herausforderung, Ziele zu setzen und zu erreichen. Die Diskussion umfasst auch die Rolle von großen Zielen, die praktische Anwendung von Techniken und die Suche nach persönlichen Interessen und Resonanz im Leben. Unter anderem wird auch das Konzept des 'Rad des Lebens' eingeführt, um verschiedene Lebensbereiche zu identifizieren und zu priorisieren.

In dieser Folge tauchen wir tief in das Buch „Advice for Young Musicians“ von Ian Howell ein – ein kleines, aber verdammt kluges Werk, das von einem außergewöhnlichen: Ein klassisch ausgebildeter Sänger, der mit Anfang 30 in die Welt Musikpädagogik-Forschung gewechselt ist.

Sebastian hat im Buch so viele Stellen markiert, dass es fast schon ein Kunstwerk ist. Vitali hat sich gefragt: Warum genau diese Passagen? Was hat Sebastian da so sehr getroffen? Und so entsteht eine Folge, in der wir uns durch die schärfsten, provokantesten und manchmal einfach fragwürdigen Ratschläge arbeiten.Wir reden über:

• Warum die Technologie, die dein Lehrer dir empfiehlt, wahrscheinlich schon veraltet ist – und was du stattdessen wirklich brauchst

• Warum man als Musiker „Musik für ältere Leute zum Geld verdienen“ machen sollte (und warum das überraschend klug ist)

• Warum die aktuelle Forschung über effektives Üben so gut wie niemand kennt – und warum das ein riesiges Problem ist

• Und viele andere Tipps, die man in keiner klassischen Musikschule je hören wird

Sebastian erklärt, warum er genau diese Stellen so wichtig findet, Vitali bohrt nach, und am Ende bleibt die Frage: Wie viel von dem, was hier empfohlen wird, ist für ältere Musiker völlig selbstverständlich und warum setzen junge Musiker das nicht um?

Eine Folge für alle, die Musik ernst nehmen, aber keine Lust mehr auf verstaubte Dogmen haben. Jetzt reinhören!

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Es ist wieder so weit: Alle Jahre wieder kommt das Christuskind – und wir nutzen das wohlbekannte Weihnachtslied, um eine der wichtigsten Fragen der Harmonielehre zu beantworten: Wie findet man eigentlich zu einer gegebenen Melodie die passenden Akkorde?

In dieser weihnachtlichen Folge von Kopflastig nehmen wir „Alle Jahre wieder“ unter die Lupe und zeigen Schritt für Schritt, wie Harmonisierung funktioniert. Wir erklären die Grundprinzipien: Wie entscheide ich, welche Akkorde zur Melodie passen? Wo und wie fange ich an, die ersten Akkorde zu setzten? Welche Akkorde sind „sicher“ und warum klingen bestimmte Übergänge besonders schön?

Aber wir bleiben nicht bei der Standardversion stehen – nein, danach kommt der spaßige Teil: die Reharmonisierung! Wir probieren alternative Basstöne, Parallel-Akkorde und basteln so lange an einer Wendung, dass wir uns über Fadd9/A oder G#07 in eine harmonische Sackgasse manövrieren.

Perfekt für alle, die schon immer wissen wollten, wie Songwriter und Arrangeure denken – egal ob am Klavier, an der Gitarre oder einfach nur aus Neugier. Theorie, Praxis und jede Menge Aha-Momente (plus ein paar „Oh nein, was haben wir da angerichtet?“-Momente), verpackt in weihnachtlicher Stimmung.

Eine sehr theoretische Folge. In diesem Sinne: Bleibt Kopflastig. 🎄🎹

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Warum „darf“ man im klassischen Klavierspiel den Daumen nicht auf schwarze Tasten setzen? Warum galten Quint- und Oktavparallelen jahrhundertelang als Todsünde der Stimmführung? Und warum muss man im Restaurant eigentlich die Gabel links und das Messer rechts halten?

Die meisten Regeln – egal ob in der Musiktheorie oder im sozialen Miteinander – hatten einmal einen richtig guten Grund. Wenn dieser Grund aber wegfällt (technisch, historisch oder gesellschaftlich), werden aus klugen Gesetzen plötzlich leere Verbote, die nur noch aus Tradition weitergegeben werden.

Auslöser für diese Folge war eine WDR 5-Sendung, die Vitali vor ein paar Tagen im Auto gehört hat. Seitdem lässt ihn der Gedanke nicht mehr los: Wie viele „heilige Regeln“ halten wir eigentlich nur noch aus Gewohnheit aufrecht – und wann ist es endlich Zeit, sie über Bord zu werfen?

Kurz gesagt: Eine Folge für alle, die schon immer mal jemanden gesucht haben, der ihnen erlaubt, endlich mit dem kleinen Löffel zu suppen – aber natürlich nur, wenn es einen guten Grund dafür gibt.

Viel Spaß beim Hören – und danach dürft ihr gerne alle Regeln brechen. Außer vielleicht diese eine.

WDR5 Beitrag "Regeln – die heimlichen Regisseure des Alltags" https://www1.wdr.de/radio/wdr5/sendungen/neugier-genuegt/feature-regeln-normen-vorschriften-100.html

Welche Regeln kennt ihr, deren Sinn ihr nicht erkennt oder die ihr einfach für unnötig haltet? Schreibt's in die Kommentare!

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Nachdem wir in der letzten Folge bereits einen Suno-Song zerlegt haben, legen Vitali und Sebastian jetzt nochmal nach – zwei frische Tracks direkt aus der KI-Konserve landen auf dem Seziertisch.

Wie immer mit doppeltem Skalpell: Vitali zerlegt die Songs aus Produzenten-Sicht, während Sebastian musikwissenschaftlich bis in die letzte Harmoniewendung vordringt.

Zwischendurch wird’s aber wieder richtig philosophisch: Warum kann man Musik eigentlich gar nicht „bewerten“? Gibt es überhaupt objektive Maßstäbe für Kunst, oder ist am Ende doch alles nur Geschmackssache mit besserer Argumentation? Und wo bleibt da der Mensch, wenn eine KI in 30 Sekunden macht, wofür früher ein ganzes Leben nötig war?

Kurz: 60 Minuten Musik-Nerdtum, Existenzkrise und schwarzer Humor inklusive.

Künstliche Intelligenz ist schon ok... Hauptsache ihr bleibt alle kopflastig! 🧠🎧

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In dieser Folge nehmen wir einen echten KI-Song unter die musikwissenschaftliche Lupe – und zwar keinen x-beliebigen Prompt-Schnellschuss, sondern einen Track, den ein Schüler von Sebastian selbst mit Suno AI erschaffen hat.

Gemeinsam zerlegen wir den Song Schicht für Schicht und schauen ganz genau hin:

- Songstruktur & Dramaturgie: Wie ist der Spannungsverlauf des Songs? Wo sind Hoch- und Tiefpunkte in der Musik?
- Harmonik & Akkordfolgen: Welche Progressionen nutzt Suno? Sind die Akkorde eher clever oder eher „Standard“?
- Rhythmik & Groove: Welche Rhythmen verwendet verwendet? - Instrumente...
- und vieles mehr!

Ein tiefgehender, ehrlicher Blick hinter die Fassade eines KI-generierten Hits – ohne Hype, ohne Verteufelung, dafür mit viel Musiktheorie und offenen Ohren.

Hört rein und lasst euch überraschen! 🎧 Und wie immer: Bleibt kopflastig!

Der Q&A-Marathon geht weiter – und wird richtig kontrovers! In Teil 2 von eurem Feedback-Special packen wir die heißen Eisen aus: Welche Gitarristen sind total überbewertet (und warum wir uns trauen, das zu sagen)? Habt ihr noch große musikalische Träume – und wo seht ihr euch in 5 Jahren auf der Bühne des Lebens? Wie würde euer Signature-Instrument aussehen, das ultimative Custom-Design für den Rockstar in euch? Und praktisch wie eh und je: Tipps, wie du Gegenmelodien und zweite Stimmen für die Bläser in deiner Band erfindest, ohne dass es chaotisch wird.

Von ehrlichen Hot Takes über Ikonen bis zu visionären Vibes und Band-Hacks – das ist Kopflastig pur, ohne Filter und mit vollem Einsatz. Wenn ihr Teil 1 verpasst habt: Holt nach, die Fragen explodieren da schon! Dank eurer Flut an Input aus Instagram, Discord und YouTube rocken wir das Ganze in zwei Episoden – und es war episch.

Hört rein, lasst eure eigenen Takes in den Comments und teilt, was euch umhaut. Musikträume werden wahr – fangt an, sie laut zu machen!

Und wie immer: Bleibt kopflastig! :)

Sebastians Thomann Affiliate-Link: https://thmn.to/thocf/4cyvct186f

In dieser Kopflastig-Special beantworten wir eure brennendsten Fragen: Was würdet ihr heute anders angehen, wenn ihr euer Instrument neu starten könntet? Welche Apps und Tools sind der Game-Changer für Anfänger und Profis? Und – der ultimative Mind-Bender: Könnt ihr euch eine Welt ohne Musik vorstellen? Von Hacks, die euch Zeit sparen, bis zu philosophischen Trips in die Stille – wir legen alles offen.

Dank eurer Wahnsinns-Beteiligung auf Instagram, Discord und YouTube sind so viele Perlen reingerauscht, dass wir glatt zwei Folgen brauchen: Diese hier rockt mit den Highlights, und nächste Woche knöpfen wir uns den Rest vor. Hört rein, lasst euch inspirieren und teilt eure eigenen Takes – Musik ist (leider) zu geil, um sie allein zu machen!

Und wie immer: Bleibt kopflastig! :-)

Text Vitali

In dieser besonderen Folge des Kopflastig Podcasts übernimmt Sebastian das Mikrofon allein (während Vitali seinen wohlverdienten Urlaub genießt) für ein faszinierendes Interview mit dem legendären Komponisten Christian Bruhn. Bekannt für unvergessliche Hits wie Marmor, Stein und Eisen bricht, Zwei kleine Italiener, Ein bisschen Spaß muss sein, Hey, hey, Wickie und die ikonische Zott-Sahnejoghurt-Melodie, gibt uns Christian Bruhn einen tiefen Einblick in sein Leben und Schaffen. Wir sprechen über seine Alltagsroutine als Komponist, die Magie der Unterhaltungsmusik von damals und heute, warum atonale Musik keine breite Akzeptanz findet und viele weitere spannende Themen. Taucht ein in die Welt eines musikalischen Meisters, dessen Melodien Generationen geprägt haben!

In dieser spannenden Episode sprechen wir mit Prof. Dr. Eckart Altenmüller, renommiertem Neurologen, Musiker und (ehemals) Professor für Musikphysiologie an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover. Mit seiner jahrzehntelangen Forschung zu Musik, Gehirn und Lernen gibt er tiefgehende Einblicke, wie Erwachsene effektiv neue Fähigkeiten erlernen können. Wir diskutieren die Kunst des richtigen Übens, die Unterschiede im Lernen zwischen Kindern und Erwachsenen und die Frage: Sollte man jeden Tag üben oder gezielt Pausen einlegen? Prof. Altenmüller, Autor des Buches "Die Kunst des Musizierens", teilt sein fundiertes Wissen und praktische Tipps, die nicht nur Musiker, sondern alle inspirieren, die im Erwachsenenalter neue Ziele erreichen wollen. Ein Gespräch über Geduld, Strategie und die Wissenschaft hinter dem Lernen – ideal für alle, die ihren Fortschritt entfesseln möchten!

In dieser Folge des Kopflastig Podcasts tauchen wir tief in die Welt der Bildung ein: Lernt man in der Schule wirklich, was man fürs Leben braucht? Wir diskutieren Richard David Prechts Thesen aus Anna, die Schule und der liebe Gott und Kenny Werners Erfahrungen in Effortless Mastery, wo er beschreibt, wie Schule seine Kreativität unterdrückte. Sebastian liefert konkrete Vorschläge für Fächer, die das Leben bereichern könnten, und zeigt anhand eines Gedichts, wie man effektiv lernen lernt. Eine inspirierende Folge über die Zukunft der Bildung und die Kraft der Kreativität!

Willst du in der Flut an Informationen den Überblick behalten und dein Üben als Musiker revolutionieren? Im neuen Kopflastig Podcast tauchen wir tief in die Welt der Musik und des Lernens ein. Wir nehmen dich mit zurück in die 2000er – eine Zeit ohne Streaming, YouTube oder endlose Online-Archive, als gebrannte mp3-CDs und PDF-Real-Books noch pures Gold waren. Doch trotz all der Möglichkeiten heute fragen wir uns: Macht uns der Informationsüberfluss wirklich besser? Spoiler: Es kommt nicht auf die Menge an, sondern darauf, wie wir sie nutzen. Entdecke, wie strategisches Üben mit Fokus, Klarheit und Freude dich deiner musikalischen Vision Schritt für Schritt näherbringt. Schalte ein und finde deinen Weg durch die Informationsflut – mit Plan und Leidenschaft! Bleibt Kopflastig, aber ohne Überlastung.

Heute begrüßen wir einen besonderen Gast am Mikrofon: Jay Age, der charismatische Sänger der Leipziger Gothic-Band Age Of Heaven. Mit seiner Band stand er bereits auf dem allerersten Wave-Gotik-Treffen und erlebte die Szene von Anfang an mit. Im Podcast gibt Jay Age faszinierende Einblicke in die Entstehung der ältesten Gothic-Band Leipzigs, erzählt ehrlich von den Höhen und Tiefen des Musikerlebens und verrät, welchen Stellenwert die Musik bis heute in seinem Leben hat.

Schnell wird klar: Jay Age ist nicht nur eine Stimme der Szene, sondern ein Künstler mit Herz und Seele. Seine Geschichten sind ehrlich, leidenschaftlich und voller Anekdoten, die die Gothic-Kultur lebendig machen.

Ein inspirierender Gast, der die Magie der Musik spürbar macht. Hört rein und bleibt kopflastig!

Wikipedia Eintrag zu Age Of Heaven: https://de.wikipedia.org/wiki/Age_of_Heaven

Website von Age Of Heaven: http://www.ageofheaven.com/

In dieser Folge sprechen Vitali und Sebastian über das Buch The Inner Game of Music von Barry Green und W. Timothy Gallwey.

Auf Sebastians Empfehlung hin hat Vitali das Werk gelesen – und gemeinsam tauchen die beiden nun in die Kernideen ein.

Was bedeutet das „innere Spiel“?

Es geht darum, beim Musizieren weniger zu bewerten, zu analysieren oder mit dem eigenen inneren Kritiker zu ringen – und stattdessen mehr Vertrauen in den Moment und in die Musik selbst zu legen.

Spannend ist auch der persönliche Blick: Während Sebastian mit 18 Jahren mit den Gedanken des Buches noch wenig anfangen konnte, entdecken die beiden heute umso mehr wertvolle Impulse. Ganz ohne esoterische Floskeln oder leere Erfolgsversprechen zeigt das Werk, wie Musiker lernen können, ihre innere Blockade zu überwinden.

Ein leicht zugängliches, stellenweise etwas altmodisches Buch – und eine klare Empfehlung von Vitali.

Bleibt kopflastig!

📖 Amazon Link "Inner Game Of Music: Mozart in uns" https://amzn.to/4mwk7Dj

In dieser Episode sprechen Vitali und Sebastian über Sebastians großes Vorbild und Inspirationsquelle: Cal Newport. Ausgangspunkt ist ein Video von Newport, in dem er aufzeigt, warum ernsthaftes Denken vielleicht die wichtigste Fähigkeit für ein erfolgreiches, interessantes und wirkungsvolles Leben ist.

Für Newport bedeutet ernsthaftes Denken:

„Anhaltende Aufmerksamkeit auf potenziell komplizierte oder mehrdeutige Informationen – mit dem Ziel, eine neue konzeptionelle Struktur aufzubauen, die für dich selbst oder für die Welt von Wert ist.“

Er stellt außerdem fünf konkrete Schritte vor, mit denen jeder diese Fähigkeit trainieren kann. Vitali und Sebastian übertragen seine Ideen auf ihr eigenes Fachgebiet – die Musik – und entdecken dabei spannende Parallelen: vom konzentrierten Üben bis hin zum intensiven Musikerlebnis.

Bleib kopflastig!

ℹ Cal Newport "How To Think" Video: https://youtu.be/Wy7lsdvmWpk?si=tJg4t__IzWWDM9xe