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In dieser Folge erzählt euch Steffi von der Stef White Band was für sie Glen Hansard bedeutet. Sie sagt: „Glen Hansard hat viel tolle Songs geschrieben, eines meiner absoluten Lieblingslieder ist HER MERCY. Es ist für mich eines der emotional stärksten Lieder überhaupt. Ich kann es nicht einfach so nebenbei hören. Ich muss zuhören. Es überrollt mich jedes Mal. Der Song beginnt leise, fast tastend – eine Gitarre, also würde jemand im Dunkeln nach Trost suchen. Dann steigert es sich, Strophe für Strophe, die Bläser setzen ein, ein Chor kommt dazu, Bass und Schlagzeug explodieren förmlich, Glen schreit sich die die Seele aus dem Leib. Plötzlich wird die Musik zu einer Welle, die einen trägt. Es ist eine Offenbarung.“

Wenn wir spüren, dass ein Musikstück echt ist, dass der Mensch und seine Songs zusammenpassen, Leben und Inhalt sich decken, dann geben diese Elemente dem Stück Kraft. Unser Song vermittelt Gnade und Freundlichkeit und zeigt uns auf diese Weise den Wert von Beziehungen. Von Glen Hansard ging dies Gnade und Freundlichkeit aus, weil er seine Kunst nicht nur zur Selbstdarstellung nutzte, sondern um Menschen sichtbar zu machen, wie wichtig es ist, Trost zu geben und Gemeinschaft zu stiften und das wurde auch bei seiner Trauerfeier deutlich

Glen Hansard war eine großartige Seele. Er sah das Gute in den Menschen, setzte sich für die Schwächsten ein, lebte Dankbarkeit.

Der Schlagzeuger von Clueso, Tim Neuhaus, der mir Glen Hansard auf Tour war, sagte nach Glens Tod: „Die Strahlkraft, die er hatte, kam nicht von ungefähr. Ganz Irland hat um ihn getrauert. Glen ist im Moment so riesengroß, obwohl er gar nicht mehr da ist und vielleicht sind Menschen nicht wirklich weg – vielleicht werden die besten Teile von ihnen ein Teil von uns.“

Glen Hansard ist gegangen – aber seine Musik und seine Magie bleibt.

Für Steffi persönlich war Glen ein großes Vorbild. Musik war sein Leben, seine Leidenschaft, es brauchte nicht viel, um das zu spüren.

Auf dem Artwork zu dieser Folge seht ihr das Bild in Steffis Zimmer.

Foto© Steffi Kornherr, Glen Hansard

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Heute schauen wir uns eine Hymne an, die wahrscheinlich fast jeder von euch mitsingen kann. Ein Song, der Stadien füllt, der Menschen zum Weinen bringt und der wie kaum ein zweiter für das Loslassen steht: „Don’t Look Back in Anger“ von Oasis. 

Die Zeile „Don’t look back in anger“ – blicke nicht im Zorn zurück – ist fast schon zu einem geflügelten Wort geworden. Aber was bedeutet das eigentlich, wenn das Leben, die Familie oder die beste Freundschaft in Scherben liegt? Wie findet man Orientierung, wenn der Zorn alles vernebelt? Wir reisen heute durch den Song, durch die reale Geschichte der Gallagher-Brüder und durch den aktuellen Dokumentarfilm über ihr Comeback. Vor langer Zeit (Folge 17) habe ich eine Noel und Liam Folge zu Aquiesque/Anerkennung gemacht – da habe ich sie mit Kain und Abel verglichen, bei denen die Geschichte nicht so gut ausgegangen ist. Warum ging es bei den Gallagher Brüdern besser aus – darum wird es heute gehen.

Im Jahr 2024 ließen Noel und Liam die Waffen sinken. Stattdessen haben sie im Hier und Jetzt neu angesetzt. Sie haben angefangen, sich über alltägliche Dinge auszutauschen, sich lustige Videos zu schicken. Ihre Kinder haben sich angefreundet.

Das gibt uns eine enorme Orientierung für unsere eigenen Konflikte. Wir glauben oft, eine Versöhnung sei erst dann perfekt, wenn der andere zu Kreuze kriecht und alles haarklein zugibt. Aber der Film zeigt uns: Wahre Versöhnung braucht manchmal gar keine „große Aussprache“. Manchmal reicht es, die Vergangenheit einfach Vergangenheit sein zu lassen, sie nicht mehr umzugraben und stattdessen Schritt für Schritt neue, unbelastete Rituale im Alltag aufzubauen. Das nimmt den Druck raus. Es ist das Eingeständnis: Wir müssen nicht alles klären, um wieder miteinander gehen zu können.

Foto © Joshua Halling

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Im September hatten wir in Grevenbroich eine Schlager-Andacht. Einige haben sich die Ansprache gewünscht, das mache ich dann jetzt einfach als Podcast Folge.

Wir leben in einer Zeit, in der viele ständig zeigen sollen, wie gut sie ihr Leben im Griff haben. Schöne Bilder, gute Nachrichten, perfekte Urlaube, perfekte Familien, perfekte Meinungen. Und wenn man nicht aufpasst, entsteht schnell der Eindruck: Alle anderen kommen wunderbar klar – nur ich irgendwie nicht.

Da sind Orte wichtig, an denen man diese Fassade einmal ablegen kann.

Orte, an denen man sagen darf:

„Heute ist nicht mein Tag.“

Oder:

„Ich weiß gerade nicht weiter.“

Oder einfach:

„Schön, dass du da bist.“

Früher waren solche Orte oft die Kneipen im Dorf oder im Stadtteil. Man kannte sich. Man kam einfach herein. Vielleicht wusste man nicht immer genau, worüber man reden wollte. Aber man war da. Und meistens fand sich jemand, der mit am Tisch saß.

Doch viele Kneipen machen zu. Die letzte Kneipe verschwindet, der Stammtisch löst sich auf – und plötzlich gibt es keinen selbstverständlichen Ort mehr, an dem Menschen sich begegnen.

Und auch die Kirchen erleben: Die Bänke werden leerer. Gottesdienste werden weniger besucht. Manchmal fragt man sich:

Wo treffen sich die Menschen eigentlich noch?

Nicht nur digital. Nicht nur schnell zwischendurch. Sondern wirklich. Von Angesicht zu Angesicht. Mit Zeit. Mit Geschichten. Mit einem Platz, an dem man bleiben kann.

Die Geschichte von Jesus zeigt uns, Gott begegnet Menschen nicht nur in großen Worten und feierlichen Formen. Manchmal begegnet Gott dort, wo Menschen miteinander unterwegs sind, ehrlich miteinander reden und am Ende an einem Tisch sitzen.

Vielleicht auch dort, wo jemand sagt:

„Komm, setz dich erst einmal.“

Zusammenkommen ist kein Luxus. Denn Menschen brauchen Begegnung.

Wir brauchen andere, die uns zuhören. Wir brauchen Gespräche, die nicht nur aus kurzen Nachrichten bestehen. Wir brauchen jemanden, der mit am Tisch sitzt, wenn das Leben gerade schwierig ist.

Und wir brauchen Orte, an denen nicht sofort gefragt wird:

„Was hast du erreicht?“

„Was kannst du leisten?“

„Auf welcher Seite stehst du?“

Sondern eher:

„Wie geht’s dir wirklich?“

„Was beschäftigt dich?“

„Komm, setz dich erst mal.“

Das klingt vielleicht schlicht. Aber es ist alles andere als unwichtig.

Eine Gesellschaft lebt davon, dass Menschen miteinander im Gespräch bleiben. Dass man sich nicht sofort abschreibt, nur weil jemand anders denkt. Dass man einander aushält, auch wenn es manchmal anstrengend wird.

Foto: © Ariola/eurodisc

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Diese Folge ist mit Birgit Fuß, die manche vielleicht vom Musikmagazin Rolling Stone kennen. Sie ist auch Autorin mehrere Bücher - unter anderem auch eins über U2, das im Reclam Verlag erschienen ist. Die Band U2 gibt es in diesem Herbst seit 50 Jahren in derselben Besetzung, das ist schon sensationell. Birgit bedeutet die Musik von U2 und auch ihr konsequenter Lebensweg sehr vie. Sie hat sie mit 15 zum ersten Mal live gesehen - das war 1987.  Inzwischen hat sie die Band ein paar Mal getroffen, davon erzählt sie auch in ihrem Buch. In der Zeit, wo diese Folge erscheint, war sie gerade auf Lesereise ihr Freund und Rolling Stone Kollege Max Gösche unterstützte sie dabei mit tollen Versionen von U2 Songs. Bei diesen Veranstaltungen konnte man auch etwas von Birgits persönlichen Begegnungen mit der Band erfahren. Das Schönste an solchen Abenden ist auch immer der Austausch mit anderen U2 Fans, dabei kann man hören, wieviel diese Musik und auch die 4 Musiker den Menschen bedeuten. Das Motto der Lesereise von Birgit und Max lautet:  You Can Dream so Dream Out Loud. Das ist eine Zeile aus „Acrobat“ vom Album Achtung Baby von 1991 und um diesen Song geht es in dieser Folge.

you can dream, so dream out loud

Glaube ist keine perfekt inszenierte Aufführung, sondern eine gelebte, brüchige Wirklichkeit. Darum braucht es ehrliche Gemeinschaften, in denen Verletzlichkeit nicht weggelächelt, sondern benannt und gemeinsam getragen wird — Wir brauchen Orte, an denen die Maske abgenommen werden darf und Menschen nicht für ihr Scheitern bestraft werden, sondern eingeladen werden, weiter zu üben. Das ist oft ein Drahtseilakt – daher sind wir alle in irgendeiner Weise Glaubens-Drahsteil-Akrobaten

Foto © Helena Christensen

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Nils Neumann hat einen Aufsatz geschrieben „Propheten der Endzeit – Apokalyptische Rhetorik im Punk und im Neuen Testament“ dieser Aufsatz findet sich im neuen Jahrbuch für Biblische Theologie und behandelt apokalyptische Sprach- und Denkmuster. Der Aufsatz zeige, wie amerikanische Punkbands während der ersten Trump-Legislatur biblische Rhetorik aufnehmen und diese gegen den christlichen Nationalismus ihrer Zeit zum Einsatz bringen. Im Podcast erfahrt ihr, wie Punk Musik helfen kann urchristliche Entwicklungen besser zu verstehen. Ich freue mich, dass Nils in dieser Folge dabei ist.

In dieser Folge kannst du überlegen Team Church – Team Punk/Skate – was spricht mich da an? Die Energie und die Stimmung macht mich jedenfalls neugierig – hier erstmal den Kirchenkritikern zuzuhören – und Autoritäten zu kritisieren ist erstmal nicht verkehrt – außerdem kann Provokation ja auch herausfordern einmal seinen Standpunkt zu überdenken.

War Jesus Punk?

Wie viel passt man sich an, um dazuzugehören? Welche Werte sollten aber nicht aufgebbar sein? NOFX beschweren sich über Punk-Bands die in den Mainstream geraten und dabei Werte verraten. Das ist überraschend nah am Urchristentum. Den machtlosen Menschen, Perspektive geben, marginalisierten Menschen einen Platz am Tisch anbieten, Einsatz für die Schwachen – eine kritische Grundhaltung gegenüber einer Gesellschaft, die Schwache ausgrenzt – all das sagen NOFX ist Punk und genau das hat auch Jesus gemacht – wahrscheinlich hat Jesus damals auch viele Menschen genervt – hör dir einfach mal Gedanke 3 dieser Folge an und überleg für dich – kann man das sagen: Jesus war ein Punk! ?

Bild @susanmossphotography und @kirchencore

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Vier Töne, langer Atem, ein Gebet – John Coltranes A Love Supreme

Am 23.September 2026 würde John Coltrane hundert Jahre alt werden. Ein Musiker, der 1926 geboren wurde und bereits 1967 im Alter von nur vierzig Jahren starb. Trotzdem klingt seine Musik bis heute nicht wie ein Stück Vergangenheit. Sie wirkt eher wie eine Frage, die noch nicht beantwortet ist.

Seine Musik ist sicher anstrengender als Pop oder Rock Songs – aber ich finde auf das Abenteuer – A Love Supreme mal ganz anzuhören, kann man sich einmal einlassen. 

John Coltrane war kein Musiker, der es seinen Hörerinnen und Hörern immer leicht machte. Seine Musik ist manchmal wild, manchmal laut, manchmal schwer zu durchschauen. Sie verlangt Aufmerksamkeit. Sie ist kein musikalischer Hintergrund, der einfach nebenbei laufen kann. Aber gerade darin liegt ihre besondere Kraft: Wer sich auf sie einlässt, entdeckt nicht sofort eine einfache Botschaft, sondern nach und nach eine Bewegung – eine Suche, ein Ringen, einen Weg.

Das Album A Love Supreme wurde Ende 1964 an nur einem Tag aufgenommen und 1965 veröffentlicht. Es besteht aus vier miteinander verbundenen Teilen: Schon diese Titel erzählen eine Geschichte. Es geht um Anerkennung, Entschluss, Weg suche und schließlich um Lob und Gebet – dem Psalm.

Gott atmet durch uns hindurch

So dichtet John Coltrane in seinem Psalm zu A Love Supreme.

Coltranes „Psalm“ besteht nicht aus einem gewöhnlich gesungenen Text. Sein Saxofon übernimmt die Rolle der Stimme. Coltrane hatte zu A Love Supreme einen begleitenden Gebetstext geschrieben, der im Album abgedruckt ist. In diesem Text finden sich Gedanken wie: Gott ist, Gott liebt, hilf uns, unsere Ängste und Schwächen zu überwinden. Am Ende steht der Dank.

Dankbarkeit bedeutet nicht, dass im Leben alles gut ist. Dankbarkeit bedeutet auch nicht, Leid zu leugnen. Sie bedeutet, trotz aller Schwierigkeiten wahrzunehmen, dass das eigene Leben nicht nur aus Leistung besteht.

Vielleicht verdanken wir uns mehr, als wir normalerweise zugeben. Anderen Menschen. Der eigenen Familie. Freundinnen und Freunden. Zufällen. Der Natur. Der Möglichkeit, überhaupt auf der Welt zu sein.

Coltrane nennt dieses Gegenüber Gott. In seinem Psalm wird deutlich, dass für ihn alles miteinander verbunden ist: Gedanken, Taten, Klänge, Menschen, Erinnerungen und das Universum. Diese Sicht ist nicht einfach eine theoretische Lehre. Sie ist ein Versuch, die eigene Existenz als Teil eines größeren Zusammenhangs zu verstehen.

In Coltranes Psalm heißt das dann übersetzt:

Gott atmet durch uns hindurch,
so sanft, dass wir es kaum bemerken —
und doch ist es unser Ein und Alles.

Birte spielt die 4 Töne von „A Love Supreme“ in dieser Folge

Foto © Bob Thiele, Impulse! Records

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„Divine Intervention“ klingt wie ein Gebet mitten im Lärm unserer Gegenwart. Der Song ist gut und aktuell, weil er die Spannungen hörbar macht, die viele Menschen kennen: die Sehnsucht nach Heilung und Sinn, die Erfahrung von Angst und Unsicherheit, aber auch den Wunsch, nicht einfach zu resignieren.

Theologisch kann „göttliches Eingreifen“ bedeuten: Gott lässt die Welt nicht sich selbst und ihren Krisen. Dieses Eingreifen ist nicht unbedingt ein spektakuläres Wunder, das alle Probleme sofort beseitigt. Es kann auch darin bestehen, dass Menschen sich berühren lassen, dass sie hinschauen, sich einmischen und füreinander Verantwortung übernehmen. Gott greift in die Welt ein, wenn Menschen den Mut finden, Frieden statt Feindbilder zu suchen, Gerechtigkeit statt Gleichgültigkeit einzufordern und Liebe gegen die kalte Logik des Eigennutzes zu setzen. Als negatives Bild dienen hier die Milliardäre, die sich in ihre Bunker im Himmel absetzen.

Aber es gibt auch etwas anderes:

Mm, when the walls cave in
And the lights go dim
And I drag you out again

Zwischen „Divine Intervention“ und Street Fighting Man lässt sich eine Haltung des Nicht-Aufgebens hören. Besonders die Zeile „When they try to arrest you, I come to your rescue“ ist ein starkes Bild für Solidarität: Wenn jemand unter Druck gerät, wenn jemand zum Schweigen gebracht oder ausgegrenzt werden soll, dann gehe ich nicht weg. Ich stehe zu dir.

Im Song erhält Mick Jagger eine so schreckliche Prognose für seine Zukunft, dass die Wahrsagerin zusammenbricht – und da erinnert sich Mick dann an Street Fighting Man - „What can a poor boy do, except to sing for a rock 'n' roll band?“. 2026 ist die Antwort im Angesicht des Untergangs dieselbe: Er kapituliert nicht vor den Mächtigen, er besorgt sich eine Gitarre und geht lieber „in einem flammenden Inferno unter“ I go to dance in the Flames, yeah – wenn die mir das Leben zur Hölle machen wollen – dann tanze ich in den Flammen – und ich helfe dir - And I drag you out again

Foto © Kevin Mazur

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Das Lied hat mich angestiftet, mit diesem Podcast Julia direkt anzusprechen:

Hallo Julia,

du hast keinen Heiligenschein, kannst das Meer nicht teilen und kein Wasser zu Wein machen – aber mit deinem Song beschreibst du genau das, was diese Wunder in den biblischen Erzählungen wollen: Freiheit eröffnen, Alltägliches verwandeln und Menschen in echte Beziehung rufen. Deshalb ist diese Folge eine Botschaft an dich, aber auch an alle, die Deinen Song hören.

Denn Worum es wirklich geht bei Wundern ist nicht, Naturgesetze zu brechen, sondern darum, Räume zu öffnen. Ein Weg öffnet sich, wenn jemand „Komm mit“ sagt oder wenn du dir selbst erlaubst, einfach anzufangen, zu fragen, aufzufordern. In deinem Song heißt es vielleicht: „Kein Heiligenschein — aber du sagst bleib einfach hier. Genau das ist es beieinanderbleiben – bleiben und nicht gehen – das kann so wunderschön sein.

Julia, ich mag dein Lied, denn du nimmst die Bilder ernst, aber erklärst sie nicht tot. Du machst neugierig auf die Momente die „Wasser Wein lassen“ das kannst du nicht, aber scheinbar was anderes, was genauso gut ist. 

Es geht hier nicht, Wunder zu erzwingen, sondern den Mut zu haben, an einen neuen Weg zu glauben — und ihn dann zu gehen.

Julia, dein Song ist eine Erlaubnis, aufzubrechen, auch wenn kein Weg zu sehen ist. Eine Erlaubnis, aus dem, was da ist, ein Fest zu machen. Eine Erlaubnis, du selbst zu sein – ohne Heiligenschein, ohne Superkräfte –Wenn du so singst, sagst du uns allen: „Wunder sind nicht weit weg. Sie passieren, wo wir uns finden.

Also schau heute Abend, ob jemand die Hand ausstreckt. Schau, ob das Glas Wasser, das du trinkst, nicht plötzlich nach mehr schmeckt, weil es geteilt wird. Du brauchst keinen Heiligenschein dafür. Du brauchst nur Mut, Offenheit und jemanden, der bei dir bleibt. Und manchmal reicht das — um ein Leben ein Stück heller zu machen.

Foto ©Marcus Mainz

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Im Podcast erzählt euch Sophie etwas über den Osten und der Song liefert ihr dafür drei Impulse. Es lohnt sich den Song genau zu hören, der er beschreibt, wie sich das anfühlt, wenn Menschen über einen reden und nicht mit einem. Leider stimmt das, denn der Osten wird oft „erklärt“, aber zu selten wird Erfahrung ernsthaft angehört. Das erzeugt das Gefühl, beobachtet, statt beteiligt zu sein. Es entsteht ein Gefühl dumm und weniger wert zu sein. Wo Anerkennung von Erfahrung fehlt, und praktische Entlastung ausbleibt, kippt Vertrauen. Wen soll ich dann wählen, wenn ich das Gefühl habe, echte „Rettungsringe“ fehlen.

Der Song von Kummer kann helfen, um genauer hinzusehen, dort heißt es:

Rostbraune Flecken an den Wänden unter Deck
Und wenn man das Jahrzehntelang so lässt
Dann geht das später nicht mehr von alleine weg
Irgendwann wird ein Loch zu einem Leck
Das „Leck“ ist keine plötzliche Katastrophe, sondern ein Prozess, der irgendwann auch die „erste Klasse“ erreicht. Viele Konflikte der Gegenwart sind Folgeerscheinungen von kleinen und großen Löchern früherer Entscheidungen – Abwanderung, Lohnlücken, dünne Infrastruktur, fehlende Repräsentanz – alles kleine Risse, die sich über Jahre summieren. 

Hier die Tipps aus dem Podcast mit denen Du dich genauer informieren kannst:

Jana Hensel (Autorin und Journalistin) Warum sich der Osten von der Demokratie verabschiedet  https://www.ndr.de/kultur/epg/Das-Gespraech,sendung-4404698.html

Marcant (Influencer und Investigativjournalist), Ich wurde vom AfD Demokratie-Fest geworfen … https://www.youtube.com/watch?v=4ZO3ayPGBKg

Abgeschrieben? – Der Osten in den Medien - MDR Mediathek:

https://www.mdr.de/video/mdr-videos/reportagen-dokus/video-abgeschrieben-der-osten-in-den-medien-mdr-100.html

Max Schneller (politische Aktivist aus Sachsen-Anhalt): Maximal.Demokratisch –

https://www.deutscher-engagementpreis.de/engagiertenfinder/engagiertendetails/6604-maximaldemokratisch

Buchtipp: Jana Hensel – Wie alles anders bleibt

Foto ©Philipp Gladsome

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Wenn ich Lovers in a dangerous time höre denke ich nicht zuerst an große politische Bedrohungen, sondern an etwas Intimeres: an die Fragilität von Nähe, an Liebe, die nicht trotz der Gefahr – sondern in ihr möglich ist. Für mich ist das der Kernsatz im Lied:

Nothing worth having comes without some kind of fight. Nichts was es wert ist, kommt ohne Auseinandersetzung.

Auch in „Wahrlügen“, dem Buch meiner Tante, erscheint die Liebe nicht als heile Gegenwelt, sondern im Schatten von Krieg, Schweigen, Missverständnis und Projektion. Wir sind Liebende in gefährlichen Zeiten – aber die größte Gefahr ist vielleicht nicht der Krieg, sondern dass wir einander nicht wirklich sehen - und annehmen. Und vielleicht steht dagegen ein Gedanke von Spinoza, der dem  Buch vorangestellt ist: 

Friede ist nicht Abwesenheit von Krieg

Friede ist eine Tugend, eine Geisteshaltung

Eine Neigung zu Güte, Vertrauen, Gerechtigkeit 

Liebe ist nicht sicher, aber sie trägt.

Nothing worth having comes without some kind of fight / Got to kick at the darkness till it bleeds daylight.

Ein Brief meines Opas aus dem Krieg an seine Frau beinhaltet einen richtigen „kick“ gegen „darkness“:
Mit heißen Küssen beschließe ich den Brief und bin Dein Helmut.

Das ist keine Naivität, keine Sentimentalität. Es ist der Versuch, im Dunkel eine andere Wirklichkeit zu behaupten: Pläne machen, wo alles dagegenspricht. Mit Worten ein Licht zu entzünden, wo der Winter näher rückt. 

Heute sind unsere „Fronten“ andere: Krankheit, Erschöpfung, Entfremdung – und eine Welt, die keine Ruhe lässt. Der Kampf richtet sich nicht nur nach außen. Er beginnt dort, wo wir dem Dunkel in uns nicht das letzte Wort lassen. 

Die konkrete Einladung heißt: nicht aufschieben: klärende Gespräche, Zuspruch, kleine Feste, und ja, auch Küsse. Nähe ist verletzlich, sie kann wehtun. Aber vielleicht ist sie die einzige Weise, der Dunkelheit etwas entgegenzusetzen. Heute, nicht irgendwann.
Die englischen Texte werden von George gelesen.

https://mechthild-online.de/uber-mich/

Foto © Borries

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Mein Freund Andreas kennt Martin Bechler von Fortuna Ehrenfeld, über diesen Kanal habe ich Audios von Martin über diesen Song bekommen, daraus ist diese Folge entstanden.

In jedem Traum, in jedem Blick
Kommt die Erinnerung zurück
Du kannst es wenden, kannst es drehen
Ich kann dich überall hier sehen

Dieser Song erzählt eine sehr persönliche Geschichte. Gerade weil er so konkret ist, lädt er uns ein, unsere eigenen Bilder darin zu finden: Orte, Situationen, Sätze, die uns an Menschen erinnern, die fehlen. Lieder geben Gefühlen eine Form, die wir vielleicht nicht in Worte fassen können – und machen Trauer sagbar und hörbar.

In dieser Folge erzählt euch Martin wie das bei ihm war –jemanden überall zu sehen.

Psychologisch geschieht hier keine Geistererscheinung, sondern das Zusammenspiel von Wahrnehmung, Emotion und Gedächtnis. Bildern und Geräuschen - das, was früher mit einer Person verbunden war, wird durch einen Auslöser reaktiviert. Für Trauernde kann das tröstlich und schmerzhaft zugleich sein: tröstlich, weil die Verbindung lebendig bleibt; schmerzhaft, weil die Lücke spürbar wird. Die Fähigkeit, Menschen in der Erinnerung „wiederzusehen“, zeigt, dass Beziehungen nicht allein an das Leben gebunden sind — sie bleiben als Erfahrung in unserem Inneren wirksam. 

Martin nennt das - Turnübungen für die Heilige Gemeinde – sich erinnern und zusammen trauern.

Songs helfen Gefühle zu teilen und ich denke, jede und jeder hat so „ich seh dich überall Menschen“ und dann ist es schön mit anderen bei Fortuna Ehrenfeld zu sitzen und gemeinsam eine Träne laufen zu lassen – es ist schön nicht alleine zu sein

Foto ©Michael Haegele

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Diese Folge ist mit Sebastian, er mag die Toten Hosen viel mehr als ich und zu ihrer letzten Runde sollen sie dann auch mal schön gewürdigt werden.

Erzählen, was früher einmal war, ist das, was Menschen machen, wenn sie auf ein Leben oder einzelne Episoden zurückblicken. Auf Triumphe der Lieblingsmannschaft, beim Klassentreffen auf die eigene Schulzeit, auf legendäre Partynächte, auf die eigene Jugend. Wenn sich Menschen nach langer Zeit wieder begegnen oder wenn sie sich verabschieden. 

Bei Beerdigungen gehört der Rückblick auf das Leben fest dazu. Gerade nach einem langen und ereignisreichen Leben spendet er Trost, hilft an den Menschen zu erinnern und mit Kapiteln abzuschließen. So haben viele Lieder nicht nur für die Toten Hosen einen persönlichen Bezug, sondern auch für viele ihrer Fans, die mit den Liedern Erinnerungen und Trost verbinden. 

Sebastian schenkt euch mit seiner Perspektive ein Inspiration, wie ihr eure Geschichte mit den Hosen einordnen könnt.

Und vielleicht merkt ihr dann: Sich erinnern, nicht vergessen, aber anders auf Dinge blicken – das kann dir ein Rückblick schenken.  Dabei kannst du dir eingestehen, dass es vollkommen ok ist, wenn du Begebenheiten nach Jahren anders bewertet. Dass Veränderungen gut sind - gerade wenn es schmerzvolle Erinnerungen sind. “Was früher einmal war” ist kein getragenes Lied, keines, das hilft, Verlust und Schmerz zu verarbeiten. Dafür gibt es andere Lieder. “Was früher einmal war” ist später. Das ist, wenn man mit Abstand auf Dinge blickt, und betrachtet, wo man her- und wo man hingekommen ist und man manche Dinge, die im Moment groß erschienen, im Nachhinein nicht überbewertet. Dass es hilfreich sein kann, loszulassen.

Foto © sl_mg

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Mama Brings hat Recht

Loß dir nix jefalle, du weiß woher du küss
Wenn se froge, sach us Kölle un halt niemols ding Schnüss
Helf denne, die et bruche un ston vör andre in
Denn dann kannste sage, ich bin stolz kölsch ze sin

Das passt auch mitten im Jahr, ganz ohne Session und so weiter zum Karnevalsmotto 2027 nämlich: „Morje es wat do drus mähs“  

Damit ich eine Idee habe – was ich so machen kann, dazu brauche ich ein Glaubensbekenntnis und Sophie van Rheinlanden hat da eins für euch und ich finde wer das mitsprechen kann, der darf auch sagen „Ich bin stolz kölsch ze sin“ – denn das hat dann mehr mit meinem Herz zu tun als mit dem Geburtsort oder dem Dialekt den ich spreche.

Hier mal ein kleiner Ausschnitt aus dem Glaubensbekenntnis, ihr könnt das im Podcast in Gedanke 1 ganz hören.
…Ich glaube, dass wahre Stärke darin liegt sich für andere stark zu machen - vor allem für die, die es aus eigener Kraft nicht können

Ich glaube an die unstillbare Neugier und den Mut zu Veränderungen.

Ich glaube an Konfettiregen und an den Zauber von Musik.

Ich glaube, dass gemeinsames Lachen uns selbst durch die dunkelsten Stunden trägt.

Mama Brings erinnert uns daran – Leute es gibt keine Ausreden, es ist eigentlich ganz einfach – die Rettung der Welt beginnt bei dir vor der Haustür mit: „Helf denne, die et bruche un ston vör andre in“

In Gedanke 3 könnt ihr von Stephan Brings hören, wie das damals so gewesen ist, als man noch in Domestos getränkte Jeans getragen hatte.

Foto ©Borries

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Jana hat die 7Tage1 Song so richtig ernst genommen und gibt euch im Podcast für  jeden Tag eine kleine Übung mit – hier ihre Fragen für jeden Tag:

Tag 1: Achte auf die Intensität und Melodien des Klaviers - Was fühlt sich in mir gut an, wenn ich diesen Song höre?

Tag 2: Achte auf den Einsatz des Schlagzeugs, auf dessen Rhythmen - Woran möchte ich heute gerne glauben? Im wohlwollenden Sinn.

Tag 3: Achte auf die Ruhe, die Stabilität des Basses - Was macht mich stärker, wenn ich daran denke?

Tag 4: Achte auf die zarte, liebevolle und doch so kraftvolle Gitarre, die diesen Song zusätzlich mit ihren Melodien emotionale verstärkt - Welche gute Eigenschaft an mir möchte ich heute mehr sehen?

Tag 5: Achte auf die Lyrics, die gesunden werden - Was gibt mir heute inneren Sonnenschein, Ruhe oder Kraft?

Tag 6: Achte auf Jons großartige und so vielseitige Stimme und Stimmkraft. Welche Emotionen sind in welchen Worten zu erfühlen - Welcher kleine Schritt fühlt sich heute richtig an?

Tag 7: Lasse das Lied in all seiner Komplexität als Gesamtkunstwerk in Gänze auf Dich wirken: Gedanken, Gefühle, Körper…nimm alles wahr, was es auslösen kann und nimm diese gute Energie mit in den Tag - Was ist heute Dein persönlicher „Believe“-Moment?

https://jana-solvejg.rocks

Foto © William Hames

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In dieser Folge ist Lukas Mi-Sa Nguyễn Egger mit dabei, er ist der Autor des Buches „Vielleicht im Sommer“

Im Buch geht es um den 15-jährigen Kian, aufgewachsen bei seinem kleinkriminellen Vater. Kian landet nach einem schweren Schicksalsschlag im Heim. Er weiß sofort, dass er dort nicht bleiben kann. Bei einem nächtlichen Fluchtversuch trifft er Marco, der ganz andere Gründe hat abzuhauen. Als es den beiden ungleichen Jungen gemeinsam gelingt auszubrechen, beginnt eine abenteuerliche Reise Richtung Meer.

Bei solchen Romanen mit Roadtrip und Selbstfindung spielt oft Musik eine große Rolle und unser Song kommt im Buch vor. Im Podcast erzählt euch Lukas, warum das so ist.

Der Sänger von The Fray heißt Isaac Slade. Er hat den Hit „How to Save a Life“ geschrieben, nachdem er als Mentor in einem Camp für drogenabhängige und straffällige Jugendliche gearbeitet hatte. Der Song handelt von einem jungen Mann, dem Slade trotz all seiner Bemühungen nicht helfen konnte. Slade begriff: Es gibt kein Handbuch dafür, wie man ein Leben rettet. Der Song entstand als das fiktive, perfekte Gespräch, das er damals gerne mit dem Jungen geführt hätte, um ihn wirklich zu erreichen. 

Im Song und der Geschichte im Buch wird deutlich, dass in schweren Phasen mental und psychisch der Weg zur Rettung nicht der ist, sich von den Emotionen zu distanzieren, sondern gerade in diesen Phasen kommt es darauf an, Verletzlichkeit und Nähe zuzulassen der Song und das Buch sine ein Plädoyer für Offenheit und Verletzlichkeit.

Wenn etwas schief geht, nicht gleich die Schuldfrage stellen, sondern erst einmal in Beziehung bleiben und Trost spenden – das ist eine Erkenntnis aus „How to save a Life“.

Foto © Epic Records

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Ich freue mich sehr, dass Iris selbst in dieser Folge dabei ist, sie singt und erzählt vom Hamsterrad, in dem sehr viele von uns gefangen sind. Wir rennen und kommen nicht voran, sondern wir funktionieren nur – die eigenen Ansprüche treten zurück, wir fühlen uns fremdbestimmt. Das fühlt sich nicht gut an und anstatt einen Schritt aus dem Hamsterrad rauszumachen, klammern wir uns an diese blöden Strukturen des Hamsterrades, weil wir die ja kennen. Langfristig tut das nicht gut und man versteht es dann nicht, weil man es ja so gewohnt ist. Und dann ist da diese Angst davor, was eigentlich passiert, wenn ich loslasse und ganz anders lebe. Das ist der Wunsch nach einer positiven Art der Haltlosigkeit also der Suche nach einer anderen Art von Halt, die nicht fremdbestimmt ist von Terminen und den Ansprüchen, die uns erreichen. 

In diesem Zusammenhang erzählt Iris in dieser Folge, dass sie dadurch manchmal mit ihrem Leben überfordert ist.

Durch ihren Song möchte sie Mut machen aus seinen alten Mustern aufzubrechen. Dann bin ich zwar erstmal den vertrauten „Halt los“, aber ich habe die Chance meine tatsächlichen Bedürfnisse zu erkennen. Ein Schritt zurückzugehen, ist dann kein Rückschritt, sondern der Anfang eines Anlaufs, mit dem ich über eine Mauer springe, die mir bisher etwas versperrt hat. Iris will mit dem Song anregen, alle Ansprüche zu hinterfragen, in sich hineinzuhören, durchatmen und zu überlegen: Was will ich wirklich?

Mal alles abzusagen und sich mal frei zu nehmen ist dann keine Faulheit, sondern gesund und extrem wichtig.

Foto © Vanessa Wunsch

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wir haben derzeit die Ausstellung "Klang meines Körpers" an unserer Schule – und meine Kollegin Marie, die ihr im dritten Gedanken hört und ich waren der Auffassung, dass wir das unbedingt mit dem viralen Hit „Du bist gut genug“ verbinden müssen. 

Popkultur arbeitet oft mit Extremen. Shirin David steht dafür stellvertretend: Auf der einen Seite ein Song wie „Bauch Beine Po“ — eine laute, ironische Auseinandersetzung mit Fitness- und Schönheitsidealen. Auf der anderen Seite zeigt sie in „Gut genug“ ihre persönliche, verletzliche Seite. 

Wenn wir auf die beiden Songs schauen, heißt es einmal:

 „Bauch, Beine, Po / Ist der Bauch nicht flach, hältst du den Atem an [...]“ 

hier ist der Körper ein Projekt, der Körper wird optimiert, kontrolliert und bewertet. 

In „Gut genug“ fragt sie: 

„Wann bin ich gut genug für mich? / Ich renne einem Bild hinterher, das es gar nicht gibt.“ — Shirin David wünsch sich, dass ihr Selbstwert nicht mehr von der medialen Inszenierung abhängt

Was zum Weiterdenken:

Im Berufsalltag, in der Ausbildung oder im Klassenraum, viele Berufe haben eine Sache gemeinsam… Richtig! der eigene Körper ist überall mit dabei. Er ist nicht irgendwo im Hintergrund, sondern erscheint oft als Visitenkarte. Er ist täglich präsent und damit ist er auch angreifbar - alle schauen, alle bewerten alle vergleichen. Oft sind wir selbst diejenigen, die am härtesten von allen auf den eigenen Körper schauen. Wir sagen dann: ich muss fitter werden, ich muss besser aussehen, als ob der eigenen Welt ständig neu verhandelt werden müsste. Als ob man sich jeden Morgen von vorne beweisen müsste, all diese Gedanken und diese emotionalen Belastungen können im schlimmsten Fall in eine Essstörung führen - sie sind quasi wie ein Rezept für eine Essstörung und genau an diesem Punkt setzt die Ausstellung Klang meines Körpers an

Diese Ausstellung geht durch Schulen und Berufskollegs Jugendliche stehen vor Porträts und befassen sich mit diesen Personen, mit dem was gesagt wird die Schülerinnen und Schüler erkennen was hinter diesen Porträts steckt und sie werden unter anderem gefragt, was willst du dieser Person gerne mitteilen – und das ist eigentlich auch die Botschaft des Songs.

In Gedanke 1+2 hört ihr Schülerinnen und Schüler des BBZ Grevenbroich.

https://klang-meines-koerpers.de

Foto ©Sony Music

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Neben dem Song geht es heute auch die Gedanken, die Brian Zahnd in „A Farewell to Mars“ nennt –als Christen sollten wir uns vom Kriegsgott Mars verabschieden und auf das Kreuz und Jesus schauen. 

Bruce Springsteen hat das verstanden. Wenn er “War” bringt, ist das kein Nostalgiekitsch, sondern ein Stoppschild. Ein Moment, in dem die Bühne sagt: “Wir gewöhnen uns nicht an das Unmenschliche.” Übertrag das in den Klassenraum: Gewöhnst du dich an Sprache, die Menschen zu Zielen macht? Gewöhnst du dich an Formulierungen wie “kollateraler Schaden”? Sprache formt Moral. Wenn Worte entmenschlichen, kann Handeln schnell hinterherhumpeln. Unbedingt Videos dieser Tour schauen – erst die Ansprache und dann kommt es knüppeldick – ein Song voller Wucht und Kraft.

https://youtu.be/YqYVcgCmd98?is=sRtyOkr0-0uWicx1

“War — huh — yeah.” Wir kennen die Hook. Sie ist keine Spielerei. Das ist ein Weckruf. Was taugt Krieg? Nichts. Absolut nichts. Und bevor jemand sagt: “So einfach ist das nicht” — lass uns ehrlich sein. Der Mythos der erlösenden Gewalt verkauft uns alte Ware im neuen Glanz: Erst zerstören, dann angeblich Frieden. Erst entmenschlichen, dann verhandeln. Erst drohen, dann heilen. Das ist keine Lösung, das ist die Spirale. 

Brian Zahnd nennt das die Mars-Logik. Der Kriegsgott flüstert: “Gewalt rettet.” Das Kreuz antwortet: “Nein.” Nicht weil Leiden heilig wäre, sondern weil Vergeltung niemals Wiederherstellung ist. Das Kreuz entlarvt: Gewalt bringt Gewalt zur Welt. Und die Rechnung zahlen nie die mächtigen Anführer, sondern die Gesichter ohne Namen — Mütter, Kinder, Nachbarn. Genau deshalb ist “War” so wichtig: Der Song bläst die Helden und Kriegs Romantik weg. Keine heroischen Posen. Nur die nackte Wahrheit: Krieg frisst Leben. Daher spielt Bruce Springsteen nach War derzeit oft Born in the USA – auch ein Song, der den Krieg anklagt, denn dieser verheizt Menschen.

Foto ©Rob de Martin

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Vielleicht habt ihr es schon gemerkt, es gibt keinen Song „Glaube ohne Gott“ von Kettcar, aber es gibt zwei Songs in denen das vorkommt – „Mit der Stimme eines Irren“ und „Zurück“ außerdem interessant die Bücher von Dorothee Sölle und Hartmut von Sass, die sich mit atheistisch glauben beschäftigen und auch das Buch von Martin Buber Ich und Du.

Das Buch von Hartmut Sass – mit dem Titel „Atheistisch glauben“ und die beiden Kettcar Songs „Mit der Stimme eines Irren“ und Zurück“– beschreiben was mir theologisch wichtig ist – aber wie bekomme ich das zu fassen – als Pfarrer habe ich manchmal das Gefühl mit der Stimme eines Irren in einer noch bekloppteren Welt zu leben und gegen diesen Irrsinn anzureden, anzuhoffen und anzureden – in all der Verzweiflung ist es dann gut sichere Orte zu haben an die ich mich zurückziehen kann – zurück um mich selbst zu finden – 

„Ein Glauben ohne Gott“ – so singen Kettcar, und zunächst klingt das wie eine Absage an Religion. Aber je länger du hinhörst, desto deutlicher tritt eine andere Gestalt hervor: Glaube nicht als Bekenntnis zu einem entfernten Himmelswesen, sondern als Weise, das Leben zu führen; nicht als Flucht, sondern als Blick, der in diese Welt anderes reinschaut. Genau hier treffen sich Kettcar mit einer Theologie, die von Dorothee Sölle bis Hartmut von Sass reicht – oder den Evangelien, wo der Glaube eben Zwischen den Menschen passiert, im Dialog in der Zuwendung. Martin Buber hätte es so gesagt: Alles Wesentliche spielt sich im „Zwischen“ ab, nämlich zwischen Ich‑Du.

Ich finde, Kettcars „Glaube ohne Gott“ ist im besten Sinn christlich: Ich denke Jesus würde da mitsingen. Hört euch beide Lieder mal an und überlegt von das eigentlich gesungen wird.

Es geht um Kontakt zu den Mitmenschen, im Du wird Bereicherung entdeckt, in derselben Wirklichkeit tauchen auf einmal Möglichkeiten auf. Um es mit Martin Buber zu sagen es ist ein Glaube im Zwischen: Kein Besitz, sondern Begegnung; kein System, sondern Stimme; keine Flucht, sondern Nähe. 

Darauf kommt es an. Wir müssen keinen Gott vorschieben, um das zu tun, was Gottes Sache ist. Wir sollten anderen den Himmel nicht erklären, sondern ihn runter auf die Erde leben. Glaube ist etwas, dass ich nur – mit blinden Händen, mit zitternder Stimme –zeigen kann – und eben nicht mit ausgestrecktem Zeigefinger. 

Auf was es ankommt, das was uns unbedingt angeht ist da wo jemand sagt „Ich bin mehr, wenn ich hier bei dir bin“ 

Anke liest die Textstellen der Kettcar Songs.

Ich freue mich sehr, dass Hartmut von Sass am Ende der Folge auch etwas zu Kettcar und Glaube ohne Gott sagt.

Mehr dazu: https://www.swr.de/swr1/leute/theologe-hartmut-von-sass-ueber-glaube-und-kirche-100.html

Foto: ©Borries

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In dieser Folge ist Marie Knaepper mit dabei, sie ist im Vorstand der Kölner Künstlerinnen und Künstler Initiative Arsch huh. Marie spricht in dieser Folge von einem Song, der ihr Kraft gibt Haltung zu zeigen und für Mitmenschlichkeit aufzustehen.

Im Refrain dieses Songs kommt sehr oft „I won´t do, what you tell me“ vor. Marie ist und war viel auf Demonstrationen und sie glaubt, dass dieser Song ein wahnsinnig guter Protestsong ist, weil er eine klare Grenze zieht, der Song sagt genau hier ist keine Grauzone mehr, sondern macht deutlich was nicht mehr akzeptabel ist. Dabei versprüht der Song eine greifbare Wut, die aber nicht ohnmächtig ist, sondern diese Wut hat etwas Verwandelndes – sie fordert mich auf etwas zu tun – sie aktiviert mich. 

Dafür ist es wichtig eine Haltung zu haben - sich hinzustellen und keinen Platz zu machen, wenn sich da etwas in Richtung Ungerechtigkeit bewegt. In der nächsten Zeit wird es wichtig sein, gerade für die in der Gesellschaft einzustehen, die nicht im Blick sind, die nicht gesehen und gehört werden – laute Musik, klare Slogans können da helfen. Marie sagt dazu: „das wird kein einfacher Weg, da gibt es viel zu tun aber ich glaube für ein Leben in Frieden und Freiheit sollten wir ganz laut sein und ganz klare Kante zeigen und uns weiterhin in der Gesellschaft einbringen, denn wir sind ein Teil davon. Nicht aufgeben, nicht resignieren, sondern weiter mit Haltung nach vorne gehen.

https://www.arschhuh.de

Hört auch mal den Arsch huh Podcast: „Zäng Ussenander“

Foto © Scott Penner

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In Carlas Song spielt der Song „Bridge Over Troubled Water“ eine Rolle. In seiner 2026 Liveshow stellt Harry Styles unserem Song seinen Song „Satellite“ dazu. Beide werden vermischt und fliegen in der gleichen Umlaufbahn. 

„Carla’s Song“ ist hier der intime Anfang: Ich zeige dir die Karte, auf der ich mich nicht verlaufe. Diese Lieder helfen und heilen -„It’s all waiting there for you.“ Die Nachricht trifft ein. Dann kippt die Perspektive zu „Satellite“. Auch da: waiting for ya“. Aufeinander warten – zusammenbleiben – aushalten – treu sein. Wir sind verbunden, auch wenn wir Distanz halten müssen. Wir bleiben in Reichweite, auch wenn wir nicht greifen können. Das gibt uns Halt und Sicherheit. 

Warum funktioniert das mit diesen Songs? Nicht nur wegen Tonarten, sondern wegen Erzählung. Erst „Ich trage dich über Wasser“, dann „Ich bleibe in deiner Umlaufbahn, bis du landen kannst.“ Aneinander bleiben, und zusammen sein – selbst wenn weite Kreise gezogen werden müssen.

Und genau das ist die Situation von „Carla’s Song“. Da sitzen zwei Menschen. Einer spielt vor, was Musik ihm gegeben hat, eben Paul Simons Melodie - „Bridge Over Troubled Water“. Und plötzlich ist es nicht nur Musik, es ist eine persönliche Beichte ohne peinliches Geständnis: Hör zu, das hat mich getragen, als meine Knie weich wurden. Das war meine Brücke. Und ich baue sie dir rüber, wenn du willst. Du musst nicht springen. Geh einfach Schritt für Schritt.

It's all waiting there for you – Musik als sowas wie himmlische Rettung

„It’s all waiting there for you.“ Als wollte die Musik sagen: Die Nachricht ist angekommen. Du bist nicht allein. Du musst nicht Heldin oder Held spielen. Nenn es „Ignorance or innocence“ – egal, wenn du das noch nicht kennt. Jetzt kennst du es. Jetzt kannst du es auch hören und dich darauf einlassen.

Foto ©Borries privat

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Tut mir leid, ich hab keine Hoffnung für dich, das ist ein ganz schön harter Anfang für einen Song – Sarah nimmt uns mit auf eine Reise und zeigt uns wie aus diesem Anfang eine Hoffnung entstehen kann. Wir begegnen dabei unserer Sehnsucht, wir merken, dass wir uns gegenseitig brauchen und wir stellen fest das der Krieg der größte Betrug an der Menschlichkeit ist. Damit aus der Hoffnungslosigkeit vom Anfang Hoffnung wird, dürfen wir nicht stundelang über Lösungen debattieren, sondern „endlich die Werte und Würden und Worte in liebende Taten verwandeln“

Ich bin jemand die oder der jemand braucht. Ich schaffe es nicht allein – manchmal kann ich nur sagen „tut mir leid ich bin leer, ich habe keine Hoffnung für dich“ – wenn ich nicht mehr kann, dann brauche ich jemand.

Und alles, was wir von uns glauben zu sein
muss zerfallen und niederregnen
Denn dann können wir uns dort und hier
nochmal ganz von vorne begegnen

Ich merke, dass ich jemanden brauche, aber zur Hilfe kann das nur werden, wenn ich so weich werde, dass die andere Person auch in mich reinkommt – wo ich zu hart bin und auf meinem Recht bestehe – wo ich glaube erstmal selbst jemand zu sein, dann erkenne ich die anderen nicht, die mir helfen können. Sie erreichen nicht mein Herz, denn das ist aus Stein – es ist eine Festung meiner Positionen. Musik kann der Anfang sein, sie kann uns zeigen Veränderungen sind möglich, sie kann uns helfen ein weiches, zärtliches Herz zu bekommen - auch dieser Song, kann uns verwandeln – hört ihn mal in dieser Woche ganz oft, das ist was ganz anderes, als ihn nur einmal zu hören.

Es ist eine große Freude, dass Sarah Lesch in dieser Folge dabei ist.

https://www.sarahlesch.de

Foto © Sandra Ludewig

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Diese Folge erscheint, weil am 3.Juni Muhammad Ali seinen 10. Todestag hat – er wird The Greatest genannt und das nicht nur weil er so ein großer Boxer war, sondern auch ein großer Mensch – sein Kampf für Gleichberechtigung und der gleichen Würde für alle Menschen sollte bis heute Inspiration für uns alle sein

In "Fight The Power" von Public Enemy wird dieser Widerstand gegen Unterdrückung und Ungerechtigkeit thematisiert. Der Song fordert die Menschen auf, sich gegen die Mächtigen zu erheben, die ihre Stimme und ihre Rechte unterdrücken. In einer Zeit, in der wir erneut mit autoritären Tendenzen konfrontiert sind, ist es wichtig, Alis Vermächtnis zu ehren und für Gerechtigkeit einzutreten. Die Parallelen zwischen Alis Kampf und den heutigen Kämpfen für soziale Gerechtigkeit sind unübersehbar. Der Mut, den Ali zeigte, ist eine Inspiration für die heutige Generation, die sich gegen Ungerechtigkeiten und Diskriminierung zur Wehr setzen will.

In Gedanke 1 beantworten Sarzeh und Elgün vom BBZ-GV einige Fragen von mir, damit ihr merkt, wie unser Song und Muhammad Ali zusammenhängen.

"Fight The Power" ermutigt uns, gegen Vorurteile und Stereotypen anzukämpfen. Der Song fordert die Zuhörer auf, die Machtstrukturen zu hinterfragen, die oft von Vorurteilen und Ignoranz geprägt sind. Indem wir Alis Menschlichkeit und seine Botschaft des Friedens in den Vordergrund stellen, können wir dazu beitragen, ein differenzierteres Verständnis des Islams zu fördern und Vorurteile abzubauen.

Die Werte, für die Ali einstand – Respekt, Gerechtigkeit und Frieden – sind universell und können uns alle inspirieren. Es ist wichtig, dass wir diese Werte in unserem täglichen Leben umsetzen und uns für eine gerechtere Gesellschaft einsetzen. Indem wir Alis Beispiel folgen, können wir aktiv gegen Ungerechtigkeiten kämpfen und ein positives Bild des Islams fördern, das die Menschlichkeit und den Frieden in den Vordergrund stellt.

Foto © Universal Music

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Im vierten Jahr ihrer M72-Tour ist Metallica aktuell auf Europa-Tournee. Am Mittwoch 27. Mai machen sie auch Halt für ein Open-Air-Konzert im Stadion Letzigrund in Zürich in der Schweiz. Wir hören deshalb diese Woche im Podcast Samuel Hug aus der Schweiz. Er ist Pfarrer der Metalchurch, einer evangelisch-reformierten Kirchgemeinde für Metalfans.

Wir haben deswegen Metallicas erfolgreichsten Song für diese Folge ausgewählt. Er beschreibt eine Beziehung zu einem Gegenüber, die so sicher ist, dass sie keine Geheimnisse mehr kennt. Diese Offenheit bringt im Anderen das ganz Eigene zum Vorschein. Sicher ist neben der Musik auch dieser Inhalt ein Teil des Erfolges dieses Songs.

Vertrauen suche ich  und finde es in dir - Nichts anderes zählt 

Mir ist es egal, was sie sagen / Mir ist es egal, welche Spielchen sie spielen / Mir ist es egal, was sie tun / Mir ist es egal, was sie wissen / Denn ich weiss, ja, ich weiss

Samuel erzählt davon, wie wichtig es ist, sich von Gott gesehen und gekannt zu fühlen. Der Song kann mir helfen zu verstehen, wie gut es ist sich verstanden und geliebt zu fühlen auch dort, wo ich mir selbst ein Rätsel bin. Wo ich das empfinde, da kann ich mich sogar anderen Menschen gegenüber öffnen, bevor ich weiss, dass sie es gut meinen. Ich kann mich dann schon öffnen, bevor ich eine Sicherheit habe, dass ich nicht enttäuscht und verletzt werde. Weil da jemand ist, der mich trägt. Jemand, der mit mir auch den Schmerz des Verletzt-Werdens trägt. Weil da jemand ist, der mich erlöst und heilt. Und so wird am Ende die Vision von echten, tiefen, verlässlichen zwischenmenschlichen Beziehungen aus NOTHING ELSE MATTERS doch Realität! 

Nichts anderes zählt

https://metalchurch.ch

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Wenn ihr denkt heute geht es wie sonst immer hauptsächlich um den Song, dann liegt ihr diese Woche falsch. Es geht vor allem um das Buch „Die Assistentin“ von Caroline Wahl – und auch da geht es hier jetzt nicht um die Haupthandlung, die Assistentin wird von einem Verleger mies behandelt, er zeigt übergriffiges Verhalten und er beutet die Assistentin aus. Also um die Sachen, die auf den ersten Blick zu sehen sind, geht es nicht.

Ich möchte euch mal ganz persönlich erzählen, was das Buch mit mir gemacht hat, und vielleicht kann ja jemand damit was anfangen – das geht ohne Buch aber sicher besser, wenn du durch die Folge Interesse bekommen hast das Buch selbst zu lesen.

Also los: natürlich ist Ausbeutung ein Thema des Buches – was mich gepackt hat ist – mal bei mir selbst zu fragen, was sind eigentlich die Strukturen, dass ich in bestimmten Situationen weiterlebe, oder weiterarbeite, obwohl ich selbst merke, es tut mir nicht gut.

Markier den harten Bro, wenn man aber der Sache auf den Grund geht, 

merkt man, das ist in der Tat nicht so.

So ist das eben oft – wir trauen uns nicht Grenzen zu ziehen, wo es um eigene Begrenzungen geht, wo wir sagen müssen, ich schaffe das jetzt nicht, das klappt nicht, so kann ich das nicht – da markieren wir lieber den Harten – auf den Grund, in unser Herz lassen wir uns nicht schauen.

Roller ist eine Selbstbehauptungshymne eines Underdogs, der den Angebern keine Chance gibt, ihn klein zu machen, nur weil er einen Roller fährt, der gerade mal 70km/h schafft

Ich würde gerne mal mit Apache darüber reden – der ja inzwischen von Autos singt die 28 Liter brauchen – macht das wirklich glücklicher, kaufe ich mir so eine Karre wirklich für mich, oder eben nur um einen „Harten“ zu markieren – ich finde jedenfalls „Roller“ besser und der Song gibt mir auch mehr, lieber 10 ehrliche PS als in der Leistungsangeberei drauf gehen – in diesem Sinn.

Foto © FourMusic

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Niemand bekommt eine Generalprobe für das eigene Leben – wir stehen alle mitten auf der Bühne, ohne den Text perfekt zu kennen. Gerade darin liegt aber auch die Chance: Wir dürfen ausprobieren, Fehler machen und unseren eigenen Weg erst im Gehen entdecken.

Im Podcast sagt Sophia, dass wir das manchmal vergessen, dass wir unser Leben eben nur einmal leben und jeder Moment ist eben zum ersten Mal – daher sollten wir misstrauisch bei allen Menschen sein, die meinen, alles im Griff zu haben. Es lebt sich entspannter, wenn ich offen bin für Fehler.

Im Leben prasseln viele Erwartungen und Meinungen von außen auf uns ein, doch am Ende tragen wir selbst die Verantwortung für unsere Entscheidungen. Sich selbst ernst zu nehmen, bedeutet auch, Grenzen zu setzen und den Mut zu haben, sich nicht fremdbestimmen zu lassen.

Echte Begegnungen mit anderen Menschen bringen uns weiter, auch wenn sie nicht immer harmonisch verlaufen. Gerade in Spannungen und Reibung steckt oft die größte Energie. Das ist ein Ort, wo wir uns besonders stark spüren können.

Sophia erklärt euch, warum es gut ist immer wieder mal zu sagen: „einen Scheiß muss ich“ – so wie es im Song heißt. Es lohnt sich darüber nachzudenken, wer hilft mir eigentlich weiter, mit wem kann ich so reden, dass ich das Gefühl habe mit diesen Gesprächen finde ich raus, was mir guttut.

Also:

Wo foah ma hin? 

Mia foahn eine ins Leben

Foto © Ingo Pertramer

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In der heutigen Zeit geht es immer wieder darum, dass man sich Ziele setzen soll. Es wird an vielen Stellen in der Öffentlichkeit vorgelebt, dass es erstrebenswert sein könnte sich bestimmte Dinge zu verdienen, nicht nur Geld, sondern auch Anerkennung und Zuneigung. Dagegen gibt eine  schöne Zeile in dem Song die lautet: „Zweifel nicht am Ziel, doch daran dass es dich glücklich macht und  Zweifel nicht an dir, doch daran, was dir dein Ego sagt“

Das ist also ein Ratschlag, sich eben nicht verleiten zu lassen von Menschen, die einem etwas versprechen, sondern eigentlich eher sich mit Menschen zu umgeben die einen nicht werten für das was man sein will oder das was man tut sondern einfach für das was man ist. – Also Slow Down, renn denn Leuten nicht hinterher, renn nicht den Stöckchen hinterher, die man wegwirft, damit du sie zurückbringst, sondern geh so langsam, dass du merkst, wer dich einfach so gernhat.

In dieser Folge ist Jan Wehn zu Gast, er hat das Buch Deutschrap geschrieben, in dem er diese Szene und Kultur vorstellt. Heute verrät er euch einen seiner Lieblingssongs. Es ist Teil 2: Slow Down von Curse – wie man sich denken kann gehört zu Teil 2 ein Teil 1, dieser Song heißt Overdrive und beschreibt ein erschöpftes Leben eines jungen Menschen – Teil 2 ist dann die Antwort des Curse von heute an sein 20jähriges Overdrive ich – Jan und ich finden, dass alle Menschen, die Erschöpfung kennen von diesem Song profitieren können – was haben Liebe und Anerkennung mit Slow Down zu tun – das erfahrt ihr im Podcast, hört mal rein

Foto © Robert Eikelpoth

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Mandy Manglers Buch „Don´t miss the Clitoris – eine Bedienungsanleitung“ – geht mit einem Zitat aus einem Christina Aquilera Song los.

I´m a genie in a Bottle, Baby

You gotta rub me the right way  

- da war natürlich sofort klar – hier hat ein Lied etwas mit Halt und Orientierung zu tun – ich frag mal nach und …-  das ging dann ganz fix mit der Zusage – danke  Mandy Mangler 

Der wiederkehrende Refrain "I'm a genie in a bottle / You gotta rub me the right way" besingt, dass Erfüllung und Lust an den richtigen Umgang gebunden sind. Der "Genie" ist mächtig, doch mächtig ist der Flaschengeist nur, wenn die Person, die ihn befreien will, weiß, wie. Das ist eine gute Parallele zur Klitoris: sie ist ein zentrales Lustorgan, das Erregung und Orgasmen maßgeblich beeinflussen kann — doch ohne Wissen über Lage, Struktur und richtige Berührung bleibt dieser Zugang verschlossen. Der gute Geist bleibt in der Flasche. Denn sexuelle Erregung ist komplex, individuell unterschiedlich und erfordert Kommunikation, Kenntnis über den eigenen Körper und dem Körper von anderen und natürlich Respekt.

Daher sollte dieses Wissen nicht weggeschlossen werden, sondern wir sollten offen darüber reden – schon die Aufmachung des Buches mit einer ganz auffallenden Klitoris fordert dazu heraus. Und der Song natürlich auch.

Viele von uns sind mit Begriffen wie Kitzler, Schamlippen oder Scheide aufgewachsen. Diese Wörter sind historisch gewachsen und tief im Sprachgebrauch verankert. Gleichzeitig transportieren sie – oft unbewusst – Vorstellungen von Scham oder reduzieren den weiblichen Körper auf eine funktionale Rolle – ein Ort wo etwas weggesteckt werden kann.

Gerade im schulischen Kontext sollte ein Raum geschaffen werden, in dem Sexualität sachlich, respektvoll und selbstbestimmt thematisiert werden kann. Die bewusste Wahl von Begriffen ist dabei ein kleiner, aber wichtiger Schritt. Diese Entscheidung kann dazu beitragen, tradierte Rollenbilder zu hinterfragen und ein zeitgemäßes Verständnis von Körperlichkeit und Gleichberechtigung zu fördern.

Wir sollten gemeinsam darüber nachdenken, welche Wirkung Sprache hat – und wie wir sie bewusst einsetzen können.

Mandy Manglers Buch „Don´t miss the Clitoris“ liefert hier einen wichtigen Beitrag.

In Gedanke 3 gibt es interessante Informationen von Hebamme Evelyn.

Foto © Christina Aguilera

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Es ist immer etwas besonderes, wenn der Künstler selbst in einer Podcastfolge dabei ist. So ist es auch dieses Mal – Erik Leuthäuser ist dabei. Er verbindet Jazz mit Pop, deutschen Texten und sehr persönlichen Themen – sein Album Sucht von dem unser Song Zart stammt, kann ich sehr empfehlen. Erik erzählt euch in dieser Folge wie sein Song entstanden ist. Er zeigt euch wie Liebe und Zartheit zusammenhängen, dabei beruft er sich auf Audre Lorde und Bell Hooks. Mir hat Erik mit seinem Song eine Brücke zu den Ideen von Dorothee Sölle gebaut bei ihr hängen Zartheit und Liebe immer auch mit Widerstand gegen die Welt zusammen, die eben oft nicht zart und liebevoll ist. 

Zart ist stark

Im Song wird deutlich, dass „zart sein“ bedeuten kann stark gegen die Härte in der Welt zu sein. Im Song macht Erik dies mit Wortspielen deutlich – mein Favorit ist da: 

„Kompro – vermiss – dich“. 

Es klingt nach Kompromiss, und zugleich nach Vermissen: als würde Liebe sagen, dass sie bereit ist, sich zu bewegen, sich aufeinander zuzubewegen, einander Raum zu lassen – und dass genau darin auch Sehnsucht wohnt. Liebe kann Kompromisse machen, weil sie Beziehung will; sie kann vermissen, weil ihr der andere wirklich etwas bedeutet. In meinen Augen zeigt das Wortspiel aber auch die Grenze, die die Liebe zieht. Denn Liebe, so wie sie etwa Audre Lorde beschrieben hat, ist keine Kraft der Anpassung um jeden Preis. Sie bleibt zart – aber gerade diese Zartheit macht sie auch entschlossen. An den entscheidenden Stellen macht sie keine Kompromisse: dort, wo Würde verletzt wird, wo Ungerechtigkeit herrscht, wo Menschen klein gemacht werden. Da wo es grob wird – sagt die Liebe: zu zart gibt es keinen Kompromiss – grob gibt es nicht!

Hört euch den Song an – es ist ein sanftes Revolutionslied.

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Foto © Cy Klock

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Diese Welt tanzt gerade am Abgrund – ich habe manchmal das Gefühl, dass die Personen die Bestimmen Menschen ohne Träume ohne Sehnsucht nach Frieden sind, sie sind nur an sich interessiert und nicht an einem Zusammen.

Mit dem Song von Aerosmith stellen wir euch in dieser Folge drei Menschen vor, die gesagt haben „Dream On!“

1 - Martin Luther King fordert uns auf, die Verzweiflung nicht als Ende zu sehen, sondern als Gelegenheit, Hoffnung und Heilung in die Welt zu bringen. Dies spiegelt sich in der Zeile „Sing with me, sing for the years, sing for the laughter, sing for the tears“ wider.

2 - Marcella Althaus-Reid fordert uns auf, die Realität nicht nur zu akzeptieren, sondern aktiv zu verändern. Für sie bedeutet "Dream On", dass das Festhalten an unseren Träumen auch bedeutet, für die Träume anderer zu kämpfen. Die Zeilen des Songs, die von den Tränen und der Freude im Leben sprechen, erinnern uns daran, dass wir aus der Erfahrung der Unterdrückten lernen müssen.

3 - Sônia Guajajara verkörpert den Geist des Widerstands und der Hoffnung, der in "Dream On" mitschwingt. Der Song ermutigt uns, trotz der Herausforderungen, die wir erleben, an unseren Träumen festzuhalten. Ihre Vision einer integralen Ökologie spiegelt sich in der Idee wider, dass wir für eine bessere Zukunft kämpfen müssen, in der die Erde und die Menschen respektiert werden. „Maybe tomorrow the good Lord will take you away

Foto © Capitol Records

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Obwohl ich Mark Forster nicht besonders mag, kann ich nicht leugnen, dass er sich mit seinen eingängigen Melodien und Ohrwürmern wie „Kogong“ immer wieder in meinem Kopf festsetzt. Man hört seine Songs im Radio, und plötzlich sing ich, „Kogong, Kogong“ vor mich hin, ohne es wirklich zu wollen. Es ist, als ob sein Rhythmus und seine Texte einen ungewollten Platz in meinem Kopf eingenommen haben. In diesem Moment fühle ich mich wie Oli, der beschreibt, wie es ihm mit diesen Gedanken geht – gefangen zwischen dem, was ich will und dem, was mich unweigerlich erreicht.

„Du brauchst deinen Frieden“ – ist eine Aussage dieses Songs, mich bringt das dazu, über die Voraussetzungen für inneren Frieden nachzudenken. Was ist nötig, um diesen Frieden zu finden? Ist es die Akzeptanz der eigenen Gefühle, das Loslassen von Erwartungen oder vielleicht die Suche nach einem tieferen Verständnis für sich selbst und die Welt um einen herum? In einer Zeit, in der so viele äußere Einflüsse auf uns einprasseln, wird die Frage nach dem, was Frieden für mich bedeutet, immer drängender. Es ist ein Weg, den ich gehen möchte, um mein Herz und meinen Geist in Einklang zu bringen.

Ich bedanke mich bei @oligella (Instagram) der diese Folge bereichert.

Foto © David Königsmann

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Wir leben in „New Dark Ages“ – so benennt es der Song von Bad Religion. Diese Diagnose ist keine Übertreibung, sondern ein Weckruf in eine Welt aus Korruption, Gewalt, Ausbeutung und Zynismus. Und doch: Der erste entscheidende Impuls ist nicht Resignation, sondern Hoffnung – nicht als naive Stimmung, sondern als Haltung. 

Cornel West bringt es auf den Punkt: „Ich kann kein Optimist sein, aber ich bin ein Gefangener der Hoffnung.“ Diese Hoffnung blendet die Dunkelheit nicht aus; sie bindet uns an die Praxis der Gerechtigkeit mitten im Leid. In der Tradition der Befreiungstheologien heißt das: Wir sehen das Unrecht, wir stehen an der Seite der Schwachen, und wir handeln – nicht, weil wir sichere Erfolge garantieren könnten, sondern weil wir glauben, dass das letzte Wort nicht Zerstörung, sondern Auferstehung ist. So wird Hoffnung zum Widerstand gegen Zynismus und zur Quelle von Mut.

Wahre Hoffnung ist eine Entscheidung, sich dem Leid der Welt nicht zu verschließen, sondern es mitzutragen. Sie fordert uns dazu auf, mitten im Schmerz und in der Ungerechtigkeit in den „New Dark Ages“ daran zu glauben, dass es Auferstehung gibt, das Gewalt und das Auskreuzen von denen, die für die Liebe stehen, nicht das letzte Wort haben.

Doch wie leben wir diese Hoffnung? Wir leben ich mit meinen kleinen Möglichkeiten den Aufstand – die Auferstehung gegen die „New Bad Ages“. Ich meine, es beginnt bei mir selbst, in meinem Alltag. Hoffnung ist nicht nur eine große Vision, sie zeigt sich auch in den kleinen Dingen: in einem freundlichen Wort, in einer helfenden Hand, in einer Entscheidung, die das Wohl der Anderen, des Anderen über das eigene stellt. Hoffnung bedeutet, sich immer wieder neu darauf einzulassen, dass mein Handeln einen Unterschied macht – auch wenn ich die Ergebnisse vielleicht nicht sofort sehen.

Ich möchte euch ermutigen, diesen Weg der Hoffnung zu gehen. Lasst uns lernen, dass es uns alle braucht, um eine gerechtere, liebevollere und heilvollere Welt zu schaffen. Jede und jeder von uns trägt einen Teil dazu bei, auch in den kleinen Handlungen und Entscheidungen des Alltags, die oft übersehen werden.

Ich kann kein Optimist sein, aber ich bin ein Gefangener der Hoffnung.

Am Ende der Folge liest euch Tobias einen Abschnitt aus der Ansprache von Barack Obama von der Trauerfeier für Jesse Jackson vor.

 Foto: ©  Christoph Borries

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Angela und Georg Berg schreiben Tellerrandstories – sie besuchen Orte auf der Welt die Geschichten von Bewegungen erzählen. Sie waren in Detroit – einer Stadt die immer etwas mit Musik zu tun hatte. Dort besuchten sie Third Man Records – als sie da waren wurde eine besondere Version von McCartney III gepresst. – exakt 333 Exemplare weltweit. Das Material: eingeschmolzene Originalpressungen seiner Alben McCartney (1970) und McCartney II (1980). Alte Platten wurden zermahlen, das Vinyl recycelt, zu neuen Pucks verarbeitet und in Detroit zu frischen Platten gepresst. Solche Editionen sind Sammlerstücke, noch bevor sie die Fabrik verlassen.

Hier geht es zum Bericht: https://tellerrandstories.de/third-man-records-vinyl-detroit/ es gibt da auch was zu Motown zu finden.

Nicht stehen bleiben, Transformationen zu zu lassen. Paul McCartney hat das gemacht – er hat die Tonspuren zu seinem Album III anderen gegeben. Beck hat dann aus Find My Way einen völlig neuen Song mit eigenem Gesang gebaut dabei änderte er sogar die Tonart von Dur zu Moll. Es geht  nicht um Zerstörung sondern um Verwandlung das Alte verschwindet nicht es wird Teil von etwas neuem und der Podcast handelt in diesem Fall nicht nur von einem sondern von 2 Songs. Georg erwähnt in der Folge eine Tellerrand Stories mit einer Reportage über Flößerei - ein Beruf der verschwand weil er nicht mehr gebraucht wurde, aber die Flüsse haben uns etwas hinterlassen: Geschichten, Techniken und Amsterdam, diese Stadt, gäbe es nicht ohne ihre alten Fundamente die Bestehen aus Tausenden Tannen die als Floß aus dem Schwarzwald nach Holland befördert wurde. So ist es immer auch eine Frage der Sicht, ob ich einen Niedergang oder eine Transformation sehe.

Hier zum Bericht über die Flößerei:

https://tellerrandstories.de/rafting-logistik/

Foto © Mary McCartney

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Musik und Kunst helfen Situationen zu verarbeiten – die Musik kann uns das Zauberwort sagen, dass Hoffnung schenkt. In dem Song geht es neben dem Zauberwort auch darum alle Menschen als Teil des Ganzen zusehen, egal wo sie herkommen, egal ob ich sie leiden kann.

Das Lied ist ein Hoffnungslied, es will uns helfen nicht zynisch zu werden. Lass es nicht bleiben daran zu glauben, dass es ein besseres Morgen gibt. Mit dieser Haltung kann ich in den Tag starten, damit ist dann alles schon wieder gut, aber ich verhalte mich anders – in meinem kleinen Umfeld gibt es dann auf einmal Zauberwörter für die, die nichts zu lachen haben. Es gibt eine helfende Hand für Leute die vergeblich auf Wunder warten. Und je mehr das machen, desto mehr verändert sich unsere Gesellschaft.

In diesem Song geht es darum sich gegenseitig Zauberwörter zu sagen – damit wir den Mut haben es immer wieder neu zu probieren. Nicht mit großen Versprechen, sondern mit Nähe. Mit Geduld. Mit ehrlicher Wärme. Es ist ein musikalischer Arm um die Schulter – für die, die kämpfen, zweifeln oder still leiden. „Für et Hätz und jäje d’r Kopp“ erinnert uns daran, dass Liebe keine Belohnung ist, sondern eine Entscheidung für Menschlichkeit – Liebe ist bedingungslos. Der Song pflanzt uns die Idee ein – Du kannst größer sein als dein Ärger und weicher als die Härte da draußen 

„Für et Hätz und jäje d’r Kopp“

Ist eine Einladung, dem Herzen zu vertrauen, auch wenn der Kopf widerspricht. Eine Ermutigung, Hoffnung zu säen, wo Resignation wächst. Und ein Bekenntnis dazu, dass Mitgefühl keine Schwäche ist, sondern Mut.

Nubbelreden zum Verbrennen des Nubbel - Schuld verschwindet – aber die Frage, wie leben wir weiter, wenn wir jetzt niemand mehr haben, dem wir die Schuld in die Schuhe schieben können. Daher geht es auch immer um Werte – wie wollen wir zusammenleben – dieses Jahr hat mich die Rede von Sophie von Rheinlanden …. beeindruckt und daher habe ich sie gefragt, ob sie uns etwas mitgeben kann, worauf wir uns ausrichten können. Auf was kommt es an, was macht mein Leben wirklich wertvoll?

Freut euch auf Sophies Gedanken in diesem Podcast.

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Foto: ©Herman The German

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Rosalías LUX ermutigt uns, die emotionale Dimension der Spiritualität zu erforschen und die dogmatischen Strukturen zu hinterfragen. Die Musik und die Texte laden dazu ein, die eigene Beziehung zu Gott und den spirituellen Erfahrungen zu reflektieren – nicht als starre Lehre, sondern als lebendige, fühlbare Realität. Es geht darum was ich echt – und das ist eben was anderes als das, was ist richtig – sie ermutigt uns bei mir zu bleiben und mich zu fragen was ist für mich echt und mir nicht irgendetwas Richtiges vorschreiben zu lassen, wie das die Kirche lange gemacht hat.

Sich in die Fragen und die Geheimnisse des Lebens zu stürzen – das kann die Quelle von Lebensmut in echt schwierigen Zeiten werden. Das kann Hoffnung geben.

Mio Christo Piange Diamanti - Der Titel vereint Leid und Schönheit. Aus der Trauer aus den Tränen, aus dem Leid und dem Schmerz werden Diamanten in denen sich das Licht, das Helle das Schöne spiegelt – Lux. Für dieses Lied hat Rosalia ein ganzes Jahr zur Entstehung benötigt. Ich denke, dass sie immer wieder an ihr Beziehung zu Gott bzw. Christus gegangen ist und sich auch gefragt hat, was bedeutet Gott eigentlich angesichts des Leidens. Martin Luther King hat auch so einen schönen Diamanten – Tränen Satz gesagt – Lasst uns aus dem Berg der Verzweiflung, Steine der Hoffnung schlagen – Sozusagen im Berg der Trauer auch eine Diamantenmine sehen. Das schaffe ich nur mit einer persönlichen Beziehung zu Christus: nicht als den über allem stehenden Gott, sondern als einen Geliebten, der mit uns leidet. Rosalía zieht Christus aus der Kirche in die Intimität unserer Herzen. Es geht echt ums Verlieben.

Mit mir zusammen macht sich Luca Zacchei Gedanken und Henning Mosselmann liest einen Text von Rilke vor.

Foto @ Noah Dillon

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„Deutsche Freunde“ von Ozan Ata Canani ist eines der frühesten deutschsprachigen Lieder eines Kindes von Arbeitsmigranten – und ein eindringliches Zeitdokument der späten 1970er-Jahre. Entstanden vor dem Hintergrund von Ausländerfeindlichkeit, Rückkehrdebatten und dem berühmten Zitat von Max Frisch („Man hat Arbeitskräfte gerufen, und es kamen Menschen“), erzählt der Song vom Fremdsein, von Ausgrenzung und von der Zerrissenheit der zweiten Generation zwischen zwei Welten.

Ozan Ata Canani, Spitzname Ata, kam mit zwölf Jahren nach Deutschland, spielte Saz, trat auf Hochzeiten auf und begann schließlich, deutsche Texte zu schreiben. Der Anblick von Parolen wie „Ausländer raus!“ und „Türken verboten!“ wurde zum Auslöser für „Deutsche Freunde“, ein Lied, das sich direkt an die politischen Entscheidungsträger jener Zeit richtet.

Obwohl der Song zunächst nur auf Kassetten in türkischen Läden kursierte und die Originalaufnahme verloren ging, wurde er 1982 im Fernsehen gezeigt und Jahrzehnte später neu aufgenommen. Heute gilt „Deutsche Freunde“ als wichtiger Beitrag zur Musik- und Migrationsgeschichte in Deutschland – und als späte, aber kraftvolle Stimme einer Generation, die lange überhört wurde.

Ozan Ata Canani sagt im Podcast: Die Deutschen sprechen von unseren lieben türkischen Freunden und hintenrum Ende 70er Anfang 80er gab es einfach 10000 Mark in die Tasche, um die Menschen wieder wegzuschmeißen, als ob eine Maschine ausgetauscht wird.  Ein wahrer Freund macht das nicht. Das ist die sarkastische Seite an dem Song. Es ist ein Protestlied gewesen, das ich damals gesungen habe. Die Zeit war damals noch nicht reif für solche Songs, das Lied lief nicht im Radio – echtes Interesse hatte nur Alfred Biolek.

Ich freue mich sehr, dass Ozan Ata Canani in dieser Folge dabei ist und über diesen Song erzählt

Foto © Nadine Heller Menzel

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Mit seinem neuen Song "Streets of Minneapolis" knüpft Springsteen direkt an die Themen von "Ghost of Tom Joad" an. Der Song reflektiert die sozialen und politischen Spannungen, die in Minneapolis nach dem Tod von George Floyd entstanden sind. Diese Ereignisse haben nicht nur die Stadt, sondern die gesamte Nation erschüttert und einen erneuten Aufruf zur Gerechtigkeit und zur Bekämpfung von Rassismus und Ungleichheit ausgelöst.

"Ghost of Tom Joad" ist stark von der biblischen Tradition geprägt, insbesondere von der Figur des Tom Joad aus John Steinbecks Roman "Früchte des Zorns". Tom Joad steht als Symbol für den kämpferischen Geist der Unterdrückten und der Entrechteten. Springsteen nutzt diese Figur, um zu zeigen wie wichtig Widerstand und Hoffnung sind.

Ein besonders prägnantes Beispiel für diese Verbindung findet sich im Neuen Testament, in Matthäus 25,40: "Was ihr für einen meiner geringsten Brüder getan habt, das habt ihr mir getan." Diese Passage betont die moralische Verantwortung, die wir gegenüber den Bedürftigen und Unterdrückten haben. 

„Look in their eyes, and you'll see me."

Diese Zeilen verdeutlichen, dass der Kampf um grundlegende Menschenrechte und soziale Gerechtigkeit eng mit der Stabilität der Demokratie verbunden ist. Springsteen fordert uns auf, die Menschen zu sehen, die für ihre Rechte kämpfen, und damit auch für die Werte, die eine demokratische Gesellschaft stützen.

Die Verzweiflung und der Kampf der Menschen, die nach einem Platz in der Gesellschaft suchen, sind ein direktes Zeichen für die Gefährdung der Demokratie. Wenn die Stimmen dieser Menschen ignoriert werden, wird die Demokratie selbst untergraben. Die Verbindung zu Matthäus 25,40 ist hier besonders stark: Indem wir den Bedürftigen nicht helfen oder sie ignorieren, versäumen wir es, den Kern der demokratischen Werte zu leben. Und das sind die christlichen Wurzeln unserer Verfassung und nicht das Christentum über andere Religionen zu stellen – es geht um Miteinander und Solidarität, um die Geringsten und nicht um Überlegenheit.

Und genau das ist das Thema seines neuen Songs. „We´ll take our stand for this land/ and the Stranger in our Midst“ – schön mit Orgel damit es jede und jeder merkt „in our midst“ ist biblisch- Gott oder Jesus ist dann unter dem Menschen, wenn sich 2 oder 3 in seinem Namen versammeln, und zwar nicht wie diese rechten Christen, sondern eben wie bei Tom Joad im Blick auf die Geringsten, durch Solidarität.

Ich freue mich sehr dass die Textstellen aus dem Song von Martha Bardwell einer Pastorin aus Minneapolis gelesen werden.

Hier Links zum Konzert in Minneapolis

https://youtu.be/Tj-yWE9fJpg?si=M2rODGtSnMWE9yVn

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Foto © Danny Clinch

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Dieser Podcast ist Teil einer Ausstellung am BBZ Grevenbroich zu dem Attentat in Hanau. Dieses Attentat zeigt, wie wichtig es ist, sich mit der Frage zu beschäftigen, wie finden wir eigentlich zu einem „Zusammen“. Und zu diesem „Zusammen“ gehört Verschiedenartigkeit dazu. Der Song „Dazwischen“ beschreibt das – Jassin hat Chai und Bier Anteile in seiner Persönlichkeit und das lässt sich nicht ändern. Das gehört eben zusammen und so wie Jassin diese beiden Wirklichkeiten in sich lebt, sollten wir als Gesellschaft diese Herausforderung auch annehmen und nicht ausgrenzen, sondern nach Wegen des Miteinanders suchen.

Der rechtsterroristische Anschlag von Hanau hat uns schmerzhaft vor Augen geführt, wie gefährlich es ist, wenn Menschen aufgrund ihrer Herkunft oder Identität nicht als Teil der Gemeinschaft angesehen werden. Jassins Zeilen „Ich will von den Schubladen nix mehr wissen“ zeigen, wie wichtig es ist, diese engen Definitionen zu hinterfragen. Die Frage, wer zu Deutschland gehört, wird durch diese Tragödie umso relevanter. Wir müssen diesen Identitäten einen Platz in unserer Gesellschaft anbieten. Heimat sollte nicht nur für eine bestimmte Gruppe definiert werden, sondern als ein Raum verstanden werden, in dem alle Menschen, unabhängig von ihrer Herkunft, zusammenleben können.

In dieser Folge sind die Journalistin Yasemin Kamisli und meine Kollegin Marie Klein mit dabei.

Foto © Lindi Lerac

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Ich freue mich jedes Jahr auf Karneval und für Leute, die nicht aus Köln und Umgebung kommen. Es gibt in Köln ganz viele Kneipen da läuft nur kölsche Musik und neben, gemeinsam Feiern ist auch das gemeinsame Singen ein ganz wesentlicher Moment. Die Monate vor der heißen Phase hören dann Menschen wie ich die neuen Songs. 

„Nie ohne Hoffnung“ ist da ein ganz tolles Lied: Was hilft in diesen Zeiten die Hoffnung nicht zu verlieren – nach vorne zu schauen, nach einem Zusammen zu suchen und nicht nach Spaltung – und weil mir das Lied so gut gefällt und weil ich gedacht habe: Das muss ich direkt vor Karneval auch noch mal puschen – habe ich bei Miljö gefragt und ich freue mich total, dass Nils Schreiber der Sänger und Komponistdes Songs in dieser Folge mitmacht.

In der Folge erzählt Nils von Miljö, wie er die Welt nicht mehr kapiert hat Angesichts der ganzen Katastrophen. Ihm und der Band war es wichtig, dass eben zurück nicht der Weg nach vorne sein kann, dass wir etwas brauchen, was uns Hoffnung schenkt und wir nicht durch geschürte Ängste auseinander getrieben werden.

Herzliche Einladung den Song zu hören – und auch gerne Miljö zurückmelden, was euch an dem Song gefällt.

Foto @Henning Becker

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Heute am 3.2.hat Simone Weil ihren 117 Geburtstag – den 117 Geburtstag besonders hervorzuheben hätte Simone Weil sicher gefallen, denn die Runden Jubiläen zu feiern ist ja eine Setzung, als ob eine Zahl mit einer 0 hinten etwas Besonderes wäre.

Simone Weil, eine moderne Mystikerin, hat uns gerade heute viel zu sagen. Sie erfährt derzeit eine Renaissance. Thomas Sojer, Theologe und Schriftsteller, er hat vor kurzem beim RefLab in der Schweiz über Simone Weil und das Sehen gesprochen – im Podcast nimmt er uns mit in ihre Schule des Sehens, das geschieht mit Hilfe eines Songs, den viele sicher schon mal im Radio gehört haben. Und wahrscheinlich wird der Song auch in Zukunft immer wieder im Radio laufen – Thomas und ich würden uns freuen, wenn ihr dann an Simone Weil denkt und über Eure Art die Welt zu sehen. 

Simone Weil schreibt ihre Ideen vom Sehen an Joseph Marie Perrin, einen blinden, linken Dominikaner. Das, was auf den ersten Blick vielleicht eher wie ein schlechter Witz aussieht, zeigt was Simone Weil wirklich wichtig ist. Und hier kann uns das Lied einen guten Impuls geben, denn dort heißt es: „Resist, Resist it from yourself you have to hide“ – also: einsehen lernen, es geht nicht darum in höhere Sphären einzutauchen, sondern das zu sehen, was da ist, das, was ohnehin passiert. 

Nicht nur das sehen, was sowieso da ist, sondern tiefer hinsehen, es an sich ranlassen, das ist mehr als nur ein zweiter und dritter Blick – es ist eine Tiefe, eine verborgene Schönheit und gleichzeitig auch immer etwas Überraschendes und Unbekanntes. Dieses Hinsehen bedeutet die Art und Weise wie ich durch diese geistliche Übung des Sehens entdecke, dass so viel mehr da ist - immer schon da war. Ich schaue nicht nah mehr, ich schaue nicht nach übermorgen, sondern ich entdecke was da ist – und verblüfft stelle ich fest, es reicht, vielleicht muss es nur anders verteilt werden – das kann mich verwandeln, das kann mich zufriedener machen.

Hier einige Links im Zusammenhang mit unserem Thema:

www.simoneweil-denkkollektiv.de

https://www.reflab.ch/simone-weil-es-ist-der-blick-der-rettet/

https://www.reflab.ch/lesefrucht-haben-wir-zu-beten-verlernt-und-wenn-ja-warum/

https://www.uni-erfurt.de/katholisch-theologische-fakultaet/professuren-lektorate/kirchengeschichte/kirchengeschichte-des-mittelalters-und-der-neuzeit/forschung/forschungsstelle-sprachkunst-und-religion

Foto © Rick Rock EMI

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Mit Aaron tausche ich mich immer wieder mal über Musik aus. Aaron mag das neue Kraftklub Album und gleich zum ersten Song gab es da eine Frage und um die geht es heute.

Bei Kraftklub ist Unsterblichkeit an Gefühle, Erlebnisse und an eine einzelne Person geknüpft. Es geht um diesen Moment, der nie vorbeigehen sollte. In einem anderen Song des Albums heißt es: „Wenn ich tot bin, fange ich wieder an zu rauchen“ – und so hat mich dann Aaron gefragt, was für mit Unsterblichkeit und ewiges Leben bedeuten – die Antwort gib es in dieser Folge. 

Ein kleines bisschen verraten ich schon hier:

Jesus verkündet, dass das Reich Gottes „mitten unter euch“ ist. Diese Aussage meint, dass das Reich Gottes nicht nur eine zukünftige Hoffnung darstellt, sondern bereits in der Gegenwart erfahrbar ist. In diesem Sinne könnten die schönen Momente, die wir erleben, Teil dieser gegenwärtigen Realität sein. Sie sind Ausdruck der Liebe und Gemeinschaft, die das Reich Gottes prägen.

Der Song spiegelt die Hoffnung wider, die auch in den Lehren Jesu zu finden ist. In einer Welt voller Herausforderungen sind es die kleinen positiven Veränderungen und die Liebe zu anderen, die uns helfen, das Reich Gottes zu erkennen.

Ich könnte stundenlang mit dir auf diesem Gehweg steh'n
Und darauf hoffen, dass du mich noch einmal küsst.
Diese Hoffnung auf den Kuss, ist wie so ein Senfkorn aus einem Gleichnis von Jesus, denn in dem was da hoffentlich gleich auf dem Gehweg passiert, steckt ja der Wunsch nach viel mehr 

Von jemand anderen Ansehen geschenkt bekommen - gesehen werden und Zeit füreinander haben – unsterblich verliebt sein. Da steckt ein Gefühl drin, wie schön, wie perfekt, wie paradiesisch dieses Leben sein kann – und das ist dann ein Blick in das Reich Gottes, jetzt und hier – auch auf ´nem Gehweg in Karl-Marx Stadt oder Chemnitz.

http://sinnundsegen.de

Foto © Phillipp Gladsome

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Im Landestheater Neuss ist aktuell das Stück Toxic #FreeBritney zu sehen. Generationen sind mit Britney aufgewachsen. Sie erlebte ihren Aufstieg zur Princess of Pop aus der amerikanischen Provinz – später wurde ihr Körper, ihre Persönlichkeit und ihr Privatleben in sämtlichen Medien auseinandergenommen und kommentiert. Zuletzt konnte sie sich erfolgreich aus der dreizehn Jahre dauernden, unzulässigen Vormundschaft ihres Vaters befreien, die ihr jeglichen Aspekt ihres täglichen Lebens bis in Kleinste diktiert hatte.

Dazu passt der Song „Stronger“ von Britney Spears besonders gut. Die Autorin des Theaterstücks Jette Büschel sagt, dass Britney im Laufe der Zeit immer stärker wird – von Tag zu Tag. Genau dieses Wachsen, dieses Sich-Befreien, hört man auch im Song. Stronger steht für den Moment, in dem Britney anfängt, ihre eigene Stimme zu finden und sich aus Fremdbestimmung zu lösen.

Das Theaterstück und der Song zeigen: Irgendwann ist Britney nicht mehr das kleine Mädchen ist, das sich herumschubsen lässt. Stronger markiert genau diesen Punkt: Britney emanzipiert sich von dem Bild, das andere von ihr haben, und übernimmt Verantwortung für ihr eigenes Leben. Daraus kann man lernen, dass Stärke bedeutet, sich nicht länger definieren zu lassen – sondern selbst zu entscheiden, wer man ist und wofür man steht. Und so ist #freeBritney zu einer Bewegung geworden, sich gegen die toxische Übergriffigkeit der Medien insbesondere gegenüber jungen Frauen zu wehren.

Neben der Autorin des Stücks Jette Büshel sind in dieser Folge auch die Schauspielerinnen Kati Hintzen und Annalisa Hohl zu hören, die die Britney in dem Theaterstück spielen.

Foto © Mark Seliger

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Das Album Never Enough von Trunstile war eins meiner Lieblingsalben in 2025. Es hat Energie die wirklich aufbaut. Es sind viele New Wave und Pop Elemente, besonders in unserem Song „Seeing Stars“ enthalten. Irgendwo habe ich mal gelesen, dass ist „Dream Punk“ – das gefällt mir und für mich passt das als Beschreibung.

Wer bin ich gerade? Wo stehe ich eigentlich?
Vielleicht kennst Du genau das: Du bist ständig in Bewegung, Erwartungen prallen aufeinander, und trotzdem fühlt sich manches unklar an. Der Song macht daraus kein Drama, aber auch keinen schnellen Ausweg. Er bleibt ruhig, fast schwebend, als würde er sagen: Du darfst hier kurz stehen bleiben.

Sehnsucht ist kein Defekt!

Wie schon gesagt, der Albumtitel heißt „Never Enough“ und das zieht sich durch viele Titel des Albums – die Grundaussage lautet: „It’s never enough love“

Das kann wehtun. Denn genau so fühlt es sich oft an: Egal, wie viel Mühe man sich gibt, irgendetwas fehlt immer. Mehr Anerkennung. Mehr Sicherheit. Mehr Nähe.
Turnstile sagen nicht: Du musst dich einfach mehr anstrengen. Sie sagen auch nicht: Alles ist hoffnungslos. Sie lassen dieses Gefühl stehen – ehrlich und ungefiltert.

Christlich gedacht könnte man sagen: Sehnsucht ist kein Defekt. Sie zeigt, dass wir auf Beziehung angelegt sind. Dass wir mehr wollen als funktionieren. Vielleicht ist „never enough“ kein Urteil über dich, sondern ein Zeichen dafür, dass dein Leben offen ist – nicht abgeschlossen, nicht fertig.

Und genau da kommt unser Song „Seeing Stars“ ins Spiel

Sterne sieht man oft, wenn man kurz die Orientierung verliert – oder wenn man bewusst nach oben schaut. Der Song erklärt nicht, was diese Sterne „bedeuten“. Er lässt sie einfach da sein.
Foto © Atiba Jefferson

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Der Song Someone Like You von Adele wurde in Freiburg in einem Gottesdienst für Menschen in Trennung und Scheidung gespielt. Das Lied spricht offen den Schmerz über das Ende einer Beziehung an, ohne die gemeinsame Zeit zu entwerten. Genau das geschieht auch in einem solchen Gottesdienst: Die gemeinsame Geschichte wird nicht geleugnet, sondern respektvoll verabschiedet. 

Auch wenn das Lied traurig ist, vermittelt es eine Hoffnung: dass es trotz des Schmerzes wieder Liebe und erfülltes Leben geben kann („I wish nothing but the best for you“). Das macht es zu einem passenden musikalischen Ausdruck für einen Segen, der beide Personen auf ihren neuen Wegen begleiten soll. 

Deine Träume sind also wahr geworden. 
Neue Beziehung. So stabil, irgendwie.
Und mir kannst du nicht mal mehr unter die Augen treten. 
Ich erkenne dich gar nicht wieder.
Es ist sowieso nichts mehr, wie es mal war …

Das singt Adele. Und das trifft es wirklich. Es fühlt sich an, als würde der Boden unter meinen Füßen wegbrechen.  Alles, was vertraut war, ist plötzlich anders. 
Die Stille in der Wohnung ist lauter als jedes Wort.  Ich frage mich, wie es weitergehen soll. Manchmal bin ich wütend, manchmal traurig, manchmal einfach nur leer. 
Die Erinnerungen kommen in Wellen – schöne und schmerzhafte. Ich habe Angst vor dem, was kommt. Will oder kann ich mich überhaupt jemals wieder auf einen so Menschen einzulassen, wie ich es schon einmal getan habe?  Zwischen Wut auf den anderen, Selbstzweifel und größter Verunsicherung suche ich wieder einen Weg. Ich hoffe, dass ich irgendwann Frieden finde mit dem, was war, und mit mir selbst. 

Diese Gefühle nimmt der Gottesdienst für Menschen in Trennung und Scheidung „Loslassen und Freigeben“ aus Freiburg auf. 

Kristina und Andreas aus dem Team sind mit in dieser Folge

Foto ©. Lauren Dukoff

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Jakob hat erst gedacht der Songtitel wäre eine Redewendung in der englischen Sprache. Was sie aber gar nicht – er hat sich das also praktisch selbst ausgedacht. Das kam so: Papageien sind dafür berühmt, dass sie das nachsagen und immer wieder wiederholen, was man ihnen beibringt. Das kann negativ sein oder eben positiv – wenn es so ein Mantra ist –  Free from Pain, free from Pain – Der Papagei sagt ich bin frei von Schmerzen, immer und immer wieder. Dadurch entsteht ein Focus ich bekomme in den Blick auf was es gerade ankommt. Und wenn ich weiß auf was es ankommt, dann kommt in meiner Gegenwart die Zukunft in den Blick, ohne, dass ich die Gegenwart verloren geht.

Gegenwart ist genau JETZT

Manchmal haben wir unseren Kopf in den Wolken, oder sind immer zwei Schritte voraus, wenn das so ist, verlieren wir unsere Gegenwart. Natürlich ist es gut Hoffnung und Pläne zu haben, aber diese Wege brauchen ihren Startpunkt eben – vor der Haustür und nicht in einem Wolkenschloss. Jakob erzählt im Podcast wie er an seiner Fantasie und seinen Träumen festgehalten hat aber auch seine Gegenwart gefunden hat. Ihr könnt ihn im Podcast reden hören und im Song singen.  Viel Spaß dabei.

Bild © @jakobwhaleart

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Unser Song der Woche steht für Das Licht steht hier für Zuwendung, Hoffnung und das Nicht-Aufgeben eines anderen Menschen. Wenn jemand in der Dunkelheit ist, bleibt ein Licht an – ein Bild für Solidarität, Mitgefühl und Rettung. – Jasmine lies den Songtext
Through the long nights, I will be right
There for you if you drift too far
I'll leave a light on for you
also: Du bist nicht allein. Ich kämpfe mit dir gegen die Dunkelheit.

Dafür brauche ich aber eine Idee wie dieses Licht aussehen kann -eine Hoffnung, eine Sehnsucht, dass der ganze Mist dieser Welt nicht das letzte Wort hat. Ich finde Menschen die glauben, die können so eine Gemeinschaft der Sehnsucht sein – Licht im Dunkeln ist dann kein Kitsch, kein sentimentaler Spruch sondern politisch und revolutionär – gerade an Weihnachten werden revolutionäre Texte vorgelesen – der Lobgesang der Maria – wo die Mächtigen vom Thron gestoßen werden und die Reichen leer ausgehen. Das ist kein Zuckerguss über die Missstände der Welt, das ist ein Aufruf zu verstehen, dass Glaube Gerechtigkeit und Liebe zusammengehören. Maria hat in ihrem Sohn jemand gesehen der mit den Hoffnungen zu tun hat, die immer weiter erzählt worden sind über Jahrhunderte.

Es kommt da darauf an Talk Away The Dark – das hat Jesaja auch gemacht

Ich erzähle euch mal – wie das ist mit dem Licht

Ich will euch anstiften selbst Licht zu sein

Licht der Solidarität: Ich bleibe da, auch wenn du am Boden bist, wenn du abdriftest oder dich zu verlieren drohst

Licht der Hoffnung: Wir vertreiben das Dunkel gemeinsam.

Licht der Gerechtigkeit: Gott selbst tritt gegen Gewalt und Unterdrückung auf – nicht mit Macht, sondern mit einem Kind, mit Frieden. Die Idee ist dahinter, dass der Frieden nicht mit einem Soldaten und einem großen Krieger kommt, sondern mit jemanden der Hilfe braucht, der Unterstützung fordert, der in den Arm genommen werden möchte, der uns braucht, damit es geht. Wie oft hängen wir fest, vor lauter Warten auf einen starken Helden – und dabei vergessen wir, das wir mit Nähe mit Unterstützung mit Zuhören eben mit Talk Away the Dark etwas ausrichten können.

Insofern ist Weihnachten als Widerstandsfest gegen die Gewalt, gegen die schnellen brutalen Lösungen, eine Liebesrevolution gegen Härte

„Lasst das Licht nicht ausgehen, wenn die Welt dunkel ist.
Lasst das Licht brennen – gegen Unrecht, gegen Angst, gegen Einsamkeit.“

Foto © Bryson Roatch

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Ich finde es schön, dass heute die Musik auf Beerdigungen oft von den Verstorbenen selbst ausgesucht wird – ich empfehle es sehr – redet miteinander sagt euch gegenseitig welche Stücke laufen sollen. Jedenfalls hat mich das erste Musikstück auf der Beerdigung gepackt – denn ich finde es ist ein wunderbares Lied über das Leben mit schön traurigen Gedanken darüber wie wir den Tod und Leben zusammendenken können. 

Es geht um das Lied The Load Out von Jackson Browne. Der Song ist auf seinem Album Running on Empty - Touralbum – er zeichnete auf, was auf Autobahnen, hinter den Kulissen und auf der Bühne geschieht. 

The Load-Out handelt vom „Unterwegssein“, vom Auf- und Abbauen, vom Leben zwischen Erschöpfung und leidenschaftlicher Hingabe – mit der Frage: Warum tun wir das trotzdem? Weil wir wissen, wofür wir es tun. Die Musik, die Gemeinschaft, die Begegnung, der Moment, wenn das Publikum klatscht und singt, ist es wert.

Für unser Tun, für unser Leben, für unsere Lieben gilt das Gleiche: Wenn jemand von uns geht, kann es sich zunächst anfühlen, als sei die Halle leer, als sei das Konzert zu Ende. Doch wir sind unterwegs. Wir packen im Geist, wir tragen Erinnerungen, wir planen den nächsten Auftritt – und wir tun es, weil wir wissen, dass die Musik es wert ist.

Jackson Brown erinnert sich: „Until those lights come up and we hear that crowd / And we remember why we came.“

Genau so saß ich da in der Trauerhalle – wir sitzen da für Gemeinschaft für Miteinander. Und hier in diesem Leben hängen wir in so einem dazwischen fest, es gibt – gerade auf Konzerten – himmlische Momente. Aber am nächsten Tag kann mein Leben schon wieder die Hölle sein. Die leere Konzerthalle – kann dann ein Bild sein für das was ich als Leere erlebe. Und bei einem Trauerfall ist die Leere eben ganz konkret und vielleicht so groß wie ein leeres Stadion wo eben noch 70.000 gefeiert haben – denn auch da wird irgendwann die Bühne abgebaut – so wie für meinen Freund, aber auch für mich kommt der Moment wo die Roadies zusammenpacken – Christoph, jetzt geht´s woanders hin. Neue Station.

„Now the seats are all empty
Let the roadies take the stage
Pack it up and tear it down

… They’ll set it up in another town.“

Foto © The Blue Peacock Company/Asylum Records

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„Das Unglück muss zurückgeschlagen werden“ – dieser Satz von Tocotronic klingt wie ein Ruf. Er ist nicht laut und heldenhaft, sondern eher trotzig und verletzlich. Er sagt: Wir geben nicht auf. Wir wehren uns – mit Sprache, mit Musik, mit Kunst. Nicht mit Fäusten, sondern mit Haltung. Indem wir dieses Lied immer wieder singen, indem wir erkennen, dass es in der Bibel eben um soziale Gerechtigkeit geht und damit auch das Unglück zu verjagen, zurückzuschlagen.

In dieser Folge ist Johannes Schleicher dabei, der kennt Gustavo Gutiérrez einen der wichtigsten Befreiungstheologen persönlich. Wir werden in der Folge sehen – in der Bibel und in dem Song geht es darum, der Ungerechtigkeit nicht das letzte Wort zu lassen. Die Hoffnung der Bibel lautet: Liebe und Gerechtigkeit haben das letzte Wort.

Gustavo Gutiérrez: „Armut ist kein Unglück, sie ist eine Ungerechtigkeit.“

Tocotronic machen klar: Wir dürfen uns nicht abfinden – das Unglück (Kriege, Faschismus, soziale Kälte, Entfremdung) muss aktiv bekämpft werden – wir stellen uns diesen Bedrohungen entgegen

Und das klingt auch bei Gustavo Gutierrez an: „Wie kann ich angesichts des Leidens und der in ihrer Würde verletzten Armen ihnen sagen, dass Gott sie liebt?“

Die Befreiungstheologie entstand, als Militärdiktaturen Lateinamerika beherrschten. Viele in der Kirche hielten sich an die Seite der Machthaber – aber andere Priester stellten sich den Armen zur Seite. In Medellín (1968) bekannten sich die Bischöfe zur „Option für die Armen“. Gutiérrez schrieb das grundlegende Buch „Theologie der Befreiung“. Er verband Bibel, soziale Realität und konkrete Praxis: Seelsorge, Suppenküchen, Arbeit an der Basis. Er zeigte, dass Glaube nicht von der Politik abgekoppelt werden darf, sondern mitten in die Fragen von Gerechtigkeit gehört. Hier war die Botschaft des Evangeliums verständlich – und es wurde nicht gesagt „halte dich an die Anführer“, sondern es ging um Befreiung.

Foto @ Noel Richter /Sony Music

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Während der Arbeit an diesem Podcast gab es eine Überraschung - am Freitag 21.11. erschien ein neuer Song von Haftbefehl - dünya garip – Meine Welt ist seltsam – vielleicht ist dieser Song, der so anders ist als alle anderen Haftbefehl Songs, sein Kommentar zum ganzen Rummel um diese Doku

Viele schauen gerade die Netflix-Doku über Haftbefehl. Ein Leben zwischen Straße, Gewalt, Ruhm und Ruin – spektakulär erzählt. Aber selten fragt jemand, woher diese Leere kommt.
Wie viele Nächte des Nicht-Gesehen-Werdens darin stecken. Wie viel Hunger nach Anerkennung, nach Halt, nach zuhause. Unsere Gesellschaft schaut lieber zu als hin.
Sie konsumiert Verlorenheit wie Unterhaltung. Hören wir den Schrei nach Würde.

Oder sehen wir die Mechanismen des Marktes, in dem es wichtig ist auf Platz 1 zu stehen, wo dann das Leid zur Ware wird.

Wie finde ich in dieser seltsamen Welt Halt und einen Weg in ein selbstbestimmtes Leben. Haftbefehl aka Aykut Anhan fühlte sich in der Schule fehl am Platz. Nicht weil er nicht lernen wollte, sondern weil die Schule nicht wusste, wie man mit Kindern umgeht, die ums Überleben kämpfen. In der Podcastfolge fragen wir uns – wie viele „Haftis“ sitzen heute in unseren Klassenzimmern: unerkannt, unverstanden und irgendwie auch unsichtbar? Wenn ich ein genervtes Gesicht schaue – dann kann ich mir doch auch mal die Frage stellen, wie sah denn der Tag oder die Nacht vor meiner Stunde aus? Meine Erfahrung aus vielen Jahren Berufsschule sagt mir Bildung ist nicht nur Stoffvermittlung sie ist auch Beziehungsarbeit. Falls Du eine Lehrperson bist – hier mal ein herausfordernder Tipp: Stell Dir vor ein Jugendliche/r ist laut, wütend und respektlos – frag dich nicht: „Was stimmt nicht mit ihr/ihm?“ sondern „Was ist ihr/ihm passiert?“ – das gibt dem Gegenüber das Gefühl ich werde gesehen. Noch mehr Tipps in dieser Folge.

Bei mir am Berufskolleg haben praktisch alle diese Doku gesehen oder reden darüber, daher ist es wichtig in der Schule über diese Doku zu sprechen, denn viele meiner Schülerinnen und Schüler fühlen, dass diese Doku auch etwas mit Ihnen zu tun hat, dass es viele Stellen in der Doku gibt, wo sie sagen – ja da bekomme ich einen Spiegel vorgehalten. Deshalb sage ich als Berufsschulpfarrer auf jeden Fall über diese Doku reden und mit mir sind in dieser Folge Menschen, die das auch sagen.

Foto © Tarek Mawad

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Ich möchte eine Warnung aussprechen in dieser Folge wird über Gewalt und sexuelle Übergriffe gesprochen, bitte höre nicht zu, wenn Du da belastet bist. In den Texten zu dieser Folge findest Du Infos, wo Du Hilfe bekommen kannst.

Hast du gewusst, dass in diesem Song von Suzanne Vega um Missbrauch geht? Und Sina Rühland erzählt euch im Podcast, dass Suzanne Vega einige Jahre später enthüllte, dass sie aufgrund ihres Stiefvaters, der sie emotional und körperlich misshandelte, der Geschichte zu Luka eine ganz persönliche Ebene gab. Suzanne Vega ist Luka.

Diese Folge erscheint zu den Orange Days, die am 25.November beginnen -  Ziel ist die Forderung nach unbedingtem Schutz vor Gewalt für Mädchen und Frauen. Es kommt auf uns alle an politisch, juristisch und gesellschaftlich aktiv zu werden. 

In Deutschland beispielsweise wird jede dritte Frau mindestens einmal in ihrem Leben Opfer von physischer und/oder sexualisierter Gewalt; etwa jede vierte Frau wird mindestens einmal Opfer körperlicher oder sexualisierter Gewalt durch ihren aktuellen oder durch ihren früheren Partner. Wir brauchen eine finanzielle Absicherung und den Ausbau von Hilfssystemen wie Frauenhäusern - uns fehlen aktuell zirka 21.000 Plätze für Frauen und Kinder in Deutschland.

Gewaltbeginnt nicht erst mit Schlägen. Auch Bedrohungen, Beschimpfungen, Belästigungen und Kontrolle durch den Partner oder die Partnerin sind Formen von Gewalt. Sie kann

Menschen aller sozialen Schichten und jeden Alters treffen: Zuhause, in der Öffentlichkeit, 

am Arbeitsplatz oder online.

Info: Das Hilfetelefon "Gewalt gegen Frauen" ist ein bundesweites Beratungsangebot für

Frauen, die Gewalt erlebt haben oder noch erleben. Unter der Nummer 116 016 und via

Online-Beratung unterstützen wir Betroffene aller Nationalitäten, mit und ohne

Behinderung – 365 Tage im Jahr, rund um die Uhr. Auch Angehörige, Freundinnen und

Freunde sowie Fachkräfte beraten wir anonym und kostenfrei.

Quellenangaben:

Interview mit Vega: https://www.njarts.net/suzanne-vega-takes-her-new-york-songs-and-

stories-on-the-road/

Weitere Infos: https://www.bmbfsfj.bund.de/bmbfsfj/themen/gleichstellung/frauen-vor-

gewalt-schuetzen/haeusliche-gewalt/formen-der-gewalt-erkennen-80642 https://www.ndr.de/nachrichten/info/Orange-Day-gegen-Gewalt-an-Frauen-Viel-

Engagement-im-Norden,orangeday154.html

https://www.bka.de/DE/Presse/Listenseite_Pressemitteilungen/2024/

Presse2024/241119_PM_BLB_Straftaten_gegen_Frauen.html

 Foto © Universal Music

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